Los seguidores de Rush tendrán una cita especial en Venado Tuerto con la llegada de “Natural Science”, banda tributo que propone revivir los grandes éxitos del histórico grupo canadiense.

El espectáculo se realizará el sábado 30 de mayo a las 21 horas en 1927 Multiespacio, ubicado en Avenida Casey 435.

La agrupación, oriunda de San Nicolás, ofrecerá un show centrado en las canciones más emblemáticas de la banda, en un contexto especial para los fanáticos, marcado por el recuerdo de su legendario baterista Neil Peart.

El quinteto está integrado por: Owen Palacios (voz), Javier Pareces (bajo), Federico Mayer (teclados), José “Pepe” Sánchez (guitarra) yJulián Paredes (batería)

Las entradas tienen un valor de $15.000 y ya se encuentran disponibles en el propio local donde se realizará el show, así como a través de la plataforma alpogo.com.

El show también se enmarca en la expectativa que generó el anuncio del regreso de Rush a los escenarios internacionales, tras varios años de inactividad. La banda volverá con nuevos integrantes en batería y teclados, en una gira que incluiría a la Argentina en enero del próximo año.

En ese contexto, propuestas como “Natural Science” permiten a los fanáticos reencontrarse con la obra de una de las bandas más influyentes del rock progresivo.

La respuesta del público fue inmediata y contundente. El esperado concierto “Serú Girán por Lebón & Aznar” agotó todas sus entradas en menos de 24 horas, desatando una verdadera serumanía entre los fanáticos del rock argentino.

Ante la enorme demanda, David Lebón y Pedro Aznar anuncian una nueva función en el Movistar Arena de Buenos Aires: será el domingo 21 de junio, sumando así otra noche que promete quedar grabada en la historia grande de nuestra música.

De igual manera se anunció una gira que por ahora llegará el 26 de junio al Quality Arena Córdoba, el 4 de julio al Metropolitano Rosario y el 25 de julio a la Arena Maipú de Mendoza.

El espíritu de Serú Girán vuelve a escena en una celebración única en la que Lebón y Aznar reviven en vivo las canciones de una de las bandas más importantes del rock en español. No es un simple homenaje: es el reencuentro de dos de sus creadores con un repertorio que sigue latiendo con la misma intensidad que el primer día.

Por la corta duración de la banda -cuatro años en su primera etapa y apenas dos conciertos de reunión en River en 1992- cada presentación se convierte en un acontecimiento excepcional. Por eso, estas dos noches en el Movistar Arena se perfilan como una oportunidad histórica para emocionarse y cantar en vivo junto a dos protagonistas fundamentales de esta historia.

La vigencia de Serú Girán, con más de cuatro décadas de influencia, volvió a confirmarse en abril de 2025 cuando Lebón y Aznar presentaron “Serú Girán - El Homenaje” ante 150 mil personas en el Festival Quilmes Rock, acompañados por artistas invitados. Un mes después, en mayo, el proyecto cruzó fronteras con “Serú Girán - por Lebón & Aznar” en el Festival Cordillera de Bogotá.

En el Movistar Arena resonarán himnos que marcaron generaciones: “Canción de Alicia en el país”, “Esperando nacer”, “Seminare”, “Cuánto tiempo más llevará”, “No llores por mí, Argentina”, “A cada hombre, a cada mujer”, “Perro Andaluz” y muchas más.

Lebón y Aznar prometen noches emotivas y poderosas. Cada nota, cada mirada y cada aplauso serán la confirmación de que Serú nunca se fue: sigue vivo en la música, en la memoria y, sobre todo, en el público.

Serán también encuentros entre generaciones. Habrá quienes vuelvan a abrazar una parte fundamental de su historia personal y quienes vivan por primera vez en vivo el repertorio de la banda que cambió para siempre el rock argentino.

(Por Ignacio Amarillo) - A las 14.09 de un de un sábado mayormente nublado, pero caluroso Aeródromo de Santa María de Punilla, Microtul salió de la mano de “Vértigo” como primera banda de la jornada en el escenario Boomerang (el que está detrás del Norte y el domingo se llamará Paraguay).

Minutos después hizo lo propio Chechi De Marcos (corista de Coti Sorokin, en plan solista más cuarteto) en el Escenario Montaña, antes de que arranque el duelo entre los escenarios principales norte y sur que con sus horarios mayoritariamente coincidentes. El primer mano a mano fue entre las juveniles Kill Flora (cuarteto de chicas encabezado por las mendocinas Ana Julia Gonzalez y Lucía Szellner, y Fantasmagoria, la banda del histórico Gori (Carlos Ramiro Loncharich, ex Fun People).

“Me rompería todo el cuerpo para no lastimarte más / cuando me vuelvas a mirar”, sonó en la voz evanescente de González. En la otra punta, Gori pasaba por el blues rock de “El Sheriff” desde la guitarra acústica, y “A veces” como cuarteto a capella, sólo con palmas. “Todo se arruina cuando vos te vas” (“Lejana”) cantaron las chicas en el final, cuando quedó claro que habían ganado la pulseada.

En el Montaña surgió Ryan, “los Måneskin alternativos del Conurbano”, encabezados por el cantante Dante Citara (de gorra aeronáutica), acompañado por Catalina Banega en bajo y voz, Sebastián “Tortu” Venezia y Valentín “Mou” Moura en guitarras, y Agustín “Magic” De Cousandier en batería. “Me imagino que están para la Bersuit, pero primero van a tener que escuchar un poco de Ryan”, dijo el vocalista.

Cosquín Rock - Día 1. Crédito: En Vivo Producciones

Las visuales de “A tres días de la Tierra” anticiparon el show de Eruca Sativa en el Escenario Norte: Lula Bertoldi (de corpiño en la calurosa siesta), Brenda Martin y Gabriel Pedernera ganaron las tablas con la potencia de “Eso no es amor” y “No pises las flores”.

Brenda abrió “Volarte”, que se fue al estribillo ganchero en la voz de Lula; al mismo tiempo, La Mississippi ponía su tradición blusera en el Sur. En tiempo de chacarera, con Martín en guitarra criolla, el trío cordobés volvió en el tiempo hacia “Creo”.

“Son tiempos en que nos quieren separados: qué mejor que estar juntos, los géneros también”, dijo la cantante, e invitó a un ovacionado Abel Pintos para “Amor ausente” (aire de zamba), terminando bien arriba en un duelo vocal.

Brenda salió a pelar a la pasarela el slapping-popping mítico de “Magoo”, sobre la síncopa de Pedernera y la voz punzante de la sunchalense.

“¿Qué onda? ¿Se termina?”, tiró, antes de la combativa “No pasarán”, y la explosión funk de “Quéloquepasa” en el final, con Bertoldi sosteniendo su guitarra SZ Brava y revelando sus abdominales de deportista (el rock es salud también).

Cosquín Rock - Día 1. Crédito: En Vivo Producciones

En el Escenario Sorpresa una banda de niños (Falset) tocaba clásicos como “Mariposa Pontiac” (Patricio Rey) o “El viejo” (La Vela Puerca), mientras la Bersuit agitaba la Montaña con “Yo tomo”, con el primer banderazo de la tarde y Juan Subirá en remera no pijamesca. La guitarra de Juan Bruno escoltó a Daniel Suárez y Carlos Germán “Cóndor” Sbarbati en “Espíritu de esta selva” y su invocación a “Don Leopardo”. La imagen de Diego Maradona en la pantalla llamó al ritmo (curiosamente) brasileño de “Tocó y me voy”, con la voz del guitarrista Nano Campolieti en la segunda vuelta (hubo cantitos de “Diego, Diego” y “el que no salta es un inglés”).

Con remeras de Abuelas de Plaza de Mayo invitaron a acercarse a quien dude de su identidad, antes de “Vuelos”, con el pañuelo blanco de fondo: “Madres de la Plaza, el pueblo las abraza”, dijo Dani (y abajo el santo mutó en “el que no salta es militar”). La coda viró a los afectos cotidianos con “Cuatro vientos” (cortina de la tira “Señores papis”, en los tiempos en que había ficción televisiva).

La banda sonora del cambio de milenio volvió con “El viejo de arriba”, y visuales de la es nena de la portada de “Hijos del culo”). El baterista Carlos Martín pasó al micrófono para “Sr. Cobranza”, el tema de Las Manos de Filippi que solo requeriría algunos cambios de nombres, sobre el bajo de Pepe Céspedes. La explosión final fue con la cuartetera “Devolvé la bolsa” y el bailecito de los cantantes.

Antes del final ya se habían reactivado los extremos, de un lado con El Zar y del otro con Emi, la propuesta solista de Emiliano Brancciari de No Te Va Gustar, bajo un sol picante que se escondería pronto. El uruguayo nacido en Argentina arrancó con “Que sigas bien”, saludó y presentó “Sirenas”, empuñando la acústica de 12 cuerdas. “La canción que vienen se llama ‘Perfectos’, está dedicada a todos los que están enamorados”, prosiguió el de los hombros fornidos.

El set prosiguió con “Imposible” (“Quise hacerme fuerte / transformar la sombra en luz /y aún es imposible”) y “Rufián”. Decidió darse “un gustito”, con una canción compuesta en inglés versionada en castellano por Charly García: “Me siento mucho mejor” (la grabaron The Byrds, pero la consagró el bicolor). Anunció show de NTVG en la Plaza de la Música de Córdoba, y el compromiso para el festival el año próximo.

Ahí se fue a la power ballad “Un rato más”, y a las metáforas boxísticas de “Silencio atroz”. Anunció la última y se fue con “Korea”.

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La ladera quedó para Marilina Bertoldi, la menor de las ciudadanas ilustres de Sunchales: salió platinada, de rulos, anteojos, maquillaje fuerte, cinta de reina de belleza y vestido de falda removible. Así pasaron “Para quien trabajas”, “Autoestima” y las espesas “La cena” y “Pucho”.

En pose de sensual teatralidad encaró “El gordo”, al borde del escenario, con sus consignas (“Cierren el orto / por favor no se critiquen con los otros”). Recibió flores y la tiara de reina, que tiró al público antes de recibir con un gesto genital “O no?”, seguida por “La casa de A”.

“Paz mundial”, dijo, quizás en su papel de “miss”, antes de entrarle a “Enterrarte” y “De caza”. Le cantaron “olé, olé olé olé, Maru Maru”; agradeció y dijo: “Nos vemos la próxima”, para cerrar con una versión de “Cosas dulces” como la tocaría Riff. La benjamina de los Bertoldi Festa hizo caras a lo Dady Brieva con una dentadura de vampiro de las que se comen, y repartió las flores blancas de su ramo en el adiós, sobre el audio de “Monstruos”.

Para ese entonces (en simultáneo con el arranque de Cruzando el Charco) Joaquín Levinton, todo de blanco, caminaba la pasarela de Turf con los Miranda! en la pantalla, en la versión de “Me hace sentir” de “Polvo de estrellas”, su reciente álbum de colaboraciones.

Ahí vino “Cuatro personalidades”, con solo del cantante en la flauta de émbolo (el único que aplauden por ese instrumento). Santiago Motorizado salió en las pantallas para “Casanova”, llevado por la guitarra de un Leandro Lopatín de sombrero de ala ancha.

Convocaron virtualmente a Mateo Sujatovich (Conociendo Rusia) en “Magia blanca”. “Qué bueno volver, y volver en Cosquín. La última vez que me fui de un escenario lo hice en una ambulancia. Espero no volverme en bodega”, reflexionó Joaquín con su humor, antes de anunciar a una Lali virtual para “Loco un poco”. La lista pasó por “Chicas malas” y “Todo por nada”, con un juego de coros invertido con el público.

Invitaron al Misty Soul Choir de Córdoba (que tendría su propio segmento en La Casita del Blues) para “Voy dejando atrás”, del disco “Renacimiento”, de 2023, y llegó el hit tribunero “Pasos al costado”. “Teniendo en cuenta que es un regreso de la muerte, lo menos que puedo pedir es un gran círculo”, dijo el carismático frontman, antes de la explosión de “Yo no me quiero casar, y Ud?”, con el clima festivo reforzado por las tradicionales pelotas publicitarias. “Aguante Cosquín, aguante Córdoba, aguante Argentina, la concha de su madre”, fue la despedida.

Una banda encaró en el Escenario Sorpresa “Una nueva noche fría” de Callejeros, y en segundos tenía encima una multitud con banderas cantando a voz en cuello.

Pero ya era el turno de El Kuelgue: abrieron con “Hola, precioso”, con el Groove y la contundencia de los vientos de la actual formación ampliada con coros y percusión. Julián Kartún se puso al hombro la conversada “Díganselo”, seguida por “Barry lindo”.

“Esto es lo que hace falta, humanos unidos”, dijo el performer, antes de encarar una relectura funky de “Mil horas” de Los Abuelos de la Nada, con Emi Brancciari de invitado.

De ahí pasaron al rap lleno de matices de “Parque acuático”, a voz y guitarra, mientras conversaba con un dron. El dúo con Benja López Barrios siguió en “Carta para no llorar”.

Convocaron a Litto Nebbia al piano para “Sólo se trata de vivir”, con un aplauso cuando el patriarca cantó la segunda vuelta. Hubo un “Litto, Litto” cuando se quedó para “Peluquita”.

Anunciaron una más, “En avenidas”, antes del cierre con los vientos tirando coreografías, tripulados en el ensamble desde el teclado de Santiago Martínez, antes de que Kartún se ponga en la piel de un predicador para “Show me your monkey”, que incluyó un meddley de “La rubia tarada” de Sumo.

La grilla cruzó a Dillom con Ciro y los Persas, en la vuelta tras el reencuentro piojoso de su líder. Con guitarra y de sombrero y corbata, Dylan León Massa desató la furia nü metal de su banda actual, con el cordobés Giuliano “Gringo” Tomatis en la guitarra, como en “(Irreversible)”, “Coyote” y “Piso 13”, bajando en “Mick Jagger”. “Estoy enamorado de todos ustedes”, tiró antes del clásico “Pelotuda” (“En Argentina, yo, y Los Ramones en NYC / La vida es triste, lo siento, pero es así”).

Para ese entonces, y ante una mayor audiencia, Andrés Ciro Martínez estaba entonando “Desde lejos no se ve”; antes habían pasado “Banda de garage” y “Barón Rojo”.

“Ay ay ay” de Los Piojos se unió a “Vas a bailar” de esta agrupación, en la que siguen firmes Juan Manuel Gigena Ábalos en guitarra y Julián “Lulo” Isod en la batería, con Luciana Valdés (Luli Bass) rotando en el bajo con el histórico João Marcos Cezar “Broder” Bastos: la intro de “Tan solo” fue toda para las cuerdas verdes de la novia del dueño del boliche.

El sonido de un sitar dio introducción a “Luz de marfil”, apoyada en el teclado de Martín Löhrengel. Bueno, a ver si conocen esta... a la canción”, tiró Ciro, antes de ponerse “rebotín” para “Como Alí”, con el violero Rodrigo Pérez y Lulo haciendo los personajes de la canción, y el trío de vientos levantando en el final.

El de la pera prominente se colgó la Telecaster para “Antes y ahora”, con un excursus guitarrístico del nieto de Vitillo Ábalos. “Feliz Día de los Enamorados”, saludó Ciro, de vuelta en la Gibson acústica, previo a la romántica “Me gusta”; justo una bandera santafesina flameó frente al escenario.

El homenaje a los Redondos tomó la forma de "Me matan limón, con Luli de vuelta. Subió Ricardo Mollo como invitado, tomando a su cargo la apertura y el solo a puro wah-wah de “Morella”. “Este tema lo pidió Luli, Feliz día”: así dedicó el solista a su novia “El mendigo del Dock Sud / Genius”, con la banda sonando a pleno.

Anunció show en Argentinos Juniors, contó que Mollo tocó con un equipo del fallecido Tavo Kupinski, y empezó el juego si/no sobre el final o no del concierto. Llegó “El farolito”, con solos para presentar a la banda, con el retornado Santiago Castellani en el trombón y Broder mostrando que es el titular. Cerraron con “Insisto” y “Astros”, con lectura de las banderas presentes.

Ya estaban tocando el Cuarteto de Nos en el Montaña y Abel Pintos en el Boomerang. Los uruguayos encabezados por Roberto Musso estaban pelando hits existenciales como “Ya no sé qué hacer conmigo”, “Lo malo de ser bueno” y “El perro de Alcibíades” (antes pasaron “Cara de nada” y “El hijo de Hernández”) y críticas actuales como “Ganaron los malos” (“Gritaron más alto, jugaron más sucio, fueron más astutos, nos acorralaron”) o el reggaetón punk “Mario Neta”.

En “Contrapunto para humano y computadora”, un Musso pixelado en las pantallas debatió con una voz cibernética, payando en décimas y retomando el último verso del otro: otro tour de force del letrista oriental.

La agrupación, completada por los veteranos Álvaro Alvin pintos en batería y Gustavo Antuña en guitarra, junto Santiago Marrero en bajo en reemplazo de Santi Tavella, redobló la apuesta con “Esplín”, “Cinturón gris”, “Gaucho Power” e “Invierno del 92”. “Hasta la vuelta, muchas gracias, dijo el de los rulos”, antes de otro trip cargado de rimas extremas como es “Yendo a la casa de Damián”, desatando el último agite.

Cosquín Rock - Día 1. Crédito: Gentileza En Vivo Producciones

Minutos antes de lo anunciado subieron los Babasónicos al Norte, en la modalidad “antishow” del último tiempo: luces rojas sobre los artistas (como el saco de Adrián Dárgelos sobre torso desnudo: el único que recibió un poco de luz blanca en ese segmento), fondo gris y tarimas, sin mucho más que las canciones, como “Advertencia”, “Mimos son mimos”, “Paradoja”, “Sin mi diablo” o “En privado”.

Un cadencioso beat electrónico y las guitarras sinuosas de Mariano Rogwr y Diego Uma esculpieron Tiempo off, seguida por Puesto, Los calientes y Vampi cambiando a luz blanca y fondo rojo. Nuevo cambio de estética acompañó a La lanza, a la que siguieron “Bye Una”, “Como eran las cosas” y “¿Y qué?”.

El último tramo del set fue con “Carismático”, “Yegua”, “Putita”, “Irresponsables”, “La pregunta” y “El colmo”.

Los uruguayos se multiplicaron cuando salió La Vela Puerca en el otro extremo del predio, de la mano de éxitos como “El viejo”, “El profeta” y “... y así vivir”.

“Solo queremos pedirles un favor después de 30 años. Muchas gracias”, dijo Sebastián “Enano Teysera”, con una remera que decía “La canción al poder” antes de “Sin avisar”.

Engancharon “El bandido salto de mata” con “Burbujas”, siempre arriba; pasaron a la intensidad melancólica de “Clarobscuro”, con guitarra acústica, órgano en las manos de Diego Méndez y solo de Rafael Di Bello.

Otro cambio de clima llevó a “Un frasco” y sus diferentes momentos. El Enano dedicó, antes del rasgueo de Santiago Butler, “Va a escampar”: "A Marcela, ayer fue para vos y hoy es para vos", con el otro Sebastián, el “Cebolla” Sebreiro, sumando su voz y su expresividad.

“Por dentro” se armó desde el bajo de Nicolás “Mandril” Lieutier, con solo de trompeta de Alejandro Piccone. “¿Porque diré que me escondo, si nadie me quiere ver? / ¿Será que no me preciso y de paso me aviso, para ya no correr?”, entonó Teysera en “Para no verme más”, antes de que se sume Germán Daffunchio para cantar: “Y mi cabeza se me enfrenta en una noche de solo pensar / y la alegría se me escapa y la agonía vuelve a dominar”; calentando motores para el set de Las Pelotas.

El Cebolla tomó la voz líder en “Todo el karma”, que conectaron con “La teoría”. La intro de “Vuelan palos” pidió que fans canten arriba “vamos La Vela de mi corazón”

La base de “Zafar” en las manos de Butler hizo cantar a la masa, antes del solo que el saxofonista Carlos “Coli” Quijano le pasó a Piccone. Teysera se colgó la eléctrica para “Por la ciudad” la de la tatuada y graffiteada frase “tengo una banda amiga que me aguanta el corazón”). El avión fue con “Llenos de magia”

Ya había comenzado Franz Ferdinand, la banda escocesa que lleva el nombre del archiduque austrohúngaro cuya muerte inició la Primera Guerra Mundial. “Esta es nuestra primera vez en Cosquín, es un privilegio”, afirmó en spanglish, después de “Dark of the Matinée” y antes de “Walk Away”, el cantante y guitarrista Alex Kapranos; rostro de un plantel que completan Bob Hardy (bajo), Julian Corrie (teclados, guitarras y coros), Dino Bardot (guitarra, teclados y coros) y Audrey Tait (batería).

Cosquín Rock - Día 1. Crédito: En Vivo Producciones

Sigueron “Night or Day” y “Evil Eye”, antes de la hitera “Do You Want To”, con las pantallas en blanco y negro; pegaron la entradora “Audacious”, con las manos de los presentes moviéndose al compás del beat de la batería y las guitarras ligeras. “Esa es una canción del nuevo álbum, “The Human Fear. Esta es una vieja", comentó antes de “No You Girls”

Pasaron a pantalla color en el fondo para la coreable “40’”. Siguieron con “Build It Up”, y de ahí a las guitarras machaconas, casi surf rock, de “Michael”; la cual juntaron con “Evil and a Heathen”. Una bandera de Los Piojos se puso frente a Kapranos en “Love Illumination”, con distorsión rasposa y coritos de Corrie.

Círculos de colores recibieron el comienzo de “Take Me Out”, el mayor éxito de los escoceses, que cambia de tempo y melodía hasta el riff que hace mover la patita a Alex. Se fueron con “Hooked” y “This Fire”, con la presentación de los integrantes.

Para ese entonces se batían Las Pelotas con Lali en los escenarios enfrentados; Coti Sorokin desafiaba la lejanía en el Boomerang. La popstar nacional, que hizo explotar días atrás la Fiesta Nacional del Mate de Paraná, despegó con “Lokura”, “Sexy”, “Tu novia II” y “N5”, con la banda jugando con “Killing in the Name”, de Rage Against the Machine). Llegó “33”, con Dillom en la pantalla (un rato después de que pise ese escenario).

Tras el interludio promocional con la estrella de River, encaró “1Amor”, tomando la pasarela con el cuerpo de baile, enfundada en un vestido estampado con recortes de diarios. Ale Sergi y Juliana Gattas aparecieron virtualmente para “Mejor que vos”, y “Soy” tuvo toques jazzísticos en las teclas de Fran Azorai (junto con la guitarrista Ivanna “Chipi” Rud, parte de la banda de Wos).

“Motiveishon” llegó en clave electrónica uptempo: “¿Esto es una fiesta o no es una fiesta, Cosquín?”, dijo la petisa de Parque Patricios, hablándole a la cámara, antes de Como tú.

Nuevo separador en video, con imágenes del famoso “depósito” de “No vayas a atender cuando el demonio llama”, antes de dominar el escenario con “Disciplina”, terminando en un baile delante de llamaradas. “Plástico” trajo la voz de Duki en la pista, con una coreografía intensa; Mariana terminó con el rostro agitado, pero la pose de control del escenario.

“Llegó el momento de la última canción, qué rápido, la puta madre. Esta es más importante”, proclamó. “Fanático” entró sutil, para explotar en el estribillo, entre columnas de fuego, con la captura de pantalla que se mofa de la “pose fotogénica” de Javier Milei.

Se despidió, pero volvió para pararse junto a la banda y hacer una versión de “Los viejos vinagres” de Sumo (con Daffunchio del otro lado del predio: osado). “Pendeja” sostuvo el tramo rockero, propio de esta etapa de su carrera. “Esta sí es la última. Esta canción se llama ‘No me importa’”: hit con potencial de cancha, con color punk y el “hey, ho” ramonero; lo remataron como al Himno Nacional, con Espósito llevándose la mano al pecho.

En la medianoche, Las Pelotas redondeaba su set con Capitán América, con los Sebastianes de La Vela de convidados y la foto de Donald Trump para el “japi berdey”. Cerraron con “Shine”, bien arriba, con solo de Gaspar, el Daffunchio 2.0.

En paralelo, The Chemical Brothers hicieron su propio debut, en formato DJ set: Tom Rowlands y Ed Simón parados uno al lado del otro, como sombras delante se la pantalla, con una electrónica bailable principalmente instrumental.

Cosquín Rock - Día 1. Crédito: En Vivo Producciones

“Y entonces...” arrancó Cristian Gabriel “Toti” Iglesias al frente de Jóvenes Pordioseros, con la bandera argentina de capa, un Mickey (“el jefe”) colgado y su andar sinuoso, interpretando “Todavía no puedo olvidarte”. Se colgó la guitarra para “Pegado”. “Siempre termino lejos del micrófono. A Axl Rose no le pasaba; era más jovencito, ahora capaz que sí”, reflexionó. Sobreponiéndose a la falta de una lista de temas unificada, arribaron a Pánico. Convocó a Wayra Iglesias (sí, la hija de Tete) que pasó por La Casita del Blues, para “Nunca me enseñaste” (ambos participaron en el Escenario Sorpresa de la mano de Ale Kurz, también)

Abordó “Cuando me muera” y se rió: “Qué poeta”, tiró en la parte de “quiero que aspiren”. Se empezó a despedir con “Esto no se ve” y “Descontrolado” (“No me arrepiento / de haber venido hasta acá / de haber viajado una hora / para volverte a ver”). “A Diego Maradona le gustaba ‘Descontrolado’”, contó, mientras sumaba una segunda capa con imagen del crack. “Lobo” fue la última, con Toti entre la gente, leyendo carteles.

“Por más que pasen los años, Viejas Locas seguirá tocando, aunque a nadie le importe”, dijo Fabián “Fachi” Crea (bajista y cantante) al compartir el espacio en la grilla con los Jóvenes, de la mano del “autotributo” que comparte con el baterista Abel Meyer a la banda fundada por Cristian “Pity” Álvarez de la que formaron parte.

En el Norte los cordobeses Caligaris llevaban un buen rato de fiesta, terminando con “Que corran”, entre una nube de papelitos y nuevamente el remate del Himno. “Que viva la Patria y, como dice José Palazzo, que nos vaya bien a todos”, fue la conclusión.

(Por Leonardo Pez) - En sintonía con el cumpleaños 73 de David Lebón, Planeta publicó “La magia de estar aquí” (2025), libro de memorias nacido a partir de charlas con Marcelo Fernández Bitar. La obra llega en un momento refundacional del multi-instrumentista argentino, abrazado por su público y por la crítica en esta última década (Premio Gardel de Oro, incluido).

Además, se puede ver como un ejercicio palmario de escucha del periodista especializado en rock (actualmente editor de Música en Clarín) y escritor de volúmenes como “50 años de rock en Argentina”, “Soda Stereo. La biografía total” y “La vida secreta del rock argentino”. Un ejercicio-oficio que no se despega nunca de la voz de Lebón. Marcelo oye, graba y anota. Editará -sí-, pero no se percibe signo alguno de intromisión o contaminación discursiva. Si el lector cierra los ojos, podrá sentir el grano de una voz que supo cantar “Mundo agradable” o “El tiempo es veloz”. Algo de ese “duende” del que habla Pedro Aznar en el prólogo. En comunicación con El Litoral, Fernández Bitar dio detalles sobre el proceso de gestación de las memorias de una pieza clave del rock argentino.

“Le demuestra a la nueva generación que se puede mantener siempre esa frescura, esa emoción y esa vitalidad del comienzo”, resume Fernández Bitar sobre el fenómeno de Lebón. Foto: Gentileza Planeta

-¿Cuándo nace este “encuentro supremo” con Lebón?

-A David, por suerte, lo vengo entrevistando desde que empecé. Seguramente fue uno de mis primeros reportajes a los 19 años, cuando él había sacado “El tiempo es veloz”. Empezaba su carrera solista. Como siempre estuve trabajando en esto (en revistas de rock, en diarios, en suplementos, en programas de televisión, de música), lo iba viendo regularmente. Decir que se formó una amistad sería exagerar un poco, pero había una muy buena relación de periodista-entrevistado, especialmente mucha confianza.

David dio un show en La Usina del Arte “unos minutos antes de la pandemia”. Cuando bajé a saludarlo, él y su pareja me comentaron que querían hacer un libro. Me preguntaron si me animaba a hacerlo. Ahí mismo dije que sí. Y ahí mismo hablamos de la idea de autobiografía -una definición que me parece tramposa porque hay otra persona ayudando-, aunque el título dice “memorias”, con lo cual abre un poco el juego.

Pero había un problema que yo no había visto en mis otros libros. Si realmente era una autobiografía, me lo tenía que contar todo él. Yo no podía entrevistar a Héctor Starc ni hablar con otros periodistas o con su familia. Entonces, fue difícil armar la dinámica.

En los primeros dos años (de cuatro en total) nos debemos haber visto entre diez y quince veces, que es bastante poco. Pero después le fuimos encontrando la vuelta para juntarnos. Creo que no hice ninguna por Zoom, ni siquiera un minuto después de la pandemia. Yo me iba hasta la casa y nos juntábamos ahí para darle forma y charlar sobre la estructura.

Hasta antes de entrar a imprenta era 100% cronológico: mi padre, mi madre, mi infancia, mi viaje a Estados Unidos, la vuelta a la Argentina. Yo venía con ganas de empezar con una anécdota muy rica y después hacer el flashback. Y me pareció que la anécdota de David en España con Pappo y algunos ex Los Gatos era muy divertida. Era una linda puerta de entrada para que no sea tan esquemático.

-¿Cómo es charlar con David?

-Como muchos artistas, es bastante disperso en las respuestas y eso se ve en cualquier reportaje. Yo simplemente lo dejo hablar y después lo traigo de vuelta, como hago con las notas para gráfica. Había muchos momentos que David no los tenía muy presentes, entonces yo se los refrescaba con alguna anécdota o llevaba los discos en vinilo para que los recordara palpándolos.

Charlar con David siempre es muy divertido: tiene muy buen sentido del humor, a veces en el límite de lo políticamente correcto o lo que era humor hace 30 años. Es muy emotivo, se emociona fácilmente al recordar momentos de su vida: su familia, su madre, sus hijos. Tiene un momento en el que va más allá de la pregunta-respuesta lineal y busca dar un mensaje sobre para qué estamos acá, qué estamos haciendo en este mundo y que tenemos que estar tranquilos que todo va a estar bien. Es tal como uno se lo imagina, como uno lo percibe en el escenario. Él habla mucho en el escenario y conversar con él es muy similar a ese tono.

-Se nota una alta fidelidad a la voz narrativa del artista, ¿cómo fuiste construyendo ese ritmo o tono de la obra?

-Los dos teníamos esa premisa de hierro clavada en mármol de que era una autobiografía. Tenía que estar hablando él en primera persona, recordando, quizás haciendo una pequeña broma entre paréntesis. Me pareció que lo más lógico, lo más real, lo más natural, era mantener ese tono coloquial, como si él estuviera hablando con alguien. Lo que logramos con el libro es que uno siente que David te lo está contando.

“David pudo empezar a cosechar lo que su talento merecía porque empezó a tocar regularmente”, reflexiona el entrevistado. Foto: Gentileza Charlie Piccoli

-Y en la brevedad, brillan esos elementos claves que no pueden faltar en ninguna biografía que se precie de tal.

-Si uno examina la vida de David Lebón, todo lo que hizo hasta ahora y todo lo que vivió, los episodios increíbles no son solamente musicales. Su madre fue espía en la Segunda Guerra Mundial, cayó en un campo de concentración y fue torturada. Su padre murió bastante joven y a David le agarró una reacción psicológica que se convirtió en un asma muy difícil. Por eso, la madre decidió, por consejo médico, llevarlo a un lugar con otro clima y terminaron en Miami. Ahí es donde él vio a Jimi Hendrix. Fueron a Nueva York y vio a los Beatles. Realmente, es un protagonista y testigo de toda esa época increíble del rock de los últimos 50, 60 años.

-David reconoce que tenía todo para quedarse en Estados Unidos, pero allá estaba todo hecho (todo sonaba bien, la vida funcionaba mejor), y acá había algo para hacer. Había una misión por cumplir.

-Sí. También esa sensación de que, tal vez, en Estados Unidos tendría mucha competencia y acá todo se estaba empezando a hacer. David entró en el momento justo y tuvo el golpe de suerte en 1969. Estaba en un rock club donde se juntaban todos los rockeros de la época. El que estaba en el escenario, sabiendo que él tocaba bien, le pasó la guitarra tal como habían hablado antes del show. Y ahí David logró mostrar lo bien que toca. Esa misma noche, prácticamente, Pappo lo invitó a tocar en Pappo’s Blues y Billy Bond en La Pesada. Él era y es muy bueno, muy talentoso. Pero eran muy pocos los que habían ingresado a ese mundo... y él ingresó enseguida.

-Y entre sus compinches, sus amigos del alma, siempre destacó al Flaco.

-Él armó una amistad muy fuerte con Luis Alberto Spinetta y terminaron viviendo juntos. Luis se fue a vivir a la casa donde estaban David y su hermana, su casa de infancia. Y ahí es donde David, a quien siempre le gustaba tocar instrumentos (la batería, el bajo, la guitarra), vio de cerca, de manera cotidiana, lo que era un compositor que no podía parar. David cuenta que se iba a buscar ropa linda para usar en el show del fin de semana, y cuando volvía Luis había compuesto cinco canciones. Y, en vez de sentir que perdía en la comparación ante un genio tan increíble, ese contacto le inyectó entusiasmo y ganas de componer. Así arma su primer tema. A Luis Alberto le encanta y lo incentiva. El Flaco es el gran amigo y el gran mentor de David como compositor.

“El Flaco [Spinetta] es el gran amigo y el gran mentor de David como compositor”. Foto: Gentileza Charlie Piccoli

-¿Por qué tardó tanto en llegarle el reconocimiento a Lebón?

-Creo que David tuvo una muy exitosa y muy buena carrera solista cuando dejó de ser el coequiper de muchas bandas como Pescado Rabioso, Polifemo y Serú Girán. Me parece que lo que influye en el reconocimiento es que en la época en que el rock se hace absolutamente masivo y popular, es el fin de semana perdido de David. Fue a Mendoza con la propuesta de tocar en un boliche los fines de semana y se quedó viviendo diez años. Ahí es donde, él mismo lo cuenta, se profundizó su alcoholismo. Cuando David pudo dejar el alcohol y las drogas -en lo que ayudó muchísimo su pareja, actual manager y flamante esposa-, empezó a cosechar lo que su talento merecía porque se puso a tocar regularmente. Hacia 2015 ya estaba llenando varias veces por año La Trastienda, hace un Teatro Ópera, un Gran Rex. Fue subiendo escalón por escalón hasta llegar al Luna Park y al Movistar Arena. En el medio, el reconocimiento de los colegas y la industria con el premio Gardel.

-Da la impresión de que se hizo cargo de lo que fue generando, de ese legado en vida, asumiendo que ya es un clásico de nuestra música popular.

-Acordate que llegó por su primer disco de dúos, donde regrabó algunas de sus canciones más conocidas con todo tipo de artistas de todo tipo de generaciones y de estilos musicales. El disco ya era un reconocimiento de sus pares y una admiración. Todo eso fue desembocando en el merecidísimo Gardel que lamentablemente no lo pudo recibir en un auditorio porque fue el único que se entregó de manera virtual en 2020. Se lo merecía y él se está permitiendo, dentro de su modestia, sentirse reconocido e importante.

-Y está girando mucho, como si tuviera 20 o 30 años.

-Impresiona todo lo que hizo David Lebón, la cantidad de bandas legendarias que integró. Parece que nació con el rock argentino, aunque nació medio minuto después (ya habían estado Los Gatos, por ejemplo).

David tiene 73 años recién cumplidos. Hay una cosa que se aprendió con el rock en los últimos años: el rockero cuando se convierte en adulto mayor puede seguir tocando. Ahí tenés a Paul McCartney, a Mick Jagger, como faros que le está diciendo a todos los músicos: “Ponete las pilas que la podés seguir pasando bien, cantando y tocando a los 85”. Hay mucho porvenir y nos pasó con el libro mismo.

Volviendo al libro, a medida que íbamos charlando iban sucediendo nuevos hitos en su carrera... Entonces decíamos: Bueno, la cortamos acá. ¡Y David hacía algo más grande unos meses después! Bueno, la cortamos acá. Cuando fue telonero de Eric Clapton en Vélez, nos miramos con él y con Pato, y dijimos: “Pase lo que pase, acá ponemos el punto final de este libro”. Y si se reúne con Pedro Aznar y hacen las canciones de Serú Girán y sacan otro disco y siguen ocurriendo cosas, quedará para un segundo volumen... o para demostrar lo vital que sigue siendo su carrera.

“Charlar con David siempre es muy divertido y emotivo”. Foto: Gentileza Charlie Piccoli

-La presentación del libro fue muy emotiva, también.

-Sí. Hicimos una charla donde la moderadora fue Ayelén Velázquez [Mega, Focco] y, hacia el final, se abrió el juego al público. Hubo unas tres, cuatro preguntas. Cuando ya se había dicho que venía la última, apareció una chica de 14 años que con la primera palabra estalló en llantos incontenibles. Balbuceaba que lo admiraba y amaba porque la ayudó en momentos muy difíciles de su vida. David le dijo “Vení” y se abrazaron. Los dos estaban muy emocionados: ella de estar con el músico que admira, él con una fan tan chiquita que decía cosas tan emotivas y lindas sobre él. Y se largaron los dos a llorar.

-¿Qué lecturas entendés que pueden hacer las nuevas generaciones de una figura como la de David Lebón?

-Creo que la carrera de David le demuestra a la nueva generación que se puede mantener siempre esa frescura, esa emoción y esa vitalidad del comienzo. David es un tipo con una carrera gigantesca de 60 años, y sigue teniendo los nervios antes del show y las ganas de tocar en vivo. Mantiene un entusiasmo que es admirable.

A mí me parece que uno de los síntomas y características del rock argentino es que no está todo hecho, todavía todo está por hacerse. Los chicos se juntan en los garages y arman bandas muy ilusionados. Parecen estar un poco menos metidos en la industria que en otros países, aunque todos los chicos saben cómo se maneja todo para no ser estafados por manager. Pero, fíjate, cuántos artistas de música urbana han sido estafados por su manager. O sea, la vieja historia del rock and roll: del manager que le daba un contrato miserable a alguno de los pioneros de la época de Elvis Presley. Les sacan los derechos autorales, les clavan un contrato leonino... Y todavía la gente lo que recibe de David es que primero hay que tocar, hay que crear, hay que transmitir con amor (y todas esas sensaciones que son tan inherentes a su música).

-Y en una era de tanto odio, su presencia resulta revolucionaria, contracultural...

-Así como te contaba lo emotivo que es charlar con David, cuando se largó la guerra de Rusia contra Ucrania, él se acordaba de lo que era la guerra para su madre y estallaba en llantos... Cancelamos una charla ahí en el momento o unas horas antes. David estaba muy afectado por todo lo que estaba pasando, es muy permeable a lo que sucede, se emociona y se siente triste genuinamente.

-¿“La magia de estar aquí” tendrá una segunda parte?

-No hay nada formalmente charlado. El libro está abierto porque la carrera de David sigue generando nada menos que la reunión de Serú Girán. Fijate todo lo que está pasando. Estas últimas semanas cuando nos encontramos con David me dijo: “Me estoy acordando de otras cosas, tenemos que hacer un segundo volumen”. Como que, de tanto hablar y recorrer u hojear el libro, le va disparando algunos recuerdos. Así que lo que le digo a él y a Pato es: “Anótenlo. Grábenlo con el teléfono. Hagan algo, pero que no se pierda”.

Este lunes por la noche, el presidente Javier Milei cantó temas de rock nacional, cuestionó a los “kuka tira piedras” y brindó un fuerte respaldo a Israel como antesala a la presentación de su nuevo libro en el Movistar Arena.

El Presidente hizo su ingreso al microestadio minutos antes de las 21 y, si bien en el escenario lo esperaba una banda, los organizadores del acto emitieron por los altoparlantes la versión original de “Panic Show” de La Renga, el tema que el mandatario adoptó como leitmotiv desde 2023.

Apenas llegó al escenario, Milei abrazó a su hermana y secretaria general de la Presidencia, Karina, en lo que fue una señal de respaldo en medio de las denuncias y los reclamos de la oposición por las supuestas coimas en la Agencia Nacional de Discapacidad (ANDIS).

Incluso agradeció al “Triángulo de Hierro”, que ambos conforman junto al asesor Santiago Caputo, y desde donde se toman las decisiones estratégicas y de gobierno.

Apenas llegó al escenario, Milei abrazó a su hermana y secretaria general de la Presidencia, Karina,

También le dedicó algunos cuestionamientos al kirchnerismo, al expresar: “Pudiste ganar un round pero todavía no ganaste la batalla, y mucho menos la guerra”,dijo en referencia a la victoria del peronismo en las elecciones bonaerenses del 7 de septiembre.

Además, arengó al público a entonar el cántico “Cristina es tobillera”, en referencia a la prisión domiciliaria que cumple la ex mandataria nacional por la causa Vialidad, en respuesta a un canto de cancha de los asistentes, que habían entonado el verso “El que no salta es kuka”.

También los trató de “kukas tira piedras”, al incluirlos en una versión punk de “Dame Fuego”, de Sandro, y emitió un spot de reversión de Star Wars donde se lo vio en un enfrentamiento con la mayoría de los medios de comunicación; la propia Cristina Kirchner y Kicillof.

“Si no, no harían tantas operaciones; el que sabe que va a ganar no hace trampa”, exclamó el mandatario en un alto del show, en la previa a la presentación del libro “La Construcción del Milagro”.

La cita fue en el Movistar Arena.

En tanto, hizo una fuerte defensa de Israel en medio del conflicto en la Franja de Ganza, al advertir que ese país es el “bastión de occidente”, y pidió por los rehenes en Gaza, entre los cuales hay “cuatro argentinos”.

Por último, combinó la interpretación del tema “Libre”, de Nino Bravo, junto a imágenes del fallecido fiscal Alberto Nisman.

Entre los temas que cantó Milei estuvieron “Demoliendo hoteles”, de Charly García; “El rock del Gato”, de Los Ratones Paranoicos, y “Blues del equipaje”, de La Mississippi, y “No me arrepiento de este amor” en la versión de Attaque 77.

Entre los músicos que integraron la banda estuvieron los diputados Lilia Lemoine y Alberto “Bertie” Benegas Lynch, en coros y batería, respectivamente, y el candidato a senador nacional Juan Pablo Benegas Lynch en guitarra rítmica.

Ciento de vecinos de Villa Cañás y la región disfrutaron el viernes último del Patio Cañaseño Rock, una propuesta musical y gastronómica, organizada por la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Villa Cañás.

Fue una gran noche para los amantes del rock, que vibraron con las actuaciones en vivo de las bandas locales Resto Urbano, El Patrón (tributo a Los Redondos) y Stanly Mados (tributo a Divididos).

Además, el público tuvo el placer de ver y escuchar al reconocido guitarrista Rano Sarbach, quien de visita en la ciudad, se sumó a esta movida compartiendo dos temas con El Patrón.

El evento también contó con la participación de carros de comidas y puestos cerveceros.

Desde el Municipio destacaron: “Agradecemos a todos los que formaron parte de este evento, a las bandas, a los emprendedores y especialmente a la gente que nos acompañó”.

(Por Ignacio Andrés Amarillo) - Tal como lo fue el 2024, el año que comienza recibirá a una pléyade de legendarios artistas internacionales y promesas contemporáneas. Desde el rock y el pop hasta la música alternativa y el metal, los escenarios del país vibrarán con espectáculos que prometen cautivar a públicos de todas las edades y gustos musicales.

El inicio del año marca el regreso de nombres icónicos. Twenty One Pilots, el dúo que ha revolucionado el panorama del pop alternativo, aterriza en el Movistar Arena de Buenos Aires el 29 de enero, prometiendo un show cargado de energía y éxitos como “Stressed Out” y “Ride”.

Además, la legendaria Patti Smith, acompañada del colectivo artístico Soundwalk Collective, presenta su performance poética y musical “Correspondences” el 27 de enero en el Teatro Ópera. Un encuentro único entre poesía, arte sonoro y música experimental que promete emocionar a los seguidores de la “madrina del punk”.

El mes de febrero traerá el esperado retorno de Sting con su tour “Sting 3.0”, que ofrecerá dos noches inolvidables el 23 y 24 de febrero en el Movistar Arena. Esta gira lo encuentra en formato de trío junto al eximio guitarrista Dominic Miller y el virtuoso baterista Chris Maas, en venues íntimos, para que los fans vivan la emoción de las canciones que marcaron a generaciones enteras (desde los clásicos de The Police hasta sus éxitos solistas), bien de cerca.

Marzo estará dominado por el festival más esperado del año: Lollapalooza Argentina 2025, que se llevará a cabo del 21 al 23 de marzo en el Hipódromo de San Isidro. Con más de 100 artistas en escena, destacan nombres como Olivia Rodrigo, Justin Timberlake, Shawn Mendes, Alanis Morissette, Tool, Rüfüs Du Sol y el regreso de Tan Biónica. Además de la música, el festival ofrecerá una experiencia integral con propuestas gastronómicas, actividades artísticas y un ambiente festivo que lo consolida como un referente cultural.

También en marzo, pero el 13, el público argentino será testigo del energético concierto que The Warning brindará en el Teatro Flores, en el marco del Keep Me Fed World Tour 2025. El juvenil trío de Monterrey integrado por las hermanas Dany, Pau y Ale Villarreal presentará su último disco, que llamó la atención mundial con cortes como “More”, “S!ck”, “Hell You Call A Dream”, “Qué Más Quieres” y “Automatic Sun”.

El mismo mes será testigo del regreso de Garbage, el 18 de marzo en el Estadio Obras Sanitarias. Encabezada por Shirley Manson, la banda de rock alternativo (que se completa con los cerebros sonoros de Butch Vig, Steve Marker y Duke Erikson) combinará las canciones del EP de versiones “Copy/paste, vol. 1 (abridged)”, publicado en diciembre último, con clásicos que marcaron a generaciones, como “Only Happy When It Rains” y “Stupid Girl”.

El metal alternativo hará su entrada triunfal en mayo con la presentación de System of a Down el 3 de mayo en el estadio de Vélez Sarsfield. Después de años de espera, los fanáticos podrán disfrutar de una noche cargada de poder y energía con éxitos como “Chop Suey!” y “Toxicity”, de la mano de Serj Tankian (voz, teclados), Daron Malakian (guitarra, voz), John Dolmayan (batería) y Shavo Odadjian (bajo).

El pop tendrá su momento estelar con el regreso de Kylie Minogue, quien presentará su deslumbrante “Tension Tour” el 7 de agosto en el Movistar Arena. Con un espectáculo visualmente impactante y temas que invitan al baile, será una celebración de la música dance-pop de la leyenda australiana, incluyendo su último álbum, “Tension II”.

En septiembre, será el turno de Katy Perry, quien encantará a sus fanáticos con dos conciertos el 9 y 10 de septiembre, también en el Movistar Arena. Reconocida por sus espectáculos llenos de color y energía, Perry promete una experiencia sensorial completa con éxitos como “Firework” y “Roar”.

El 2025 cerrará con un evento histórico: la esperada reunión de Oasis, que ofrecerá dos fechas en el Estadio River Plate (15 y 16 de noviembre). Los hermanos Gallagher dejarán atrás las diferencias para interpretar clásicos que definieron los años 90 como “Wonderwall” y “Don’t Look Back in Anger”.

Con una agenda tan vibrante y diversa (a la que seguramente se irán sumando nuevas propuestas en los próximos meses), Argentina consolida su posición como un epicentro musical en la región. Cada concierto será una oportunidad única para conectarse con artistas de renombre mundial y disfrutar de momentos que quedarán grabados en la memoria colectiva.

La corrupción, una bengala prendida y la falta de control en la noche porteña provocaron la muerte de 194 personas y 1.432 heridos en el boliche República de Cromañón el 30 de diciembre de 2004. A 20 años de la masacre, la historia generó un cambio abrupto en la sociedad y en la vida de los más de 4.500 asistentes.

República Cromañón, ubicado en la calle Bartolomé Mitre al 3000, era uno de los boliches más conocidos de la Ciudad de Buenos Aires y para cerrar el año 2004 acordaron con la banda de rock Callejeros realizar tres shows, donde el 30 de diciembre presentarían su último disco.

Todo estaba acordado. Los integrantes de la banda se quedaban con el 70% de lo recaudado, mientras que los dueños del local con el 30%. Callejeros concretaba la venta de entradas, mientras que los encargados del boliche de que todo estuviera en condiciones. Aun así, la falta de control, seguridad e higiene y la corrupción hicieron del último concierto un recuerdo imborrable.

El 30 de diciembre, a menos de dos minutos de que haya arrancado el show, un fanático prendió una bengala, algo común en los conciertos, y generó que la media sombra, la cual estaba prohibida al tratarse de una tela de plástico inflamable, comience a prenderse fuego de manera instantánea.

El horror se apoderó del lugar. Había más de 4.500 personas en un espacio habilitado para tan solo 1.031 debido a que estaba catalogado como local de baile clase C. Pese a que el fuego se extinguió solo, el humo negro y denso se expandió por todo el boliche y miles de fanáticos, entre niños y adultos, solo esperaban salir a la calle.

Adentro, el miedo, la desesperación y los gritos eran cada vez más. Muchos de los que lograron salir volvieron a entrar para rescatar a sus amigos, familiares o tan solo ayudar. Un porcentaje de esas personas murieron.

Sin embargo, hay una imagen que a muchos les cuesta olvidar. Los Bomberos, después de estar 10 minutos tratando de abrir una de las puertas de emergencias bloqueadas por los organizadores, lograron destrabar uno de los accesos y los cuerpos de decenas de personas se derrumbaron. Una imagen clara de la corrupción y del abandono.

Días eternos, un Año Nuevo que no fue y una ciudad amparada por la masacre. Las autoridades confirmaron que 194 personas murieron, la mayoría producto de inhalación de monóxido de carbono y ácido de hidrógeno, mientras que otras 1.432 resultaron heridas.

Muchos familiares, amigos y allegados tardaron horas y días en encontrar a sus conocidos, sea vivos o muertos. El caos porteño fue total.

De total de fallecidos, 17 de ellos se suicidaron años después ante la desidia del Estado Nacional y la falta de ayuda para acompañar a los sobrevivientes.

En 2007, los jueces Marcelo Alvero, María Cecilia Maiza y Raúl Horacio Llanos condenaron a tres integrantes de la Superintendencia de Bomberos por recibir coimas por parte de dos empresarios.

En agosto de 2008, cuatro años después, solo 15 imputados llegaron al juicio oral entre ellos, Omar Chabán, encargado de República de Cromañón, y Raúl Villarreal, su mano derecha.

Allí los integrantes de Callejeros, Patricio Fontanet, Elio Delgado, Maximiliano Djerfy, Eduardo Vázquez, Christián Torrejón y Juan Alberto Carbone fueron absueltos.

Sin embargo, en abril de 2011 la Cámara de Casación revocó las absoluciones y encontró a la banda culpable de ser coorganizadores del recital, por lo que se organizó un segundo debate.

El tercer juicio sucedió en 2012 donde se sentaron en el banquillo el dueño del boliche, un comisario, ex funcionarios y el director del Servicio de Seguridad Privada Vicente Rizzo.

Por último, el cuarto juicio fue condenado el ex inspector del gobierno porteño Roberto Calderini por haber cobrado coimas para habilitar el boliche.

(Por Hagar Blau Makaroff) - Por primera vez en la Feria del Libro de Rosario una mujer nacida y que habita su ciudad, dio sus palabras de apertura. No fue un discurso de apertura. Fue una performance rockera, porque Beatriz Vignoli es la diva del rock literario local.

Tras recordar que 45 años atrás, una Bea adolescente presentó su primer poema en la Filros, sonó el tono de un llamado por celular, como comienza la canción “Hola Frank”, del último disco de Sumo. Luca Prodan se metió en el discurso y estableció: “And your mother comes to hit you with her plastic telephone”.

La monumental Vignoli se movió al ritmo de la guitarra y el público eufórico gritó y aplaudió. Se dejó llevar por ella como en un recital, para despertarnos en una explanada del Centro Fontanarrosa explotada de gente, bajo una luna creciente que sonreía al atardecer, y entre la gente y todo el cielo, bailaban móviles alambrados que movían libros de colores.

Bea leyó entonces una misiva de Kafka para Oskar Pollak: “Creo que solo debemos leer libros que nos muerdan y nos arañen. Si el libro que leemos no nos despierta como un puño que nos golpeara en el cráneo, ¿para qué lo leemos? Un libro debe ser el hacha que quiebre el mar helado que tenemos dentro”.Enseguida fue compartir una carta en respuesta al atormentado Kafka, para darle cuenta de que en esta ciudad al sur de América ciento veinte años después de esas palabras, los rosarinos siguen buscando libros que les partan la cabeza: “Querido Franz, un libro puede golpear en el cráneo, sí; ¡y cómo! Preguntale a mi hermana, a quien una vez cuando éramos niñas inimputables le revoleé por la cabeza ‘La incógnita del hombre’ de Alexis Carrel. Un ladrillo de quinientas páginas de celulosa prensada; lo que se dice, una obra contundente. Ella sobrevivió muchos años más. El libro también, pero quedó un poco descuajeringado. Querido Franz, dice en uno de sus poemas mi amiga Silvana Sayago que un piano es un árbol muerto que canta; yo digo que un libro es un montón de árboles muertos que hablan”.Recordó que el mundo colocó injustamente al autor de Praga en una referencia pesadillesca, bajo el mote de “kafkiano”, por lo que buscó hacerle justicia: “Han olvidado que como abogado protegías a los obreros, que como intelectual querías un arte por y para el pueblo, comprometido con los problemas de tu tiempo. Que en un café de Múnich, en 1916, en plena Primera Guerra Mundial, leíste públicamente esa formidable alegoría antibélica, tu cuento ‘En la colonia penitenciaria’”.

Pero, aunque parecía una oda, en realidad lo de Vignoli era una respuesta en desacuerdo, porque en su carta a Pollak, Kafka aseguraba que los libros no hacen felices a las personas: “Soy tu fan. He leído todos tus libros. Pero creo que no, que no seríamos felices si no tuviéramos libros”. Y luego aseguró, contra los críticos y literatos que aseguraron siempre que la ciudad de Rosario no tiene tradición literaria: “Sin tradición, sin lecturas, nuestros textos nacen muertos. Pero si leemos, escribiremos libros que nos harán felices al escribirlos, porque no estaremos solos ante la mítica página en blanco, sino en diálogo con otros. En Rosario tenemos una tradición de Ferias del Libro porque (digan lo que digan los estudiosos) tenemos una tradición anclada no solo en obras sino en librerías, bares y afectos”.

Y para que su aseveración no deje dudas en caso de que Kafka quisiera apelar desde otro plano, Vignoli argumentó con el rigor de la academia, que avanzó en este siglo cientificista: “Querido Franz, está científicamente comprobado que comprar libros nos hace felices: segregamos dopamina al hacerlo. Y sí, leemos libros para que nos hagan felices y además nos despierten del aturdimiento de la nuda vida. Leer nos da una vida más digna, más habitable.

Escribir nos permite poner la vida fuera del cuerpo para sanarnos y recomenzar, liberados”.Dada la importancia de la felicidad que emana el libro, entonces estableció que quienes fabrican, diseñan, escriben y venden libros son “productores de alimentos esenciales”. Porque es “el pan del sentido, la embriaguez suprema de la dicha del pensar, sin lo cual la existencia nos resulta intolerablemente brutal”.

Entonces, como esencial, “ese alimento tiene que ser accesible para todos”, además del derecho a la salud y a vivir libres de la violencia del hambre. En un mar de emociones, Vignoli entonces estableció: “¡Cuánto más felices y sabios seríamos si antes que darse un saque o destapar una lata, la gente abriera un libro! Si las librerías y si las bibliotecas públicas fueran nuestro búnker y nuestra ranchada, ¡cuántos menos policías y gendarmes tendríamos! Quienes hacemos libros, y quienes enseñan a leerlos, somos contrabandistas de significados, traficantes de historias, pushers de conjuros, dealers de utopías. No hay cristal más azul que la palabra”.

Recapituló con pena que, con el apremio de estos tiempos líquidos, “es mucho lo que, como dice Fito, se incendia y se va”, y que recién los rosarinos “estamos aprendiendo a cuidar los archivos y los legados, a entender que la obra de una vida no puede ni debe terminar en un contenedor”. Para luego enaltecer el valor de la cultura local: “Una ciudad llena de ecos de noches, bares y conversaciones; una ciudad de bibliotecas públicas que debieran ser refugios y existir preservadas y nutridas como tales, para que quien no pueda pagar el precio de un libro tenga siempre a mano el alimento del sentido. Querido Franz, te escribo desde una ciudad donde florecen los museos, donde la Universidad y las escuelas y los institutos terciarios resisten, donde la Provincia y la Municipalidad producen y preservan y difunden cultura, donde decenas de centros culturales independientes laburan, aunque muchos de ellos se desangren mes a mes pagando un alquiler o la cuenta de la luz y del gas”.

Finalmente, porque como buena performer, a su público se debe, y a ellos se dirigió indirectamente al explicarle a su amado Kafka que “se sienten solos. Pero no están solos. Están todos acá, hoy, ahora, juntos, escuchándome leerte esta carta. Están juntos, querido Franz. Son parte de algo inmenso. ¿Lo saben? ¿Los ves? ¿Los despierto? ¿Los despierto, con mi voz, de su falso y triste sueño de soledad? Somos nosotros todos juntos algo hermoso, algo inmenso, algo precioso y que está tan vivo, tan vivo, querido Franz. Tan vivo que los carceleros de la humanidad jamás podrán derrotarnos. Cantamos a la orilla de la muerte, bebemos el vino del amor que da la vida a borbotones. Como dice Melina Torres que digo yo: Venceremos, querido Franz, venceremos. Toda la música está de nuestro lado”.

La explanada fue una explosión de aplausos y de fotos, y Vignoli se consagró como la rockstar que ya era, ahora legitimada por el establishment del cual ella nunca nada había pedido, pero que la puso en el lugar que correspondía, como madrina de bautismo de acá a diez días de la fiesta editorial y autoral más esperada cada año, en el espacio cultural que cada edición la cobija.

Por Ignacio Andrés Amarillo

Cielo Razzo vuelve a Tribus Club de Arte de la ciudad capital (República de Siria 3572) el sábado 13 de enero a las 21, adelantando los temas de su nuevo álbum, “El día fuera del tiempo”, y repasando los clásicos de toda su discografía. La banda rosarina está preparando su octavo disco, que será editado los primeros meses del 2024.

El 2023 encontró a Cielo Razzo girando por distintos puntos del país, realizando presentaciones donde compartió este año tan especial junto a sus fans de todo el país, no solo por sus tres décadas sobre los escenarios, sino también por otro cumpleaños: el vigésimo aniversario de la salida de “Código de barras”, su segundo disco, que marcó un antes y un después en su carrera y fue crucial en el crecimiento del grupo para expandirse a nivel nacional.

Para hablar de la gestación del nuevo material, y de cómo se paran ante un escenario de incertidumbre, El Litoral dialogó con Pablo Pino, vocalista y referente de una formación que se completa con Diego “Pájaro” Almirón en guitarra y coros, Fernando “Nano” Aime en guitarra, Cristian Narváez en bajo, Javier Robledo en batería y, como “invitado permanente”, Marcelo Vizarri en teclados.

-Están abriendo el año después de un 2023 intenso, donde giraron por todo el país, volvieron al Luna Park en septiembre, abrieron el año en el festival Rock en Baradero y lo cerraron en el Teatro Flores de Capital Federal. el 16 de diciembre. A la par trabajaban en el disco. ¿Cómo se mantiene ese ritmo, y cómo se plantan de cara a 2024?

-Los planes los tenemos, los fuimos cumpliendo como pudimos. Esta debe ser otra de las notas en que te digo que va a salir el disco en marzo, seguramente. Se pospuso bastante, pero en esta oportunidad creemos que ya estamos cerca de subir todas las canciones que van a ser el disco; que son (si no me equivoco) siete. En esta época se puede continuar ese proyecto: una de las ideas de sacar los primeros siete del disco, y después quizás (veremos en el año) se trabaje algún otro material.

Tenemos que ver la cuestión de la coyuntura que estamos viviendo, y toda la situación actual que no sabemos para dónde se puede disparar. Pero la idea nuestra es que en marzo salga el tercer corte y atrás ya salgan las canciones que faltan y ahí cumplimos con la idea del disco.

Fue un buen año, más allá de que fue un año difícil también: fue complicado por lo electoral; sabemos todo eso lo que implica en todas las áreas. Este año sabemos que no va a ser el más sencillo; pero mientras tengamos la energía y la convicción de seguir tocando está todo en orden.

-La idea estaba, ya con estos dos primeros cortes se le puso se le puso nombre: “El día fuera del tiempo”. ¿Cómo surgió ese nombre?

-Estuvimos buscando bajar algún concepto, o materializar el concepto. Está llena siempre la banda, el tema es a veces materializarlo en un nombre o alguna idea que podamos encontrar. Ese día estábamos todos en la sala, si no me equivoco faltaba que llegue Cristian; y estamos hablando justamente de qué nombre encontrábamos, cómo podíamos identificar el momento.

Y recuerdo que Nano dijo: “Hoy es el día fuera del tiempo”. Según algunas cuestiones culturales que no son occidentales, no son las nuestras; y viéndolo por un lado medio mágico, tiene que ver con cuestiones de pueblos originarios. Nos pareció increíble por la idea: pensar un día que no está dentro del tiempo, un día especial, distinto. Nosotros un poco intentamos trasladar esa idea a los encuentros que tenemos con nuestro público.

-¿Cómo fue el proceso de ponerse a cerrarlo? Habías contado que reservaron en el estudio para después del Luna, y a partir de ahí fue darle.

-Fue tomar la decisión: hablamos con Ernesto (Aldaz) de Magia Producciones, con Alejandro (Vázquez), y se definió empezar a hacerlo. En los próximos días tenemos que terminar de meter lo que falta: es definirlo y hacerlo. El tema (vuelvo siempre a lo mismo) es que, en medio de tanto caos, a veces todo ese tipo de cosas por supuesto que nos intervienen. A veces no podemos llevar adelante todo como quisiéramos, por lo complejo que a veces se pone todo; no solamente en plata: había una energía para fin de año que era bastante particular, algo que se hablaba con mucha gente. Nosotros trabajamos con la energía, más allá de que son canciones; tenemos que tener una situación bastante armónica. Y a la vez también nos acostumbramos a que somos músicos y gente que trabaja en la industria musical, y en el arte, como lo llaman; y bueno, lidiamos con eso, es nuestro punto de partida: somos de los 90.

-Uno no puede abstraerse, no puede tomarse días fuera del tiempo para la cabeza.

-No. Por eso mismo me parece un nombre genial: porque sabemos que si encontramos ese día sería impecable.

-En agosto salió “Corazón” y en diciembre fue el turno de “Colmena”. ¿Por qué eligieron esos cortes? ¿Fueron los primeros que se cocinaron o hubo una apuesta de que sean la carta de presentación?

-Con “Corazón” fui uno de los que empujé, porque me parecía que era hermosa la canción: unas de las canciones más lindas de Diego. Sabíamos que esas dos tenían que ser las primeras que salieran; el tema era cuál salía primera y cuál segunda: cuál era la que íbamos a tocar en el Luna y cuál era la que íbamos a sacar cerrando el año.

Se definió de esa manera: son dos canciones totalmente distintas, me parece una lógica de la idea con las que las escribió Diego. “Corazón” tiene algunos detalles musicales por los cuales tenía que ser la primera. Nos parecía que una tenía mucha potencia rockera y la otra era muy bonita musicalmente.

-Como bien destacás, son dos canciones cuya idea base es de Diego, más allá de que después el producto final se cocina grupalmente. ¿Se dio por una casualidad que sean dos proyectos de él?

-Es de la manera en que nos manejamos siempre; se puede decir que son las dos de Diego porque es el autor. Pero sabemos que cuando entran en Cielo ya cobran la vida que la vida que todos conocen, las canciones como todos la conocen. Diego es uno de los autores de la banda, a mi criterio son cada vez más importante sus canciones, manejan una data distinta a las que puedo hacer yo, o las que puede hacer Nano. Como autor me parece que es impecable, más allá de que es mi hermano y mi compañero.

-“Me gustan más que las mías”.

-Sí, me gustarían que fueran mías esas canciones. Pero bueno, para el caso lo son, porque las canto yo; y eso es lo que siempre hablamos: él cuando está componiendo está intentando visualizar cómo va a terminar cerrándose la canción, y como me queda a mí. Participo cuando trae la canción: siempre me abre la puerta, como yo hago con él, y como hacemos entre todo. Pudimos lograr esa confianza y esa conexión laboral, de amistad y demás: la canción llega, se abre la puerta y entramos a trabajar; él siempre me da esa posibilidad de las letras, las rechequeamos, las analizamos.

-Decíamos que este año va a ser complejo, bastante impredecible. ¿Qué cosas en cuanto a fechas o festivales, ya estarían cerradas o por lo menos previstas en este contexto?

-Hoy (por el viernes 6) tenemos una reunión importante con Cielo y un par de productores: creo que hoy se va a terminar de definir. Lo que tenemos casi como seguro es que tocamos acá en el “Anfi” (Humberto de Nito) ahora en febrero, en el marco de un festival se están organizando. Ahora tenemos que juntarnos para ver cómo arranca el año, qué hay por delante; pero hubo mucho cimbronazo, que afectó a producciones y a los proyectos que estaban dando vueltas, capaz que algunos se han caído. Me parece que esa reunión tiene que ver un poco con dejar en claro, exactamente, para qué lado vamos a ir y cómo.

-Qué cosas quedaron en pie...

-Exacto: qué quedó en pie y de qué hay que olvidarse, básicamente. Volvimos todos del fin de año, algunos estuvieron afuera; hoy estamos arrancando y poniéndonos en forma para el sábado 13 en Tribus.

Por Ignacio Andrés Amarillo

Bersuit Vergarabat está de gira celebrando los 25 años del lanzamiento de “Libertinaje”, disco bisagra en la carrera de Bersuit. Ya giró por México, España, Francia y tiene previstas giras por Estados Unidos y Chile en los próximos meses. Recientemente estrenó una nueva versión de “Yo Tomo” junto a La Pegatina, y una de “Se viene” con Ilegales, ambas bandas de España.

Antes de partir hacia el norte, la agrupación se presentará en Santa Fe, en Tribus Club de Arte (República de Siria 3572) el jueves 10 de agosto a las 21. Las entradas están a la venta en la boletería del local (de miércoles a domingo, de 18 a 0) y a través del sistema Ticketway y sus puntos de venta (online y físicos).

Anticipando el show, El Litoral conversó con el vocalista Daniel Suárez, quien debutó discográficamente en la banda junto a su coequiper, Germán “Cóndor” Sbarbati como coristas justamente en “Libertinaje”; hoy ponen las voces principales a la formación que se completa con Juan Subirá (teclados y voz), René “Pepe” Céspedes (bajo), Carlos E. Martín (batería), Alberto Verenzuela (guitarra y voz), Nano Campoliete (guitarra, coros), Juan Bruno (guitarra) y Manuel Uriona (percusión).

-Están festejando bueno, los 25 años de “Libertinaje”, que fue el primer disco en el que grabaron el Cóndor y vos, y que le dio un despegue a la banda preguntarte. ¿Cómo recordás aquella época?

-La recuerdo con pelo en mi cabeza, un montón (risas). La recuerdo también sin mi hijo. La recuerdo poniéndole todo en aquel momento, como hoy lo seguimos haciendo con cada disco que sacamos. A esa sensación justamente de libertinaje; yéndonos a grabar por primera vez a Los Ángeles, con Gustavo Santaolalla, y empezando a salir en giras al exterior del país. Una intensidad increíble, que a veces parece mentira que hayan pasado 25 años y que hoy estamos celebrando y presentando ese disco en los shows. Así que con gratitud lo recuerdo hoy.

-¿Cómo fue ese trabajo con Santaolalla y con Aníbal Kerpel? Eran los productores del momento de las bandas latinoamericanas.

-Fue fantástico. Ya habíamos tenido un primer acercamiento con Santaolalla, pero no fue muy agraciado: no nos vio en un buen momento nuestro (risas); lo cual retrasó todo como un año. Después sí tuvimos un buen acercamiento, donde pasó todo lo que pasa con un productor de la talla de él y de Aníbal: hay como un amor que se genera, en este caso algo que vivimos con muchísima intensidad: pasándole una gran cantidad de canciones, que él opine y produzca esas canciones. Llevarnos a grabar a su estudio, que era su casa en Los Ángeles. Ese intercambio de lo que en ese momento entendíamos nosotros, si me permitís el paralelo con el fútbol, que era como jugar en Primera. No por cantidad de gente, ni de llenar estadios; sino de hacer las cosas desde un nivel al que no estábamos tan acostumbrados.

Como gran productor, fue eso y un montón de cosas más: fue el gran motivador a la hora de que grabemos, a la hora de agrandarte, de tirarte muchas flores, y después tirarte recién las pautas, para que no estés tenso a la hora de grabar. Aparte convivió con nosotros.

-Un director técnico de Primera.

-Exacto: convivencia plena en el feedback, en acercamientos con otras bandas: Control Machete, Café Tacuba, bandas con las que él había estado trabajando en México.

-En ese disco había canciones que siguen siendo emblemáticas, como “Yo tomo” o “Murguita del Sur”; pero también estaban otras como “Señor Cobranza” o “Se viene”, que en ese momento eran como himnos de resistencia al menemismo. ¿Cómo fue crecer en popularidad, mientras los censuraba el Comfer y alguna gente los puteaba? Estaban un poco en el ojo del huracán.

-Sí, es verdad. No sé si por la intensidad también estamos viviendo todo eso, no nos dimos tanta cuenta, al menos en ese preciso instante. Sí después, cuando uno elabora las cosas a la distancia, de lo que significó toda esa parte de censura, en un montón de aspectos. Pero obviamente viéndolo con el diario del lunes, nos benefició más, por decirlo liviano, que lo que ellos pretendían hacer, que era que no se escuchen las voces.

Con respecto a la resignificación que tiene las canciones (en este caso, 25 años después) es algo maravilloso: la temporalidad de la música por un lado; y es algo a veces no tan maravilloso el círculo social que hacemos nosotros para que algo así se vuelva a representar tan literal, como en el caso de “el estallido”.

-Esa también es esa la usó otra gente con unas ideas totalmente distintas, no hace tanto.

-Claro. Eso por nombrar el caso del impresentable de (Javier) Milei, que estaba usando la canción, en una campaña con (Ricardo) Bussi en Tucumán. Es peligroso, bizarro, y a la vez pasó con la gente que lo festeja y lo celebra, pero no entendió nada. Al mismo tiempo uno piensa: “¿Qué es lo que tienen que entender?”. Te comparto mi garganta, mi modo de ver, mis antenas, lo que veo, para expresarlo y para ser compartido a las personas, que son las que reciben la música: para bailar, para un montón de cosas. Pero apelo a la comprensión del otro, con libertad. Es lamentable, pero bueno: pasó con Milei pero por suerte no lo hace más; le pedimos que no lo haga más.

-Entre “Libertinaje” y “De la cabeza”, entre el final de menemismo hasta el post 2001, Bersuit le puso una banda sonora a la realidad: entre una cuestión crítica, pero también el permitirse ser festivos. Por lo que decías, es de imaginar que no veían esa responsabilidad en ese momento.

-Es lo que nos sale. Estamos ahora por sacar un disco en octubre, seguramente; lo venimos haciendo ya desde el año pasado. Y tiene mucho de ese contenido, justamente. Cuando pensábamos que por ahí no iba salir tanto: también porque hay ciertas energías de rebeldía y de momentos que pertenecen justamente a eso, a un momento, en el caso de las personas. Está bueno, en lo personal para nosotros, que lo hemos vivido por unos 30 años eso. Más allá de los momentos en los que haya sido más masivo; pero de esa forma lo hemos vive durante 35 años de banda, en mi caso 27.

Y está bueno que esa posta la agarren las nuevas voces; con respecto a esa parte de la voz alzada, social, súper comprometida. Celebro que sea así: que la alcen esas nuevas voces, porque me parece que son un poco el camino, y si no, es como que realmente no se entendió nada de lo que venimos trabajando hace un montón (risas). Pero este nuevo disco tiene mucho de eso, mucho de “Libertinaje”.

-¿Qué se puede contar del proceso de la grabación?

-Estamos ya terminados, ahora entramos en las mezclas; vinieron un par de invitados que participaron en algunas canciones: era lo último que faltaba para terminarlo, porque lo veníamos haciendo con diferentes tiempos. Lo grabamos en un estudio de General Rodríguez, que tiene Álvaro Villagra; Eduardo Pereyra está haciendo las mezclas. Nos vamos de gira ahora para Estados Unidos, en agosto y vamos a estar seguramente allá el contacto con Aníbal Kerpel, porque la idea sería que haga la masterización, justamente como en “Libertinaje”. Ahí completaríamos este año: espero que salga en octubre.

-Hablabas de la gira por Estados Unidos, van a ser Chile, México, España y Francia. ¿Cómo están viviendo esto de volver a girar internacionalmente. luego de la pandemia y las giras acotadas de la pospandemia?

-Bien, como te decía al principio de la nota: con agradecimiento, porque el estar todavía haciendo lo que amamos, que se nos sigan abriendo fronteras en diferentes países: como Francia, donde no habíamos ido nunca. En 2020 justamente íbamos a hacer eso: de hecho arrancamos por México, estábamos tocando en el Vive Latino cuando la pandemia tuvo aviso en el mundo entero, y logramos volver para esa fecha a Buenos Aires. Se postergó un par de años esa gira por eso países. El año pasado ya arrancamos pero este año arrancó con todo: hacemos un poco del interior de nuestro país y nos vamos también para afuera. Vamos viviendo diferentes mundos y/o realidades: es parte de este viaje hermoso que te da la música.

(Por Hagar Blau Makaroff) – Hace poco más de un mes los Calíope Family firmaron con Warner Chappell Music Inc. Una editorial musical estadounidense subsidiaria de Warner Music. Y antes de su gira, la fecha en la ciudad para estrenar su disco será el sábado 5 de agosto en La sala de las artes, junto a Spaghetti Western (de Mendoza). Anticipadas en entradaplay.com, Amadeus (Córdoba 1369) y Miloco Growshop (Rioja 1432).

Además, el sábado 26 de agostó tocarán en Venado Tuerto, más precisamente en 1927 Multiespacio para presentar su último trabajo.

Con la fuerza de la calle y los genes del under, el quinteto fue construyendo un espacio propio en la música y hoy son los embajadores de una escena que los respeta y los banca. Ellos son Camilo Corradin (en batería), Pancho Val (guitarra), Agustín Pérez (teclados), Franco Olima (Bajo, SynthBass y pistas) y Brapis (voz y letras).

“341” cuenta con cuatro colaboraciones: Veeyam, Juli Giuliani, DJ Baladi y Núcleo AKA Tinta Sucia. Referentes muy ligados a la cultura del rap que acompañan a Calíope en diferentes pasajes de un disco que tiene todos los modos, desde virtuosismo, introspección a la vida en las calles rosarinas.

A pocos días de su esperada presentación de “341”, el tecladista de Calíope Family, Agustín Pérez, dialogó con Mirador sobre este virtuoso momento que vive la banda, sobre cómo compusieron este disco, los orígenes siete años atrás cuando era una banda propuesta por hombres muy mayores, y sus expectativas de cara a una gira y un contrato internacional con Warner Chappell.

Sobre los orígenes de la banda, Agus detalló: “Yo tenía 17 años cuando un señor llamado Daniel, que ahora vive en Bélgica, nos convocó para formar una banda de jazz donde alguien sume sus rimas arriba. Fue un visionario de fusiones cuando lo urbano acá todavía no sonaba tanto, y fue una gran experiencia para nosotros. Éramos Brapis y yo junto a Daniel y José Pons, un saxofonista. Pero al año Daniel y José se abrieron y se sumaron Franco, Pancho y Camilo.

Entonces quedó esta banda joven, con la misma formación que ahora, hace seis años. Un grupo de pibes que nos conocimos a través de la música. No es que éramos amigos y dijimos “armemos una banda” como suele pasar. De los mayores aprendimos la disciplina y constancia, llegar puntual, ensayar cuatro veces a la semana. Y la música nos dio esta gran amistad, imagínate la unión que hace que ensayemos cuatro veces a la semana, viajemos y estemos horas ensayando, y quizás los fines de semana también salimos”.

En origen, cuando comenzaron hace siete años, la banda era Calíope, pero cuando hicieron una cuenta de la banda en las redes sociales, encontraron a una cantante colombiana llamada Calíope. Entonces le agregamos el Family para distinguirnos. “Queríamos seguir teniendo ese nombre de la diosa griega que es una musa de la música, y así quedó”, recordó.

Lo que era en origen una propuesta de jazz con rap, desde el ingreso de los tres jóvenes pasó a ser de soul, R&B y los estilos urbanos. Los jóvenes entendieron que era importante sumarle la marca visual, y por eso tiene producción de video lyrics, discos físicos, merchandising, fotos, y Agustín adelantó que “hay ganas de crear un vinilo también, que le da un valor hermoso para los seguidores, pero eso tiene otros costos”.

Tras la salida de este nuevo disco, y apenas firmado su contrato para producir luego de la gira, Agustín asegura que “hay un exceso de felicidad en en el grupo”, y recordó cómo este año fueron convocados y sonaron en Cosquín Rock: “Fue muy hermoso ver como se fueron abriendo puertas, cuando hemos sonado en lugares muy under como se podía, y ahora nos llaman en festivales nacionales y con fechas en otras provincias, e hicimos el avant premiere para los seguidores, que vinieron a escuchar antes que nadie. Tocó una fibra íntima con 341”.

Sucede que las primeras veces que la banda viajó a Buenos Aires en busca de lugares en la noche, no era fácil su acceso, y la constancia de estos años de producción musical y viajes, ya les generó la camaradería y amistades con otros del palo. “Fue un trabajo con firmeza y amor, y estamos felices de tener tantas fechas y tantos amigos en el país”, agregó.

Disco rosarino nacido en la sierra, y la hermandad con otras bandas En torno a la creación de este nuevo, su tercer disco, también fue algo especial, ya que la banda se recluyó durante una semana en Córdoba a componer: “Nos encerramos en una casita en Villa del Dique, con dos computadoras y los instrumentos, y grabamos desde temprano. Cuando volvimos, teníamos todo el disco y lo grabamos en un estudio de Rosario”. Luego de la gira contarán con estudios de alta calidad de Warner en CABA, y sobre este gran salto, Pérez contó: “Fuimos promovidos por un productor al que le dicen El Ruso, que era de Neuquén. Él produce fechas en Buenos Aires, y fue quien nos propuso realizar este arreglo con la discográfica. Hace un mes firmamos con el escribano, y ahora tenemos un soporte enorme para seguir grabando y viajar, que es muy costoso”.

La banda siempre se manejó con un concepto cooperativo, y algo que destaca tanto los Calíope como el resto de las bandas jóvenes rosarinas es su compañerismo. Algo que desde hace años se observa desde la creación del Movimiento Unión Groove (MUG), que produce fechas de festivales y desde hace pocos meses lograron tener su propia sala de ensayo, también gestionada de forma autónoma.

Sobre esto, Agustín ahondó: “Siempre los gastos salieron de nuestro fondo común, y cada fecha que tocamos, la ganancia es llevada a ese fondo, que se retroalimenta para que tratemos de no tener gastos. En Rosario no tuvimos que pagar para tocar en bares, algo que es muy usual, pero sí muchos años alquilábamos una sala de ensayo, y ahora con el MUG tenemos nuestra propia sala, en la que además se genera esa sinergia entre las bandas, sin competencia, sino en total compañerismo y amistad. Imagínate que el MUG nació en un cuarto vacío en la casa de Wayra Navarini, un compañero muy generoso, y ahí nos reuníamos todos a ensayar y a hacer fechas, como una casa cultural”.

Sobre la rosarinidad y la creación de sus temas Este disco busca explícitamente mostrar el orgullo rosarino a las demás ciudades, ya que los cinco músicos de Calíope crecieron en sus barrios, y esa pertenencia se siente en cada canción. “Por eso hay temas que se llaman como los barrios, la tapa es el monumento. Siempre se dijo que ‘hay que ir a Buenos Aires’, y el ámbito musical no le daba el valor a que en Rosario pasan cosas, y el MUG es el claro ejemplo”, se explayó Agustín. El sonido que se busca debe ser armónico, “no un beat, orgánico con despliegue musical. Suena el soul mezclado con muchos géneros urbanos, algunos más traperos”.

De esta forma, cada canción fue compuesta entre todos, en medio de las sierras cordobesas, pero pensando en su identidad local, con armonías que se arman entre todos y luego Brapis compone las letras: “Hay dos formas de componer en general, Pancho y Franco hacen samples con la computadora y nosotros sumamos guitarra, bajo y batería, ó yo compongo una armonía con el piano y el resto se suma. Después mayormente la letra viene inspirada en la música”.

Este lunes 13 de marzo, Fito Páez cumplió 60 años y con motivo de su ingreso a una nueva década de vida, YouTube decidió realizarle un especial homenaje.

Con un total de 75 millones de visualizaciones a nivel global en el último año dentro de la plataforma de videos, el artista nacido en Rosario celebra junto a sus fanáticos.

El músico, compositor, pianista y cantante Rodolfo Páez, es considerado uno de los más importantes exponentes del rock, no solo del país, sino de toda la región. Con 27 álbumes de estudio, 1 maxi sencillo, 4 álbumes en directo, 3 DVD, 12 álbumes recopilatorios y numerosas colaboraciones junto a destacados artistas internacionales, no es ninguna sorpresa que el país donde más se reproducen sus videos sea Argentina.

Su canal oficial lleva casi 320 millones de visitas en total y, a pocos días de que entre en su sexta década, YouTube comparte sus videos más vistos e hitos dentro de la plataforma.

Países de habla hispana ocupan el top 5 de los lugares donde más se reproducen los videos del artista a lo largo del mundo: en Argentina tuvo casi 40 millones de vistas en el último año y lo sigue Colombia, con 7.32 millones, Chile, con 6.2 millones, Perú, con 3.91 millones y México, con 3.31. Sin embargo, el puesto número 7 lo ocupa Estados Unidos, con casi 2 millones de vistas en los videos de Fito Páez.

Buenos Aires ocupa el primer puesto en las ciudades a nivel global donde más se visitan los videos del artista, con 8.12 millones en el último año. Santiago la sigue con 4.02 millones, Bogotá con 3.22 millones, Lima con 2.64 millones y Montevideo con 2.31 millones de vistas.

Lo más visto

En su canal de YouTube, que cuenta con 417 mil suscriptores, el artista comparte no solo sus videos musicales, sino también Shorts, donde estuvo haciendo algunas sesiones durante la cuarentena, además de presentaciones en vivo y distintas listas de reproducción con su discografía. ¿Quiénes reproducen más sus videos en YouTube? En Argentina están sus fans más fieles y sus canciones y colaboraciones preferidas durante los últimos 12 meses fueron:

1° – Mariposa tecknicolor – 2.33 millones de vistas

2° – Al Lado Del Camino – 2 millones de vistas

3° – Fito Paez – Amor Es Dinero / Remo Erdosain (Official Audio) – 1.91 millones de vistas

4° – El amor después del amor – 1.69 millones de vistas

5° – Brillante Sobre El Mic (En Vivo) – 1.51 millones de vistas

Por su parte, los tres videos más vistos en su canal son FITO PAEZ – Al lado del camino, con 37 millones de vistas, Fito Paez – 11 y 6 (Official Video) con 14 millones, y Fito Paez – El Amor Después Del Amor (En Vivo), con 11 millones.

Durante los últimos 12 meses, en Argentina se registró un pico en el interés de búsqueda por el artista en YouTube la semana del 29 de mayo al 4 de junio, coincidiendo con el 30 aniversario de su disco “El amor después del amor”, así como la regrabación de ese álbum y una gira. Además, se destacaron algunas consultas relacionadas, como “Letra Recuerdos que no voy a olvidar, Fito Páez”, “Fito Páez Movistar Arena 2022”, por las presentaciones mencionadas, y “Fito Páez Mariposa tecknicolor”.

Por su parte, a nivel global las consultas que más crecieron en el interés búsqueda durante el último año en YouTube fueron “Fito Páez Viña del Mar 2023”, por su presentación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar el pasado miércoles 22 de febrero, “Los años salvajes, Fito Páez” y “Fito Páez éxitos”.

El domingo último, con más de 38 grados y un sol que invitaba a disfrutar del Balneario “El Edén”, el área de Turismo de Teodelina llevó a cabo una interesante propuesta para toda la región, que contó con la presencia de más de 5.000 personas, entre turistas, músicos y moteros.

La enorme pileta del Balneario El Edén con importante concurrencia.

Se trató de la “Juntada Motera”, que comenzó en horas de la mañana, y a la que se sumaron alrededor de 250 moteros que llegaron desde diversos puntos del país. Después de un asado, acampe y recital de bandas de rock; culminaron su actividad con la entrega de un presente a Silvina Sfasciotti y luego se realizó un sorteo entre los moteros.

Rock en vivo para musicalizar la jornada.

Por Diego Budassi

Con una grilla plagada de nuevas bandas, se llevó adelante el sábado un festival de Rock en las canchas de Básquet del Playón del Ferrocarril.

De qu? van, Recluta Patoso, Gaspar y los Psiconautas, Grassa y Torneo de Verano fueron las agrupaciones firmatenses que brindaron variadas propuestas ante una buena cantidad de público.

Firmat: primera edición del “Reci Rock”

La calurosa velada estuvo acompañada por la energía del rock de la ciudad, que con estos nuevos grupos mantiene la vigencia de un género que siempre está a la vanguardia, más allá de las modas pasajeras.

La gente se regocijó con propuestas clásicas pero muy frescas, con abanico de acordes y melodías que fueron desde los inicios del Flaco Spinetta hasta la agresividad de Greta Van Fleet.

No hay dudas que Firmat sigue teniendo grandes bandas y que el Rock, al menos por estas pampas, está muy lejos de extinguirse.

Se develó este jueves lo más sustancial del line up de Cosquín Rock 2023, una edición del festival que tendrá una importante cantidad de artistas internacionales como hace rato no sucedía en el evento que se lleva a cabo en el Aeródromo de Santa María de Punilla.

Luego de la confirmación del regreso al fin de semana de carnaval, en este caso el sábado 18 y domingo 19 de febrero de 2023, y de comenzar con la venta de abonos anticipados, por estas horas se oficializó gran parte de la grilla día por día. Igualmente, desde la organización hicieron saber que faltan artistas por anunciar.

Entre lo más destacado de “los de afuera”, sobresale la presencia del dee jay y productor holandés Tiestö; la neoyorquina LP que supo brillar en el último Lollapalooza con un show bien rockero; el mallorquín Rels B quien fue furor en su visita reciente a nuestro país y la mexicana Lila Downs, la que regresa tras varios años.

A estos nombres se le suman la banda colombiana Monsieur Periné y los españoles Cráneo & Lasser, Muerdo y Sofia Gabanna, hermana menor de Nathy Peluso.

Dentro de los artistas de estos lares, se distinguen la vuelta al festival luego de varios años de No te va gustar y los regresos de Catupecu Machu y Usted Señálemelo, además de la presencia de algunos de los grupos más convocantes y que ya son una fija en los últimas ediciones como Ciro y los Persas, Fito Páez, Divididos, Skay y los Fakires, Babasónicos, Las Pastillas del Abuelo, Airbag y Las Pelotas, entre otros.

También cabe resaltar la inclusión de artistas de la llamada “nueva generación” que ya se han ganado un lugar protagónico en gran parte de los festivales. Entre ellos están Trueno, Conociendo Rusia, El Mató a un policía motorizado, Juan Inagaramo, Dillom, Ca7riel y Paco Amoroso, Bándalos Chinos y El Plan de la Mariposa. Otra novedad es la aparición por primera vez de artistas como Lisandro Aristimuño y Perotá Chingó, además de la reincidencia de las fiestas Bresh y Katana.

A la espera del anuncio de la distribución de los artistas en cada escenario, esto es lo confirmado hasta aquí:

No te va gustar, Divididos, Rels B, LP, Trueno, Skay y los Fakires, Guasones, Lila Downs, Conociendo Rusia, Usted Señalemelo, Catupecu Machu, Bresh, Estelares, Juanse, Turf, El Mató a un policía motorizado, Juan Ingaramo, La Delio Valdez, Saramalacara, Rayos Laser, Alemán, El Bordo, Zeballos, Ojos Locos, Rusowsky, Perotá Chingó, Don Vilanova y Soul Bros, Las Ligas Menores, Lara 91k, Joanna Maddox, Mi amigo invencible, Muerejoven, Gauchito Club, 1915, Odd Mami, La Chancha Muda, Koino Yokan, Clara Cava, The Ginger Hearts, DLD, BAD, Vesica Piscis, Joven Breakfast, Letizia Vocos, Fermín, Los Hermanos Morgan, Greta Kohan, Deborah Dixon, Viejo Motor, Synopsis, Jon Deca, Farolitos, Wayra Iglesias.

Tiestö, Fito Páez, Ciro y los Persas, Babasónicos, La Vela Puerca, Las Pastillas del Abuelo, Dillom, Ca7riel y Paco Amoroso, Airbag, Las Pelotas, Caras Extrañas, Monsieur Periné, Bándalos Chinos, Lisandro Aristimuño, Emmanuel Horvilleur, Ms Nina, Taichu, Sofia Gabanna, Cráneo & Lasser, El Plan de la Mariposa, Peces Raros, Fiesta Katana, Cruzando el charco, Silvestre y la Naranja, Vetusta Morla, Jóvenes Pordioseros, Muerdo, Manu Martínez, JJ Thames, El Zar, Feli Colina, Santa Salut, Intendente, Paz Carrara, El Doctor, Los Masones, The Rhythm Gamblers, El Vuelto, Los Búfalos Sedientos, Zenón Pereyra, Ronpe 99, The Colorated, Agustina Giovo, Nanda Moura & Toyo, Santoz, Mia Zeta, 29 Caminos, Anyi, Cata Raybaud. Gloria Aguilar y Cruxados, Caliope Family.

A poco de haber presentado su primer trabajo discográfico “Mundo Virtual”, la banda de rock oriunda de la localidad de Melincué, Sinergia, acaba de presentar su primer video clip. “Desde el aire”, como se titula el tema, fue lanzado recientemente en las diferentes plataformas oficiales del grupo.

El trabajo, fue logrado gracias a la colaboración del Casino de Melincué, con la colaboración activa de Cristian Baravalle (Beat One Eventos) y de “todas las personas indispensables que estaban detrás de escena y que siempre nos acompañan”, dijo al respecto el bajista, Leo Romanutti.

“Esperamos que sea del agrado de muchos. Aprovechamos también para adelantar que estamos trabajando en el segundo disco. El objetivo es hacerlo en lo que resta del año”, agregó el músico.

Melincué: “Sinergia” lanzó su primer disco

Recordemos que el grupo está integrado por los hermanos Sebastián (guitarra y voz) y Leonardo Romanutti (bajo); Josué Agostini (batería); David Valenzuela (trombón); y Alexis Bonino (saxo tenor).

El ministro de Cultura Jorge Llonch y el diputado nacional, Roberto Mirabella se reunieron con el músico Juan Carlos Baglietto para poner en marcha la iniciativa. Luego del encuentro anunciaron la presentación del Museo Itinerante del Rock, en el que se recorrerá la historia del rock nacional a través de instrumentos que pertenecieron a grandes artistas.

Asimismo, el legislador oriundo de Rafaela recibió el apoyo del integrante de la Trova para que Rosario sea declarada capital del rock en Argentina, un proyecto que ya recibió media sanción por parte de la Cámara de Senadores de la Nación.

En la reunión Baglietto, Llonch y Mirabella dieron las puntadas finales para la presentación del Museo Itinerante del Rock, la iniciativa que apunta a recorrer la historia del rock argentino y expondrá instrumentos, objetos y manuscritos que pertenecieron a grandes figuras de la música nacional como Charly García, Fito Páez o León Gieco. Su primera estación será en Rosario, en el Galpón 17, frente al Monumento Nacional a la Bandera.

En relación a esto, el ministro de Cultura, Jorge Llonch, señaló: “Desde hace un año estamos trabajando junto a Juan y Roberto en este proyecto, en el que van a exponerse un montón de instrumentos en un circuito que da cuenta de la historia del rock nacional desde los años ‘60 y ’70”.

Por su parte, Mirabella indicó: “Queremos que Rosario sea la capital del rock de toda la Argentina por la historia que tiene la ciudad, por los músicos que dio y que sigue dando. Fue el primer lugar en el que se cantó en castellano en América Latina”.

Además el legislador apuntó: “Las ciudades se identifican por una gran cantidad de cosas. En el caso de Rosario, podemos pensar en Newell´s y Central, en el Monumento a la Bandera, en el Río Paraná. Pero también pensamos en Litto Nebbia, en Oscar Moro, en Juan Carlos Baglietto, en Fito Páez, tantos músicos y músicas que dio la ciudad”.

Al finalizar Baglietto expresó que “el Museo expondrá objetos e instrumentos con un valor simbólico e histórico muy importante. Es un disparador para generar movidas culturales en las ciudades, porque en gran medida lo que sucede hoy en la música y la cultura está muy influenciado por la historia de nuestros grandes artistas, que hoy son inspiración y referentes”.

El músico brindó su apoyo al proyecto para declarar a Rosario como Capital Nacional del Rock, presentado ante el Congreso por Mirabella durante su mandato como senador nacional y que ya tiene media sanción.

“Rosario tiene que ser la capital del rock porque tenemos historia, grandes artistas y bandas jóvenes muy trascendentes a nivel internacional. Es una ciudad con mucha cultura”, concluyó.

El proyecto para declarar a Rosario como capital nacional del rock fue presentado en el Congreso Nacional por Mirabella durante su mandato como senador y ya cuenta con media sanción de la Cámara alta, por lo que sólo resta que sea aprobado por Diputados.

“La ciudad de Rosario no sólo vio nacer al rock nacional, es aún hoy el espacio de encuentro donde convergen bandas con más de veinte años de historia con aquellas que siguen creciendo y otras nuevas”, concluyó Mirabella.

Tras agotar en apenas dos horas su octavo River Plate, la banda británica Coldplay anunció una novena fecha para el 7 de noviembre, con lo cual alcanzó el récord absoluto de cantidad de shows en ese escenario en una misma gira, que hasta ahora ostentaba en soledad Roger Waters por su serie de conciertos de marzo de 2012, en los presentó el espectáculo “The Wall”.

De esta manera, el grupo comandado por Chris Martin hará su parada en nuestro país de su gira “Music of the Sphares World Tour” los días 25, 26, 28 y 29 de octubre; y los días 1, 2, 4, 5 y 7 de noviembre.

Con 500 mil localidades agotadas hasta el momento para sus otros ocho shows, el último de ellos en un breve lapso de tiempo, y las entradas para esta nueva fecha disponibles a través del sitio All Access, no se descarta que se agregue alguna función más, lo cual se convertiría en el más grande éxito de una banda extranjera en la Argentina.

Para los conciertos en nuestro país, el número de apertura estará a cargo de la cantante estadounidense H.E.R., al igual que en Brasil; mientras que en Colombia y Chile esta misión recaerá sobre Camila Cabello.

A pesar de haber anunciado en 2019 que no volvería a girar para no agravar el calentamiento global, el grupo de Chris Martin decidió poner en marcha este ambicioso tour que estará signado por una gran cantidad de iniciativas de sustentabilidad y compromiso ambiental, incluyendo la reducción de emisiones de CO2 y la plantación de un árbol por cada entrada vendida.

El “Music Of The Spheres World Tour” apuntará a alimentar completamente el show con energía renovable de muy bajas emisiones, con instalaciones solares en cada lugar, aceite de cocina usado, un piso de estadio cinético y bicicletas cinéticas impulsadas por ventiladores que se almacenarán en la primera batería recargable móvil para espectáculos.

También ofrecerá agua potable gratuita, promoviendo la eliminación de las botellas de plástico en todos los lugares reciclables y dispondrá el 10 por ciento de todas las ganancias en un fondo para causas medioambientales y de conciencia social, incluidos ClientEarth, One Tree Planted y The Ocean Cleanup.

En esa línea establecerá una asociación con expertos en cambio climático en el Instituto Grantham del Imperial College de Londres vinculados al área Cambio Climático y Medio Ambiente para cuantificar el impacto de la gira en el medio ambiente.

Coldplay mantiene una especial relación con los fans locales que se inició en su primera visita de 2007 en el Teatro Gran Rex y se afianzó en 2010 cuando actuó en River.

La banda regresó al país en 2016 en la apertura de su hasta ahora última gira mundial “A Head Full of Dreams” ocurrida en el Estadio de La Plata, lugar que también eligió para su cierre un año más tarde.

Por su parte, Chris Martin estuvo presente de manera virtual en la reciente gira despedida de Soda Stereo, con su interpretación desde las pantallas de “De música ligera”, el clásico con el que concluían los shows.

Fue un Jueves Santo especial en la Casa Museo Cayetano Alberto Silva. El baterista y bandoneonista Fernando Samalea, músico de la banda de Charly García en varios de sus discos emblemáticos, estuvo ayer en la histórica casona ofreciendo una charla despojada de toda formalidad, ante un heterogéneo auditorio. Y luego participó de un “intercambio” musical con el grupo de pop Pimps y con la Banda Municipal Cayetano Silva, dirigida por el maestro Ezequiel Fernández.

Gracias a las gestiones del productor Walter Carugno y con la organización de la Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural, la charla -con invitación especial- permitió acercarse al mundo del rock en el testimonio de uno de sus exponentes, preguntar sobre grabaciones de Gustavo Cerati, tal show de Charly, el hip hop de los Illya Kuryaki, los proyectos nuevos en los cuales Samalea estuviese involucrado, o simplemente escuchando su experiencia en el camino de la música. También para firmar autógrafos de su libro “Nunca es demasiado”, donde desarrolla una “memoria prodigiosa” para su larga historia en el rock.

Tras un intermezzo, ahora sí con acceso libre y gratuito, vino la música, primero con los ascendentes Pimps, de gran actuación en el último Rock Venado 2022, y luego con la Banda Municipal, aportando “bata” con Piazzolla primero y con Charly después, en una versión de “Cerca de la revolución” que lo tuvo al Gato Fusinato en voz. El cierre, en el mes aniversario de la ciudad, fue con la Marcha San Lorenzo y un homenaje a Cayetano Silva en el ámbito donde compuso su obra emblemática. Así concluyó su “aventura” por el sur-sur de Santa Fe este caballero de la música, que sale por las rutas sin más plan que desafiar distancias para encontrarse “con músicos y no músicos” para narrar sus vivencias “con connotación humanística”, como le gusta decir.

Cabe agregar que este evento fue declarado “de interés cultural” por el Concejo Municipal, una iniciativa de la concejala Mariana Iturbide, quien hizo entrega al músico de la declaratoria.