(Por Juan Ignacio Novak) - La muerte de Luis Brandoni es el cierre de una trayectoria que fue mucho más allá de la escena artística, para inscribirse en el imaginario popular de los argentinos. Con la misma fuerza que lo hicieron Héctor Alterio, Federico Luppi, Pepe Soriano o Alfredo Alcón, aunque con una impronta propia, muy particular.

En una entrevista con La Nación dijo: "se vive con la esperanza de llegar a ser un recuerdo". Sin duda lo logró. Revisar la vida y la obra de "Beto" es también mirar los matices de la historia argentina reciente, que supo sintetizar en su militancia y compromiso público. Nunca eludió sentar posición frente a los temas candentes de cada momento.

Por su fuerte apego a la actividad política (militó en el radicalismo) podría decirse que lo que deja tras su muerte no se agota en los personajes que interpretó. Pero si es necesario subrayar que en ellos el hombre común y corriente siempre encontró un espejo privilegiado.

Hablar de Brandoni es aludir a una forma de habitar la actuación. Una ética del oficio donde lo cotidiano se hace escena y lo reconocible toma espesor dramático. Lo cierto es que fue capaz de armar personajes que pertenecen a todo el pueblo argentino. Tal vez el vendedor ambulante de "El verso", aunque no es el más recordado, es uno de los trabajos que mejor sintetiza su forma de actuar.

"Nada". Foto: Metrovisión Producciones

Cualquier argentino promedio podría pensar en "Beto" Brandoni como un tío, un amigo del café, un compañero de trabajo, un parroquiano con quien tomar un vermut en un club de barrio o alguien con quien hablar del clima en un colectivo.

En "La Patagonia rebelde", dirigida por Héctor Olivera, su composición de un obrero que lidera una serie de huelgas en el sur del país, posee una de sus virtudes, la capacidad de "fundirse" con la historia sin perder su singularidad.

Esa cercanía encontró otra dimensión en "Esperando la carroza", donde su Antonio Musicardi se vuelve inolvidable por sus frases icónicas y su personalidad que va de lo detestable a lo entrañable. Brandoni irrita, incomoda y hace reír. Eso es todo un logro, generar rechazo y reconocimiento.

En "Cien veces no debo", el registro va hacia el grotesco, ese territorio tan propio del teatro nacional. Brandoni asume los equívocos con precisión, en la delgadísima línea entre el humor y el espanto. Allí aparece otra de sus habilidades, el manejo del ritmo y el lenguaje popular.

"La Patagonia rebelde". Foto: Aries Cinematográfica Argentina

Mucho tiempo después, en "Nada", ya no se trata del personaje, sino del actor reconocido atravesado por su propia historia. En esa serie, donde el paso del tiempo es tema central, Brandoni aporta una verdad que excede el guión, la de quien ha vivido y tiene la piel dura por todo lo pasado.

Y en "Parque Lezama" es difícil desligar al personaje del actor, que, ya sin necesidad de demostrar nada, se apoya en la palabra y en el vínculo con el otro actor (Eduardo Blanco) para sostener la escena. Es un intérprete en total madurez, que maneja todos los matices y emociona sin remedio.

Luis Brandoni fue, sobre todo, un actor inspirado en lo reconocible. Ese hombre común atravesado por tensiones, contradicciones y pequeñas gestas cotidianas.

En cada uno de sus personajes hay algo que permanece porque remite a lo propio, a lo cercano, a lo que duele y también hace reír.

"Parque Lezama". Foto: Netflix

Su muerte cierra una etapa, pero no apaga esa presencia. Porque si algo logró Brandoni fue eso que pocos alcanzan, que sus personajes sigan hablando con la misma persistencia que su León Schwartz de "Parque Lezama".

El fin de semana del 22, 23 y 24 de agosto, la ciudad de Teodelina celebró su 33° Encuentro Interprovincial de Teatro. Organizado por el Gobierno de Teodelina y el grupo de Teatreros locales, este encuentro cobró especial relevancia al celebrarse en el marco del 150° aniversario de la localidad. El festival cultural reunió a 11 obras de las provincias de Santa Fe, Córdoba y Buenos Aires.

Se presentaron con éxito las siguientes propuestas: Niños Expósitos - Face teatro (Ituzaingó - Buenos Aires); El tiempo de las Mandarinas - Mandarinas (Buenos Aires); Las Hijas de Shakespeare, una comedia revelada - Grupo de Teatro (Rosario); Como Ser Humano - Galpón del Arte (Venado Tuerto); Empalme Lobos - Grupo Punto Fijo (CABA); La fuerza del agua - Les Sospechoses (CABA); Ira Vamp - Grupo de Teatro Arlequino (Carlos Casares); El pícaro sueño - Grupo El Desbarranco (Punilla); Trágica sangre de sangrienta estirpe - Grupo de Teatro (CABA); Aire puro en el viento - Teatro Puente (Rosario) y Luz al tiempo - Lo culinario - Córdoba.

La ceremonia de inauguración, celebrada el viernes 22, contó con la presencia del intendente Joaquín Poleri; la secretaria de Cultura, Dora Avagnina y el grupo teatral. Durante el acto, se rindió homenaje a los teatreros locales que han impulsado el arte en Teodelina durante décadas. Se otorgó una butaca preferencial con su nombre a Ethel Balducchi de Guillet en la sala "Horacio Caimi", uno de los escenarios del encuentro. Además, se destacó la participación de Leonor Caro, quien tuvo un rol fundamental en el fomento del teatro en la ciudad y formó parte de la actividad teatral entre los años 60 y 80 junto a su familia. El evento culminó con una vibrante coreografía folklórica a cargo del grupo de danza de Stefanía Melo, en alusión a la semana sanmartiniana.

Uno de los momentos destacados del encuentro fue la visita de una figura de la escena nacional. Este año estaba anunciada la llegada de Virginia Lago, pero no pudo ser parte y recibieron al reconocido actor Gustavo Garzón, quien presentó su película "Buscando a Shakespeare" con entrada libre y gratuita en el Club de los Abuelos. 

Garzón también participó activamente, realizando devoluciones de cada obra y presentando un documental sobre Shakespeare, lo que fue muy bien recibido por los espectadores y aportó un nuevo aprendizaje. 

Jessica Biagi, actriz, directora e integrante del grupo de Teatreros Locales que organizó el evento, compartió sus impresiones sobre cómo se desarrolló esta nueva edición, destacando una gran satisfacción con la recepción del festival: "Tuvimos la suerte de que tanto el público, como los elencos seleccionados, respondieron de manera positiva a este evento, dejando lo mejor en cada presentación". Se estima que asistieron entre 350 y 450 personas, con una renovación constante del público cada noche.

El equipo organizador se fijó objetivos ambiciosos, los cuales consideran haber alcanzado en gran medida. "Cada año nos proponemos metas e intentemos superarlas, creemos que en gran parte lo hemos logrado, con ganas de ir sumando más y corrigiendo eso que falta; nuestro propósito es la calidad y calidez".

La diversidad fue un pilar del encuentro. Biagi resaltó que "cada hecho teatral fue de importancia, hubo propuestas variadas que nos llevaron a abrir nuestra mente y disfrutarlo desde diferentes perspectivas". Esta variedad permitió al público "descubrir en tres días varios géneros teatrales y poder apreciarlos".

La calidad y calidez también fueron percibidas por los participantes. "Los elencos llegaron y vieron a la ciudad de Teodelina como una verdadera fiesta del teatro y nos sintieron cerca de ellos, pudiendo sentirse como en su hogar y se fueron con ganas de volver y ahí está la respuesta".

Sobre la actualidad de la cultura y las formas de seguir vigentes con la misma excelencia, Jessica Biagi enfatizó la importancia del esfuerzo en el teatro independiente y la colaboración con el gobierno. "Creemos en la autogestión y también en la gestión de los gobiernos, ambas son necesarias, pero lo que cada uno puede gestionar es más importante. Este evento fue realizado con ambas partes: gobierno local y equipo de trabajo, y funcionó muy bien", destacó la referente teatral.

A esto, sumó el profundo mensaje que deja este nuevo encuentro teatral: "Quienes amen, sientan y puedan ejercer este oficio y la vocación de ser artista, deben seguir en el camino, aprender, mejorar, nutrirse todos los días de él, abrazando cada momento con gratitud y pasión. Porque el mundo necesita este tipo de encuentros para ser más humanos y sentirnos más vivos. Y como ir al teatro hace bien, ahí está el propósito". 

Representantes de diferentes espacios teatrales y culturales de Venado Tuerto y región reunidos en el Galpón del Arte manifestaron públicamente su enérgico repudio a los recientes decretos del Poder Ejecutivo Nacional, específicamente los decretos 345 y 346, que consideran ponen en riesgo el Instituto Nacional del Teatro (INT), la Comisión Nacional Protectora de Bibliotecas Populares (CONABIP) y otros institutos de protección del patrimonio arquitectónico.

En este sentido, un grupo de referentes del arte venadense explicaron el por qué de esta resistencia que los tiene nuevamente con “bandera en mano”, admiten.

Horacio "Ñoti" Martínez, desde el Galpón del Arte, expresó que estos decretos representan un intento de "apagar este instrumento construido a partir de 50 años de lucha de teatristas de todo el país”, el Instituto Nacional de Teatro, que desde 1998 ha tenido un rol multiplicador en el desarrollo teatral. Destacó que el INT ha llegado con apoyo y estímulo a "cada uno de los rincones de las provincias".

Tato Zattara, en nombre de Teatro Malandra, señaló que una de las consecuencias más importantes es la disolución del consejo directivo del INT, que estaba conformado de forma federal y democrática. Con el decreto, la decisión sobre la entrega de subsidios pasaría a estar "en manos de un funcionario que sentado en un escritorio en la capital federal va a decidir cuál jefe es el contado, a quién le doy plata y a quién no le doy plata". Esto, para Zattara, es una de las pérdidas fundamentales, ya que el instituto había logrado distribuir fondos en el interior del país, llegando a lugares a los que antes no llegaban subsidios. El apoyo del instituto ha permitido la existencia de salas de teatro, lugares de talleres y espacios donde se puede ejercer la profesión y brindar alternativas a la gente. El propio espacio del Galpón del Arte, se pudo construir gracias a un subsidio del INT, aunque la comunidad local aportó una suma significativamente mayor.

Manuel Herbas, de la compañía teatral “Tu y yo estamos locos”, además de la pérdida material, enfatizó la dimensión simbólica del ataque. Calificó el ataque como "sistemático y permanente". Refutó las acusaciones de "uso de la nuestra" o subvención de "espacios ideológicos adversos al gobierno", afirmando que el instituto siempre ha gestionado obras de diversa calidad estética, poética e ideología, de manera democrática y federal. 

Viviana Chemini, por Espacio Runciman, a su turno, describió la situación como "un ataque, un agravio hacia instituciones tan nobles como son las salas de teatro, los teatros y las bibliotecas populares". Lo ve como "otro ataque más hacia todos los que tiene que ver con la cultura y con ciudadanos de todos los pueblos y ciudades del interior y del país en general". Y consideró que el gobierno está "ensañado con esta parte de la sociedad, con este rubro" con el objetivo de "avasallar todo lo que es la cultura de la Argentina".

Fueron parte de la conferencia, Rosana Villa por Grupo Ecos, Agustín Dimella por el La Ventana -Murphy- y Nicolas Pedraza por Teatro Trece.

En representación del municipio local, formó parte de la rueda de prensa, Miriam Carabajal, secretaria de Territorialidad y Desarrollo Cultural, quien manifestó que el posicionamiento del Ejecutivo municipal es un "pronunciamiento gestual" de acompañamiento a las organizaciones independientes. Celebro eh que nos podamos encontrar en una visión común de la de la cultura. “Celebró que el estado en sus distintas formas pueda acompañar la iniciativa de los espacios culturales”, agregó y recordó que la cultura hace accesibles derechos y que estas organizaciones amparan esos derechos.

Fue parte de la charla un agradecimiento especial para el Concejo municipal y todos sus bloques por rechazar "por unanimidad" el decreto 345/2025.

El concejal Sebastián Roma tuvo la iniciativa de proponer este repudio legislativo, mostrando un gesto que, a pesar de posibles diferencias políticas, demuestra que se comprendió que lo sucedido es una "lucha que es necesaria para todos, para toda la ciudad", resumieron los gestores culturales.

La resolución del Concejo Municipal de Venado Tuerto expresó este miércoles su "enérgico rechazo al Decreto 345/2025 del Poder Ejecutivo Nacional", argumentando que "atenta con la Ley Nacional del Teatro N° 24800, eliminando su autonomía y su carácter federal y su modelo democrático de gestión". Se reconoce la "presencia viva" del teatro independiente en Venado Tuerto y la región, sostenida por el esfuerzo colectivo y beneficiaria histórica de las políticas federales del INT, mencionando específicamente al Teatro Ideal, el Galpón del Arte, el Espacio Runciman y Teatro Malandra.

Además del impacto en el teatro, los decretos también afectan a otras instituciones culturales como la CONABIP. Ante esto, un grupo de ex presidentes de la CONABIP y ex ministros/secretarios de Cultura de la Nación han dirigido una solicitud a la Comisión Bicameral Permanente de Trámite Legislativo para solicitar el "rechazo del Decreto 346/2025. 

Argumentan en su escrito que este decreto causaría un "daño irreparable a la cultura nacional y federal". Señalando que, a pesar de haber ejercido funciones en gestiones de distintos signos políticos, les une el compromiso con el "rol invaluable de las Bibliotecas Populares y su organismo rector, la Comisión Nacional Protectora de Bibliotecas Populares (CONABIP)". 

Y destacan que, al sancionar la Ley N° 27.742 ("Ley Bases"), los legisladores "se manifestaron en sus discursos públicos excluyendo a la CONABIP de las facultades delegadas al Poder Ejecutivo". Por lo tanto, la emisión del Decreto 345/2025 (mencionado en la solicitud, aunque parece referirse al contexto de estos decretos y no específicamente al 345) en el marco de dichas facultades implica una "violación al espíritu del parlamentario". 

La defensa de la CONABIP, una institución centenaria que ha acompañado a más de 1.500 Bibliotecas Populares, es vista como la defensa de uno de los "pilares más sólidos de nuestra vida cultural democrática". Los firmantes solicitan a la Comisión Bicameral que "rechace el Decreto 345/2025 en su conjunto, y restituya la plena vigencia del marco legal que garantiza la autonomía, el financiamiento y la misión cultural y democrática de la CONABIP". 

Sobre esta situación, Cristina Aisemberg, presidenta de la Biblioteca Ameghino, agregó que al eliminar las instituciones, los fondos específicos para estas actividades seguirán existiendo, preguntándose "¿entonces quién se los queda?".

Y  amplió,  que se está quitando el futuro a quienes se están formando profesionalmente en teatro y medios audiovisuales al eliminar estos espacios de creatividad, memoria y representatividad. También se priva a los espectadores y lectores de su derecho a acceder a lo que artistas y autores les ofrecen. 

La lucha ahora depende de los legisladores para que "deroguen estos dos decretos que agreden en el caso concreto nuestro al teatro, al instituto nacional del teatro, pero también a las bibliotecas populares, también a los institutos, también a los museos, también a todo lo que tenga que ver con el arte y la cultura", sumaron.

Por último, los referentes culturales locales hicieron un llamado a la comunidad a difundir esta situación y a unirse en el "rechazo absoluto y unánime". 

El Gobierno de la Provincia, a través del Ministerio de Cultura, abrió la convocatoria de Escena Santafesina, una línea perteneciente a la categoría Estímulo a las Industrias Culturales dedicada a acompañar el desarrollo de programaciones y circuitos de artes escénicas y performáticas de la provincia, en especial de teatro, danza, circo, clown y títeres, promoviendo el intercambio y la movilidad de las producciones en todo el territorio provincial, el cruce de lenguajes, la experimentación y la concepción de la escena como un espacio de convivencia, como modos de acercamiento a nuevos públicos.

Quienes estén interesados en participar pueden consultar las bases y condiciones y presentar sus propuestas en la página web santafecultura.gob.ar (santafecultura.gob.ar/programa/espacio-santafesino), hasta el miércoles 14 de mayo inclusive.

“Este programa fue creado en 2016 para complementar las necesidades de circulación del sector escénico santafesino en el amplio territorio provincial, lo que por otra parte se relaciona con la política de fuerte presencia territorial de la gestión cultural provincial”, señaló el secretario de Desarrollos Culturales, Paulo Ricci.

En este sentido, indicó que “este relanzamiento de Escena Santafesina tiene que ver con la fuerte impronta de gestión, producción, circulación y realización de eventos que tiene el sector de las artes escénicas en la provincia de Santa Fe, que representó en la convocatoria anual y trimestral del año pasado de Espacio Santafesino un porcentaje muy significativo de los proyectos ganadores, cercano al 40%, razón por la cual hemos decidido fortalecer el acompañamiento directo, entendiendo las lógicas y dinámicas propias del sector para fortalecer las instancias de producción, coproducción y también circulación de los proyectos escénicos”.

Estos proyectos tendrán la oportunidad de estrenarse y realizar giras por la provincia y el país, facilitando el acceso y la difusión de la cultura santafesina.

El programa Espacio Santafesino se presenta este año con una estructura renovada, que incluye, además de Escena Santafesina, otras 3 nuevas líneas de apoyo anuales: Producción Audiovisual, destinada especialmente a la postproducción, entre otras (cerró el viernes 4 de abril); Ediciones Santafesinas, línea específica para la creación de una colección editorial para las infancias; y Bien Santafesino, una convocatoria para estimular la industria del diseño santafesino.

Las bases e información sobre cada fecha de apertura se encontrará disponible en: https://www.santafecultura.gob.ar/programa/espacio-santafesino/

El 4 de abril cerró la inscripción a la convocatoria que otorgará $ 27 millones para financiar proyectos culturales de las siguientes cuatro líneas: formación; producción; circulación; y eventos y actividades culturales.

En total se recibieron 333 proyectos de todas las regiones de la provincia que serán evaluados por un comité designado por el ministerio. Los proyectos seleccionados se darán a conocer el martes 22 de abril a través de la web santafecultura.gob.ar

Cabe destacar que la segunda convocatoria de Apoyo a la producción cultural se abrirá en el mes de mayo.

(Por Juan Ignacio Novak) - Fue como el párrafo final de la crónica de una muerte anunciada: después de padecimientos varios, y un progresivo deterioro cognitivo, partió Antonio Gasalla, a los 84 años.

Es muy difícil eludir el cliché, pero con él se va una de las figuras centrales de la televisión, el cine y el teatro del último medio siglo en Argentina.

Era un observador quirúrgico de la sociedad y, sobre todo, un gran creador de personajes. Por tanto, circunscribir todo ese universo a tres roles es una tarea ardua, pero también una forma de decirle adiós.

Además, para el autor de estas líneas, los seleccionados sintetizan todo el abanico de posibilidades interpretativas que poseía Gasalla, un auténtico gigante de la actuación.

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Aunque Gasalla se especializó en el humor, su talento dramático se evidenció en "La tregua" (1974), la primera argentina nominada al Oscar y un retrato melancólico de la soledad y el desencanto en la madurez.

Gasalla interpretó a Santini, un empleado de oficina tímido, retraído, fanático del zodíaco, cuyas breves intervenciones ponen en jaque el funcionamiento de una oficina.

No era un personaje central, pero en sus interacciones con Carlos Carella, Héctor Alterio y Aldo Barbero, era el que "rompía" la rutina gris de los empleados administrativos y la falta de ambiciones de una generación resignada.

Rosafrey, Susy Suranyi y Asociados

Si hay un personaje que marcó la cultura popular argentina, ese fue "Mamá Cora". En "Esperando la carroza" (1985), Gasalla interpretó a la anciana que, cuando se va de casa sin avisar, desata el caos en una familia porteña.

El desafío era enorme: un hombre de 44 años debía interpretar a una octogenaria sin que eso se volviera un simple chiste visual. Pero Gasalla creó un personaje inoxidable.

Su "Mamá Cora" es entrañable y exasperante, una viejita que parece al borde del delirio pero que, en el fondo, es la única que observa con lucidez el absurdo de su familia.

Con una gestualidad precisa, un tono de voz inconfundible y una mirada pícara que sugería que sabía más de lo que decía, Gasalla construyó un ícono del cine argentino.

Más aún: "Mamá Cora" es una parodia de la abuela típica argentina, esa figura familiar a veces ignorada o menospreciada, pero que en el fondo sostiene a la familia.

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En 2009 estrenó "Más respeto que soy tu madre", una obra teatral basada en el blog de Hernán Casciari, donde interpretaba a Mirta Bertotti, una madre de clase media que enfrenta con humor y desparpajo la crisis económica, la rutina familiar y el caos cotidiano.

El personaje es un retrato hilarante y conmovedor de la maternidad en la Argentina. Mirta es una mamá todoterreno, que lidia con un marido desempleado, hijos con problemas y un contexto social que la abruma. Igual, le pone el cuerpo.

El éxito de la obra fue arrollador: batió récords de taquilla, fue aclamada por la crítica y consolidó a Gasalla como el actor más convocante del teatro argentino en ese momento.

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Gasalla murió, no así sus personajes. Que ya son patrimonio cultural del pueblo argentino, como los monólogos de Tato Bores, los tangos de Carlos Gardel, los sketches de Niní Marshall o las canciones de María Elena Walsh.

El adiós de Gasalla marca el cierre de una era, pero también el inicio de la eternidad de su obra.

(Por Juan Ignacio Novak) - “He aquí al hombre íntegro arremetiendo contra su calzado cuando el culpable es el pie”. El 5 de enero de 1953, hace 72 años, se produjo en el Theatre de Babylone de París el estreno “Esperando a Godot” de Samuel Beckett. Había 75 espectadores y casi la mitad no llegó a ver bajar el telón. Sin embargo, los que se quedaron fueron testigos de la primera puesta en escena de una de las obras teatrales más importantes del siglo XX, una aguda reflexión sobre la condición humana.

La versión de Otomar Krejca, de1978. Foto: Fernand Michaud

La puesta propuso una novedad formal, que tal vez fue el que desorientó a muchos de aquellos espectadores. El autor rompió las normas establecidas dentro de las pautas del teatro clásico y, en lugar de una trama lineal y un desenlace claro, presentó a dos personajes, Vladimir y Estragón, que pasan su tiempo esperando a un tal Godot. Esa espera es el eje y simboliza la búsqueda de sentido en un mundo caótico y casi siempre incomprensible.

Patricio Contreras y Pompeyo Audivert en la versión de la obra dirigida por Leonor Manso. Foto: Archivo El Litoral

Desde su estreno, la obra generó diversas reacciones. Primero muchos críticos y espectadores se sintieron desconcertados ante la falta de acción y el diálogo, en apariencia, trivial que mantienen los protagonistas. Un fragmento a modo de ejemplo: “Vladimir: Di: estoy contento. Estragón: Estoy contento. Vladimir: Yo también. Estragón: Yo también. Vladimir: Estamos contentos. Estragón: Estamos contentos. (Silencio). ¿Y qué hacemos ahora que estamos contentos? Vladimir: Esperamos a Godot. Estragón: Es cierto”. Pero más tarde fue reconocida por su profundidad filosófica y su novedosa estructura narrativa.

La obra según el Grupo Mandrágora, en 1995. Foto: Archivo El Litoral

En Argentina, la influencia de Beckett fue notable y multifacética. La obra fue representada en numerosas oportunidades, en distintos contextos culturales y políticos. Ya en 1956, Jorge Petraglia dirigió su versión y 40 años después, Leonor Manso dirigió otra puesta emblemática, con actuaciones de Pompeyo Audivert y Patricio Contreras. Como dato de color: entre las casi ochenta obras que montó el santafesino Alfredo “Pato” Catania, radicado por muchos años en San José de Costa Rica, donde falleció en 2014, figura una versión de “Esperando a Godot”, con un elenco de mujeres.

La dramaturgia de Beckett logró trascender por su cualidad para desplegar intercambios entre Vladimir y Estragón que son repetitivos y circulares, aludiendo así a la monotonía de la vida cotidiana. Por otro lado, la escenografía minimalista tiene que ver con la soledad y el aislamiento existencial. El personaje de Godot, a su vez, está cargado de simbolismo: puede ser visto como una metáfora de Dios o como una representación de cualquier expectativa propia del ser humano.

Una versión española. Foto: Teatro de Bellas Artes de Madrid

En 1998, “Esperando a Godot” fue elegido como el drama en inglés más importante del siglo XX, en una encuesta realizada por el Real Teatro Nacional de Gran Bretaña. La entidad realizó el relevamiento en base a la opinión de 80 dramaturgos, actores, directores y periodistas. Tras la obra de Beckett se ubican “La muerte de un viajante”, de Arthur Miller, y “Un tranvía llamado deseo”, de Tennessee Williams.

Samuel Beckett. Foto: Archivo El Litoral

Pilar Tardio Abizanda en un artículo publicado por la Sociedad Española de Psicoanálisis señala un aspecto atendible: “es una obra profundamente pesimista. La guerra y la desolación en la Europa de la postguerra debieron impregnar la experiencia vital del autor, que transformó tal vez el desconsuelo melancólico arrasador en creación teatral, dando lugar a un nuevo género ‘el teatro del absurdo’. El existencialismo era en aquél momento un terreno filosófico propicio donde germinó el genio creador de Beckett”.

Al igual que las grandes obras universales, la vigencia de la obra está en su capacidad de adecuarse a las coyunturas. Los dilemas que propuso Beckett en los ‘50 adquieren, en cada época, una urgencia que impresiona.

El Grupo Comunal de Teatro de Santa Isabel sube a escena el domingo 3, a las 21, con la obra teatral “31 x 42”, una interesante propuesta que moviliza y emociona. La muerte de los padres deja un vacío de poder y -muchas veces-, una herencia disputada.En "31x42" descubrimos a dos hermanos que -si bien nunca habían estado demasiado unidos-, tienen que juntarse por la herencia. Y eso cambia todo.Uno de ellos pareciera haber tomado el rol de "padre protector y encargado de las decisiones", mientras la otra parte busca desesperadamente la aceptación y el reconocimiento. 

A partir de la comedia, el Grupo Comunal de Teatro de Santa Isabel llega a escena dirigido por Pablo Leger, para presentar esta historia en la que una de las partes se siente traicionada y engañada, porque siempre había creído que su padre trataría a todos sus hijos con igualdad.

Sin embargo, la sensación de injusticia hace que los hijos comiencen a cuestionar la decisión de su padre, en una disputada que va creciendo hasta arribar a un final inesperado y emocionante. 

El estreno es el domingo 3 de noviembre a las 21, en el Complejo Cultural Centenario de Santa Isabel, y las entradas ya están a la venta, pudiendo reservar al teléfono 3462467090 (solo mensajes de WhatsApp)Actúan: Maricel Pane, Lucas Palau, Sergio Sunde, Nerina Bustos ySebastián Palau.

En agosto, Teodelina se vuelve teatro con el 32° Encuentro Interprovincial de Teatro “José Luis Maronna”, un clásico anual que congrega a numerosos artistas amantes del escenario y la interpretación sobre tablas.

En esta oportunidad, serán tres jornadas con 13 obras provenientes de Santa Fe, Buenos Aires y Entre Ríos.

En esta nueva edición, organizada por el Grupo Teatreros Locales y la Secretaría de Cultura del Gobierno de Teodelina, como cada año contará con la visita estelar de un artista de la escena nacional.

En esta oportunidad, anunciaron que la invitada es Julia Calvo. 

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16 hs: Apertura y bienvenida

-Lugar: Av. José Roberti -frente al teatro-

Es una comedia que de manera tierna y humana habla del amor con mayúscula.

-Grupo Teatral de Limbo producciones -Villa Cañás-

-Lugar: Sala Horacio Caimi -Complejo Cultural "JGM"- 

El amor, la familia, los recuerdos de la infancia, la enfermedad, el chisme; se hacen presentes conformando una exquisita comedia llena de inocente picardía.

-Asociación del Teatro "La Ventana" -Murphy-

-Lugar: Club de los Abuelos

Disparatada comedia, que nos lleva a espejarnos y vernos a nosotros mismos a través del humor.

-Grupo de Teatro Vedia -Vedia, Buenos Aires-

-Lugar: Sala Horacio Caimi -Complejo Cultural "JGM"- 

-Lugar: Club de los Abuelos

Obra infantil que a través de la risa y el juego invita a reflexionar y transformar los comportamientos negativos que llevan a la destrucción del medio ambiente.

-Grupo de Teatro "Ethel Vismara" -Teodelina-

-Lugar: Sala Horacio Caimi -Complejo Cultural "JGM"- 

A través de situaciones ocurrentes, cómicas y en un clima jocoso la obra revela un retrato disfuncional mediante temas como la mentira, el engaño, la diferencias de clases, etcétera.

-Grupo de Teatro Gchú -Gualeguaychú, Entre Ríos-

-Lugar: Sala Horacio Caimi -Complejo Cultural "JGM"- 

Reuniendo a los máximos referentes del teatro regional se cuenta la historia de cualquier persona cruzando una vida camino a la vejez.

Grupo Teatral -Venado Tuerto-

-Lugar: Club de los Abuelos

Comedia desopilante inspirada en la famosa obra dramática de Shakespeare.

-Grupo de Teatro Arlequino -Carlos Casares, Buenos Aires-

-Lugar: Sala Horacio Caimi -Complejo Cultural "JGM"- 

-Lugar: Club de los Abuelos

A través del juego y la música, las actrices representarán los personajes del cuento clásico dándole una vuelta de rosca a la historia.

Compañía Teatral “Las Mundas”-Junín, Buenos Aires-

-Lugar: Club de los Abuelos

Comedia que nos invita a reflexionar sobre la belleza, los deseos, la soledad y la crueldad de una sociedad obsesionada por la belleza exterior.

-Grupo Errepe Teatro -Pehuajó, Buenos Aires-

-Lugar: Sala Horacio Caimi -Complejo Cultural "JGM"- 

Comedia de enredos, unos religiosos parroquiales reciben a un nuevo miembro. La supuesta armonía de la casa se ve alterada por esta llegada.

-Grupo Concertado -La Plata, Buenos Aires-

-Lugar: Club de los Abuelos

Sátira sobre el deseo de "pertenecer", de formar parte de una tribu, a cualquier precio.

-Grupo Teatral -Buenos Aires-

-Lugar: Sala Horacio Caimi -Complejo Cultural "JGM"- 

Julia Calvo es actriz, cantante directora y docente teatral. Egresada de la Escuela Nacional de Arte Dramático en el año 1985. Formó parte durante quince años del grupo del teatrito. Como actriz dentro de su basta experiencia podemos destacar: Emma Bovary (ternada para el premio Ace 2004. Actriz de reparto en Drama y para el premio Teatros del Mundo 2004, por Emma Bovary a la Destacada actuación femenina, Una Familia especial, Chicas Católicas, Mujeres Asesinas, Padre Coraje (Premio Martín Fierro 2004 y Mejor Actriz de reparto en Drama), Tarzán, Soy Gitano, La Tempestad, El Sr. Puntila y su criado Matti, Dale que te canto!, Lo que va dictando todo el sueño.

Como directora obtuvo también los premios del Festival Nacional de Teatro Mar del Plata ’98 por Trabajos de amor perdidos (Mejor Obra - Mejor Dirección) y el Premio Encontronazo ’98 como directora también por Trabajos de amor perdidos (Mejor Obra - Mejor Dirección).

Ya se ha dicho, simplemente repito, el señor presidente tiene experiencia como actor, se ha subido a escenarios para protagonizar esquicios cómicos; sabe de luces, tiempo de actuación, el diálogo, la representación, el incómodo ida y vuelta con los otros personajes y el fantasma inmaculado del teatro: "La cuarta pared".

El actor sabe, está advertido, el borde del escenario da lugar a un sitio que resuelve la magia y la vuelve incandescente: el espectador para quien, y ante quien, todo se refiere. Todo: idea, texto, puesta en escena, actuación. Es "La Representación". O, si lo prefiere, la "re… presentación". Así, actuación tras actuación. Todo cuanto se hace debe trascender, romper, volverla parte esencial a esa "cuarta pared", tornarla invisible pero eso sí: omnipresente. El actor está aquí y el espectador allá. Ese puente es la magia entera y chau.

Pregunta definitiva: ¿Para quién actúa el señor presidente? ¿Dónde sitúa "la cuarta pared"? Planteadas las cuestiones de Estado como lo que son, dilemas sociales, problemas urgentes que hay que resolver, el señor presidente tiene actuaciones públicas donde tales cuestiones, las del Estado, encuentran un sentido. No se resuelven ni clara ni definitivamente, pero se comunican. Javier Milei comunica. Como en el tango "Cambalache"… "no hay quien lo niegue".

Si el Estado es un río y una continuidad jurídica, no se le puede exigir resolución definitiva de la mayoría de las cuestiones de eso, del Estado. Milei ha decidido que tales tareas, las de funcionario, el más alto funcionario del Estado Argentino, sean públicas. No todos aplauden sus actuaciones, su trabajo, pero debemos destacar el punto: todo es a la calle, en el escenario, enfrentando "la cuarta pared".

Argentina ha tenido otros actores principales. Si ponemos el eje en las ya dichas, las "cuestiones de Estado", encontraremos diferentes protagonistas para una misma tarea: "dilemas sociales, problemas urgentes que hay que resolver". Beneficio o no beneficio a una empresa petrolera; cubro las necesidades mínimas de un hospital; vigilo los mares para que no se afanen ni los camarones ni el krill; resuelvo la legislación laboral; audito las cuentas públicas; escucho a los opositores buscando un punto de encuentro.

En cada día de la actuación como el primer argentino en deberes y obligaciones (que son más que los derechos, o deberían serlo) el ida y vuelta que ejecuta quien trabaja de presidente es el de un libreto conocido y la improvisación, la "impronta" que cada quien le sume a ese cargo: primer argentino con más obligaciones.

Puede entenderse el Poder Ejecutivo, en las democracias de voto popular obligatorio, universal y secreto como una suma móvil de la eternidad de la función pública, ya desde Atenas, más las diferencias que cada coyuntura presenta. El yerro entre aquellos mandatos trascendentales y las cuestiones coyunturales deja huella. Hay una suma. Buena o mala. Siempre queda.

En la historia argentina, que obviamente incluye a los actores políticos, los hubo ensimismados, encerrados en sí, como Hipólito Yrigoyen; acostumbrados al boato, como Marcelo T. de Alvear; tiranos ridículos capaces de desempolvar una carroza, como Juan Carlos Onganía; oradores de reclamos que allí mismo surgían, como Juan Domingo Perón; feroces asesinos sin culpa, como Jorge Videla; oradores de una espléndida teoría de difícil práctica, como Raúl Alfonsín; tontos de capirote como Fernando de la Rúa; encantadores de serpientes como Carlos Menem; enfermos de pragmatismo a como dé lugar, como Néstor Kirchner; borrachos de Old Parr, como Leopoldo Galtieri; tremendas megalómanas con fiereza en la vida diaria y muchachos seguidores, como Cristina Fernández; adolescentes desaprensivos y envidiosos, como Mauricio Macri; malos abogados de parte como Alberto Fernández y finalmente esto: Javier Milei.

Un punto los une, más allá del cargo, claro está. Un punto los une y define la política argentina desde sus comienzos. Nunca fue un trabajo coral, nunca una obra de actores, siempre fue un unipersonal. Ni drama "hamletiano" ni sainete de Alberto Vacarezza. A veces con escaso libreto, en otras oportunidades con textos de otras obras y una mala adaptación. Se insiste: la presidencia nunca fue un trabajo colectivo y el contrapeso de la división de poderes no formó parte del texto original resuelto en 1853, que cada reforma terminó por deformar al punto de la improvisación de quien estuviese sobre el escenario con una excusa formidable. El libreto es, hoy, una suma de contradicciones.

Pongamos las cosas donde históricamente corresponden. Una Constitución, con sus reformas, que nunca admitió otra cosa que el presidencialismo, de donde se deriva como hecho natural el hiperpresidencialismo. Después de muchos años como espectador cada argentino sabe que los espectáculos unipersonales requieren de muchos esfuerzos de los que, detrás del escenario, suman a la figura indispensable. El actor. El único actor. El teatro de una persona es el de una persona que lo actúa, que "re-presenta" y que en cada función debe representar. Argentina se acostumbró a ese tipo de teatro. Lo necesita. Lo aplaude.

En los unipersonales es importante que todos los que desde fuera del escenario contribuyen a la actuación cumplan con lo suyo y los problemas, si no lo hacen, son del que actúa y de lo que debe resolver, representar la obra. Cuando termina el unipersonal, los espectadores se llevan lo que se mostró en el escenario, que incluye lo que estaba preparado y la actuación, que cada día es distinta y esa es la magia del teatro como una de las pocas artes que siempre cambia y por tanto es parecida… y diferente.

Gobernar no sería así. No debería ser así por aquello de la previsibilidad de los actos de gobierno. Milei está haciendo su unipersonal y nadie, se insiste, nadie lo hace sin tener un pasado de actor, un libreto, un objetivo a comunicar y lo que mueve al arte: comunicación y reconocimiento. Yo cuento, ustedes deben aplaudir… aplaudir y participar contando que me vieron.

Sostener que Milei improvisa es creer... corrijo, sostener que Milei improvisa es no creer en el teatro de texto y tal vez no creer en el teatro. Milei es uno más en la lista mencionada. Podría sostenerse que supone posible un "alvearismo" y un liberalismo finisecular que solo tiene cien años de atraso, pero sería otra suposición más ante un hecho evidente: la obra se está representando. Hoy. Ahora mismo, sobre este marzo de 2024, comienza un cuadro diferente de Milei contra los fantasmas del escenario. Ninguno corporal (son fantasmas) todos reales según cree el actor.

Todos los políticos en general, algunos en particular, todos los gremialistas en general, algunos en particular, todos los elegidos por el pueblo menos él, están equivocados, algunos más, otros mucho más. Conjuro escénico contra todos los enemigos, eso es el sustento del teatro de Milei.

El unipersonal de Milei está en desarrollo. En su texto hay actuaciones, según en qué momento de la obra, de amor y desamor con la Fe (el Papa Francisco es delegado de El Maligno… o no) y solo hay dos buenos permanentes: El Muro de los Lamentos y Yankilandia. Ni siquiera "La" Meloni obtuvo comentarios elogiosos. También algunas corporaciones y un genérico: Las Empresas, verdaderos héroes, según el libreto. Eso no se toca.

Recuerdo a El Bululú (José María Vilches) y también recuerdo al fenomenal Alfredo Alcón haciendo "Los caminos de Federico"; a Pepe Arias hablando para los tirifilos y a José Marrone como Cristóbal Colón en la Facultad de Medicina. Hubo y habrá más actores haciendo unipersonales (muy buenos Pompeyo Audivert, el pibe Roberto Peloni y Lautaro Cáceres).

Este trabajo que cada día presenta a la sociedad argentina Javier Milei, que no traducen totalmente los medios corporativos de uno y otro lado de la pasión, con amores y odios que complican la representación, con exégetas tan exagerados como el hijo de un comunicador fallecido durante La Peste, es el más formidable unipersonal de la tercera década del siglo XXI.

El veterano comentarista, ya retirado, al presentarle esta mirada sobre el momento político argentino recordó su posición y preguntó como respuesta: ¿Las obras que trascendieron en la dramaturgia tienen, todas, un trabajo de muchos…sí o no? Aún Edipo, agregó, precisa de una madre y de un padre. Desde "Mateo" (Enrique Discépolo) y "Réquiem para un viernes a la noche" (Germán Rozenmacher), hasta "M´hijo el dotor" (Florencio Sánchez) y "El conventillo de la Paloma" (del propio Vacarezza), son corales.

El unipersonal necesariamente es autobiográfico, necesariamente… ¿me comprenden? El tipo está solo. Se concentró en su café el veterano. Faltaba que explicase dónde tiene Milei su "cuarta pared". Bailaba una pregunta: ¿Tenemos un presidente que está haciendo un unipersonal donde está incluida su biografía? ¿La "cuarta pared" somos nosotros? No necesito responder, soy periodista, soy el que hace las preguntas.