El Plan de la Mariposa volverá a presentarse en Rosario en el marco de una nueva etapa de expansión artística y de convocatoria. La banda llegará por primera vez al Metropolitano el sábado 15 de agosto a las 21, después de un recorrido reciente que incluyó fechas en Argentina, Latinoamérica y Europa, además de un gran show en el estadio Diego Armando Maradona de Buenos Aires.

El regreso a la ciudad se producirá luego de su último paso por Rosario, cuando se presentó ante un Anfiteatro Municipal colmado. Ahora, el grupo buscará trasladar esa misma conexión con su público a un nuevo escenario, en una fecha que aparece como una de las más esperadas dentro de su gira 2026.

La propuesta en vivo estará apoyada en las canciones de “Correntada”, su trabajo más reciente, aunque también incluirá los temas que marcaron su recorrido y que convirtieron a la banda en una de las de mayor crecimiento dentro de la escena nacional. En la previa de esta presentación, además, el grupo impulsó su actualidad con el lanzamiento del single “El cantar de los anzuelos”, acompañado por una producción audiovisual filmada en paisajes de Mendoza y Mercedes.

El año de El Plan de la Mariposa ya venía mostrando una intensa actividad. Según la información difundida por la producción y los canales oficiales de entradas, la banda arrancó la temporada con shows en Mar del Plata, Pinamar, Festival Isoca y Cosquín Rock, además de una gira europea con pasos por Valencia, Barcelona, Málaga, Madrid y Amsterdam. También fue distinguida con el Premio Estrella de Mar en la categoría Rock por su presentación en el Bendu Arena de Mar del Plata.

En cuanto a la venta de tickets, las entradas ya se encuentran disponibles a través de Turbo Entrada. La ticketera publica el recital para el 15 de agosto de 2026 a las 21 en Metropolitano Rosario, mientras que el sitio institucional del complejo lo ubica en Junín 501, local 1, Alto Rosario Shopping.

Con esta nueva visita, El Plan de la Mariposa sumará otro capítulo a su consolidación en Rosario, una plaza donde viene construyendo una relación cada vez más fuerte con su público. La expectativa pasa ahora por ver cómo esa energía colectiva que caracteriza a sus conciertos encuentra forma en un escenario distinto, en una noche que promete intensidad, repertorio amplio y una nueva comunión con sus seguidores.

Este fin de semana Elortondo recibirá a una de las bandas más reconocidas del rock nacional. Bulldog se presentará con un show gratuito en el marco de la 1° Fiesta del Parque y el 137° aniversario de la localidad, repasando más de tres décadas de trayectoria arriba de los escenarios.

El guitarrista de la banda, Guillermo “Willy” Tagliarini, adelantó que el grupo llega con un espectáculo que recorre buena parte de su historia musical. “Tenemos más de 30 años de carrera y un repertorio muy amplio, así que la idea es repasar canciones de distintas etapas de la banda. Siempre buscamos que el público se sienta parte del show”, comentó.

Sello propio

Bulldog nació en Rosario a comienzos de los años 90 y con el paso del tiempo se consolidó como una referencia del punk rock argentino, recorriendo escenarios de todo el país y también del exterior. A lo largo de estos años, el grupo mantuvo un fuerte vínculo con su público y una dinámica de trabajo independiente que marcó su identidad.

La formación actual está integrada por Hernán “Mantu” Mantoani en voz y guitarra, Ramiro “Rata” España en bajo y coros, Guillermo “Willy” Tagliarini en guitarra y coros, y Adrián Alexis Gómez en batería.

En ese marco, Tagliarini destacó el valor de tocar en festivales populares del interior. “Siempre es una alegría llegar a lugares donde la gente vive la música con mucha pasión. Sabemos que en Elortondo se está preparando una gran fiesta y estamos muy contentos de poder ser parte”, expresó.

En el corazón de la ciudad que lo vio nacer, Fito Páez ofrecerá el domingo 15 de marzo, a las 19, un espectáculo único como gesto de gratitud y celebración hacia su gente. Después de llevar su música por escenarios internacionales, compartirá en el Monumento Nacional a la Bandera (en Rosario) sus canciones más emblemáticas en un concierto que será, ante todo, un regalo para la ciudad. Será un show de formato completo, con todos sus grandes clásicos, canciones nuevas y una puesta especialmente diseñada para la ocasión. También habrá lugar para la intimidad y el recuerdo.

El concierto tendrá además un valor especial: Fito Páez no percibirá honorarios por esta presentación, en un gesto que subraya el carácter simbólico y afectivo de este regreso. Además, el montaje del evento estará solventado por sponsors y empresas privadas que se suman a la iniciativa.

Rosario atraviesa un gran momento cultural. Con teatros, museos y espacios públicos en plena actividad, la ciudad vuelve a ser escenario de grandes celebraciones. En ese contexto, este recital trasciende el formato de espectáculo masivo: es una afirmación de identidad y una celebración de la rosarinidad, del talento que nace en esta tierra y recorre el mundo.

Rosario se prepara para vivir un acontecimiento cultural sin precedentes. Fito Páez, el hijo dilecto de la ciudad, confirmó que brindará un recital gratuito en el emblemático Monumento Nacional a la Bandera.

La noticia, que circulaba como un fuerte rumor en las últimas semanas, fue ratificada por el propio artista, quien definió este encuentro como un acto de amor y gratitud hacia el lugar que lo vio nacer y formarse como músico.

Originalmente previsto para el sábado 14, el show fue finalmente programado para el domingo 15 de marzo a las 19:00. Según explicaron desde su entorno, la fecha permitirá un despliegue técnico superior para lo que será el inicio oficial de su tour internacional "Sale el Sol 2026".

El recital en el Monumento no es un evento aislado, sino el clímax de un ciclo denominado "Casa Páez", donde el músico recorrerá diferentes espacios significativos de su biografía en Rosario. La agenda es intensa: comenzará el martes 10 con un concierto sinfónico en el Teatro El Círculo, seguido por una noche de "Piano Solo" el miércoles 11 en el Teatro Astengo.

El viernes 13, día de su cumpleaños número 63, Fito regresará a El Círculo para presentar de forma íntegra su álbum "Novela", una obra conceptual que el artista describe como un relato mágico sobre su infancia. Esta seguidilla de presentaciones busca retratar las distintas facetas de su obra antes de la explosión masiva frente al río Paraná.

Para el show del domingo 15, se espera una convocatoria multitudinaria que podría superar las 100 mil personas. La producción integral estará a cargo del reconocido diseñador Sergio Lacroix, quien planea integrar la arquitectura del Monumento a un despliegue de luces y pantallas de última generación.

"A veces las estrellas se alinean", confesó Fito en un video difundido en sus redes sociales, donde se lo ve emocionado por concretar este deseo de tocar gratis para su gente. El repertorio promete ser un viaje por sus cuatro décadas de trayectoria, incluyendo los himnos de El amor después del amor y Circo Beat, además de sus nuevas composiciones.

Dada la magnitud del evento, las autoridades municipales ya trabajan en un operativo que incluirá cortes de tránsito en toda la zona de la costanera y la disposición de pantallas gigantes para que el show pueda ser seguido desde los parques aledaños.

La entrada será libre y gratuita, pero se recomienda a los asistentes llegar con antelación para asegurar un lugar en la explanada. Con el río Paraná como testigo, Rosario se alista para una noche en la que la música de Páez volverá a ser el corazón latente de la ciudad.

Venado Tuerto será testigo de un show muy especial: Felipe Barrozo, guitarrista de Intoxicados, compartirá aquellas canciones que dejaron huella en toda una generación y marcaron para siempre al rock argentino. La cita será el próximo jueves 20 (víspera de feriado), a las 22, en 1927 Multiespacio.

Barrozo llega en el marco de una gira nacional, brindando presentaciones en todo el país, rescatando los clásicos de una banda fundamental del rock nacional, liderada por Pity Álvarez.

El show promete ser un viaje directo a los 2000, con una carga emocional potente y una puesta en escena que equilibra la nostalgia con la energía del presente. Barrozo no busca replicar el pasado, sino mantener vivo el legado de Intoxicados, desde un lugar genuino y fiel a su historia.

Las entradas anticipadas se consiguen en Casey 435 o a través de la página web www.alpogo.com. Para mayor información, pueden comunicarse al 3462-663492.

Intoxicados surgió a fines del año 2000, tras la separación de Viejas Locas. Esta banda se caracterizó y diferenció del anterior grupo de Pity Álvarez debido a la apertura musical que presentaba a pesar de ser una banda de rock (interpretando estilos como el rock acústico, hip hop, reggae, funk, punk e incluso música electrónica).

La banda se disolvió en febrero del año 2009, después de anunciar un parate indefinido que continúa hasta la actualidad.

En sólo 9 años, ha logrado el reconocimiento de la crítica y la industria musical por sus producciones. Su álbum “Otro día en el planeta tierra”, que contiene éxitos como “Nunca quise” y “Fuego” está considerado dentro de los 100 mejores álbumes de la música en español; además de haber sido nominado al premio Gardel al mejor álbum grupo de rock.

La banda platense Cruzando el Charco desembarca en el Centro Cultural Municipal de Venado Tuerto el próximo 12 de septiembre para presentar Esencia, su último trabajo discográfico. El espectáculo promete una noche cargada de rock, emoción y una puesta escénica que refleja más de una década de evolución musical.

Formado en 2012, Cruzando el Charco se consolidó como uno de los referentes del nuevo rock barrial post Cromañón, con una propuesta que mezcla sensibilidad poética, melodías populares y una constante búsqueda sonora. Al frente, Francisco Lago supo encarnar el espíritu de la banda con letras que oscilan entre la nostalgia, el amor y la resiliencia.

Desde 2022, el grupo es presencia habitual en escenarios de gran envergadura como Cosquín Rock, pero es su conexión con el público y su identidad de barrio lo que marca cada una de sus presentaciones. En esta ocasión, el turno es para Venado Tuerto, donde Esencia tomará forma en vivo el 12 de septiembre a las 21 horas, en el Centro Cultural Municipal.

Lanzado en 2024, Esencia no solo da nombre al show, sino que representa un recorrido introspectivo y sonoro por las raíces de la banda. El álbum cuenta con 12 canciones que oscilan entre el rock clásico, la cumbia, el pop y los sonidos latinoamericanos. La experimentación no es un desvío sino parte del camino que han elegido.

El álbum abre con Cada Error, un rock reflexivo sobre el aprendizaje desde la caída.

Nada Nace, en colaboración con Chano Charpentier, profundiza en la melancolía existencial con fuerza eléctrica.

La variedad sigue con Verano (junto a La K’onga) y Primavera, ambas con ritmo de cumbia.

Hay lugar para la ternura y la sensibilidad en Sin Final, junto a Nahuel Pennisi, y para la potencia barrial en Dueños del Ritmo, con Gustavo Cordera.

Esencia, el tema homónimo, es un manifiesto de redención y afirmación personal, con guitarras al frente y el mensaje claro: “esta es mi esencia”.

La selección en vivo incluirá tanto nuevas composiciones como clásicos de la banda como El Trato (junto a Coti), Terminales, Lo Nuestro Tiene Magia y Volver a Nacer.

Los tickets ya están disponibles:

En formato físico: en el local Massa Nostra, ubicado en Iturraspe y San Martín.

Online: a través de la plataforma Passline, donde también se puede elegir ubicación.

La emblemática banda de rock argentino, Los Piojos, anunció la reprogramación de su esperado recital de despedida en el Estadio Monumental de River Plate. Originalmente previsto para el 14 de junio, el concierto se trasladará al sábado 21 de junio debido a un ajuste en el calendario de las Eliminatorias Sudamericanas.

La modificación se debe a la reprogramación del partido entre Argentina y Colombia, inicialmente pautado para el 8 de junio en el estadio de River y luego trasladado al 10. Este cambio obligó a la banda a mover la fecha de su show para evitar conflictos logísticos y garantizar la calidad del evento.

"Debido a la reprogramación del partido de Eliminatorias entre Argentina y Colombia, nos vemos obligados a mover la fecha del show", informó la banda a través de un comunicado oficial.

A pesar del cambio de fecha, desde la organización confirmaron que tanto la preventa como la venta general de entradas no sufrirán modificaciones.

Los tickets ya adquiridos serán válidos para la nueva fecha sin necesidad de realizar ningún trámite adicional.

Luego de 15 años sin tocar juntos, Los Piojos desataron una auténtica revolución con su regreso a los escenarios en diciembre de 2024.

Agotaron siete funciones en el Estadio Único de La Plata, coronaron el Cosquín Rock con un concierto multitudinario y el 13 de abril hicieron vibrar Tecnópolis con una presentación de antología en el Quilmes Rock. También llevaron su show de regreso al Hipódromo de Rosario y en Mendoza.

El recital en el Estadio Monumental marcará el cierre de la gira de reunión de la banda, en el mismo escenario donde, hace años, se despidieron de su público.

El regreso de Los Piojos a River se anunció con un video emotivo y visualmente impactante, en el que los músicos aparecen junto a sus hijos, interviniendo distintos rincones de la ciudad al ritmo de sus canciones más recordadas. La expectativa del “ritual piojoso” creció tras varias publicaciones enigmáticas que anticipaban este histórico reencuentro.

Esta será la última oportunidad para vivir en vivo el ritual piojoso en el estadio donde dijeron adiós hace 15 años.

(Por Diego Budassi) - Debido a pronósticos del tiempo muy desfavorables, el Municipio de Firmat decidió suspender la inauguración del escenario exterior del Galpón del Pueblo pactada para el 1 de marzo y el evento se reprogramó para el próximo domingo 9, a las 20.

La flamante obra se encuentra ubicada en el propio galpón municipal, frente al playón del ferrocarril, frente a la fuente de aguas danzantes inaugurada hace unos meses.

El espectáculo artístico será muy nutrido y el puntapié inicial lo dará el Ballet Municipal acompañado por el excelso bailarín local Fer Vera, con un número que, según estiman los organizadores, será impresionante.

Será, sin duda, una noche histórica para el arte de la ciudad y la comunidad en su conjunto, ya que significará un paso muy importante para la jerarquización edilicia del inmueble y, paralelamente, para la movida cultural.

Luego del ballet local llegará la música de la mano de Sesiones musicales con un set acústico que va desde Abel Pintos hasta Babasónicos.

Posteriormente subirá Reversiones, la agrupación liderada por Javier Speratti, que interpretará clásicos del rock nacional.

Seguidamente será el turno de Megavoltios, la nueva banda de hard rock con algunos miembros de la legendaria Alto Voltaje, quienes ofrecerán un set poderoso con temas propios y un par de covers de Rata Blanca, Riff, Los Redondos y AC/DC.

A continuación subirá Jit's 80, una agrupación formada por jóvenes músicos, abocada a revivir clásicos de aquella dorada década, 

El cierre del evento será a pura música tropical y estará a cargo de Héctor Vigna y su conjunto. El acceso será libre y gratuito y habrá servicio de bufé.

A pocas horas del histórico regreso de Los Piojos al Cosquín Rock, la banda anunció oficialmente que habrá un show en Rosario.

A través de las redes sociales, el grupo de rock nacional que regresó luego de un impasse de 15 años, informó que el 26 de abril se presentará en la Cuna de la Bandera.

El lugar elegido es el hipódromo de la ciudad del sur santafesino y todavía no salieron a la venta las entradas, de acuerdo al breve posteo que hizo la banda.

La banda que lidera Ciro Martínez vuelve al Cosquín Rock, uno de los escenarios más emblemáticos de la música argentina.

Su regreso es uno de los momentos más esperados del festival, y los fanáticos están ansiosos por revivir clásicos como "El Farolito", "Maradó" y "Verano del '92". La banda promete una actuación llena de nostalgia y emociones, que sin duda será un punto culminante de la noche.

Tras 15 años, Los Piojos volvieron a verse las caras arriba del escenario. La mítica banda de rock brindó siete shows en el estadio Único de La Plata. Todos con localidades agotadas.

Su vuelta quedó sellada en el Estadio Único de La Plata, donde casi 50.000 personas participaron de un show inolvidable en el que sonaron clásicos como “Te diría”, “Desde lejos no se ve” y “Babilonia”. En una velada llena de emociones y cánticos, recordaron por qué son una de las bandas más queridas de la historia del rock nacional.

“¡Felices fiestas y un gran comienzo de año piojoso!”, escribieron en la publicación que en cuestión de horas cosechó miles de ‘me gusta’ y una avalancha de comentarios por parte de los seguidores.

“Queremos agradecerle mucho por estos siete estadios Diego Armando Maradona. Hasta ahora cinco. Y desearles unas felices fiestas y un gran comienzo de año piojoso. ¡Vamos! ¡Vamos! ¡Vamos!”, expresaron los músicos en un video difundido para fin de año.

Sin embargo, la reunión no fue completa, ya que Micky Rodríguez, histórico bajista de la banda, decidió no participar. En su lugar, Luciana Valdés, conocida como Luli Bass, se incorporó al grupo para este regreso. Su inclusión fue clave para darle un nuevo matiz a la banda, sin perder la esencia que la caracterizó durante décadas.

La agrupación cerró un 2024 inolvidable y ya se preparan para lo que será un 2025 lleno de música y diversión junto a sus fanáticos.

Mientras tanto, sus fanáticos continúan viviendo este regreso como un verdadero ritual, reafirmando que, a pesar del tiempo, Los Piojos siguen ocupando un lugar único en el corazón del rock argentino.

El furor por Los Piojos no para de crecer. La serie de conciertos que la banda liderada por Andrés “Ciro” Martínez comenzó a compartir en el Estadio Único de La Plata revitalizó el fanatismo de su público que tuvo que esperar 15 años para poder volver a verlos. Un reencuentro lleno de nostalgia, recuerdos y, sobre todo, música. 

En este contexto, ideal, fue que el periodista y escritor Juan Cruz Revello, oriundo de Junín, pero radicado en Rosario, publicó su libro "Los Piojos en los 90: del barrio a los estadios", un profundo relato sobre la historia de esta banda, una de las más influyentes del rock argentino. 

En esta entrevista, Revello nos cuenta cómo surgió el proyecto, qué lo inspiró y cómo la banda logró conectar con miles de personas durante la década del 90.

- ¿Cómo nace la idea de elaborar un libro sobre Los Piojos?

- Bueno, en realidad, el proyecto nació de algo más grande. La idea inicial era hacer un libro sobre el rock de los 90 en Argentina. Comencé a trabajar en ese proyecto junto con dos amigos y colegas, y en el momento que nos reunimos con la editorial, nos dieron luz verde para avanzar. Nos dimos cuenta de que el trabajo era tan extenso que teníamos que hacer seis tomos, seis libros. Dentro de esos tomos, yo ya tenía muy claro que Los Piojos deberían ser uno de los focos. Después, al ver lo grande que era el proyecto, me di cuenta de que tenía material suficiente para un libro completo sobre la banda, y se lo propuse a la editorial.

- ¿Con qué te encontraste al indagar sobre Los Piojos para que se consideraras que debían ser protagonistas de un libro?

- Los Piojos fueron clave en la década del 90. La verdad es que esa época fue muy fructífera para el rock argentino, no solo por los clásicos que sacaron discos fundamentales en sus carreras, sino también por la aparición de géneros que no habían tenido tanto protagonismo antes, como el punk o el heavy metal. Los Piojos fueron parte de esa expansión del "rock barrial", un fenómeno que se conectó profundamente con los jóvenes de ese momento. Además, me parece que la pluma de Andrés Ciro tiene una importancia enorme en el contexto del rock argentino, pero no tiene el reconocimiento que se merece como narrador urbano, algo que estaba en pérdida en esa época.

- Entonces, ¿crees que la banda tenía un rol clave dentro del contexto social de los 90?

- Totalmente. La juventud de los 90 vivió un contexto de desolación, producto de las políticas socioeconómicas. Los Piojos fueron una especie de refugio para muchos, una banda con la que se podían identificar. Ellos cantaban sobre lo cotidiano, sobre el trabajo, las luchas, las frustraciones. En sus letras, se encontraba una especie de contención, de identidad, algo que la gente necesitaba en ese momento. Además, lo interesante es que su música no era algo ajeno, estaba tan relacionada con la experiencia diaria de la gente que lograron crear una comunidad alrededor de su música.

- Es decir, el contexto social y económico influyó mucho en el furor del rock en esa década. ¿Qué opina tu libro sobre ese fenómeno?

- Claro, el contexto fue clave. En una época donde el mundo globalizado trataba de imponer una identidad mundial, Los Piojos cantaban de lo local, de las particularidades de la gente común. Había algo muy humano en sus letras. Hablar de los que viajaban en trenes, de las luchas diarias, de las pequeñas historias que definían a las personas. Y esa cercanía les permitió llegar a la gente de una manera única.

- En el libro haces referencia a los cuatro primeros discos de estudio de Los Piojos…

- Sí, son los cuatro discos que sacaron en los 90: “Chactuchac”, “Azul”, “Ay Ay Ay” y “3er Arco”; y con los que se consolidaron como un fenómeno masivo. Además, hay un disco más que también juega un rol importante, Ritual, que es su primer disco en vivo y el primero con su propio sello. Si bien Los Piojos ya venían de los 80, comenzaron en el 87 y Ciro se sumó en el 89, es en esos diez años cuando la banda realmente se define como un emblema.

- ¿Cómo fue el proceso de investigación para desarrollar esta historia? ¿Hubo entrevistas directas con los miembros de la banda?

- El trabajo fue principalmente narrativo. Comencé a escribir con las ideas que tenía y fui desarrollándolas. Después, creé un esquema de preguntas que repetí a cada miembro de la banda, para poder comparar las respuestas y descubrir nuevas historias. A través de esas entrevistas, la narrativa pasó de ser algo completamente mío a convertirse en algo coral, ya que muchas voces se sumaron a la historia. Además, contacté con personas que trabajaron en los aspectos artísticos y de producción de los discos, lo que aportó una visión más completa sobre la banda.

- ¿Hubo algo en particular en las entrevistas o anécdotas que te sorprendió durante tu investigación?

- Sí, varias cosas. En primer lugar, el hecho de que hay tan poco material de archivo de esa época en internet. Todo lo que pude encontrar fue a través de entrevistas de archivo con Ciro, que me sirvieron para complementar la historia. Pero, además, hubo testimonios muy ricos sobre el proceso creativo de la banda, cómo construyeron la relación con el público y la forma en que su música fue un reflejo de su tiempo. También me sorprendió mucho hablar con los encargados del arte de tapa de los discos, quienes compartieron historias sobre la construcción colectiva de la banda.

- ¿Qué recepción ha tenido el libro hasta ahora entre los lectores?

- Hasta ahora, he recibido comentarios muy positivos. La gente está comprando el libro y me escriben para decirme que les gustó. También noto que hay mucha gente que me está buscando en las redes sociales para saber dónde conseguirlo, lo cual me hace pensar que el interés sigue siendo muy fuerte. En general, las respuestas han sido muy buenas.

- ¿Los integrantes de Los Piojos ya leyeron el libro? ¿Qué piensan de él?

- Tengo entendido que sí lo leyeron y que les gustó. No tengo una foto de ellos leyendo el libro, pero los comentarios que recibí han sido positivos.

Es oficial, vuelven Los Piojos. El reconocido grupo de rock nacional anunció su retorno con fecha y sede confirmada. La banda liderada por Andrés Ciro Martínez se presenta en la escena musical luego de 15 años.

“Se viene un nuevo ritual Piojos. Después de 15 años nos volvemos a encontrar”, dice la publicación que advierte que las entradas estarán “próximamente a la venta”.

La banda comunicó que se presentarán en el Estadio Ciudad de La Plata el 14 y el 15 de diciembre. El estadio lleva el nombre de Diego Maradona desde el Mundial Sub 20 realizado en 2023.

El grupo, compuesto por el vocalista y letrista Andrés Ciro Martínez, el bajista Miguel Ángel “Micky” Rodríguez, el guitarrista Daniel “Piti” Fernández y el baterista Daniel Buira dejó de tocar en vivo en el año 2009. Respecto al baterista, Buira fue quien ocupó ese rol hasta el 2000 y el último batero de la banda fue Sebastián Cardero.

Los Piojos cuentan con una larga lista de clásicos, como “Ruleta”, “Tan solo”, “Como Alí”, “Ando ganas”, “Desde lejos no se ve” y “Bicho de ciudad” y con un público fiel que llenó diversos estadios en cada "Ritual Piojoso".

Sorpresa entre los fanáticos del rock nacional ante un inesperado show íntimo, en un reconocido hotel de la ciudad de Buenos Aires con la presencia de Charly García.

Entre los seguidores del mítico cantante y compositor, hubo quienes filmaron segmentos de la presentación y los compartieron en redes sociales.

Uno de los temas en los que participó Charly fue en "Yendo de la cama al living", el éxito que García lanzó en los inicios de la década de 1980.

Cabe remarcar que esa canción forma parte del disco homónimo que salió a la venta en 1982. Se trató del primer álbum de estudio en solitario del músico que por entonces tenía 30 años, y grabó el material en agosto de 1982, durante el último año de la última dictadura.

En el álbum hay invitados estelares como Luis Alberto Spinetta, Pedro Aznar y León Gieco, quien debió usar un seudónimo por temas de exclusividad.

El otro fragmento filmado fue una parte de Cerca de la Revolución, otro de los himnos del rock nacional que engendró el propio Charly.

Ese tema fue lanzado como tema N.º 9 del álbum Piano bar, que salió a la venta en 1984, considerado una de sus obras cumbre y el mejor tema de la historia del rock argentino.​

Sobre el final de abril se conoció que García finalmente llegó a un acuerdo con una firma discográfica para lanzar un nuevo disco.

El músico firmó contrato con una importante discográfica para la publicación de "La lógica del escorpión", el álbum en el que el genial músico está trabajando los últimos años.

El disco ya está grabado en su totalidad y será el primer material nuevo del Bicolor desde Random.

Se supo que el vínculo se estampó en la tarde del jueves en el mítico departamento de Coronel Díaz y Santa Fe.

Charly estuvo acompañado por su novia Mecha Iñigo, su representante Guillermo Tato Vega y sus abogados. Por el lado de compañía estuvieron el director Damián Amato, Nacho Soler, Enrique Dordoni y Sergio Ponfil.

Luego de escuchar el disco completo se procedió al trámite para que en unos meses esté disponible tanto en vinilo como en las diferentes plataformas digitales.

Todavía no hay fecha estipulada para los respectivos lanzamientos. Lo que sí trascendió es que el vinilo tendrá una edición limitada, con un llamativo arte realizado por la diseñadora Renata Schussheim.

Todos los presentes en la reunión coincidieron que el disco es un “auténtico García”, con todos los matices y pinceladas del genial músico, que a los 72 años sumará un nuevo material a su catálogo.

Charly viene trabajando en este disco desde la pandemia. Las sesiones de grabación se entremezclaron con diferentes episodios que atravesó por su delicado cuadro de salud, pero nunca perdió de vista el objetivo de publicar sus nuevas canciones.

A finales del año pasado, un mensaje en redes de José Palazzo sacudió a los fans del músico y a la comunidad artística en general. “Listo disco de García. A ver si las disqueras le meten pata que el jefe cocinó todo”, escribió el productor,

“Música para Volar”, banda que recorre un repertorio de clásicos temas del rock nacional, se presentará este viernes 31 de mayo en Venado Tuerto, como parte de la agenda que ofrece el Centro Cultural Municipal. Cabe recordar que este espectáculo iba a presentarse el pasado 17 de mayo pero debió reprogramarse por causa de fuerza mayor, manteniendo las entradas, ubicaciones y validez para la nueva fecha. 

La agrupación integrada por José Matteucci en batería y voz, Alexis Thompson en guitarra, Julieta Sciasci en bajo y voz, y Bruno Moreno en piano, quien además se encarga de componer los arreglos orquestales y de cámara de sus espectáculos, llegarán por primera vez a la ciudad en el marco de una gira que iniciaron a principios de año y que recorrerá varias ciudades, provincias e incluso países, ya que llegarán a Bolivia y Paraguay.

Recorrido

Con más de diez años de trayectoria, el grupo rosarino realiza habitualmente giras con sus diferentes espectáculos sinfónicos, de cámara y eléctricos, en los cuales abordan repertorios diversos, interpretando obras de grandes referentes del rock latinoamericano, como Soda Stereo, Charly García y Luis Alberto Spinetta.

En los espectáculos orquestales de Música para Volar ya participaron más de 800 instrumentistas en toda Argentina, Chile, Uruguay y Paraguay.

Entradas disponibles en https://www.ticketway.com.ar. Invita: Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural.

Show conceptual“Partimos de la premisa de que todo recital es un ritual. En el proceso de creación de este espectáculo, nos propusimos profundizar en el misterio de estos encuentros en los que un grupo de personas nos reunimos para dejar que la música nos transforme“, contó José Matteucci, cantante y baterista de la banda.

“Cuando armamos este show, lo imaginamos como una gran invitación a vivir un sueño, a redescubrir esas melodías tan queridas y su capacidad de contarnos historias fascinantes“.

El nuevo espectáculo propone un recorrido en el cual la música se va enlazando en un relato conceptual, con una puesta que incluye elementos audiovisuales a cargo del iluminador Fernando Burgo y el realizador audiovisual Hernán Roperto, que opera una videoinstalación desarrollada especialmente, en la cual se mezclan secuencias de imágenes prediseñadas con cámaras que captan y procesan detalles de lo que sucede en el escenario.

Potencia sonora

La sonoridad particular de los espectáculos sinfónicos de Música para Volar surge de la particularidad de los arreglos escritos por su pianista, Bruno Moreno. Allí se combinan la sensibilidad de las cuerdas, maderas y metales de la orquesta, las voces del coro polifónico y la banda de rock, con bajo eléctrico, guitarra, piano y batería. El resultado es una potente paleta sonora que irá utilizándose para abordar el repertorio, con momentos “de cámara“, en donde participa un grupo específico de instrumentos, solistas instrumentales y los imponentes “tuttis“ orquestales.

Experiencias

Una constante en la carrera de Música para Volar es el profundo respeto por la obra musical que abordan, así como la búsqueda de generar experiencias integrales en el espectador, diseñando cada detalle de la puesta en función de crear momentos únicos de reencuentro con las composiciones.

La ciudad de Nueva York inauguró hace unos días en el cruce de las calles Walker St. y Cortlandt Alley, la “Esquina Charly García” (Charly García Corner), en homenaje al 40º aniversario del lanzamiento del álbum “Clics modernos” y en el lugar exacto donde fue tomada la icónica imagen que constituye el arte de tapa del disco.

A unos cuantos kilómetros de distancia, en la ciudad de Firmat, el artista Ariel Bertolotti Paez también se sumó a este homenaje, pero meses antes. La obra, culminada en junio de este año, se puede apreciar sobre una pared del edificio lindero al Hospital “General San Martín”, sobre calle 25 de Mayo, entre Santa Fe y Remedios de Escalada.

En sus redes, a modo de recuerdo y archivo familiar para su hijo Dante, escribió: “Esto que pinté es (entre otras cosas) porque el disco de Charly García, ‘Clics Modernos’ cumple 40 años, cómo yo, tu padre. Además, que la tapa del disco da con todo para hacerlo en una pared, ese álbum y el momento en que salió representan muchas cosas (ojalá te interese y leas y escuches)”. 

Entre los detalles, contó: “Primero iba a recrear solo la imagen de la tapa y listo. Después me fui un poco por las ramas, agregando representaciones de lo que vendrían a ser personas, escritos y firuletes que tuvieron que ver con el álbum, la gira y demás”.

La particularidad de su trabajo es que fue autogestivo: “Cómo me da cosa pedirle a alguien puntual que me pague por algo que nadie me pidió, se me ocurrió hacerlo a la gorra, como alguien que canta, actúa, etcétera. Y por ahí hacer algún mango. La diferencia que esta gorra es virtual, mediante las redes virtuales y cualquiera puede contribuir con lo que tenga ganas, si es que tiene ganas y algo de guita, obviamente”. 

Bertolotti Paez, remarcó -siempre refiriéndose a Dante-, que lo más “importante cada vez que hago algo (por suerte) todavía tengo gente que me apoya”, agradeciendo luego a su familia y a una innumerable cantidad de personas que colaboraron en esta iniciativa. 

“Dante, un deseo. Ojalá banques los trapos. Los tuyos, de tu familia y amigos, y no seas fanatiquito de ninguna otra cuestión. ¿Por qué no te lo escribo en un papel? Probablemente acá dure más”, cerró

Clásico y vigente

Clics modernos fue el segundo álbum de estudio de Charly García, publicado el 5 de noviembre de 1983 por la compañía SG Discos. Contó con la participación de Pedro Aznar, además de sesionistas como el famoso guitarrista Larry Carlton, el baterista Casey Scheverrell y el saxofonista Doug Norwine.

El técnico de grabación fue un joven Joe Blaney, luego de gran prestigio por sus trabajos con Keith Richards y Prince. El estudio fue el mítico Electric Lady, fundado por Jimi Hendrix en los años '60.

La lista de canciones incluye hits como No me dejan salir (Estoy verde), Nos siguen pegando abajo, No soy un extraño y Los dinosaurios. El innovador sonido del disco cambió la estética del rock argentino, con el uso de baterías electrónicas y un aire pop que en un principio fue muy criticado por prensa y público, hasta que fue revalorizado unos meses después.

La idea original de la foto de tapa era escribir con aerosol la frase "Nuevos trapos" en una pared, porque así se iba a llamar el disco. Pero apenas Charly García y Uberto Sagramoso (el fotógrafo) vieron la silueta negra pintada por el canadiense Richard Hambleton,  decidieron que el argentino se sentara al piso para hacer un retrato.

Como anécdota, después resultó que al lado de la silueta alguien había escrito las palabras “Modern Clix”, así que Charly de inmediato cambió el título del álbum y lo bautizó Clics modernos.

Ignacio Andrés Amarillo

Ricardo Horacio Iorio, quien acaba de fallecer a los 61 años, fue un personaje de innumerables aristas. De movida es el padre del “metal nacional”: por estar desde los comienzos, por liderar el primer grupo relevante, V8, y porque buena parte de la alcurnia metalera deriva de ese grupo y de Hermética, su siguiente proyecto: de V8 salieron Beto Zamarbide y Miguel Ángel Roldán a formar Logos, Gustavo Rowek y Walter Giardino a Rata Blanca, y Osvaldo Civile a crear Horcas.

Después de Hermética, “Ricardo” (a secas, como se lo conocía en el ambiente) fundó Almafuerte, mientras sus ex compañeros sumaban a Karlos Cuadrado para ser Malón: en ese entonces la pelea se plasmó en canciones: Iorio publico “Buitres” en el álbum “Mundo Guanaco”, mientras que Claudio O’Connor, Claudio “Pato” Strunz y Antonio Romano le contestaron con “La fábula del avestruz y el jabalí”.

A principios de los 80, junto a su amigo Ricardo “Chofa” Moreno en guitarra y el baterista Alejandro “Pesadilla” Colantonio formaron la primera alineación de V8, denominada en honor a los poderosos motores de ocho cilindros en V: el combustible, la ignición y el metal caliente de los motores de combustión interna, la velocidad en la ruta, ya eran parte de la estética de los “jeivis” (como algunos pronunciaban en aquellos tiempos). Por aquel entonces Iorio cantaba y tocaba el bajo, algo que no volvería a hacer hasta Almafuerte (donde finalmente cedería el instrumento y se convertiría en frontman puro, aunque en algún momento seguía diciendo “somos tres acá arriba” y ya eran cuatro).

Junto a Alberto Zamarbide, entonces cantante de la banda WC, organizaron el primer festival de heavy metal realizado en la Argentina, en marzo de 1981, en la sede del Club Atlético Chacarita Juniors. Con el tiempo, Ricardo invitó a Beto a cantar, este trajo a Rowek de WC, y Moreno dejó la banda, recomendando a Civile como guitarrista: así nació la formación emblemática de V8: la que sacudió el BARock del 82, cuando los hippies de símbolo de la paz al cuello se encontraban con estos jovencitos enojados, cantando sus cuitas de clase trabajadora en la salida de la dictadura. Alguna vez contaron que Pappo (que había regresado al país, después de tocar con Lemmy Kilmister de Motorhëad, y había formado Riff, su propia propuesta dura), había rechazado tocar el mismo día, diciendo que si ocupaban su espacion en días diferentes expandirían la propuesta.

Como decíamos, en ese tiempo Ricardo supo poner en palabras la rabia de su tiempo, como en “Destrucción” himno del heavy argentino: “Ya no creo en nada / ya no creo en ti / ya no creo en nadie / porque nadie cree en mí. / no dejan pensar / no dejan crecer / no dejan mirar / pero por suerte puedo ver”.

Años después, en el primer disco de Hermética (tras la disolución de V8, debido a diferencias creativas y a la conversión evangélica de Zamarbide y Roldán) escribiría en Evitando el ablande: “Con mis amigos, / En el concierto / de metal duro, / por sentimiento. / Es fija que me verás / si estás presente / brindando aguante / con quienes sienten / como yo siento latir en la sangre mía, / salvando mis días. / Junto a su sonido brutal, mi vida / Resiste su ruina”.

Ahí vuelve a plantear al heavy metal como espacio de rebeldía, como una resistencia al sistema que viraba a los años locos del menemismo: “Las voces de discotecas no tienen cabida, / en esta movida. / Yo repudio toda esa careta / de mersa coqueta. / No callaré, porque me sobra aguante / y alzo mi voz, evitando el ablande del ladrón”.

Hermética se despediría con “Víctimas del vaciamiento”: uno de los mejores discos “libra por libra” del rock argentino de los 90, donde seguirían las críticas: “Otro día para ser (contra el capitalismo y la destrucción del ambiente), “Traición” (a los malos amigos), “Olvídalo y volverá por más” (a la corrupción política, inspirada en Carlos Grosso), “Hospitalarias realidades” (al sistema de salud), “Buscando razón” (a ciertos artistas “veletas de la moda”), “Del colimba” (al verdugueo militar, en épocas del soldado Carrasco) y la satírica “Moraleja”.

“Las letras de esas canciones documentaron todo lo que pasaba en ese momento y Ricardo veía todo”, le dijo tiempo atrás Marcelo “Tano” Romano a El Litoral. “Fue una época muy linda para nosotros, nos salían recitales en todo el país. De la grabación me acuerdo que tuvimos muchas horas en el estudio, pero fueron horas muy productivas. Creo que el buen momento de la banda se vio reflejado en el sonido del disco”.

A principios de este año, muchas de las canciones de Hermética fueron revisitadas en formato tango por la cantautora Ana Patané (hermana y colega de Lucy Patané), quien las reversionó en el álbum “Ajeno al tiempo”: un rescate de versos que siguen vigentes.

Con el tiempo, Iorio fue mutando a posiciones nacionalistas, de la mano de su contacto con veteranos de Malvinas, acercándose a León Gieco y Rubén Patagonia, con los que compartió la crítica a la extranjerización y a la persecución a los pueblos originarios. Con Gieco grabó “El embudo”, del disco “Orozco”, que salió justo cuando comenzaban a salir las diatribas contra comentarios antisemitas (“Si vos sos judío, no me vengas a cantar el Himno”) y anticomunistas de Ricardo; también se peleó con los organismos de derechos humanos y el kirchnerismo, pero nunca tuvo una pelea abierta con Gieco, más cercano a todas esas posiciones. Joana, la hija de León, fue tecladista de la última banda de Ricardo, y lo bancó en todas, como cuando la AFA lo bajó de los festejos de la Copa América de 2021, donde había sido convocado para interpretar el Himno Nacional Argentino. Tras las protestas de la Daia, fue reemplazado por el santafesino Sergio Torres.

Enfrentado a la entonces directora del Inadi, Victoria Donda, esta le respondió que prefería a aquel Iorio de “Tú eres su seguridad”, cuando decía: “Ajeno al tiempo / sé que quisieras seguir / pero mil voces te ahogan / para que formes la cola del seguro porvenir. / Por eso te vi escapando / en las horas sin sol / de las miradas oscuras / que aprobaron las torturas del fugado represor. / Son quienes no alcanzan la paz / por sus viejos miedos. / Hoy esperan de vos seguridad. / Que no te demore el mundo, no /poniéndote el antifaz. / Y buscando acomodarte / En medio del derrumbe de su decadencia”.

En los últimos tiempos estuvo vinculado a Alejandro Biondini, dirigente identificado como filonazi y reconvertido en líder del Frente Patriota Federal. También se peleó con los mapuches en 2017 (también enfrenando al macrismo), y en los últimos tiempos hizo comentarios sobre “la Tierra plana”.

Durante años, extractos de sus declaraciones circularon en webs y redes sociales como “Ricardescas”: “¿Por qué en los grupos de cumbia son muchos? Porque tienen vergüenza. Como los ciclistas que andan en la ruta. Si sos macho, bancántela mano a mano, en un velódromo” (sus asociaciones de ideas eran únicas).

De la mano de Beto Casella se fortaleció el Iorio mediático: el de las entrevistas bizarras, entre respuestas profundas y definiciones graciosas. Se conocían desde muy jóvenes: según contó Casella, su hermano puso el primer local de indumentaria de cuero donde los primeros metaleros argentinos se proveían, remedando el vestuario de los grupos internacionales que veían en las revistas (Ironías: Rob Halford, cantante de Judas Priest e impulsor de esa estética, se la apropió de los clubes gays europeos a los que concurría; dato que pone nerviosos a muchos metaleros homófobos).

De todos modos, su presencia mediática no se limitó a esas duplas con el conductor de “Bendita”: una de sus primeras entrevistas largas fue la que le brindó a Hoby Defino en “El visionario", en un enclave bucólico rodeado de gente danzando alrededor, encabezados por la astróloga Ludovica Squirru (está en Internet).

En una entrevista con Yayo Guridi en “Sin codificar”, hablando de su vida en medio del campo, tuvo una expresión premonitoria: “Soy consciente de que si a mí me agarra un infarto, o un HV (sic, en referencia a un ACV) yo muero, porque ahí no llega la ambulancia. Porque el campo es muy bonito, pero a veces también te dice ‘tomá, puto’”.

Mientras el rock argentino se debatía a grandes rasgos entre los sonidos rockeros, que tenían a Pappo´s Blues y La Pesada como principales referentes, y el movimiento conocido como "Acusticazo", con Sui Generis, Raúl Porchetto y León Gieco a la cabeza; Luis Alberto Spinetta entregaba en los primeros días de octubre de 1973 "Artaud", su obra más personal e inescrutable, que no permitía referencias claras con ningún otro trabajo a nivel local e, incluso internacional, y ni siquiera un diálogo directo con ninguna de las propuestas anteriores o posteriores que conformaron su extensa discografía. Al igual que su particular portada de forma irregular, imposible de ordenar en las bateas de las disquerías, el álbum contenía una música minimalista en su instrumentación pero extremadamente compleja y atípica en cuanto a su contenido melódico, armónico y lírico; que tomaba debida distancia de Pescado Rabioso, el anterior proyecto de marcado corte rockero del autor, aunque tampoco abría un camino o daba pistas respecto al futuro que comenzaría a tomar forma bajo el trío Invisible.

Aunque el disco fue lanzado como si se tratara de la tercera producción de Pescado Rabioso, en realidad fue el primer trabajo solista de Spinetta, pergeñado en medio de un proceso creativo marcado por el regreso a su mítica casa familiar de la calle Arribeños, en el porteño Bajo Belgrano; el inicio de la relación amorosa y la convivencia con Patricia Zalazar, quien iba a convertirse en la madre de sus cuatro hijos; el final de una etapa signada por la lectura y el intento de experimentar el estilo de vida de los "poetas malditos"; y cierto desencanto con el mundillo rockero.

Precisamente, para su grabación, el músico apeló a sus viejos amigos de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García, compinches además de sus sueños adolescentes; y de su hermano menor, Gustavo Spinetta, con quien en esos días compartía la habitación en la que dormía junto a Patricia, lo cual lo convertía en un testigo partícipe de la composición de aquellas canciones.

"Yo creo que fue un disco que viene de la necesidad de volcar un material que tal vez no se llevaba bien con Pescado Rabioso. Yo relaciono a Pescado con el hard rock, a pesar de que Luis siempre conservó una libertad muy grande en sus obras, en donde aparecen elementos muy diferentes todo el tiempo. Pero él tenía muchas ganas de volcar cosas que le estaban sucediendo musicalmente y en la vida privada. Seguramente, todo eso lo motivó a componer canciones que por ahí no cuadraban en lo que era Pescado Rabioso", consideró Gustavo Spinetta en diálogo con Télam.

"Luis eligió llamarnos a Rodolfo y a mí, y al hermano porque necesitaba un entorno amigable, familiar, de gente que lo quería y lo respetaba. Se ve que se sentía un poco dañado por el final de Pescado; no porque algunos de Pescado lo hayan dañado a él, pero por una cuestión de sensibilidad necesitaba estar un poco apañado y protegido", recordó, por su parte, Del Guercio, a pedido de esta agencia.

El llamado de Luis a la vecina casa familiar de Emilio de la calle Montañeses llegó luego de una gira por Córdoba de Aquelarre, el proyecto en el que el bajista estaba embarcado en esos días junto a García, el guitarrista Héctor Starc y el tecladista Hugo González Neira; y la invitación para participar del disco incluyó un pedido especial para que llevara el bajo Repiso utilizado en la grabación de la gran mayoría de los temas de Almendra.

Para Gustavo Spinetta, ese período fue "un volver al hogar y volver a una esencia que no pudo soslayar. Fue el regreso a esa fuente que nunca dejó de estar, un universo que nunca dejó de existir, que estaba ahí y era imperioso hacerlo visible".

El baterista, que aportó su toque en los temas "Cementerio Club" y "Bajan", en lo que fue su debut absoluto a nivel discográfico, recordó que "había un clima muy pasional, con los sentimientos a flor de piel" en el hogar de Arribeños, a partir del regreso de Luis, en ese caso, junto a su flamante pareja.

"Me acuerdo de verlo tirado en la cama con Patricia, tocando la guitarra, componiendo, dibujando. Era una antena buscando elementos, siempre a la pesca de alguna idea que tenía en el bocho, buscando resolver alguna frase que tenía", describió Gustavo.

En coincidencia con lo dicho por su hermano sobre el estado creativo que atravesaba Luis, Del Guercio señaló que "Si bien se 'rockerizó' un poco saliendo de Almendra, que era mas lirico, y se puso mas duro en Pescado, en realidad toda esa cosa compositiva más amplia que tenia se empezó a frustrar porque la banda quería tocar mas rock y blues".

"A nivel artístico, siempre fue un muchacho súper creativo, siempre tratando de inventar cosas nuevas, sonidos nuevos, buscaba mucho armonías. De alguna manera, en `Artaud´ aparece nuevamente esa cancionística tan linda que tenía y, de alguna manera, fue como el inicio para explorar cosas nuevamente en ese campo", apuntó el bajista.

En el marco de las celebraciones por los 50 años de esta obra, Adrián Iaies se hizo cargo de una lectura sinfónica que subió a escena en mayo pasado, nada menos que en el Teatro Colón, en una velada en la que el pianista manifestó que se trata de un disco que "no tiene secuelas ni precuelas, incluso en el rock internacional".

"Es un disco único, como una especie de meteorito que vino del espacio y cayó en algún lugar de la Tierra. No es un disco que haya dejado un camino. Pudo haber sido una influencia en el sentido de lo motivador que pudo haber sido para algún músico el escucharlo, pero no en el sentido más textual. Fue algo que pasó y se fue", reafirmó ante la consulta de Télam.

Y se explayó al respecto: "La forma de las canciones de `Artaud´ es asimética. No está la idea de canción pop, con estrofa y estribillo. Las formas de las canciones son muy abiertas, aparecen elementos que no se repiten, no sabés cuál es el estribillo. Desde ese punto de vista es muy original".

Aunque toda la obra de Spinetta se caracteriza por el uso de acordes que no son tradicionales, en "Artaud" hay una forma de armonizar, según Iaies, que lo emparentan con la música impresionista de Claude Debussy y Maurice Ravel.

"Hay mucha armonía no funcional, un uso de acordes que están ahí no porque cumplen una función, sino porque generan un cierto color. Y esos elementos impresionistas incluso están en la poética. Hay frases y palabras que están por el color que generan y no por su significado", indicó.

El clima hogareño en el que "Artaud" tomó forma se trasladó al estudio a la hora de registrar el álbum, según el relato de su hermano Gustavo y de su excompañero de Almendra.

"Yo me sentía un poco cortando clavos porque era una responsabilidad muy grande. Era mi primera vez y sentía como que todo el mundo esperaba de mí la misma genialidad que Luis. Era como un apriete", confesó el menor de los Spinetta, pero afirmó que más allá de su sentimiento personal, "todo fluyó muy bien".

"Hubo unos ensayos previos en donde pasamos los temas pero no fue un proceso largo, fue sacar los beats, la armadura de los temas, y luego fue ir para adelante. Es más, en `Bajan´ había una parte que me costaba un poco e hicimos algunas tomas, pero no muchas. No se hicieron sobregrabaciones, solo para sumar alguna guitarra más", contó Gustavo.

"Fue lindo porque teníamos ahí un sustrato de afecto imborrable. No ensayamos antes, lo hicimos ahí en el estudio. Creo que él tenía una necesidad de reencontrarse con Rodo y conmigo, pero también sabía que nosotros estábamos muy afianzados y le íbamos a dar una garantía como base para ejecutar esas canciones. No nos resultó difícil porque, si bien él estaba en otra etapa, el lenguaje de las cosas que hacía Luis nos era familiar y sabíamos como abordarlas. Siempre que nos juntamos, existió esa recreación del espíritu inicial que nos conectó de tan chicos y, de alguna manera, es el certificado de nacimiento de nosotros como artistas", expresó Del Guercio.

La realidad es que este disco que cumple 50 años ocupa un lugar fundamental en la historia de Spinetta y se ubica como una de las mejores obras del rock argentino.

"Luis ha generado música tan increíble que podría dejar en un segundo plano lo que pasó en `Artaud´ pero no ocurre, y si no ocurre es por algo. Hay ahí una pasta muy especial, como que el chef hizo magia", opinó su hermano Gustavo.

Faltando una hora para el comienzo programado del show, el público rosarino ya se amontonaba en la escalinata de la Sala Lavardén para conseguir los últimos tickets. Dentro, la velada comenzó con la presentación de Lucky Rivers, joven músico rosarino que ha teloneado a grandes del rock como Divididos, Ciro y Los Persas, los Abuelos de la Nada y Pedro Aznar. En esta oportunidad, y sólo acompañado por su guitarra, interpretó temas inéditos y canciones de su álbum debut “Actemio” de 2021, nombre que hace referencia a “Los días de Actemio”, una canción de Los Gatos que más tarde esa noche, el mismo Litto Nebbia interpretaría.

Ante un público heterogéneo, Lucky Rivers reconoció encontrarse algo nervioso pero el auditorio arengó después de cada tema y lo acompañó con aplausos, logrando un momento de conexión al entonar las primeras estrofas de un clásico del rock nacional: “Pato trabaja en una carnicería” del gran Moris.

Allí, público y artista lograron esa complicidad y disfrute que descontractura cualquier puñado de nervios. Este no sería el único homenaje de la noche a Moris, amigo y compañero musical de Nebbia. Con una gran sonrisa, Lucky agradeció y dio paso al show del maestro. Minutos después, y ante una sala expectante, se abrió el telón y el público se deshizo en aplausos para el músico quién ya se encontraba ubicado tras el teclado Casio, llevando su clásico look con anteojos negros. “Yo sé que no puedo morir por ahora y la razón es que ando muy ocupado” entonó para comenzar con la canción “Yo no permito”, de su disco No Hits.

Acto seguido, todo el auditorio entonó el feliz cumpleaños, acompañado de aplausos, gritos de amor y buenos deseos. Visiblemente emocionado, el músico agradeció la posibilidad de recibir sus 75 años sobre el escenario. El recital continuó con “Nueva zamba para mi tierra” y con un clásico del cancionero nacional: “Viento dile a la lluvia”. Nadie en la sala quiso perderse la oportunidad de atesorar ese momento, filmando con sus teléfonos a Nebbia y a su banda interpretando ese hit entre las luces violáceas. Algo así como un souvenir de una noche que ya pintaba como única.

Una multitud acompañó a la leyenda de la música argentina.Es que sobre el escenario Nebbia supo conformar una banda sólida por donde se la mire -y escuche-, con Ariel Minimal (cantante de la banda Pez) en guitarra y canto; el músico tucumano Leopoldo Deza en teclados y flauta, y los hermanos Corley: Nica en guitarra, bajo eléctrico y canto, y Tomás en batería, ambos miembros de la banda de rock “Los reyes del Falsete”. Esta formación es la misma con la que se presentó en el festival Lollapalooza 2022, y que se destaca por su solidez rítmica. Como capitán de este quinteto, Nebbia paseó por su discografía así como se navega aguas conocidas, con la calma y la seguridad de quien maneja el timón desde hace mucho tiempo.

El concierto siguió con un enganchado que invitaba a emocionarse: “El rey lloró”, seguido de “Ayer nomás”. El público cantó cada estrofa meneando sus cabezas, algunas con cabellos de colores y otras que peinan canas. Es que Nebbia como músico, intérprete y compositor, logró lo que contados artistas pueden: tener un público que atraviesa las generaciones. Su caudal de voz se encuentra casi intacto, al igual que su deseo por seguir grabando canciones.

Luego vinieron temas como “Esperando a Dios”, de su disco de 1992 “Seguro”, “Los días de Actemio” originalmente grabada con Los Gatos en 1970 en el disco “Rock de la mujer perdida”, y “El pescador”, tema de su guitarrista Ariel Minimal, con quien compartió la interpretación sobre el escenario. Para cerrar la primera parte en los teclados, sonó “Silbando en el amanecer”, track que se encuentra en su último disco “Temporada 75 parte 1”.

En diálogo con el público, Litto volvió a manifestar su agradecimiento a la vida por poder celebrar sobre el escenario en Rosario y por estar acompañado de grandes músicos amigos y del público de su ciudad natal. Con la vista puesta en lo que vendrá, anunció una veintena de shows que lo llevarán a tocar por todo el país hasta fin de año. Además de la edición de un nuevo proyecto que se llamará “Los Archivos de Nebbia”: una caja con 12 discos que contienen 208 grabaciones inéditas de sus giras mundiales y que saldrá a la luz el próximo mes.

Luego de los anuncios vendría un set acústico sólo acompañado por su guitarra, arrancando con “Memento Mori”, un folk del disco “Melopea”. Continuó con la canción “Amigos en el Bar”, homenaje a Moris que aparece en su último material discográfico. Allí recordó la época cuando iniciaba su carrera musical y, junto a su amigo Moris, tocaban en los bares de Palermo, en presentaciones espontáneas que finalizaban cuando los vecinos llamaban a la policía por ruidos molestos. Esta anécdota despertó risas y aplausos entre el público. El set concluyó con “Nunca encontraré una casa como la que hay en mí”, del disco homónimo lanzado en 2021.

Litto Nebbia calentó la sala al tomar la guitarra eléctrica y poner en evidencia por qué es considerado miembro fundante del rock nacional. Es que con temas como “Vertical”, el blues “Mujer de Carbón” o “Vamos Negro, fuerza Negro” donde se luce en un extenso solo de guitarra, recuerda que la base de todo el movimiento musical argentino se encuentra entre sus manos y que a los 75 años, el rock nunca dejó de correr por sus venas.

En la siguiente parte del show, Nebbia regresa a los teclados para tocar tres canciones en solitario: “Armonía es lo que necesito”, “El otro cambio” y “Está en tus manos”, todas de distintos momentos de su trayectoria musical, demostrando ser un músico y compositor multifacético pero con un estilo propio que perdura a través de las décadas.

El resto de la banda volvió al escenario para juntos encarar el último tramo del concierto. El quinteto hizo sonar los clásicos “La ventana sin cancel” y “No importa la razón”, acompañados por un público sumido en el disfrute que cantó y aplaudió con vigor. “Fuera de la Ley”, tema instrumental, antecedió al último enganchado de la noche y que pondría fin a un concierto inolvidable. Se trata de la seguidilla “Solo se trata de vivir” y “Quien quiera oír que oiga”, los más cantados de la velada y que fueron rematados con aplausos de pie por parte de todos los presentes en la Sala Lavardén.

Así llegó a su fin un concierto que tuvo de todo, pero en que se destacó la calidad artística de la propuesta musical, tanto en la elección de los temas como en el desempeño de los músicos, timoneado por un generoso capitán. De esta manera Litto Nebbia ofreció un show completo, agasajando al público y disfrutando desde el escenario, demostrando que trasciende las fronteras musicales y generacionales, y que haga lo que haga, a su edad le sigue calzando perfecto el rock.

El ministro de Cultura, Jorge Llonch, recibió este viernes la donación del álbum debut de “Los Gatos Salvajes”, banda que cambió la forma de componer y cantar rock en la Argentina, en un acto que se realizó en el Museo del Rock Santafesino, ubicado en el Galpón 17 de la franja joven, a orillas del río Paraná, en la costa central de Rosario.

La grabación original de Los Gatos Salvajes fue reeditada por el Instituto Nacional de la Música (Inamu) y formará parte del patrimonio del Museo del Rock Santafesino. Además, en el marco de las actividades del Museo, el grupo Degradé ofreció un concierto gratuito a orillas del río Paraná.

En la oportunidad, el presidente del Inamu, Bernabé Buco Cantlón, le entregó a Llonch la reedición del álbum de la emblemática banda rosarina, grabado en 1965, material que fue recuperado de las cintas originales y remasterizado en vinilo.

Tras la entrega, el ministro recordó que “el Inamu ha sido fundamental para poder tener una ley de música” y recordó “el arduo y agotador trabajo de buscar en los distintos sellos discográficos que iban cerrando los master con los temas de bandas que formaron y forman parte de la música argentina”.

Sobre Los Gatos Salvajes, resaltó que “fue la primera banda que hizo llegar la música a todos, en castellano. En 1965, Los Beatles hacía dos años que tocaban, y en Rosario ya había gente cantando música beat en castellano. No es un hecho natural ni común. Eso fue un fenómeno en Argentina”.

Y sobre el disco original que entregó Inamu, destacó que “es un tesoro que pasa a ser patrimonio de Rosario y de este museo. Es como el Monumento a la Bandera: algo maravilloso y único”.

“Con esto no sólo conservamos la historia. Hay algo mucho más importante, cuando uno puede atesorar la historia para mostrarla, está pensando en el futuro”, sostuvo Llonch, y agregó que “cuando todo el mundo quería cantar en inglés, los Wild Cat cambiaron su nombre por Gatos Salvajes y eso fue por algo muy sencillo: para hacer soberanía. Porque cuando uno puede llegar en castellano uno puede llegar al 100% de las personas para que conozcan la letra, para que entienda los que están queriendo transmitir en esas letras”, destacó el ministro de Cultura.

Por su parte, Cantlón dijo que “no existe mejor lugar para esta cinta que la ciudad de Rosario”.

Cabe recordad que la cinta formaba parte del  catálogo del sello discográfico Music Hall (Sicamericana), que quebró en 1994. El presidente de Inamu contó que “muchas compañías discográficas se vieron interesadas en comprar ese catálogo, de alrededor de 2.500 discos y que era muy difícil para un juez ponerle un precio a discos emblemáticos de la historia del rock”.

“Nadie quisiera estar en el lugar del juez teniendo que ponerle un precio a los derechos de esos discos. Con el Inamu hicimos una oferta para comprar ese catálogo, pero con una diferenciación que nos jugó a favor: le dijimos al juez que le íbamos devolver los derechos a los músicos, a los artistas principales de esos discos, para que puedan reeditar todos esos discos, en los formatos que quieran”, valoró Cantlón.

“Finalmente lo conseguimos. Después nos pusimos en contacto con cada uno de los músicos y músicas de esos proyectos musicales para devolverle esos derechos. El Instituto era nuevo, así que las charlas eran particulares, porque cada artista mostraba un velo de desconfianza pensando que había un negociado en el medio. Pudimos recuperar un montón de cintas”, confesó.

“Desde el Inamu trabajamos en el rescate y recuperación de master originales,  para que no se pierda ese acervo cultural que forma parte de la historia de la música de nuestro país y para devolverle a los músicos y músicas los derechos de esos discos para que puedan reeditarlos”, remarcó Cantlón.

DEGRADÉ EN EL GALPÓN 15 El mismo viernes, en el Galpón 15 y como parte de la programación musical del Museo del Rock, la banda “Degradé” ofreció un potente show en el que repasó parte de su discografía.

Luego de casi dos años desde su último concierto, la banda integrada por Nahuel Marquet (voz, guitarra y teclados); Emiliano Cattaneo (piano, teclados y voz); Álvaro Manzanero (batería); Lisandro Sagué (bajo); Pablo Giulietti y Guido Benvenutti (guitarras), brindaron un potente concierto con temas de sus distintos discos.

El show fue un repaso de una larga carrera en la que los sonidos de la banda mantiene un estilo que mezcla guitarras furiosas, melodías pop, con ajustados teclados y mucho rock. Fue un repaso de sus discos, una suerte de retrospectiva de “Ratitas”; “Agua”; “La Hora Azul”; y “Balneario”.

Comenzó con ‘Canción Diluible’, siguió con “Flecha”, continuando con algunos de los ya clásicos de la banda que tiene casi treinta años de historia como “El lunático”; “Espina”; “Casa en los árboles”; “La casa abandonada”; “Colmena” y “Al otro lado del espejo”, entre otros.

Después de las actuaciones de “Pablo el Enterrador”, “Oasis” y “Los Vándalos”, “Degradé” brindó una pincelada de temas de su prolífica carrera, que convirtieron a la banda en una de las más importantes del rock-pop rosarino.

(Por Leonardo Pez) “Estelares. Detrás de las canciones” es un libro de Andrea Álvarez Mujica, publicado por su editorial Hormigas Negras. A través de un entretejido de testimonios de protagonistas, colegas y allegados al grupo, la periodista y escritora avanza desde Licuados Corazones, pasando por Peregrinos, hasta cada una de las canciones materializadas en discos -incluso, inéditos-, insumos hoy de la vasta cultura popular argentina. Es el relato vital de un poeta fértil de verdad, de diagonales musicales que se cruzan en el tango y en Leonardo Favio, pero también en John Cassavetes y Wim Wenders, y de una convicción inoxidable: se puede vivir de la música. Se puede vivir del amor.

Corría el otoño de 2017. Andrea volvía de pilates imaginando un desayuno tardío para avanzar en los detalles finales de su libro “Horas de rock”… y se le ocurrió sumar un texto dedicado a Estelares. “Como sabía poco de su historia, le consulté a Manuel cuál libro me recomendaba comprar. Me contestó que no había ninguno y al toque le propuse hacer la biografía. Recuerdo el entusiasmo que sentí, el vértigo”, reconstruye Álvarez Mujica.

Los encuentros con Moretti fueron tomando forma de ritual: los jueves en el barcito de Almagro. “Cuando comenzamos a reunirnos, Manuel era un misterio para mí. Yo había recibido el impacto de las canciones y quería saber más sobre el compositor. Me gustaba escucharlo hablar. Creo que eso es necesario para hacer un libro de estas características. Prender el grabador y esperar. Se supone que la clave de una entrevista es la pregunta. Pero la disposición de escuchar es complementaria. La mente de Manuel es muy interesante”.

Tom Lupo fue el ignitor del fuego creador que devino en el libro. La autora recuerda al eterno gestor cultural, periodista, psicoanalista y poeta como un gran amigo. “Tenía mucho humor y dos listas de chistes, los obvios y los sofisticados, y los intercalaba sin prejuicios. Su voz era maravillosa, cualquier texto leído por él adquiría categoría”, rememora.

Tom tuvo una estrategia delicada y eficaz. A través de un amigo en común que había visitado a Andrea por otro tema, le hizo llegar “Extraño lugar” (1996), “Amantes suicidas” (1998), “Ardimos” (2003), “Sistema nervioso central” (2006), y dos incunables ediciones independientes de la discografía estelar: el “Demo verde” y “Lados B”. Antes de irse, el visitante sacó de su morral los discos y le transmitió un mensaje a ella: “Dice Tom que esta es la banda que está captando la época”.

Lo raro, reconoce la escritora y editora, “es que guardé los discos pensando en ponerlos al rato y pasaron un par de años. Una tarde de febrero de 2012 los escuché todos seguidos. Me fascinó la música de Estelares. Se abrió para mí un universo nuevo, que a la vez me resultaba familiar, con capas culturales compartidas”.

El proceso total del libro, desde la primera conversación hasta la salida de imprenta demandó un total de cinco años. De mayo de 2017 a mayo de 2022. “Decidí empezar la biografía con la llegada de Manuel a La Plata. Avanzábamos de forma cronológica. Mi fuente primaria era él. Luego de cada encuentro, le pedía que pensara cuáles eran las personas involucradas en la etapa de la que habíamos conversado”.

De este modo, se fue entretejiendo el núcleo de testimonios que articulan la obra. “Trabajé con la memoria de los otros”, recupera Andrea. “Tuve en cuenta que a veces los recuerdos tardan en llegar o emergen fragmentados. Todos los entrevistados iluminaron el libro; destaco a Pilar Ungaro, Carolina Farías y Julieta De Marziani. Esperamos meses a Andrés Calamaro que estaba con una gira monumental. Sabíamos que cuando se sentara a escribir nos iba a dar algo muy bueno. Nos faltó Fito Páez, que estaba escribiendo los tomos de su autobiografía y no pudo atendernos”.

-En un pasaje de la obra, De Marziani dice: “La Plata era así, caminabas y en algún momento caías en donde estaban los amigos”. ¿Qué condiciones de posibilidad tuvo y aprovechó Estelares al irrumpir en La Plata? ¿Cuál creés que es el mayor aporte, transformación o disrupción que generó el grupo en la escena?

-Hay elementos de los Peregrinos y de los primeros Estelares conectados con los tempranos Redondos, en cuanto a la mística de vivir dentro del arte cuestionándolo todo. Detrás de la música de Estelares está Virus, no porque traten de parecerse, ellos van siempre hacia su propio sonido y personalidad, pero se escucha esa identidad de rock platense. Uno de sus aportes es la valorización del lenguaje, la elección de las palabras, la poética. Luego está la cuestión del tango. Moretti, (Torio) Bertamoni y (Pali) Silvera son los fundadores del sonido de Estelares, y los tres tuvieron un paso importante por el tango.

Una de las lecturas posibles sobre “Estelares. Detrás de las canciones” es la de una biografía coral. Una suerte de homenaje a los permanentes movimientos de Manuel y sus compañeros de ruta. Consultada respecto a la intencionalidad -o no- del gesto, Álvarez Mujica responde con el fervor del título: “Mi idea era que lo central fueran las canciones. Hablar de los procesos creativos. Del entorno vital de cada disco”.

En cuanto a la estructura narrativa, Andrea fue fiel a su plan maestro. “Quise que la historia estuviera lo más hilvanada posible, que la lectura corriera fácil. Me propuse que la información rebotara y se complementara en distintos puntos de la lectura, que es un recurso más cercano a la novela. Indefectiblemente, Manuel y Víctor son los protagonistas de la historia que el libro cuenta, son los héroes (o los antihéroes), en lucha”.

Pero hay otras varias formas de interpretar la obra. Como la historia de -más de- una generación, como la geografía de un territorio fértil (La Plata), como la configuración de un grupo de amigos, como la novela de un antihéroe convencido y sensible. Entonces, ¿entre qué fronteras se desplaza el libro? “Las fronteras del libro están fuera de cuadro”, afirma su creadora. “Voy con una linterna recorriendo parte de la historia del underground platense de finales de los 80 y comienzos de los 90, pero no lo abarco, sigo los pasos de mis protagonistas. Espero haber logrado transmitir el clima de época y la ebullición. Por supuesto que hay homenajes a la cultura platense en las canciones y en el entramado de Estelares y por lo tanto en el libro”.

Entrevistados por Álvarez Mujica, el músico Sebastián Escofet y el periodista cultural Eduardo Fabregat coinciden en destacar la esencia popular de Estelares. ¿Cuál es el sustrato de esa conexión que genera el grupo a través de los álbumes y que se renueva en los shows por distintos puntos del país? “Hago una lista: la cantidad de canciones buenas, la voluntad de estar permanentemente de gira por lugares no tan usuales en el mapa de una banda de rock, la descripción de lo íntimo que es a la vez universal, la propuesta de que el show se viva como una fiesta, el carisma de Manuel. Por último, creo que Estelares entiende que el formato de la canción trae en sí la esencia de lo popular. Por eso, una canción termina de constituirse cuando no importa quién es el autor. Es de la gente. Y Estelares ya tiene varias canciones apropiadas por el público”.

“La vigencia de las letras de Manuel es porque lo que él cuenta nos representa”, explica Andrea ante el por qué invisible desatado por su anterior respuesta. “Canta espiando nuestros corazones, hace treinta años y hoy. Las canciones de Estelares siguen estando cargadas de sensualidad, melancolía y tiempos dorados. La congoja y la desolación del verso se transforman en esperanza en el estribillo. El amor como solución”.

El texto presta atención a un gesto morettiano de recuperar letras o melodías de otros tiempos y encastrarlas en un nuevo dispositivo de sentidos, en un álbum fulgurante. “Un artista ubica piezas en el tiempo y en el espacio de su biografía. Manuel vuelve sobre esas piezas, las observa como si fueran ajenas, las evalúa, las pule, las retoca y las ofrece sin perder su esencia”.

Algo así pasó con “América”, himno estelar sobreviviente de Licuados Corazones. “Tengo una extensa lista de canciones preferidas que abarca casi toda la discografía”, repone Álvarez Mujica. “Me gusta escuchar los discos completos, tengo esa cultura. Hay bandas en las que los mejores temas son los de difusión y hay bandas en las que todos los temas están a la altura. Las canciones ocultas de Estelares son tan buenas o superan a las canciones más conocidas. Elijo ‘América’, con su letra original, porque es una de sus canciones raíz”.

Hablar de antihéroes convencidos y sensibles es, también, enfocarse en una ética, una estética, en recurrencias, búsquedas, heridas y sanaciones. Por ello, no es fácil quedarse con un solo momento de la trama estelar. Andrea, en cambio, tiene en claro su fragmento elegido: la partida de La Plata a Buenos Aires. “Es la clave de la historia de Estelares. Un movimiento que hace Manuel en medio de dos sucesos históricos: el cambio de milenio y la crisis del 2001. Manuel es del 65. No era tan joven y en cierta forma estaba en cero. Llega a Buenos Aires sin plata, sin contrato, sin casa y sin trabajo. Y es durante ese periodo de bohemia épica, con los anteojos rotos, con sus pertenencias en una mochila, cuando compone las canciones de ‘Sistema nervioso central’, el disco de los hits”.

El álbum que siguió, “Una temporada en el amor” (2009) tiene un cierre dramático llamado “Un viaje a Irlanda”. Esta canción, que en el festejo de los 20 años en el Gran Rex tuvo a Palo Pandolfo como voz aliada, es utilizada por la autora para referir a una de las caras compositivas de Moretti, el narrador focal. “Orhan Pamuk toma la ‘famosa distinción’ de Friedrich Schiller entre los poetas ingenuos, aquellos que escriben espontáneamente, y los poetas sentimentales, aquellos que escriben reflexionando, y dice que en la novela hay que oscilar entre los dos registros. Manuel escribe las letras con esa oscilación; a veces los versos se le presentan completos como si se los dictara otro y, a veces, elige fríamente (reflexivamente, dirían Schiller/Pamuk), las palabras en función de lo que quiere contar”.

El sábado último, la cantante Claudia Puyó, una de las voces femeninas más destacadas e imponentes del rock nacional, regresó a Venado Tuerto para compartir un puñado de temas, entre composiciones propias y clásicos del cancionero popular argentino. El show fue en 1927 Multiespacio, con un buen marco de público, que colmó la sala del bar ubicado en Casey 435.

En esta oportunidad, la artista, que mantiene una relación muy cercana con Venado Tuerto, adonde vino varias veces en sus casi 48 años de trayectoria, presentándose en diferentes espacios y escenarios, estuvo acompañada de talentos locales: Ricardo “Gafas” Maril en teclados; el trío Ojo Bizarro, integrado por Julián Baronio (guitarra), “Corto” Mestre (batería) y Guillermo Betti (bajo); y Melanie Trifiletti en voz.

Los años no parecen transcurrir para la cantante, que sigue con la voz intacta, al igual que su espíritu rockero, que parece encenderse cada vez que pisa un escenario. Para Claudia, el rock no es una pose, sino un estilo de vida que la acompaña desde el año 1974, cuando comenzó su próspera carrera que continúa en la actualidad.

Hoy en día, este amor por el género y la pasión por la música, la llevan a levantar y defender más que nunca al rock nacional, aquel que floreció en un momento muy difícil para el país, como fue la última dictadura cívico-militar y que explotó, sobre todo, en las décadas del 80 y 90, como una especie de resistencia ante el surgimiento de otras propuestas como el rap, el trap o el reggaeton.

“En este último tiempo avanzó rápidamente un movimiento musical que no me gusta y que hoy es lo que está de moda, como el reggaeton o el trap. Me llevo muy mal con esta música nueva. Yo vengo del rock and roll, aunque escucho música clásica, folklore, tango, pero esto no”, exclamó Claudia Puyó.

Trazando una diferencia con estos “géneros de moda”, consideró que el rock “tiene una poesía que dice más cosas concientizantes”, cuando ahora “hacen música direccionada a estupidizar a la gente”. “Ya no hay más profundidad en lo que estamos escuchando, porque una canción tiene que tener armonía, melodía y poesía. Sé que soy de otra generación y quizás por eso me resulta muy agresivo, sobre todo el reggaeton”, puntualizó.

Para la artista el rock no es una postura, sino una forma de vida. Foto: Gentileza.

Para la cantante, regresar a los escenarios y retomar las giras y recorridas es “una enorme alegría”, luego de lo que fue la pandemia de Covid-19 que “nos alejó un poco a todos y nos hizo parar de tocar, algo muy complicado para un músico. Por suerte ahora podemos reencontrarnos”.

Si bien con el confinamiento que se instauró en marzo de 2020 y continuó hasta inicios de 2022, con algunas intermitencias, “nos impidió salir con nuestra música, yo pude hacer cosas adentro, a distancia, desde mi cocina, como grabar un tema con León Gieco que se llama ‘Todo se quema’; con Piti Fernández, de Las Pastillas del Abuelo, grabamos la canción ‘El cuento que cuentes’; hicimos una versión del tema de Pappo’s Blues, ‘Algo ha cambiado’, con Alambre (González), Bolsa (González) y Nahuel Antuña; y grabé ‘Todo el día me pregunto’ (de Manal) con Claudio Gabis. Pero no es lo mismo que estar arriba de un escenario, conmoverse y conmover, que es algo de otro planeta”, remarcó.

Además, contó que aprovechó este tiempo para “componer mucho, aunque no son temas muy felices”, influenciada por una situación personal que le tocó atravesar, como fue el cuidado de su padre, hoy con 92 años, y de su mamá que falleció hace unos cuatro meses. “Terminé un disco doble que se llama ‘Cazadora de cielos’, uno que tiene canciones mías y el otro, versiones. Como hoy es muy difícil y costoso hacerlo en formato físico, estoy viendo de qué manera largarlo, quizás a través de las diferentes plataformas digitales”, adelantó.

“El encierro fue muy creativo y denso al mismo tiempo. Hice una canción que se llama ‘Espejismo en la tormenta’, que yo le digo el pandémico, que habla un poco de esa sensación de encierro y desesperación”, agregó.

La cantante visitó varias veces Venado Tuerto, ciudad con la que tiene un vínculo especial. Foto: Gentileza.

“Estoy muy contenta de volver a Venado, donde hacía mucho tiempo no tocaba, y acompañada de músicos que hace años nos conocemos y compartimos varias veces escenarios”, manifestó Puyó, recordando que estuvo muchas veces en tierras venadenses con diferentes propuestas, ya sea acústicos, eléctricos con banda propia o con Ojo Bizarro.

Pero la relación con la ciudad va más allá de esta serie de conciertos que brindó en todos estos años, ya que desde hace unas dos décadas toca junto al venadense Ricardo “Gafas” Maril, a quien “conocí en el Estudio Circo Beat, de Fito Páez, donde él era técnico en sonido; a partir de ahí se generó una relación muy grossa”, recordó, contando que “fuimos pareja largos años y desde hace mucho tiempo somos amigos”.

También, allá en los inicios de los ’80, tocó con La Torre, banda que lideraba Patricia Sosa y que tenía en sus filas al baterista venadense Jota Morelli.

Claudia Puyó no solo es cantante de rock, sino también aborda otros géneros como el blues o el soul. Es compositora -editó cinco trabajos y en breve saldrá a la luz un disco doble que produjo en época de pandemia llamado “Cazadora de cielos”- e instrumentista. Sin dudas, es una de la artistas más destacadas de la música argentina, que se dio el gusto de compartir escenario y grabar con Miguel Cantilo, David Lebón, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Fito Páez, Mercedes Sosa, Fabiana Cantilo, Joaquín Sabina, Patricia Sosa, Peteco Carabajal, entre tantos colegas prestigiosos.

A su vez, es acreedora de premios y distinciones importantes, como ACE (Asociación Cronista de Espectáculos) en la categoría Mejor Disco de Rock Nacional solista Femenina, año 1994, o la estatuilla de Platino, en 2005, que entrega la Fundación Konex, como mejor cantante de la década en Argentina.