(Por Juan Ignacio Novak) - Cada 14 de febrero, reaparece la pregunta ¿cómo representar el amor? Hay una canción de Pedro Guerra, "Madurar el amor", que expresa tal interrogante. "No tiene rostro, no tiene altura, no puede ser llevado de la mano, no tiene calma, no tiene anchura, no puede ser armado ni comprado", dice el cantautor.

Más allá de las flores, los bombones, los mensajitos románticos, las cenas a la luz de las velas y toda esa imaginería construida en torno al calendario, la historia del arte ofrece una cartografía más compleja del sentimiento.

Desde el siglo XV hasta el siglo XX, grandes maestros como Van Eyck, Picasso y David, dejaron escenas que contienen en su interior promesas, deseos, intimidades y (el amor también los tiene) conflictos.

En este San Valentín, proponemos cinco obras clave que permiten recorrer esa evolución: del matrimonio como contrato simbólico a la pasión como unión absoluta. Cinco pinturas que, vistas hoy, dialogan con las formas del amor en el siglo XXI.

National Gallery de Londres

Fue pintada en 1434 y se conserva en la National Gallery de Londres. Es muy misteriosa. Un hombre y una mujer, ricamente vestidos, ocupan una habitación privada. Todo parece describir un instante doméstico, pero cada elemento está cargado de intención.

La minuciosidad técnica muestra el dominio del óleo de Van Eyck. Como señala Oskar González, eso se ve en "los pliegues de las ropas, los detalles del candelabro, la talla de los muebles. Es una de las obras más estudiadas de la historia y, sin embargo, todavía no está claro su significado".

El espejo del fondo amplía la escena. Miguel Calvo Santos habla de la densidad simbólica. "La imagen de Santa Margarita con su dragón (patrona de embarazadas), el perro (fidelidad), la cama, los protagonistas descalzos insinuando suelo sagrado, la lámpara con sólo una vela, que simboliza la llama del amor, naranjas por ahí tiradas (fertilidad)", indica.

Museo de Arte de Cleveland

Data de 1817 y está ubicado en el Museo de Arte de Cleveland. El mito clásico reaparece con un giro inquietante. Según los especialistas, David aborda la historia de Cupido y Psique desde la tensión entre fantasía y cuerpo.

Según la página del museo que alberga la obra, "David usó la historia de Cupido y Psique para explorar el conflicto entre el amor idealizado y la realidad física". El Cupido de la pintura no es un héroe, sino un joven desgarbado, casi burlón.

La escena capta la sensualidad de la primera noche, pero introduce una ambigüedad que rompe con el romanticismo convencional. El amor es deseo y riesgo.

Bristol Museum & Art Gallery

Esta obra de 1858, se ubica actualmente en el Bristol Museum & Art Gallery. En plena Inglaterra victoriana, Leighton representa el amor como seducción fatal. Inspirado en un poema de Goethe, el cuadro muestra a un pescador abrazado por una ninfa marina que lo arrastra hacia su destino.

Un crítico contemporáneo habló de la "irresistible seducción" de la sirena y subrayó que el artista había bebido de la tradición renacentista. La composición es sencilla (dos cuerpos entre rocas y mar), pero la tensión dramática es total.

La obra, que descansa hoy en la Národní galerie Praha, fue creada por Renoir en 1875, al aire libre. Muestra a una pareja sentada bajo la sombra de un árbol. La pincelada suelta y la ondulación de la luz integran a los personajes con el paisaje.

Národní Galerie Praha

El propio artista afirmaba que un cuadro debía ser algo amable, alegre y hermoso. "Ya hay demasiadas cosas desagradables en la vida como para que nos inventemos más", sostenía.

Mercedes Tamara destaca que "el pintor no se detiene en la descripción de los detalles, sino que esboza las formas con manchas de color", generando una escena donde la atmósfera importa más que el contorno.

El amor, en el impresionismo, se asume como una experiencia compartida en el espacio público, es algo moderno, cotidiano, sin solemnidad. Un cambio respecto al décadas anteriores.

Museo Picasso de París

Resguardada en el presente en el Museo Picasso de París, es uno de los tantos "besos" que creó el malagueño. En el final de su vida, llevó el tema de la pareja a una síntesis extrema. Dos cabezas ocupan todo el espacio y se funden en una línea.

G. G. Pietro escribió que "en este beso los labios de los amantes se sellan, se funden, se coagulan". Y considera que es "uno de los mejores besos jamás dados". Picasso deforma los rostros para acercarlos. "De los dos, solo hace uno, para expresar la íntima fusión que se produce durante el acto del beso". El amor es intensidad pura.

Si algo enseñan estas obras es que el amor no fue nunca una categoría fija. Fue contrato social en el Renacimiento, tensión mitológica en el neoclasicismo, peligro romántico en el siglo XIX, escena urbana en el impresionismo y fusión radical en la modernidad de Picasso.

El 6 de marzo se celebra el Día Internacional del Escultor en conmemoración del nacimiento de Miguel Ángel Buonarroti, quien nació en 1475 en la ciudad italiana de Caprese.

Genio y síntesis del Renacimiento, fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Realizó su obra a lo largo de setenta años, entre las ciudades de Florencia y Roma.

El David, escultura realizada por Miguel Ángel Buonarroti. Foto: Archivo

Según el Museo del Prado, “aunque él mismo se considerase principalmente escultor, lo cierto es que a través del dibujo dominó también la arquitectura y la pintura de su tiempo con una capacidad de inventiva y superación portentosas”.

Por el aniversario 550 del nacimiento del artista, la ciudad de Florencia dispondrá “El eterno contemporáneo. Miguel Ángel 1475-2025”, que se llevará a cabo hasta el 15 de diciembre en la Galería de la Academia.

Para recordarlo, decidimos repasar cinco de sus piezas maestras que lo consagran como uno de los artistas más influyentes de toda la historia.

Realizada entre 1496 y 1497, es una de las primeras esculturas de Miguel Ángel y una de las pocas que abordan un tema pagano.

Museo Nacional del Bargello

Representa al dios del vino embriagado, con expresión relajada y una pose que se opone a la rigidez clásica. Hoy se encuentra resguardado en las instalaciones del Museo Nacional del Bargello, en Florencia.

Esta obra, fechada en 1499, es una de las más conmovedoras del artista. Muestra a la Virgen María sosteniendo el cuerpo sin vida de Jesús con una serenidad que se transmite.

Se destaca por la técnica impecable, que logra tal realismo en el mármol que los personajes representados parecen tener vida. Se encuentra en la Basílica de San Pedro, en el Vaticano.

La Piedad del Vaticano no es la única creada por Miguel Ángel, quien luego esculpió dos más que retoman este tema.

Basílica de San Pedro

Julián González Gómez recuerda que cuando la realizó, el artista apenas contaba con veintitrés años. "Pese a su juventud, en ella demuestra el genio que lo acompañará toda su vida".

"Esta piedad es, al mismo tiempo que la obra de un enorme artista, la culminación y el rompimiento de todo un siglo de hallazgos realizados a lo largo de una época: el Renacimiento florentino", agrega.

Tallado entre 1501 y 1504, el David es una de las esculturas más icónicas de todos los tiempos. Representa al héroe bíblico en el instante previo a enfrentarse a Goliat.

Su monumentalidad (mide más de cinco metros) y los detalles anatómicos lo convierten en una obra maestra. Se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.

Galería de la Academia de Florencia

Esteban Iborio sostiene que es, desde entonces, "el ideal de belleza masculina. Un hombre musculoso, en tensión y preparado para el combate".

"Su cuerpo está girado con un ligero contrapposto, su cabeza mira hacia su izquierda (hacia Roma), con los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido", añade.

Realizada en los primeros años del siglo XVI, esta escultura es una de las pocas de Miguel Ángel que salieron de Italia en vida del artista.

Madonna de Brujas representa a la Virgen María con el Niño Jesús de pie, gesto inusual en la iconografía religiosa de la época. Está en la Iglesia de Nuestra Señora en Brujas, Bélgica.

Iglesia de Nuestra Señora en Brujas

En una entrevista concedida a la agencia EFE en 2018, la conservadora del museo de Brujas, Kristel Van Audenaeren apuntó que "es una rareza en Brujas".

"Es una obra renacentista, muy moderna para Flandes en la época, que inspiró después a artistas locales", agregó.

Parte de la serie de los "Esclavos" esculpidos para la tumba del Papa Julio II, el Esclavo moribundo muestra la lucha del ser humano por liberarse de las ataduras.

Su expresión resignada y la torsión del cuerpo transmiten una enorme carga emocional. Actualmente, se exhibe en el Museo del Louvre, en París.

Museo del Louvre

“Miguel Ángel esculpió una forma que conduce pasión por cada uno de sus apéndices anatómicos, deliberando un movimiento, ritmo y voluptuosidad que gangrenan placeres andróginos”, sostiene el especialista Álvaro Alonso Pardal.

(Por Juan Ignacio Novak) - En el contexto de la era digital, es sorprendente como Leonardo da Vinci, nacido hace más de quinientos años, sea un punto de referencia continuo y un catalizador para nuevas creaciones. Van dos ejemplos concretos y santafesinos. El primero, en la Fábrica Cultural del Molino, donde una de las atracciones principales le permitía al visitante, no hace mucho tiempo, jugar a través de intervenciones con la icónica figura de La Gioconda, poniendo en juego su propia subjetividad. El otro, en la Redonda donde uno de los dispositivos más admirados es “Alas”, precisamente inspirado en los inventos del genio renacentista.

Es que Leonardo (así quedó para la posteridad) fue un maestro del arte, pero también un visionario científico a la manera en que siglos más tarde lo sería por ejemplo Julio Verne en la literatura. Un ingeniero adelantado a su tiempo y un pensador que conocía varias disciplinas y era capaz de unirlas para elucubrar conclusiones provocadoras, que pusieron en jaque los conocimientos adquiridos hasta su época. Tal vez allí radique su condición de genio, en tomar todo lo que tenía a su alcance, reunir esas variables y gestar algo nuevo. Cabe preguntarse si existe en esta época algún creador que pueda tener un parangón con Leonardo. James Cameron, salvando las distancias, podría serlo, en la medida en que utilizó todo lo aprendido a partir del estudio de los cineastas del siglo XX para hacer algo completamente nuevo como “Avatar”.

Retrato de Leonardo Da Vinci (1508), atribuido a Francesco Melzi. Foto: Archivo/EFE

Es difícil mensurar el aporte de Leonardo, dado que trasciende por mucho los terrenos del arte. Como pocos, encarnó la síntesis del Renacimiento, en su figura confluyen muchos de los ideales y características típicas de ese tiempo de florecimiento cultural, artístico, científico y humanista en Europa. Al mismo tiempo diseñó máquinas voladoras que anticiparon la aviación, realizó estudios de anatomía que allanaron el camino para la medicina moderna, y realizó obra pictóricas que hoy figuran entre las más famosas del mundo. “El ingenio humano nunca imaginará una invención más hermosa, más simple o más directa que la naturaleza, porque en sus inventos no falta nada, y nada es superfluo”, expresó el mismo en una ocasión. Sentencia algo paradójica si se considera que su genio se mantiene vigente con la misma intensidad que hace cinco siglos y medio. Pocas décadas después de la muerte de Leonardo, esto ya estaba claro. Las crónicas señalan que Francisco I le dijo a Benvenuto Cellini: “Nunca ha habido otro hombre nacido en el mundo que supiera tanto como Leonardo, no tanto en pintura, escultura y arquitectura, sino en filosofía”.

Archivo El Litoral

Miguel Calvo Santos, en Historia/Arte, lo resumió bien: “Leonardo da Vinci, el homo universalis, el sabio renacentista, el artista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano. No sólo era artista, también fue una eminencia en aerodinámica, cocina, hidráulica, anatomía, poesía, botánica. Y por supuesto, por lo que lo conocemos hoy: por su pintura, escultura y arquitectura. Gracias a ello forma parte, junto a Miguel Ángel y Rafael, de la santísima trinidad del arte renacentista”. En las líneas que siguen, para celebrar la figura de Leonardo en el día en que se cumplen 572 años de su nacimiento, va un repaso por sus cinco obras más emblemáticas. Que también encuentra fundamento en el hecho de que hoy, en su honor, se conmemora el Día Mundial del Arte, por iniciativa de la UNESCO.

“La última cena”: es un mural que representa el momento en el que Jesucristo anuncia que uno de sus discípulos lo traicionará. Leonardo expresa la tensión del momento y la interacción entre los personajes. Giorgio Vasari, arquitecto, pintor y escritor italiano, considerado uno de los primeros historiadores del arte, sostiene según citan Sofía Vargas y Regina Sienra en My Modern Art que “Leonardo imaginó y logró expresar, el deseo que ha entrado en la mente de los apóstoles de saber quién está traicionando a su Maestro. Entonces, en los rostros de cada uno, se puede ver amor, miedo, indignación o pena por no poder entender el significado de Cristo; y esto provoca una sorpresa comparable al obstinado odio y la traición que se ven en Judas”. Una forma sencilla de medir la fuerte presencia de esta pintura en la cultura popular, es el uso que hace de ella el escritor de thrillers Dan Brown en “El código Da Vinci”.

Santa Maria delle Grazie

“La Mona Lisa”: Con toda posibilidad, la pintura más famosa del planeta y una de las más visitadas y fotografiadas de Europa. Y, podría agregarse, la sonrisa más enigmática desde que Leonardo la plasmó sobre una tabla de álamo a principios del siglo XVI. Desde hace 19 años, la pintura también conocida como “La Gioconda” ocupa el sitio más importante de la sala de los Estados del Louvre, protegida por una vitrina. “Pintada ante un paisaje lejano, la Gioconda nos mira con su legendaria sonrisa en los labios. Sin embargo, al margen de su expresión, lo que le confiere esa presencia tan particular es sobre todo la técnica del sfumato: Leonardo da Vinci superpuso finas capas de pintura para crear las formas atenuando los contornos y los contrastes. El artista atrapó el instante en el que Mona Lisa se vuelve hacia el espectador. Ese movimiento tan natural es lo que confiere una impresión de vida al cuadro”, señala la versión en español de la página oficial del museo parisino.

Museo del Louvre

“La Virgen de las rocas”: Da Vinci pintó dos versiones de esta obra, ambas al óleo sobre paneles de madera de grandes proporciones. Una se conserva en el Louvre de París y otra en la National Gallery de Londres. Las dos representan a la Virgen María, el niño Jesús, el niño Juan Bautista y un ángel en un paisaje rocoso. Una investigación reveló, hace un lustro, los trazos originales de la obra que hizo el artista y que estuvieron escondidos desde entonces. Esto se logró a través de una técnica de mapeo con fluorescencia de rayos X y muestran que esbozó primero al ángel y a Jesús. Catalina Arancibia Durán señala un aspecto significativo: la distribución piramidal, tal como en la mayoría de los cuadros religiosos del periodo.

National Gallery de Londres

“San Juan Bautista”: Juan el Bautista aparece en un paisaje rocoso, sosteniendo una vara de azucenas. Hay misterio y a la vez serenidad en este, uno de los últimos cuadros Leonardo da Vinci, pintado al óleo sobre tabla. “El San Juan que aquí se muestra, es una de sus más misteriosas obras y también una de las más sutiles. Este joven de sexualidad ambigua emerge de la oscuridad suavemente, gracias al sfumato, hasta revelar su rostro y su cuerpo en una tenue, pero precisa luz ámbar que lo envuelve completamente. Vestido con pieles y de pelo largo y rizado, nos mira con esos ojos llenos de implicaciones y sus labios esbozan apenas su sonrisa, con esas comisuras que nos dicen algo que sabemos, pero que no podemos describir en términos objetivos”, escribió Julián González Gómez en un artículo publicado en la página web de la Universidad Francisco Marroquín.

Museo del Louvre

“La dama del armiño”: Es un retrato de Cecilia Gallerani, amante del duque Ludovico Sforza, sosteniendo un armiño blanco, animal al cual se recurría en aquellos tiempos para cazar ratones y conejos. Muchos especialistas ven en esta obra una alegoría del amor y el apego. La técnica es óleo y temple sobre una tabla de nogal. “Como todos los cuadros de Da Vinci, el retrato de Gallerani muestra un compromiso con el naturalismo. Esto es evidente en el modelado del rostro de la mujer, el pecho y, especialmente, la mano izquierda que acuna al animal. También está hecho en claroscuro, una técnica que enfatiza las luces y sombras para crear profundidad visual”, sostiene la ya citada Sofía Vargas, redactora en español para My Modern Met.

Museo de Czartoryski

(Por Juan Ignacio Novak) - El Viernes Santo es una jornada de recogimiento para millones de personas en todo el mundo, que conmemoran la muerte de Jesús de Nazareth en la cruz, horas después de ser traicionado por Judas a cambio de 30 monedas. Es uno de los momentos más significativos del año para quienes profesan la fe católica: Dios hecho hombre entregando su vida por el bien de la humanidad. Un símbolo tan fuerte como duradero a través de las centurias.

La crucifixión de Cristo fue abordada en innumerables oportunidades desde el arte, a partir de concepciones del mundo muy diferentes, incluso contrapuestas, entre sí. Desde las suntuosas pinceladas de Velázquez en el siglo XVII hasta la mirada surrealista de Dalí, acorde con las vanguardias del siglo XX. En las líneas que siguen fueron seleccionados cinco ejemplos de arte sacro que proponen perspectivas conmovedoras para el momento previo a la Pascua.

“El Cristo Crucificado”: En esta obra, Velázquez ofrece una visión austera de la crucifixión. Pintada para el convento de las Benedictinas de San Plácido en Madrid, la precisión anatómica y el contraste de luces y sombras reflejan la ascendencia de Caravaggio. A pesar de que se trata de una escena dura, debido a sus implicancias, Velázquez transmite serenidad y dignidad, a contramano de la dramatización más propia de la tradición gótica. “El desnudo es el protagonista de la obra y de tal manera la precisión en la anatomía del cuerpo, con especial detalle al tratamiento de los pliegues en el paño de pureza. En él, la postura delicada del Cristo se ha resuelto con un ligero contraposto, aportando armonía”, señala Santiago Mejías Blake en el portal Historia/Arte. Se conserva en el Museo del Prado desde 1829.

Museo del Prado

"La Crucifixión": Esta pintura del pintor hispano-flamenco Juan de Flandes despliega una interpretación clásica de la crucifixión. Con influencias de la escuela de Brujas y los maestros flamencos como Van der Weyden, el artista presta atención a los detalles y pone acento en los aspectos emocionales de la escena. A pesar de ser una obra centrada en la simplicidad, conmueve de todas maneras al espectador producto de la intensidad de la devoción representada. “En el eje de la composición, en un plano paralelo al de la superficie del cuadro, Juan de Flandes dispuso a Cristo clavado con tres clavos en la cruz, de acuerdo con una iconografía fijada desde el siglo XIII. Lo muestra muerto, con la corona de espinas y la sangre manando de sus heridas”, escribió María Pilar Silva Maroto sobre esta obra para el Museo Nacional del Prado.

Museo del Prado

"Cristo de San Juan de la Cruz": El español Salvador Dalí, un artista del siglo XX conocido sobre todo por su estilo surrealista y su desbocada imaginación, pintó más de una vez la crucifixión. En este caso, ofrece una interpretación muy particular. Inspirado en un dibujo místico de San Juan de la Cruz, mixturado con un sueño personal, el español retrata a Cristo flotando sobre la cruz en una posición que entraña varios enigmas. La perspectiva y la luz le brindan cierto aura de misticismo a la escena. La obra, que se conserva en el Museo Kelvingrove, en Glasgow, Reino Unido, se integra perfectamente a la compleja imaginería que rodeó tanto el arte como la vida de Dalí y que lo convirtieron en uno de los artistas más conocidos y polémicos del siglo XX.

Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow Reino Unido

“Crucifixión Mond”: Rafael Sanzio, uno de los grandes maestros del Renacimiento italiano, ofrece en este caso una representación clásica y sosegada de la crucifixión, muy acorde a la instancia de reflexión ante la muerte de Cristo con que la Cristiandad recuerda este día. A través de su característico dominio del dibujo y la composición, Sanzio muestra a Cristo colgado en la cruz, rodeado de cuatro figuras humanas apesadumbradas y un grupo de ángeles que juntan la sangre del salvador en cálices, lo cual se relaciona evidentemente con el mensaje de esperanza y redención que conlleva la cruz: la sangre de Cristo equivale al futuro de la humanidad.

National Gallery Londres

“La Crucifixión” de El Greco: se trata de una obra maestra del llamado Renacimiento español. El Greco, que antes se había ocupado más de la figura de Cristo en vida, desarrolla en este caso una versión dramática de la crucifixión. Eso es ostensible en la forma en que está pintado el cuerpo de Jesús, ubicado en el centro de la escena, en una postura que muestra el tormento por el que está pasando el salvador de los hombres. A los costados, se observan las figuras sumidas en el tono trágico del momento. El cielo borrascoso, que funciona como contexto y también como metáfora, realza el sentido oscuro de la obra,que fue pintada por El Greco para el retablo mayor del Colegio de la Encarnación en Madrid. “En esta obra encontramos una de las versiones más originales y extremas del asunto representado, fundamental en la iconografía cristiana. Cristo acaba de morir en la cruz ante el dolor desgarrado de María y la desolación de san Juan. María Magdalena y tres ángeles se afanan mientras tanto en recoger la sangre de Cristo que brota de sus heridas”, señala Leticia Ruiz en un texto escrito en 2011 para la Fundación Amigos del Museo del Prado.

Museo del Prado

La sala ubicada bajo la "Capilla del pintor" en la Sacristía Nueva de la basílica de San Lorenzo de la ciudad de Florencia, que contiene bocetos de Miguel Ángel, podrá visitarse desde el 15 noviembre, fecha a partir de la que se podrán apreciar por primera vez los dibujos en sus muros atribuidos al artista renacentista, quien los habría hecho mientras permanecía recluido para eludir una sentencia de muerte.

Se trata de bocetos secretos de Miguel Ángel que estaban en una sala, ubicada debajo de las Capillas de los Medici, en la que se sabe que el artista pasó meses en una cámara para evadir la sentencia de muerte del Papa Clemente VII.

En esta habitación "secreta", las paredes están dibujadas con garabatos que se cree que el maestro del Renacimiento italiano creó mientras evadía una sentencia de muerte en medio de su pelea con la poderosa familia Medici.

Según The Guardian, se cree que Miguel Ángel pasó dos meses escondido en la pequeña cámara debajo de las Capillas de los Medici en la Basílica de San Lorenzo en 1530, haciendo docenas de dibujos que recuerdan sus obras anteriores, incluido uno de Leda y el Cisne, una pintura producida durante el mismo año que luego se perdió.

La existencia de estos dibujos al carbón y a la tiza se descubrió en 1975, cuando Paolo Dal Poggetto, entonces director de las Capillas de los Medici, uno de los cinco museos que componen los Museos del Bargello, buscaba un espacio adecuado para crear una nueva salida para el museo.

En ese momento, debajo de un armario encontró una trampilla que conducía a una habitación de 10 metros de largo y tres de ancho. Los bocetos se dieron a conocer después de que se quitaran las paredes de la cámara, que hasta 1955 se había utilizado para almacenar carbón antes de ser sellada durante las siguientes dos décadas.

"Dibujaba cosas del pasado como si estuviera haciendo un viaje al pasado... era como tener un álbum de sus obras", dijo a la prensa Paola D'Agostino, directora de los Museos del Bargello mientras acompañaba a los periodistas en una visita a la sala.

En esa recorrido, D'Agostino dijo que era como si el artista hubiera querido realizar un catálogo de sus obras, sin saber si saldría vivo o muerto de la cámara.

Otros dibujos recuerdan algunas de las figuras desnudas que Miguel Ángel pintó en la Capilla Sixtina y uno es similar a su estatua de David. Otros reflejan las figuras que adornan la tumba de la familia Medici, creada por Miguel Ángel y ubicada en la Sacristía Nueva encima de la cámara.

Se cree que Miguel Ángel buscó refugio en la habitación para esconderse de los Médicis, sus antiguos mecenas, cuando los gobernantes regresaron a Florencia después de haber sido desterrados al exilio en 1527 por una revuelta popular a la que se había sumado el artista.

Durante el exilio de la familia, Miguel Ángel sirvió como supervisor de las fortificaciones de la ciudad durante el breve gobierno republicano. El Papa Clemente VII, miembro de la familia Medici, se enfureció con el artista y ordenó su muerte. Se cree que Giovan Battista Figiovanni, prior de la Basílica de San Lorenzo donde Miguel Ángel había estado realizando obras, localizó el escondite, consignó el diario El Debate.

La sentencia fue levantada para que el artista pudiera completar el trabajo en la Capilla Sixtina y la tumba de la familia Medici. Miguel Ángel dejó Florencia rumbo a Roma en 1534.

Hasta ahora, la sala sólo era accesible a los estudiosos del arte y, desde ahora, los visitantes estarán limitados a cuatro a la vez para ayudar a preservar el espacio y sus reliquias.

Fuente: Télam