Por Juan Ignacio Novak

"-¿Cree que habrá problemas hoy?. -El hombre se llama Guinnes, claro que habrá malditos problemas".

La plataforma Netflix acaba de estrenar "La Casa Guinnes", nueva serie de época producida por Steven Knight, legendario creador de "Peaky Blinders", que desde su desembarco en 2013 pasó a ser un clásico de culto.

La expectativa era mayúscula y no por casualidad. Se trata de un relato absorbente distribuido (en esta primera temporada) en ocho capítulos. Está ambientado en Dublín de 1868, justo cuando el poder de una familia cruza un umbral.

La muerte del patriarca Benjamin Lee Guinness (que supo forjar una fortuna a partir de la fabricación de cerveza y "traer paz y prosperidad al pueblo de Dublín") es un punto de partida narrativo, pero también una metáfora de algo mayor.

Lo que sigue es una disputa feroz entre cuatro herederos atravesados por oscuros secretos, tensiones políticas y rivalidades que ponen en juego la continuidad y el destino de la cervecería.

En esa dinámica se mueve la historia. "Los hijos que deja sir Benjamin son débiles y están divididos, es la hora que aprovechemos esa debilidad", señala uno de los antagonistas.

Anthony Boyle encarna a Arthur Guinness, el heredero cargado con el peso de ser el primogénito. Louis Partridge es Edward, ambicioso, sinuoso y siempre en busca de reconocimiento.

Emily Fairn es Anne, una mujer estratégica, pero obviada por las reglas de un mundo masculino (no olvidar que la serie está ambientada hace un siglo y medio). Fionn O’Shea interpreta a Benjamin, el hermano desplazado por mandato paterno.

A ese núcleo se suman James Norton (Sean Rafferty) y Jack Gleeson (Byron Hedges), cuyas presencias sirven para ampliar el clima de intrigas y traiciones.

Como dice uno de los personajes: "La muerte de su padre ha sido como dar una patada en un avispero". Lo que sale de ahí es un relato sobre el poder que dialoga con grandes ficciones familiares, desde "Succession" hasta "El Padrino".

La reconstrucción histórica es uno de los puntos altos de la producción. Knight repite la fórmula de "Peaky Blinders": la ciudad no es un decorado, es un personaje más.

Dublín aparece como un organismo vivo, donde conviven la ostentación aristocrática con la miseria de los barrios obreros, la vulgaridad de las tabernas con las tensiones políticas que marcan la historia de Irlanda.

Para los seguidores de las ficciones históricas, este detalle no es menor. Las tramas familiares no están aisladas del contexto, la ciudad aparece como un espejo de las desordenadas pasiones humanas. Y ahí está gran parte de su atractivo.

Los referentes que sobrevuelan "La Casa Guinnes" son múltiples. El patriarca recuerda al Charles Foster Kane de "El ciudadano": un hombre cuya sombra marca el relato.

También se perciben resonancias del Vito Corleone que Marlon Brando compuso en "El Padrino", con esa lógica del traspaso de un imperio a la siguiente generación, llena de claroscuros.

La crítica Sarah Moran escribió que "es un drama elegante y jugoso que es una mezcla de Peaky Blinders y Succession". Es cierto: la serie tiene algo de la brutalidad estética de la primera y de la disfuncionalidad en los vínculos de la segunda.

También hay reminiscencias de "Los Soprano", en la intimidad doméstica cargada de silencios y traiciones, y de "Petróleo sangriento", donde la ambición y la industria se unen en una espiral de violencia.

Incluso podría señalarse (sin temor a exagerar) la memoria de "Érase una vez en América", de Sergio Leone. Que parece colarse en este relato en el cual la venta de alcohol es el centro de una historia de poder y de violencia.

La pregunta que sigue es si los Guinness podrán convertirse en un fenómeno cultural tan potente como los Shelby de Birmingham, que cosecharon fans en todo el mundo.

La primera temporada insinúa más que confirma. Pero la estructura está: personajes con potencial, diálogos que destilan veneno y un mundo en el que la familia funciona como un campo de batalla.

(Por Cristian Oliva) - Más de un distraído podría creer que el nombre de Malena Pichot se ha mantenido vigente a raíz de muchas de sus declaraciones, pero lo cierto es que a lo largo de los años se ha convertido en una gran creadora de contenidos, gozando, además, de un público fiel que la ha sabido acompañar en cada uno de los proyectos y formatos en los que se ha embarcado.

Actriz, comediante, escritora, directora, guionista y activista feminista, Pichot alcanzó cierta fama con sus propios videos publicados en YouTube – una gran pionera en la materia – bajo el mote de “La loca de mierda”. El éxito le posibilitó más tarde protagonizar y escribir la serie “Cualca” (2012-2014), a la que siguieron “Por ahora” (2014), “Jorge” (2013), “Mundillo” (2015) y “Tarde baby” (2018). En materia audiovisual prosiguió su camino con trabajos como su especial de stand up “Estupidez Compleja” (disponible en Netflix); el cortometraje “Leonor” (2020) y la película “Finde” (2021).

Esta introducción no sólo da cuenta de las facultades de Pichot —que lejos está de ser una improvisada—, sino que justifica, en parte, su elección como protagonista y cabeza creativa de “Viudas negras, p*tas y chorras”, comedia convertida, en pocos días, en uno de los mayores éxitos de la plataforma Flow.

La serie en pocos días se ha convertido en una de las ficciones del momento, posicionándose, además, como una de las más comentadas y celebradas a través de las redes sociales.

En compañía de Pilar Gamboa, Pichot construye una comedia negra que, con ironía y cierta crítica social, se permite jugar y recrear el universo que rodea a las “viudas negras”, esas mujeres que, aprovechándose del deseo masculino, ejecutan actos delictivos.

Como mencionábamos, la serie puede disfrutarse de manera completa en la plataforma nacional Flow; mientras que semanalmente se irán estrenando en el servicio de streaming Max y el canal de televisión TNT.

Malena Pichot protagoniza, produce y escribe “Viudas negras, p*tas y chorras”, serie de apenas ocho capítulos cercanos a la media hora de duración, que llegan tras la asociación de la plataforma Flow con los sellos TNT y la productora local Pampa Films.

Se trata de una comedia ligera y fresca con mucha impronta femenina, que mezcla el género policial con el que se conoce en pantalla grande como “buddy movies”, esos que celebran la amistad entre los personajes principales, en la mayoría de las veces, con personalidades totalmente contrastantes. En este caso se trata de una serie, es verdad, pero las características se aplican perfectamente a los dos personajes protagonistas.

Con la codirección de Nano Garay y Coca Novick “Viudas” se construye a partir de las vivencias de Marina (Pilar Gamboa) y Micaela (Pichot), dos amigas que en su juventud se dedicaban a seducir y sedar a distintos hombres con el fin de robarles. Lo hicieron – y esto lo apreciamos a través de un flashback en el capítulo inicial – hasta que una de sus víctimas, un empresario del mundo de la noche llamado Marcos Gussi, muere. El fatídico hecho termina con la separación de las mismas y el aparente fin de la amistad. 

En la actualidad, Marina está casada con un nuevo rico – empresario del mundo de las telas – llamado Pablo (Alan Sabbagh), y vive en un country junto a la hija de ambos; mientras que Mica tuvo mellizos y abrió un centro de estética en el modesto barrio de Flores.

Una situación concreta las volverá a reunir. Paola (María Fernanda Callejón), la mujer que asumió la culpa haciéndose cargo de ese crimen, sale de la cárcel y las extorsiona para que le devuelvan el favor con un último trabajo como viudas negras. Pero claro, las cosas ya no serán tan sencillas como antes. 

He allí el puntapié inicial de una historia que encuentra en el humor ácido y la crítica de clase sus principales armas; y que funciona muchísimo mejor cuando juega y explota la camaradería y el sentimiento de reencuentro de sus protagonistas, más que como policial.

Con una estética kitsch y un tono de fuerte carga feminista –sellos característicos de Pichot– la serie presta especial atención al acompañamiento y las distintas dinámicas de la amistad y la solidaridad. Es una serie en cuyo elenco predominan mujeres, y en donde la idea de sororidad sobrevuela toda la narrativa. 

Esa sentencia es el corazón de “Viudas”, y la excusa perfecta para el desarrollo de numerosas escenas cómicas, absurdas y por momentos muy costumbristas. La mayoría de ellas explotan la excelente química entre Pichot y Gamboa – ambas grandes comediantes -, pero es cierto que el trío de amigas y vecinas del country de esta última, goza de muy buenos momentos. Estas “conchetas” llamadas Mecha (Marina Bellati), Maggie (Monna Antonópulos) y Pía (Paula Grinszpan); administran una fundación que se dedica a conseguir ropa para los más necesitados exponiendo en cada una de sus intervenciones los estereotipos y clichés habituales- pero no por eso menos graciosos – de la clase pudiente y acomodada. 

Sin dudas, la tenue, pero a la vez ácida crítica social es uno de los grandes puntos fuertes de “Viudas”. Prejuicios, estratos sociales, el barrio frente al country y las negaciones familiares y del pasado; son algunos de los temas con los que se permite jugar la serie.

No todo es color de rosa. Si bien hay situaciones que funcionan muy bien, como aquella en la que el dúo de protagonistas intenta transmitir el oficio a las jóvenes Rocío (Minerva Casero) y Antonella (Agustina Tremari); otras se sienten demasiado apresuradas o ingenuas, como la búsqueda de clonazepam o incluso la misma resolución de la trama. Aspectos que consiguen disfrazarse gracias a la buena interacción –como destacábamos– de la dupla Gamboa-Pichot.

“Viudas negras, p*tas y chorras”, lejos está de ser un producto revolucionario, se trata de una comedia construida de forma tradicional, pero no por ello menos eficiente. Mediante su ingenio y sarcasmo, desarticula, incomoda y cuestiona el presente de esta Argentina contemporánea. Y lo hace, durante sus cuatro horas de duración, sin perder nunca la sonrisa. Además, ofrece una mirada fresca y necesaria sobre las contradicciones sociales y los vínculos humanos. No es poco.

Viudas negras: P*tas y chorras (Argentina/2025). Showrunner: Malena Pichot. Dirección: Nano Garay Santaló y Constanza Novick. Elenco: Malena Pichot, Pilar Gamboa, María Fernanda Callejón, Monna Antonópulos, Marina Bellati, Minerva Casero, Agustina Tremari, Paula Grinszpan, Alan Sabbagh, Julián Lucero, Georgina Barbarossa, Pachu Peña, Emilia Mazer, Benjamín Rojas, Julián Kartun y Esteban Prol. Guion: Malena Pichot, Ariana Saiegh y Julián Lucero. Duración: 8 capítulos de media hora cada uno. 

El resurgir de El Eternauta como fenómeno popular a raíz de su adaptación audiovisual en Netflix generó múltiples reacciones: entusiasmo, polémica, redescubrimiento y debate. Para Lucas Alarcón, escritor, periodista, guionista e historietista nacido en Venado Tuerto y radicado desde hace años en Mar del Plata, esta revitalización es un hecho cultural significativo. “A nivel personal me resulta placentero que se vuelva a hablar de obras que van más allá del entretenimiento. El Eternauta interpela, como lo hizo en los años ‘50, desde una mirada política, cultural y nacional”, afirma.

En esa década, las historietas eran el medio más masivo en Argentina. La televisión recién nacía y las publicaciones gráficas llegaban con facilidad a hogares de clase media y trabajadora. “La historieta era barata, accesible y leída por todos. Y El Eternauta fue disruptiva. Oesterheld rompió con la ciencia ficción clásica, esa de invasores marcianos y superhéroes extranjeros, y escribió una historia con escenarios reconocibles: Buenos Aires, la General Paz, la cancha de River. Eso generó una identificación inmediata con los lectores”, explica Alarcón.

Hoy, esa misma sensación de cercanía vuelve a instalarse gracias a la serie. “Muchos que vieron la serie sintieron lo mismo: reconocieron lugares, esquinas, monumentos. Eso no es menor. No es lo mismo situar una invasión extraterrestre en Chicago que en Villa Urquiza”, dice, y lo ejemplifica con un dato revelador: “En la última Feria del Libro fue uno de los títulos más buscados. Y eso que El Eternauta nunca dejó de venderse. En España, Francia y Estados Unidos se editan versiones de lujo cada dos o tres años”.

Las diferencias entre la historieta original y la serie despertaron debates encendidos. Hay quienes cuestionan las libertades tomadas por los realizadores, pero Alarcón relativiza las críticas: “Siempre que hay una adaptación de un lenguaje a otro hay cambios. Es inevitable. Una historieta no tiene sonido, no tiene movimiento, y una serie sí. Además, tenés decisiones artísticas, técnicas y de ritmo narrativo que dependen del formato. Son seis capítulos, no una película ni una temporada de 20 episodios”.

La incorporación de Ricardo Darín como protagonista también es un aspecto a tener en cuenta: "No es casual. Se buscó darle alcance internacional, hacerlo más masivo. Y para eso necesitás una figura reconocible. Pero además, se le dio a su personaje, Juan Salvo, una profundidad emocional distinta: es un excombatiente de Malvinas. Eso no estaba en la historieta, pero funciona muy bien en el contexto actual”, señala.

Esa dimensión psicológica, para Alarcón, es uno de los puntos altos de la serie: “Hoy el público demanda personajes complejos, con historia, con matices. En los años 50, los personajes eran más planos por una cuestión de época. Ahora necesitás que el espectador se involucre, que sufra con ellos, que los siga. Y eso se logra cuando hay humanidad, contradicción, emociones verdaderas”.

A lo largo de su historia editorial, El Eternauta fue objeto de múltiples lecturas. Algunas enfatizaron su carácter político, otras buscaron “desideologizarla”. Para Alarcón, no hay forma de separar el contenido de su contexto. “Aunque se intente despolitizar, la obra tiene una mirada del mundo. En la serie también hay guiños que lo dejan claro: el llavero de Argentina campeón en 2022, los recortes de diarios, los autos de industria nacional. Todo eso habla de un país, de una época, de una identidad”.

Y destaca una de las frases más repetidas de la adaptación: “Lo viejo funciona”. Una sentencia que, para él, encierra una revalorización de tecnologías, saberes e industrias que supieron ser parte del tejido social argentino. “No es panfletario, pero hay una ética y una estética claras: la historia propone un héroe colectivo. Nadie se salva solo. Esa idea es profundamente política”.

La primera temporada cubre apenas una parte de la historieta original. “Adaptaron unas 150 páginas de una obra que tiene más del triple. Y eso sin contar El Eternauta II y El Eternauta III, que Oesterheld escribió incluso mientras estaba perseguido por la dictadura. Hay muchísimo para contar. Ya está anunciada una segunda temporada y ojalá no tarden demasiado en concretarla”, comenta Alarcón.

La producción audiovisual demandó años y representó una gran apuesta. “Por suerte salió bien. Netflix logró un éxito global. Es una oportunidad única para seguir profundizando en este universo narrativo y llevarlo a nuevas audiencias”.

¿Vale la pena ver la serie? Para Lucas Alarcón, sin dudas: “La recomiendo totalmente. Como entretenimiento y como disparador de conversaciones. Hay cosas que me gustaron y otras no tanto, pero lo importante es que hoy se está hablando de El Eternauta en la radio, en la escuela, en la oficina. Ese es el mayor triunfo”.

Y concluye con una invitación: “Lean la historieta. Si tienen la posibilidad de sentarse un rato con El Eternauta, háganlo. Es una experiencia inolvidable. Yo la leí de adolescente, y todavía me acuerdo de ese impacto. Te atrapa. Te cambia”.

(Por Juan Ignacio Novak) - "Todos parecían curiosamente anónimos detrás de las máscaras. Algunos serían hombres de negocios, otros serían obreros, otros jubilados".

El 30 de abril, Netflix estrena "El Eternauta", la adaptación audiovisual de la historieta de Héctor Germán Oesterheld, publicada por primera vez en 1957.

Con dirección de Bruno Stagnaro y un elenco encabezado por Ricardo Darín, la serie carga con el peso simbólico de una obra de culto, arraigada en la memoria cultural del país.

"El Eternauta" es la historieta argentina más influyente del siglo pasado. Nacida en la revista Hora Cero, fue concebida como una aventura de ciencia ficción, pero su lectura pronto trascendió lo fantástico.

K&S Films / Netflix

En plena Guerra Fría, con la ciudad de Buenos Aires como escenario, Héctor Germán Oesterheld creó una alegoría política y humana que se volvió cada vez más perturbadora.

A diferencia del héroe individualista típico del modelo norteamericano, "El Eternauta" propone un héroe colectivo, integrado por vecinos, amigos y familias que, organizados, enfrentan una amenaza externa y deshumanizante.

K&S Films / Netflix

Más allá del intento de apropiación de esa figura que hicieron algunos sectores políticos, hay que decir que la potencia del mensaje se mantiene más allá de toda bandera. Es que no hay muchas alternativas en un contexto cada vez más duro.

Durante décadas, llevar "El Eternauta" a la pantalla fue el "proyecto imposible". La complejidad visual, el trasfondo político y el respeto que genera la obra original convirtieron cada intento en un callejón sin salida. Todo cambió.

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Con Bruno Stagnaro al mando -el mismo que con "Okupas" renovó la televisión a principios de los 2000- la serie demandó dos años de desarrollo de guiones, 4 meses de preproducción, 148 jornadas de rodaje y un año y medio de postproducción.

Se filmó en más de 50 locaciones reales de Buenos Aires, se diseñaron 30 escenarios virtuales, se crearon 500 máscaras únicas y participaron 2900 personas entre elenco, equipo técnico y extras.

K&S Films / Netflix

Este despliegue no tiene antecedentes en la industria audiovisual nacional. Netflix apostó fuerte y el resultado busca estar a la altura de la obra que adapta, tanto en términos técnicos como en compromiso cultural.

En la piel de Juan Salvo, el protagonista, Ricardo Darín se pone al frente de un elenco que apuesta al talento y la diversidad interpretativa.

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Lo acompañan Carla Peterson, César Troncoso, Andrea Pietra, Ariel Staltari, Marcelo Subiotto, Claudio Martínez Bel, Orianna Cárdenas y Mora Fisz.

La elección de Darín para el papel central es un todo un gesto: se trata del actor argentino más conocido, pero en una historia que insiste en lo colectivo por encima del individuo.

K&S Films / Netflix

Uno logro de la serie es que Buenos Aires sea un personaje más, algo que ya promovía Oesterheld. Avenidas llenas de nieve, estadios vacíos, techos convertidos en trincheras. No es un futuro distópico genérico, es reconocible.

"El Eternauta" de Netflix no esquiva sus alusiones al presente. Las tensiones políticas, el miedo al otro, la incertidumbre ante un enemigo invisible, tienen mucho que ver con lo vivido en las últimas décadas por la sociedad argentina.

K&S Films / Netflix

En una reciente entrevista con Sebastián de Caro en "California secreta" (Vorterix), Ricardo Darín adelantó que, desde su punto de vista, la serie será algo muy importante para la ficción nacional.

Es que no se trata de una adaptación más ni de una simple serie de acción. "El Eternauta" llega con un objetivo: revitalizar una historia esencial de nuestra identidad cultural.

K&S Films / Netflix

El timing no es antojadizo: en un momento en el cual las democracias tambalean, los discursos individualistas se imponen y la memoria tiende a disiparse, propone otra mirada sobre el mundo.

"¿Por qué esperarlo todo de afuera? ¿Acaso no podemos socorrernos a nosotros mismos?", dice uno de los personajes en la historieta original. Un mensaje que se resignifica en 2025.

A 25 años de su fallecimiento, llega “Cris Miró (Ella)” a las plataformas digitales. La serie biopic original, relata la historia de la primera mujer trans argentina en hacerse famosa como vedette y se estrenará el 23 de junio con nuevos episodios cada domingo y estará disponible completa a partir del 24 del mismo mes. 

En la ficción, se destaca el trabajo del actor oriundo de Elortondo, Lucas Bianchini, que fue co-autor junto a Martín Vatenberg. Ambos, vienen de trabajar juntos en “Cross”, serie donde un grupo de hombres se reúne para explorar su lado femenino en clandestinidad.

Con ocho episodios de 30 minutos, la historia basada en la novela “Hembra, Cris Miró - Vivir y morir en un país de machos” de Carlos Sanzol, recorrerá la vida y trayectoria de uno de los exponentes más imponentes y emblemáticos de los años 90.

Con guión de Martín Vatenberg y Lucas Bianchini, y dirigida por Martín Vatenberg en colaboración con Javier Van de Couter, la serie está protagonizada por Mina Serrano en el papel de Cris Miró y cuenta con las actuaciones estelares de Katja Alemann, César Bordón, Agustín “Soy Rada” Aristarán, Vico D´Alessandro, Marcos Montes, Toto Rovito, Manu Fanego, Martín “Campi” Campilongo, Carolina Kopelioff, Alejandro Tantanian  y Adabel Guerrero, entre otros.

Identidad

En 1995, Cris Miró fue elegida como la primera vedette trans de la revista del Teatro Maipo en Buenos Aires. Sensual y ambiciosa, vio la oportunidad de presentarse al mundo como realmente se sentía. 

Dejó atrás su vida y un género que no la representaba y construyó su identidad como Cris Miró, una mujer magnética que logró, al calor de la fama, visibilidad y aceptación en la sociedad argentina. Sin embargo, un diagnóstico de HIV positivo sacudió sus planes y la llevó a maquillar su agonía para morir tan bella como vivió.

“Cris Miró significó una revolución y sigue siendo un emblema con una historia de gran relevancia como figura referente del colectivo LGBTQ+ y pionera de una lucha que sigue vigente en la actualidad. La serie original será un viaje en el tiempo para redescubrir la estética, la coyuntura y el show business de la época”, señalan desde la productora.  

Una sola persona

Cris Miró nació el 16 de septiembre de 1965 en Buenos Aires. Fue actriz, bailarina y la primera vedette travesti de la revista porteña aceptada masivamente.

Estudió baile en la escuela de Julio Bocca y actuación con Alejandra Boero al mismo tiempo que estudiaba odontología.

Comenzó su carrera artística de la mano de Juanito Belmonte en 1994 y en 1995 debutó como primera figura en Viva la Revista en el teatro Maipo. Rápidamente logró notoriedad y saltó a la fama popularizando el arte del travestismo en la revista porteña y, sin proponérselo, abrió el debate en la sociedad argentina sobre la marginalidad y exclusión del colectivo trans en una época cuando los edictos policiales aún condenaban con arresto a quienes vistiesen ropas contrarias a su sexo de nacimiento. En 1995, fue nombrada la Vedette del Año.

Anteriormente a su fama como vedette, había participado en la película Dios los cría de Fernando Ayala con Soledad Silveyra y China Zorrilla y en la adaptación cinematográfica del libro de Camus La peste, dirigida por Luis Puenzo, película protagonizada por William Hurt, Robert Duvall y Raúl Julia, en la cual interpretó a la Mujer Rata.

Cris Miró decía sobre su identidad: "A pesar de que nací con un determinado sexo que hace que tenga documentos con nombre y género de hombre, lo más importante es lo que yo siento. Yo soy una sola persona, y eso es lo que a mí me importa. Eso de los opuestos lo ven los demás, yo lo vivo de una sola manera. Mi verdadero nombre es el que siento y el que quiero: que es Cris Miró."

En 1998, canceló sus presentaciones en el boliche La Diosa y su estudio de odontología por problemas de salud, que requerían reiteradas internaciones hospitalarias. En 1999, falleció a los 33 años de edad.

Tras un éxito arrollador, se terminó de grabar la tercera temporada de El Encargado, luego de dos ciclos exitosos. Así, Guillermo Francella se prepara para estrenar la tercera parte de la serie que lo tiene de nuevo como protagonista. De esta manera lo confirmó el propio actor, quien dio detalles de la grabación y de los récords que alcanzó la obra.

“Justamente terminamos de filmarla hace 15 días, tuvimos tres meses de trabajo intensos”, comenzó diciendo Francella en diálogo con Oscar González Oro en su programa El Observador. Después, el artista que da vida a Eliseo en la historia, explicó las largas jornadas de grabación que tuvo que afrontar con el resto del equipo: “A veces como espectadores nos gusta ver series y nos quedamos haciendo maratón, ahora hacerlas te lleva puesto, estás todo el día, 11 horas por día grabando. A veces hablo solo por la calle con la ropa de portero. Es maravilloso cuando lo ves plasmado, pero el trabajo te demanda mucho, mucho, mucho. Pero cuando lo ves decís: ‘valió la pena’”.

Ante la reflexión de Francella, el conductor le preguntó si había anticipado el éxito que podría alcanzar. “No, no a ese nivel. Intuí que iba a gustar. Intuí que iba a gustar. Nos divertíamos mucho nosotros, primero en la lectura, después en los ensayos y después grabándolo. Y cuando lo veía terminado, previo a la postproducción final, yo dije: ‘Me parece que es un tanque. Son 30 minutos, vuela. Es muy efectivo’”, respondió el artista.

Las palabras de la figura de la serie se sustentan en el éxito que tuvieron las dos primeras temporadas. Lejos del dicho que reza que las segundas versiones no son tan buenas, la entrega anterior alcanzó los primeros puestos en audiencia dentro de la plataforma Star+, convirtiéndose en el estreno más seguido desde el lanzamiento de la plataforma en Argentina. Además, se consagró como la producción latinoamericana más vista al sumar las cifras de Star+ y Disney+ durante sus primeros cuatro días de disponibilidad.

Según las palabras de Francella, esto se sentía en las charlas, en las lecturas, en las prácticas, todo indicaba lo que venía. Esto, más allá de las destacadas interpretaciones del elenco se debe al trabajo de los guionistas, sostiene el actor: “Es un guión tan bien escrito que te hace explorar desde lo interpretativo. Es el yin y el yang. O sea, va de un lado al otro sin transición a veces. Cuando tenés eso en la mano es tan valioso que volás de otro modo. Acá es mucho mejor el texto que el querer aderezar algo que no estaba guionado. Así que las tres temporadas fueron una fiesta, tanto la uno como la dos, y finalmente la tercera”.

El éxito de la serie no solo se ve en los números, sino que también se siente en la calle y hasta en el boca a boca. Tanto es así, que el material comenzó a exportarse y a brillar en otros países. “Aparecen personajes maravillosos que estamos sintiendo que la serie empezó a viajar. Y yo siempre sostuve que El Encargado era un universo más local, porque en el mundo la figura del encargado no existe más. Pero vos sabés que donde pone un pie genera algo. En España me están mandando críticas y comentarios diarios, está explotando en Estados Unidos. Nos nominaron para el Emmy Internacional. O sea que, evidentemente, aunque el universo de la profesión no sea universal, algo pasa. Y fuerte”.

Es que la historia del encargado que usa su poder para meterse en la vida de los inquilinos muestra una combinación de humor negro y una inteligente observación de los estereotipos y las dinámicas sociales. Con un estilo narrativo sarcástico y agudo, la ficción ofrece una crítica a la sociedad a través de la lente cínica de su protagonista.

Tanto es así que, al final de uno de los capítulos, el personaje de Eliseo rompe la cuarta pared y se comunica con la gente, respondiendo a todo tipo de críticas que recibió la serie. “Rompe la cuarta pared, y se mete. Y cada uno tiene su subjetividad para opinar a quién se dirigió. Mucha gente dice: ‘me estás hablando a mí'. Es algo fuerte. Sí, es hermoso”, cerró Francella.

Homero Simpson dejará de estrangular a su hijo Bart Simpson en las nuevas temporadas de Los Simpsons. A más de 30 años en la pantalla chica, el clásico estadounidense cambiará una conducta típica de la dinámica familiar de estos personajes.

En el episodio “McMansion & Wife”, Homero Simpson aseguró que ya no estrangulará a Bart. Durante este capítulo, el personaje visita a su nuevo vecino Thayer y, al estrechar las manos, este hace mención sobre la fuerza del agarre de Homero.

Por lo que el padre de la familia Simpson respondió: “Mira, Marge, estrangular al chico valió la pena... Es broma, ya no hago eso. Los tiempos han cambiado”.

Aunque Homero estrangulando a Bart sea una imagen clásica de la serie, desde la temporada 31 que estos personajes no representan esta acción. “The Winter of Our Monetized Content”, fue el episodio donde homero ahorcó a Bart por última vez.

Durante los últimos años, muchos seguidores de la serie remarcaron que este accionar de Homero hacia Bart fomentaba la violencia. Por otra parte, muchos fanáticos aseguran que esta decisión es parte de Disney, quien pretende que el contenido sea apto para toda la familia.

Una escena recurrente en Los Simpson.

Esta no es la primera vez que en la serie marcan la violencia de Homero como un error. En la temporada 22, el personaje toma clases de “enriquecimiento para padres” y es estrangulado por un hombre mucho más fuerte que él. Luego de este capítulo Homero asegura que no volverá a lastimar a su hijo, sin embargo en la temporada 24 retoma su hábito.

Por otra parte, la serie enfrentó muchos cambios debido al paso del tiempo. El personaje Apu, proveniente de la India, sufrió múltiples cambios, comenzando por su voz. Anteriormente, el actor de doblaje de Apu era un hombre blanco, Hank Azaria, y muchos tomaron esto como una falta de respeto a la cultura. Además, el personaje homosexual Julio tuvo cambios en 2021.

Matt Groening, el creador de la serie, se refirió a estos cambios. “Los tiempos cambian. Pero en realidad no tuve ningún problema con la forma en que lo estábamos haciendo. Todos nuestros actores interpretan docenas de personajes cada uno, nunca fue diseñado para excluir a nadie”.

Por Juan Ignacio Novak

Edgar Allan Poe fue un cronista literario de las zonas más oscuras del alma humana. Precisamente, desde su condición de pionero del cuento de terror y del relato corto en la literatura estadounidense, desarrolló un estilo en el cual la nota sobresaliente fueron las atmósferas oscuras y opresivas.

Sus historias atravesadas por el misterio, lo sobrenatural, la muerte, la soledad, la locura y la obsesión influyeron en escritores posteriores como H.P. Lovecraft, Stephen King, Shirley Jackson. Así, obras de terror que son representativas del siglo XX como “El resplandor” de King y “La maldición de Hill House” de Jackson son deudoras de Poe en tanto analizan aspectos profundos de la condición humana y la psicología.

Netflix

Su tortuosa habilidad para abordar temas sombríos y emocionales sumada a su trágica historia de vida, atravesada por lo trágico, Poe alcanzó un lugar significativo en la cultura popular. Relatos suyos y su propia biografía fueron adaptadas al cine, la televisión, el teatro y la música.

En enero pasado, por ejemplo, se estrenó en Netflix “Los crímenes de la academia”, donde un veterano detective intenta resolver unos asesinatos cometidos en West Point y recibe la ayuda de un cadete, que es precisamente Edgar Allan Poe.

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La casa del terror

Dentro de los cuentos de Poe, “La caída de la Casa Usher”, de 1839, ocupa un lugar central. Desde el primer párrafo, introduce al lector en un mundo de horror y decadencia.

Además de su historia compleja, el cuento está lleno de simbolismo y ambigüedad, que permiten interpretarlo de diversas maneras. La casa en ruinas y la relación incestuosa entre los gemelos Usher son elementos que fueron analizados desde diferentes aristas.

La tormenta que se desata también se puede leer como símbolo de la creciente tensión y la inminente tragedia que se avecina. El retrato de Madeline puede ser un reflejo de la obsesión y la culpa de Roderick, a la vez que la sepultura de Madeline simboliza el miedo a la muerte y la lucha de la humanidad contra su propia mortalidad.

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“La caída de la Casa Usher” fue adaptada al cine. La versión más conocida es de 1960, con dirección de Roger Corman (quien frecuentó mucho el universo de Poe) y protagonismo de Vincent Price, pero hay otras de 1928, 1982 y 2012.

Miniserie

Este mes, Netflix ofrecerá una nueva versión de este texto literario del siglo XX. Esta vez, con un formato de miniserie televisiva, a cargo de Mike Flanagan, creador de las también terroríficas “La maldición de Hill House” y “Misa de medianoche”, que tuvieron gran éxito en la misma plataforma.

En realidad, se supo que estará basada en múltiples obras y personajes de Poe y concentrará en su trama temas como locura, familia, aislamiento e identidades metafísicas. Carla Gugino, Kate Siegel, Annabeth Gish, Henry Thomas Rahul Kohli, Bruce Greenwood, Mary McDonnell, Mark Hamill y Carl Lumbly integrarán el reparto.

Más allá de los resultados puntuales de este producto que estará en línea a partir del 12 de octubre, lo que queda claro es que el legado de Edgar Allan Poe resuena todavía, por lo atemporales que resultan los temas aludidos. Si los trabajos de otros escritores, anclados en sus propias coyunturas, se han marchitado con el tiempo, los del norteamericano fallecido hace casi dos siglos, están más vivos que nunca.

La serie filmada en México es un homenaje al formato telenovelesco pero con un giro moderno, y promete mucho drama adolescente, melodías pegajosas e historias de amor que conmueven hasta al más duro.

Aquellos que crecieron con series como “Casi ángeles”, “Rebelde Way” y “Floricienta” conocen de sobra la forma en que Cris Morena combina la música con las historias de amor superadoras y la nueva serie no promete menos.

“Te quiero y me duele” llega el próximo 17 de agosto con la colaboración de Cris Morena Group y Warner Bros. La serie podrá verse desde la plataforma de HBO Max.

Juan Gris y Lola Robles son los protagonistas, dos jóvenes de universos paralelos que se encontrarán en el camino para dar lugar a un mundo y a una versión nueva de ellos mismos. Pero, ¿qué pasa cuando te enamoras de alguien que vive de una forma tan distinta a la tuya?, para que el amor gane, primero tendrán que embarcarse en un viaje de autodescubrimiento y sueños

Una publicación compartida de HBO Max Latinoamérica (@hbomaxla)

Mientras exploran quiénes son, Juan, Lola y su grupo de amigos deberán atravesar una odisea de emociones que, como marca la tendencia de Cris, serán acompañadas por melodías pegadizas y originales con letras que reflejan la lucha de una generación determinada a visibilizar lo invisible y hacer del mundo un lugar más ameno, justo y diverso. “Porque para salvar a alguien, primero hay que tener el coraje de verlo”.

No podemos pasar por alto el elenco. Encabezado por jóvenes talentos como Roberto Aguilar, Mar Sordo y César Díaz entre otros, el drama cuenta con el respaldo de veteranos del género de la telenovela: Jorge Salinas, Marco de la O y Erika de la Rosa, añadiendo un toque de familiaridad y nostalgia a esta nueva aventura.

Nahir Galarza, la joven condenada a cadena perpetua a los 19 años por el asesinato de su novio Fernando Pastorizzo, tendrá su película la cual narrará su historia de vida. El film será producido por Amazon Prime y protagonizado por Valentina Zerene.

En la película que estará dirigida por Hernán Guerschuny y escrita por Sofía Wilhelmi buscarán contar lo ocurrido el 29 de diciembre de 2017 cuando Nahir asesinó a su novio de 20 años con dos disparos en la ciudad de Gualeguaychú.

“Nahir”, el nombre de la producción cinematográfica, estará disponible en 240 países y quienes acompañen a Zenere en la producción serán Mónica Antonópulos, César Bordón, Nacho Gadano y Simón Hempe.

Además de la película, la joven recibió propuestas para realizar una serie documental de 12 capítulos y una miniserie de 3 episodios sobre su caso policial. En total por todos los proyectos Galarza recibirá 500 mil dólares por utilizar su nombre e historia.

El crimen ocasionado por Nahir Galarza fue uno de los que mayor impacto causó en el país ya que se convirtió en la mujer más joven en ser condenada a cadena perpetua en Argentina. Además, tiempo despues de su condena, Nahir aseguró que fue su padre quien cometió el asesinato.

La película biográfica estará inspirada en el libro “El silencio de Nahir, crónica de un linchamiento mediático” escrito por el manager de prensa Jorge Zonzini.

Los actores Malena Sánchez y César Bordón se encuentran trabajando en Uruguay para “Amia”, serie de drama político y acción realizada por creativos y estudios israelíes sobre el trágico atentado sufrido por la mutual judía en 1994.

En unos tres meses el rodaje se trasladará a la Argentina y ya tiene fecha de estreno prevista para febrero del año que viene en la televisión de su país de origen.

Además compartirán pantalla con el uruguayo Alfonso Tort y los israelíes Michael Aloni y Jamee Khoury.

La serie “Amia” seguirá a Diego (Aloni), un agente del Mossad que, tras la muerte de su hermana durante el ataque a su sede en el barrio porteño de Balvanera -dos años después del atentado a la Embajada de Israel, también en Buenos Aires-, se toma una licencia y se asocia con Gisela (Sánchez), una periodista argentina, para hallar a los responsables detrás de lo sucedido.

Primeras imagenes de “Amia: la serie”.

A lo largo de los ocho episodios de 45 minutos cada uno que conforman la entrega, el dúo se irá adentrando en una trama de espionaje, agencias de inteligencia y tráfico de armas, en la que la verdad, la justicia y la venganza se vuelven indistinguibles; y que conducirá a los protagonistas a repensar sus vínculos familias y sus propias identidades.

Tras el anuncio del inicio de sus rodajes, la CEO de Dori Media Group, Nadav Palti, aseguró que “el ataque a la Embajada de Israel en Argentina es un momento decisivo en la vida de muchas personas y tuvo un gran impacto político y social en una nación”.

“Es imperativo que se cuente esta historia, y nos enorgullecemos de crear y compartir esta producción de alta calidad. Regresar a donde sucedió ‘Amia’ ha dado vida a la historia con compañías, creadores y actores de todo el mundo. Estamos muy emocionados de producir y distribuir esto a una audiencia internacional una vez que se haya emitido en la primavera del año próximo”, agregó la ejecutiva.

“No se puede saber quién dice la verdad y quién miente. Y esto es lo que creo que la audiencia sentirá al ver esta serie llena de acción y llena de giros inesperados”, concluyó.

La serie documental sobre Elon Musk, Bill Gates, Mark Zuckerberg y Jeff Bezos, “The Billionaires Who Made Our World”, se podrá ver a partir de mañana a las 21 en la señal satelital OnDirecTV y la plataforma de streaming DGO.

“Estos hombres poseen una riqueza e influencia superiores a las de la mayoría de las naciones y líderes. Han dado forma a nuestras vidas, el futuro político de los países y tienen el poder de mover los mercados y cambiar el curso de la historia con sus negocios o declaraciones”, reza la venta de la emisión.

Como si fuera la parte documental de “Succession”, la serie de HBO que finalizó con un rotundo éxito en mayo, cada episodio de este documental se propone analizar a cada uno de los empresarios y explica cómo se convirtieron en multimillonarios.

Tras su emisión en OnDirecTV, cada episodio se podrá encontrar en formato on demand en DGO (directvgo.com).

Este jueves será el turno de Musk, dueño de Tesla y flamante comprador de Twitter, entre otras empresas como la espacial Space X; la semana que viene será dedicada al fundador de Facebook, hoy convertida en Meta, con adquisiciones como Instagram y WhatsApp; el 22 se podrá ver la emisión sobre Bezos, accionista mayoritario y fundador del conglomerado Amazon y actual titular de otra empresa aeroespacial: Blue Origin; por último, Gates, ex CEO de Microsoft y actual inversionista en vacunas, tendrá su programa.

Amazon Prime Video está produciendo una serie basada en parte de la vida del ex presidente Carlos Saúl Menem, y las primeras imágenes del protagonista son impactantes.

Leonardo Sbaraglia interpretará al ex mandatario y se sometió a un riguroso trabajo de maquillaje para lograr un parecido.

Las primeras fotos del actor caracterizado como el ex mandatario generan gran intriga sobre cómo será la serie titulada “Síganme”, que se estrenará en 2024 en Amazon Prime Video.

Para este papel, Sbaraglia se rapó la cabeza y utiliza una peluca para adoptar la imagen que el ex presidente tenía en las décadas de los 80 y 90.

Leonardo Sbaraglia como Carlos Saúl Menem.

La productora encargada de la grabación de los seis capítulos de la serie anunció: “Con carisma se nace, el poder se construye. La serie del hombre que marcó la Argentina de los 90, Menem, inició su rodaje”.

Aunque el proyecto cuenta con el respaldo de Zulema Menem, no cuenta con la aprobación de otros miembros de la familia, como Carlos Nair Junior (hijo del ex mandatario) y Antonella Menem (hija de Carlitos Junior y nieta del ex presidente).

Para preparar su papel, Sbaraglia se puso en contacto con Zulemita para obtener más información y elementos que enriquecieran su personaje. La serie narrará los inicios de Menem en la militancia política y su trayectoria en la función pública en La Rioja, hasta su desempeño en la Casa Rosada.

No fue fácil lograr la entrevista con Mica Riera. Es que, desde que Netflix estrenó hace algunas semanas “El amor después del amor”, la serie inspirada en la vida de Fito Páez, la actriz estuvo en boca de todos. Su interpretación de Fabiana Cantilo (que ocupa un rol fundamental desde los primeros capítulos, dado que fue pareja del rosarino en los ‘80) encandiló a propios y ajenos. Casi fue como, máquina del tiempo de por medio, ver a la propia cantautora en sus años de juventud. Al notable parecido físico, Mica agregó una profunda internalización de sus gestos, movimientos y expresiones. “Fue un desafío enorme, porque todos conocen a Fabi”, admitió de entrada al charla con este medio.

¿Quién es Mica? La actriz, de 31 años, nació en la ciudad de Santa Fe, donde vivió hasta los 4 años. Después se mudó a Buenos Aires con su mamá, que iba a estudiar locución en el Iser. “Pero siempre fui a Santa Fe, donde pasé mis veranos y mis inviernos. Correspondía pasar las vacaciones allá, con la familia paterna. Sigo yendo todo el tiempo, una vez por mes o cada dos meses. Tengo hermanos, amigos, seis sobrinos y mucha gente con la que no quiero perder contacto”, contó en la primera parte de una charla de más de veinte minutos.

“Hay algo loco que me pasó toda mi vida: nunca fui de ningún lugar. Porque, en realidad, era muy porteña para estar en Santa Fe. Cada vez que llegaba era la ‘porteñita’ porque decía todas las eses y estaba viviendo en Buenos Aires. Y cuando estaba en Buenos Aires era la santafesina. Siempre fui como un híbrido entre Santa Fe y Buenos Aires”, asegura entre risas. “Lo divertido es que puedo hacer la tonada santafesina en un instante. Hablo con una persona de Santa Fe y se me pega la tonada. Pienso si tengo que hacer alguna vez algún personaje del interior, me va a salir muy natural”, indicó.

Su identidad santafesina le dio la pauta de que “El amor después del amor” tiene un error que no muchos percibieron: nadie habla como santafesino, a pesar de que aparecen muchos personajes de la provincia de Santa Fe. “Me quería morir cuando lo vi, es que había muchas aristas para pensar, para tener en cuenta. Es algo que seguramente a todos los santafesinos nos ha pasado, que vimos ese detalle. Pero nadie más se dio cuenta”, explicó. “Pienso que se perdieron una oportunidad, hermosa, de hacer la tonada santafesina”, apuntó.

Sin embargo, Mica sostuvo que la serie tiene un 99 por ciento de aciertos. “El equipo de arte, el maquillaje, los peinados, la iluminación, todo eso es perfecto. Desde mi lugar de actriz, haber estado en el equipo, en el rodaje fue como estar en un túnel del tiempo. Viajamos a los 80”, remarca.

Fabi por Mica

¿Cómo hacer un personaje como el de Fabiana Cantilo, al que todo el mundo conoce?. Ese fue el desafío más grande para Mica. “No solo para mí, sino para todos los actores. Sabemos quién es Fabi, quién es Fito, cómo son, cómo se mueven, cómo se enojan, cómo se ríen y es difícil sacar al espectador de ese recuerdo. Una de las cosas más valorables es que les encontramos muchos matices y detalles que hicieron que el espectador se olvidé quién es la persona que estás interpretando y entre por completo en la historia”, aseveró.

Para Mica, el logro de la serie es notable. “Es una historia basada en la vida de Fito, en sus memorias, que después escribió alguien en un guión y otra persona dirigió una serie con actores que componían sus propios personajes. Entonces yo pensaba todo el tiempo: ¿Qué pensará Fabi cuando la vea. O sea ¿se verá ella? Ella y Fito eran las figuritas difíciles. Lo más complejo era que ellos pudieran verse ahí”, describió.

Mica tuvo varios encuentros con su “personaje”. El más importante fue antes del rodaje. “Quería que fuera un personaje rico, con matices. Le hice muchas preguntas personales: de amor, trabajo, salud y mil cosas más. La mayoría las intenté incorporar desde la naturalidad”, recordó.

Después, Fabi visitó el set. “Me vino a decir: ‘no lo puedo creer, estás igual, me da mucha impresión verlo’. Estaba anonadada con la situación, le costaba estar ahí mirándonos”, añadió.

El último encuentro fue poco antes de estrenar. “Hicimos un encuentro con Netflix en la casa de Fabi para que ella vea por primera vez las escenas (no todas). Tenía mucho miedo, porque Fabi dice las cosas como son. Pero fue hermoso. Ella dijo que estábamos iguales, que le había sacado todos los gestos. Fue un encuentro muy lindo, ahí me solté. Me dije: ‘Sí se ve ella, ya está, no me importa más nada’”, expresó.

Los vínculos

Para Mica, el mensaje de la serie es claro. “Lo que plantea es que, justamente, para atravesar la vida y los problemas necesitamos amor, compañía, amigos y familia. En realidad no es un Fito ante la vida, es un Fito acompañado por miles de personas que lo están apoyando y acompañando y subiendo. Nosotros no vivimos solos, somos sociales y necesitamos tener vínculos, gente que nos potencie, nos ayude y nos acompañe. Me parece que eso es un gran acierto porque estamos acostumbrados a ver el camino del héroe, que atraviesa todos los males solo. Y, en realidad, Fito no se pone como un héroe. Siempre tiene alguien al lado. Me parece que eso está logrado de la serie y por eso nos sentimos muy muy identificados”, consideró.

Fito en su vida

Fito Páez no empezó a ser una figura importante en la vida de Mica Riera a partir de su participación en “El amor después del amor”. Lo era desde muchos años antes. De hecho, cuenta, uno de sus recuerdos de la primera niñez, precisamente en la ciudad de Santa Fe, la tiene a ella como protagonista junto a su prima, escuchando en la casa de la abuela la canción “Mariposa tecknicolor”, que pertenece al álbum “Circo Beat”, de 1994. “Era muy chica, pero son canciones que no tienen fecha de vencimiento, que son atemporales”, dijo.

Algo que atrae a Mica del músico rosarino es que siempre le canta a sus allegados y hace discos autorreferenciales. “Es una persona para mí muy elevada porque nunca, nunca se olvida de nadie. Está siempre con los que fueron parte de su vida. Fabi (Cantilo) está siempre alrededor de él. Cecilia (Roth) está siempre alrededor de él. No corta lazos, los hace más fuertes. Eso, para mí, es muy lindo y en la serie está reflejado eso porque es como que, de alguna manera, su lucha es esa: poder sostener los vínculos y mantenerlos a flote. Es una persona que ha perdido mucha gente en su vida y no quiere perder más. Y se encarga de transformar el amor que una vez sintió por una persona en otro tipo de amor. Es un mensaje muy lindo”, explicó la actriz.

Proyectos

La repercusión de la serie abrió muchas puertas nuevas para la carrera de Mica, aunque también terminó de abrir otras que estaban entreabiertas. Varias ofertas buenísimas. Empezó a hacer teatro en Multiteatro (calle Corrientes de Buenos Aires) en “El divorcio”, junto a Luciano Castro, Pablo Rago y Carla Conte. “Estoy contenta, pero en un momento tuve miedo. Pienso que soy una actriz versátil, que puedo hacer muchas cosas y no quería que se me encasille. Me copa esto porque puedo seguir haciendo series internacionales, también puedo hacer teatro, comedia en calle Corrientes y una novela para Polka que estoy a punto de filmar ahora. Me gusta la idea de poder demostrar que puedo hacer muchas cosas”, cerró.

“Mentiras verdaderas (True Lies)”, un clásico de James Cameron, demostró que el cine de acción podía ir de la mano de la comedia familia, el cine erótico y, simple y llanamente, el buen cine, tenía otro nombre ligeramente diferente en su versión original. La película, protagonizada por Arnold Schwarzenegger y Jamie Lee Curtis, en 1994, le dio ese toque de thriller que la distribuidora quería para el público de su historia sobre un hombre que debe mentir para proteger a su familia y su comparación frente a una mujer, a punto de ser infiel a su marido, por un verdadero mentiroso sin excusa.

Nada de eso ocurrirá en FUBAR, la serie con la que Arnold Schwazenegger vuelve a liderar una producción, porque, más allá de anuncios e intervenciones en documentales como figura, no lo veíamos en la pantalla desde el 2019 con Terminator: Destino Oscuro. Esta vez, en Netflix. Viene a cuenta de que el protagonista llegó al borde de su jubilación mintiéndole a su familia y se propone recuperar a su mujer 15 años después del divorcio mientas descubre que su hija es, como él, una agente secreto de la CIA. Y, para un hispanohablante, es imposible entender qué significa FUBAR, incluso viendo los ocho capítulos que componen la -¿por ahora?- primera temporada de la serie.

El bueno de “Suache” se pasa la historia fallando en el correcto uso de ciertas expresiones modernas debido a dos cosas, su edad y su procedencia austríaca. Todas ellas son difíciles de comprender, porque encima están mal utilizadas y deformadas. Sin embargo, la primera temporada se despide con “Gobernator” diciendo “Fubar”, esta vez, utilizándolo bien. Sin espoilear, el público de “Fubar” solo sabe que la expresión aparece en el algún punto del inicio del capítulo sobreimpreso en algún elemento de la imagen de manera digital a modo de apertura. No es hasta el instante final cuando Schwarzenegger nos da la respuesta de por qué la serie se llama así, pronunciando el título y dando pie a las futuras temporadas de la serie.

FUBAR en realidad es F.U.B.A.R, es decir, es un acrónimo de cinco palabras: “Fucked Up Beyond All Recognition (o Repair)“, lo que vendría a ser en castellano “Jodidos más allá de todo reconocimiento (o arreglo)”. Es un acrónimo usado en redes sociales para evitar decir malas palabras, algo a lo que el personaje de Arnold insta a toda su familia durante toda la serie.

Recorriendo las redes se puede observar el uso de la expresión para evitar escribir palabras que puedan derivar en sanciones o restricciones a la cuenta.

The upside (hopefully) of all these illustrations of just how crazy, how vindictive, bigoted, and just plain "iggorant" GOP voters are, is that maybe, MAYBE it will incentivize the decent folk out here to get up off their asses and VOTE. Because if not, we're F.U.B.A.R.

— Michael (@Percussioner211) May 26, 2023

“La ventaja (con suerte) de todas estas ilustraciones de cuán locos, vengativos, intolerantes y simplemente “iggorantes” son los votantes republicanos es que tal vez, TAL VEZ incentivará a la gente decente a levantarse y VOTAR. . Porque si no, somos F.U.B.A.R”, dice un tuit.

Mientras, la serie lidera el ranking en el país y el exgobernador de California compartió su alegría en un tuit, luego de que un usuario le consultara: “Ey, ¿adivinás quién es el número uno en la Argentina?”, junto a la captura de la película al liderar el ranking de Netflix, a lo que el actor respondió: “¡Estoy asombrado con la pasión de los argentinos!”.

I’ve been blown away by the passion in Argentina! https://t.co/PN4q9JVkts

— Arnold (@Schwarzenegger) May 28, 2023

“Diciembre 2001” la nueva serie de Star+, inspirada en los hechos económicos y sociales que sacudieron Argentina a fines de 2001 y derivaron en una de las crisis más profundas de la historia del país, presentó un nuevo adelanto y confirmó que llega a la plataforma de streaming el 7 de junio.

Realizada por Kapow, el nuevo thriller político basado en el libro “El palacio y la calle” del periodista Miguel Bonasso está adaptado por Mario Segade y dirigido por Benjamín Ávila.

Compuesta por 6 episodios de 1 hora, Diciembre 2001 sigue a Javier Cach, un militante político que se desempeña como asesor de la Jefatura de Gabinete en un gobierno que, con andar errático en manos de la Alianza gobernante, se enfrenta a una de las peores crisis económicas, políticas y sociales que el país haya visto en su historia.

La renuncia de un presidente de manera anticipada, la muerte de decenas de argentinos por represión policial, una sociedad a la que le arrebataron sus ahorros y la excepcionalidad histórica de cinco presidentes en una semana.

Diciembre 2001 está dirigida por Benjamín Ávila y está protagonizada por un elenco que interpreta a personajes reales, encabezado por Luis Luque (Chrystian Colombo), Diego Cremonesi (Javier Cach), Nicolás Furtado (Franco Musciari), Jean Pierre Noher (Fernando de la Rúa), Luis Machín (Domingo Cavallo), César Troncoso (Eduardo Duhalde), Fernán Mirás (Carlos Chacho Álvarez), Jorge Suárez (Adolfo Rodríguez Saa) y Manuel Callau (Raúl Alfonsín).

Fabiana Cantilo dio a conocer recientemente los motivos que la llevaron a dejar su relación con Charly García en los años ’80 para iniciar una nueva con Fito Páez.

Las declaraciones de la cantante surgieron a raíz del lanzamiento de la serie documental “El amor después del amor”, que relata los comienzos del músico en la industria musical y su romance, el cual se produjo después de su vínculo con García.

La controversia se desató cuando un medio publicó una nota con supuestas citas literales de Cantilo, lo que generó sorpresa y enojo en la artista, ya que asegura que las declaraciones son falsas.

El guiño a Venado Tuerto en la serie sobre Fito Páez

“Pude ser la mina de Charly, pero el pelotudo no me eligió. Salí con Fito porque Charly no me dio bola. Él era una figura y nosotros éramos unos pibes que queríamos llamar la atención del ídolo”, decía la supuesta declaración, que obtuvo la inmediata respuesta de Cantilo en Twitter: “¿Queeee?”.

Queeee? pic.twitter.com/EdlScNlVpb

— Fabiana Cantilo (@FabianaCantilo) May 20, 2023

“Ya vamos a aclarar esta estupidez que están diciendo y lo van a levantar de todos lados: mentira que estuve con Fito porque Charly no me dio bola, ¡mentira!”, explicó en un video.

“Yo lo elegí a Fito, ¿entienden? No voy a dar más declaraciones, esa pelotudez que están diciendo que corroboren la fuente porque es mentira. Quiero avisarles que mucho de lo que hay en esas noticias son mentiras, especialmente los títulos. De ninguna manera yo estuve con Fito porque Charly no me dio bola, Charly me re daba bola, yo lo dejé por Fito”, agregó.

“Se puede retractar o dejar de hablar boludeces de la gente que no conoce. Una cosa es una cosa y otra cosa es otra cosa”, expresó la artista sobre la persona que redactó la nota.

Aclaro … pic.twitter.com/OxgJfbpAIB

— Fabiana Cantilo (@FabianaCantilo) May 20, 2023

“Digo esto porque odio las mentiras y la prensa amarillista es la base de todas las mentiras juntas, para vender la historia te clavan…Y yo no estoy acostumbrada a eso, así que no voy a mirar más”, aseguró.

Y continuó: “Estaba al pedo, tenía una hora al pedo mirando el puto Google, las putas noticias, tengan cuidado. Como decía Luis (Alberto Spinetta): ‘Leamos libros’… o de última mirate una buena serie. Hablan como si yo estuviera dando una declaración, quién habrá sido el pelotudo, me he encontrado con cada boludo a lo largo de mi vida”.

Odio las mentiras pic.twitter.com/W7VdTa2Nvc

— Fabiana Cantilo (@FabianaCantilo) May 20, 2023

“Los periodistas tienen mucho poder, es verdad, y si no es un buen periodista hace lo contrario, ofende al artista y el artista es un ser de Dios, ¿se entiende?”, cerró.

La serie de El Eternauta, basada en la icónica historieta de Germán Oesterheld y Francisco Solano López, comenzó su producción en Buenos Aires.

Ricardo Darín interpretará al protagonista Juan Salvo, junto a otros destacados actores como Carla Peterson y César Troncoso.

Darín desembarca en Netflix para protagonizar “El Eternauta”

En esta oportunidad, Netflix Argentina anunció a través de su cuenta oficial de Twitter que comenzó el rodaje de la producción que contará con seis episodios. Sin embargo aún no se sabe cuándo estará disponible.

La adaptación de la historieta estará a cargo de K&S Films, quienes anunciaron que será una versión contemporánea.

Arrancó el rodaje de El Eternauta y ya puedo confirmarte esto: ❄️ Ricardo Darín va a interpretar a Juan Salvo y llega a Netflix por primera vez. ❄️ Se suman @carlapetersonA, César Troncoso, @lanegrapietra, @arielstaltari, Marcelo Subiotto, Claudio Martínez Bel, Orianna Cárdenas… pic.twitter.com/shW9ppVYvg

— CheNetflix (@CheNetflix) May 12, 2023

La sinopsis dice que “después de una nevada mortal que mata a millones, Juan Salvo junto a un grupo de sobrevivientes lucha contra una amenaza alienígena, controlada por una fuerza invisible”.

Por su parte, Matías Mosteirin, productor ejecutivo de la compañía, expresó que producir la serie es un gran desafío técnico y artístico, por lo que trabajan con profesionales argentinos de gran talento y con el autor y director Bruno. Desde hace años, han estado desarrollando este proyecto para asegurarse de que esté a la altura de la calidad de la obra.

Las series biográficas son muy populares en las plataformas de streaming. Una de las más destacadas fue la de Luis Miguel, pero ahora la serie que está generando furor es “El amor después del amor”, que relata la historia de Fito Páez y sus comienzos en el rock nacional.

Sin embargo, no solo los músicos son objeto de estas series. Actualmente se está produciendo una serie centrada en la vida de Carlos Menem durante su mandato como Presidente, que abordará tanto aspectos políticos como personales, que causaron gran atención en la década de los 90.

“Síganme” será el título de la producción que estará disponible en Amazon Prime en un año. La serie constará de ocho episodios y será dirigida por Ariel Winograd.

Las actuaciones estarán a cargo de Leonardo Sbaraglia, quien interpretará a Carlos Menem, y Leticia Siciliani, quien interpretará a Zulema Yoma. Según se informó en el programa Intrusos (América), también se ha convocado a Juan Minujín para formar parte del elenco.

Durante su campaña electoral de 1989, el exmandatario utilizó la famosa frase “Síganme, que no los voy a defraudar” como su presentación. Antes de su fallecimiento el 14 de febrero de 2021, Menem había aprobado tanto el nombre como el contenido de la serie, que se había concebido en 2020.

A pesar de que algunos miembros de la familia no fueron consultados, Zulema Yoma y Zulemita Menem firmaron los derechos de imagen para su realización. Sin embargo, Carlos Nair (hijo de Menem con Martha Meza), Máximo (hijo de Menem y Cecilia Bolocco) y Antonella (hija de Carlitos Jr. y Amalia Pinetta) quedarían excluidos de las regalías de la serie.

Con el paso de los días, los detalles de la tira reversionada empiezan a conocerse. Aunque todavía, la adaptación escrita por Leo Calderone, no tiene fecha de estreno.

Los nuevos talentos que se incorporarán a la serie vienen de su propia academia “Ser otro mundo”. Vale destacar que Cris Morena, fue quien llevó a la fama a actrices como Luisana Lopilato, Lali Espósito, Agustina Cherri y “La China” Suárez, entre otras.

“El proyecto que estamos haciendo juntos ahora, nunca pensé que lo iba a hacer, porque sale de algo muy importante mío”, contó Cris Morena, en diálogo con La Nación.

Una de las actrices confirmadas es Isabel Macedo, uno de los personajes principales de la reversión. También hay rumores sobre la participación de Tomás Benítez, el novio de Sol, la hija de Karina “La Princesita” y El Polaco.

Tomás es un adolescente de 16 años, metido en el mundo del rap y actualmente tiene gran alcance en las redes sociales con más de 235 mil seguidores en Instagram. Tiene su propio libro publicado “Ser yo, Tomi”, donde cuenta su historia personal.

En cuanto a la novela, Cris Morena contó que tuvo que irse de Buenos Aires para el proceso creativo: “Lo llamo a Leo (Calderone) y le digo, tengo una idea buenísima y este año nos vamos a San Martín de los Andes”, expresó.

“Apareció algo increíble, en un momento especial de mi vida”, remarcó. Fue algo charlado con su hijo, según contó la actriz: “Estaba charlando con mi hijo en plena pandemia, me levanté una mañana, le dije, Tomás (Yankelevich), me parece interesantísimo esto y lo otro, y él enseguida dijo, ´Es mío´”.

Ángel de Brito le preguntó a Agustina Cherri en su visita a LAM: “Hace poco se dijo que Cris quería que volviera Chiquititas, que vos tomes el rol de Romina Yan y tu hija, tu personaje. ¿En qué quedó?”, a lo que la actriz respondió: “Lo hablamos en la última reunión que tuvimos con Cris. De hecho, Cris estuvo en Nueva York cuando Muna se fue a estudiar. Para mí, sería increíble. No solo por la experiencia de trabajar con mi hija, sino revivir todo eso. Es un programa que tiene 20 años, que sigue presente, las canciones… Sería alucinante. Pero tendría que ser mega la vuelta de Chiquititas”.

Luego añadió: “Es fuerte, de hecho lo hablé con ella. Pero la vuelta de Chiquititas sería espectacular y hay que armarlo. A Muna le encantaría. todo lo que está relacionado con la música, le encanta. Si la llaman solamente para actuar, no quiere. Ahora está haciendo sus temas”, finalizó Agustina.