(Por Juan Ignacio Novak) - Cada 14 de febrero, reaparece la pregunta ¿cómo representar el amor? Hay una canción de Pedro Guerra, "Madurar el amor", que expresa tal interrogante. "No tiene rostro, no tiene altura, no puede ser llevado de la mano, no tiene calma, no tiene anchura, no puede ser armado ni comprado", dice el cantautor.

Más allá de las flores, los bombones, los mensajitos románticos, las cenas a la luz de las velas y toda esa imaginería construida en torno al calendario, la historia del arte ofrece una cartografía más compleja del sentimiento.

Desde el siglo XV hasta el siglo XX, grandes maestros como Van Eyck, Picasso y David, dejaron escenas que contienen en su interior promesas, deseos, intimidades y (el amor también los tiene) conflictos.

En este San Valentín, proponemos cinco obras clave que permiten recorrer esa evolución: del matrimonio como contrato simbólico a la pasión como unión absoluta. Cinco pinturas que, vistas hoy, dialogan con las formas del amor en el siglo XXI.

National Gallery de Londres

Fue pintada en 1434 y se conserva en la National Gallery de Londres. Es muy misteriosa. Un hombre y una mujer, ricamente vestidos, ocupan una habitación privada. Todo parece describir un instante doméstico, pero cada elemento está cargado de intención.

La minuciosidad técnica muestra el dominio del óleo de Van Eyck. Como señala Oskar González, eso se ve en "los pliegues de las ropas, los detalles del candelabro, la talla de los muebles. Es una de las obras más estudiadas de la historia y, sin embargo, todavía no está claro su significado".

El espejo del fondo amplía la escena. Miguel Calvo Santos habla de la densidad simbólica. "La imagen de Santa Margarita con su dragón (patrona de embarazadas), el perro (fidelidad), la cama, los protagonistas descalzos insinuando suelo sagrado, la lámpara con sólo una vela, que simboliza la llama del amor, naranjas por ahí tiradas (fertilidad)", indica.

Museo de Arte de Cleveland

Data de 1817 y está ubicado en el Museo de Arte de Cleveland. El mito clásico reaparece con un giro inquietante. Según los especialistas, David aborda la historia de Cupido y Psique desde la tensión entre fantasía y cuerpo.

Según la página del museo que alberga la obra, "David usó la historia de Cupido y Psique para explorar el conflicto entre el amor idealizado y la realidad física". El Cupido de la pintura no es un héroe, sino un joven desgarbado, casi burlón.

La escena capta la sensualidad de la primera noche, pero introduce una ambigüedad que rompe con el romanticismo convencional. El amor es deseo y riesgo.

Bristol Museum & Art Gallery

Esta obra de 1858, se ubica actualmente en el Bristol Museum & Art Gallery. En plena Inglaterra victoriana, Leighton representa el amor como seducción fatal. Inspirado en un poema de Goethe, el cuadro muestra a un pescador abrazado por una ninfa marina que lo arrastra hacia su destino.

Un crítico contemporáneo habló de la "irresistible seducción" de la sirena y subrayó que el artista había bebido de la tradición renacentista. La composición es sencilla (dos cuerpos entre rocas y mar), pero la tensión dramática es total.

La obra, que descansa hoy en la Národní galerie Praha, fue creada por Renoir en 1875, al aire libre. Muestra a una pareja sentada bajo la sombra de un árbol. La pincelada suelta y la ondulación de la luz integran a los personajes con el paisaje.

Národní Galerie Praha

El propio artista afirmaba que un cuadro debía ser algo amable, alegre y hermoso. "Ya hay demasiadas cosas desagradables en la vida como para que nos inventemos más", sostenía.

Mercedes Tamara destaca que "el pintor no se detiene en la descripción de los detalles, sino que esboza las formas con manchas de color", generando una escena donde la atmósfera importa más que el contorno.

El amor, en el impresionismo, se asume como una experiencia compartida en el espacio público, es algo moderno, cotidiano, sin solemnidad. Un cambio respecto al décadas anteriores.

Museo Picasso de París

Resguardada en el presente en el Museo Picasso de París, es uno de los tantos "besos" que creó el malagueño. En el final de su vida, llevó el tema de la pareja a una síntesis extrema. Dos cabezas ocupan todo el espacio y se funden en una línea.

G. G. Pietro escribió que "en este beso los labios de los amantes se sellan, se funden, se coagulan". Y considera que es "uno de los mejores besos jamás dados". Picasso deforma los rostros para acercarlos. "De los dos, solo hace uno, para expresar la íntima fusión que se produce durante el acto del beso". El amor es intensidad pura.

Si algo enseñan estas obras es que el amor no fue nunca una categoría fija. Fue contrato social en el Renacimiento, tensión mitológica en el neoclasicismo, peligro romántico en el siglo XIX, escena urbana en el impresionismo y fusión radical en la modernidad de Picasso.

Una pintura de Frida Kahlo, El sueño (La cama), se vendió en la subasta de arte surrealista de Sotheby’s en Manhattan por US$ 54,7 millones, informó la casa de subastas. La operación se concretó en cuestión de minutos y superó con creces precios anteriores de la artista, según la información disponible sobre la venta realizada el 20 de noviembre de 2025.

La obra, fechada en 1940, muestra a Kahlo recostada bajo un dosel y la presencia de un esqueleto sobre la cabecera; Sotheby’s describe el cuadro como una meditación sobre la línea entre dormir y morir. El lecho aparece con frecuencia en la producción de la artista porque después del accidente de autobús quedó largas temporadas en cama, donde continuó pintando con un espejo y un caballete adaptado por su familia.

La cifra de US$ 54,7 millones marca un nuevo récord para una obra firmada por una mujer en subasta, por encima del anterior registro de US$ 44,4 millones logrado por Georgia O’Keeffe en 2014. En la puja participaron al menos dos coleccionistas y la venta superó ampliamente el precio que la misma pieza obtuvo en 1980, cuando se vendió por US$ 51.000.

La obra muestra a Kahlo recostada bajo un dosel y la presencia de un esqueleto sobre la cabecera.

La adjudicación en Sotheby’s se resolvió en minutos durante la subasta temática de surrealismo que incluyó piezas de Salvador Dalí y René Magritte. La casa de subastas consignó la pieza como una de las más relevantes del remate y confirmó el monto final de US$ 54,7 millones.

Anna Di Stasi, directora del departamento de arte latinoamericano de Sotheby’s, señaló que la diferencia entre el precio de 1980 y el actual refleja tanto una mayor valoración del talento de Kahlo como un avance en el reconocimiento de las mujeres artistas en el mercado al más alto nivel, según la información publicada por las fuentes que cubrieron la venta.

La pieza permaneció fuera del dominio público desde finales de los años noventa y procedía de una colección privada cuyo nombre no se reveló, dos factores que suelen elevar el interés en subastas internacionales.

Kahlo ya ostentaba un récord propio con Diego y yo, que alcanzó US$ 34,9 millones en 2021.

El sueño (La cama) fue pintada en 1940, en un momento turbulento de la vida de Kahlo: dolor físico persistente, tensiones en su vínculo con Diego Rivera y reflexiones sobre la muerte. La iconografía del esqueleto y la cama remite a su experiencia de enfermedad y a la larga convalecencia tras el accidente de autobús.

La presencia recurrente de la cama en su obra responde a esa condición: la familia adaptó un caballete y colocó un espejo en el dosel para que la artista pudiera pintar desde el lecho. Ese dato aporta un microrelato humano que explica por qué el motivo resultó central en su producción pictórica.

Kahlo ya ostentaba un récord propio con Diego y yo, que alcanzó US$ 34,9 millones en 2021; la nueva cifra redefine su posición en el mercado global y en el registro histórico de subastas de autoras mujeres.

Tras la venta, El sueño (La cama) formará parte del circuito internacional de exhibiciones: está previsto que integre la muestra “Frida y Diego: El último sueño” en el MoMA de Nueva York y la exposición “Frida: La construcción de un ícono” en la Tate Modern de Londres, además de presentaciones en Basilea, Bonn y Helsinki programadas hasta 2028.

La presencia de la obra en esos museos implicará que el público podrá acceder a un cuadro que hasta ahora estuvo en colecciones privadas y seguirá ampliando el debate sobre la visibilidad de las artistas mujeres en las grandes instituciones.

El resultado de la subasta también puede influir en políticas de adquisición de fondos públicos y privados, y en la revalorización de artistas latinoamericanas en el mercado internacional, según las observaciones compartidas por las fuentes que cubrieron la venta.

Este domingo, con dos funciones, el Ballet Estable Juvenil Municipal presentó el espectáculo “Sinfonía Mágica en las Cuatro Estaciones”, en Teatro Malandra (Juan B. Justo 157).

Durante el espectáculo fue presentado todo el repertorio clásico interpretado por el Ballet Estable y se sumaron la Escuela de Tango Juan Carlos Copes, Solistas del Coro Lírico Municipal, y ofreció su arte de pintura en vivo Ana Canelo, ofreciendo una dimensión visual única del evento.

En las presentaciones de este domingo, el Ballet, bajo la dirección coreográfica de Melisa Luciani y la dirección artística de Alicia de Luciani, interpretó “Las Cuatro Estaciones” de Vivaldi, explorando géneros como el neoclásico, el jazz y la danza española, combinando música y movimiento, para generar en el público una experiencia sensorial enriquecedora.

Cabe destacar que esta propuesta cultural en la que se fusionaron estilos y disciplinas en una propuesta original y memorable, fue con entrada libre y gratuita por invitación del Gobierno de Venado Tuerto.

Una nueva edición del programa “Pintura al tablón” tuvo lugar en la plaza López del barrio Fredriksson, en Firmat, con una tarde repleta de juegos, música, colores y sonrisas. La propuesta, que busca fomentar la creatividad y el encuentro comunitario, reunió a vecinas y vecinos que compartieron actividades al aire libre bajo el sol.

El Playón Deportivo se convirtió en un gran espacio de expresión artística, donde las infancias fueron protagonistas con pinceles, témperas y mucha imaginación. También hubo juegos y presentaciones que hicieron de la jornada una verdadera fiesta para toda la familia.

Desde el Gobierno Municipal agradecieron especialmente a la Vecinal del barrio Fredriksson, a la Academia “Flor del Litoral” y a todas las personas que colaboraron para hacer posible esta actividad.

Entre las autoridades presentes se encontraban la secretaria de Desarrollo Humano, Agustina Ciliberto; la subsecretaria de Cultura y Educación, Soledad Zazzarini; la presidenta del Concejo Municipal, Griselda Valdecasa; y las integrantes de los equipos municipales Alina Vargas y Alelí Cinalli.

La División Demarcación Vial informa que personal del área realiza en la fecha trabajos de pintura de reductores de velocidad en las siguientes calles: Juan B. Justo y Alberdi; Pavón y Rivadavia; Perillo y Libertad; Formosa y Libertad; Catamarca y Tonelli; y Amincton y Tonelli.

Previamente la labor se efectuó en los siguientes cruces y tramos: Av. Santa Fe y Sáenz Peña; Av. Santa Fe y Vélez Sarsfield; Av. Santa Fe y Dimmer; España y Sáenz Peña; España y Vélez Sarsfield; Sáenz Peña y Castelli; Castelli y Piacenza; Castelli y Dimmer; Av. Chapuis y Dimmer; Av. Chapuis y Leoncio de la Barrera; Sarmiento y Runciman; Sarmiento y Falucho; Sarmiento entre San Lorenzo y Pavón; Cabral y Garibaldi; Garibaldi y Eva Perón; Juan B. Alberdi y Eva Perón; Pavón y Rivadavia; Rivadavia y Castelli.

Finalmente, se intervino esta semana en Av. Chapuis al 3200; Av. Chapuis al 2800; Valdez al 700; Castelli al 2600; y Av. Santa Fe al 3200

(Por Juan Ignacio Novak) - El pintor Antonio Alice dejó constancia de momentos históricos. Pero también fue capaz de dar cuenta, en sus obras pictóricas, de los detalles de un país en pleno proceso de formación. Nacido en Buenos Aires en 1886, atrajo la atención del maestro Decoroso Bonifanti cuando tenía doce años. Bonifanti, que había llegado a la Argentina para trabajar en un mural en el Hotel de Inmigrantes, era un reconocido maestro de artistas.

Por lo cual este encuentro fue el inicio de la formación de Alice, que culminaría con una beca para estudiar en Europa, donde absorbió las influencias de la Real Academia de Turín y ganó la Medalla de Oro en 1905.

En su retorno a Argentina, en 1910, empezó a moldear de a poco su reputación como un “pintor de historia”. Su primera obra en este género, titulada “La Muerte de Güemes”, fue premiada con la Medalla de Oro en el Certamen Internacional del Centenario. El propio Alice indicó “exploremos en la historia; busquemos en su venera inagotable motivos para nuestras creaciones. Por intermedio del arte, contribuyamos a difundir la historia de la argentinidad y daremos con ello un sano ejemplo de amor a la patria”.

Uno de los bocetos del trabajo.

Raúl Santana sostiene que “Alice -como todo gran artista- fue hombre de grandes debates interiores; testigo del nacimiento de un siglo que venía a convulsionar la ‘gran aldea’ con su incorporación de lo novedoso que exigía cada vez más al arte esas transformaciones que sólo pueden realizarse cuando el artista que acepta semejante reto, es capaz de vaciarse de sus anteriores articulaciones para facilitar otras, nuestro artista -a pesar de estar en posesión de todas las herramientas- no quiso modificar su propia temporalidad”.

“Es decir que Alice, más que el ‘hombre interesante’ orientado a las transformaciones estéticas del que nos habla Kierkegaard -que sería el que puede realizar aquella tarea del constante vaciamiento cuyo máximo exponente sería Picasso- fue un hombre fiel a sus convicciones, lo que le impidió adoptar esas transformaciones que la época le exigía”, agrega el especialista.

Bocetos que quedaron de aquel tiempo.

En las décadas siguientes, daría forma a una obra monumental: “Los Constituyentes del 53”. Este proyecto titánico le insumió doce años de meticuloso trabajo, desde 1922 hasta 1934. “En la meditación, la soledad y el desinterés, me encerré para realizar un ideal patriótico largamente soñado, y en cuya tarea empleé el espacio de doce años”, recordó una vez el propio artista.

Inspirado por un viaje a Santa Fe, donde el Congreso Constituyente de 1853 había sentado las bases de la República Argentina, enfrentó desafíos técnicos e históricos para poder alcanzar su meta. La demolición del Cabildo de Santa Fe, el edificio original donde se llevó a cabo la histórica sesión, presentó un obstáculo. Sin embargo, suplió esta limitación a través de una investigación que incluyó estudios de documentos gráficos y objetos de la época.

Bocetos que quedaron de aquel tiempo.

Cada uno de los pequeños detalles en “Los Constituyentes del 53” es una muestra del estudio preciso que realizó Alice y de su compromiso con la autenticidad. Desde la iluminación de las velas, que arrojan sombras sobre los rostros de los constituyentes, hasta la precisión histórica respecto a la vestimenta y a los muebles de la época, la obra “respira” verdad histórica. Cada figura, cada gesto y cada mirada son muestras de la intensidad del momento histórico al que se hace referencia, que fue crucial para el país.

Los bocetos preparatorios, muestran la planificación y la búsqueda de la perfección que caracterizó a Alice en cada etapa de su proceso creativo. Son más de cincuenta, al óleo, tinta y grafito, de retratos, gestos y manos. Inclusive, Alice bocetó al óleo el recinto de la Cámara de Diputados con la obra ubicada en el panel para la que fue pensada. “El observador tiene la impresión de estar espiando toda la escena por la mirilla de una cerradura, como si fuese un intruso que no puede esperar la resolución de la Asamblea”, señala un texto difundido en 2013 por el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, que conserva tales bocetos.

“Los Constituyentes del 53” va más allá de lo artístico: es un testimonio de la identidad nacional argentina. Adquirida por el Congreso Nacional en 1942, sigue siendo un símbolo tangible de la historia republicana, desde su ubicación en el Salón de los Pasos Perdidos de la Cámara de Diputados de la Nación.

(Por Juan Ignacio Novak) - Pedro Pablo Rubens nació el 28 de junio de 1577 y falleció el 30 de mayo de 1640. Fue un pintor barroco flamenco que trascendió en el tiempo por su estilo exuberante, donde priman el movimiento y la sensualidad. Trabajó con retratos, paisajes, escenas mitológicas y religiosas, así como alegorías históricas. Es considerado uno de los principales exponentes del barroco, estilo marcado por la teatralidad y el dramatismo. Un aspecto que se valora de sus trabajos es la vitalidad que logró imprimirles, hasta tal punto que sus técnicas de manejo de la luz influyeron en la pintura posterior.

A diferencia de otros artistas plásticos, Rubens fue muy conocido durante su vida. Trabajó en varias cortes europeas, como España, Francia e Inglaterra, y sus obras fueron admiradas por artistas de toda Europa, incluso por su contemporáneo Diego Velázquez. Parte de ese reconocimiento se debe a sus grandes composiciones, que no solo eran modélicas en términos técnicos, sino también narrativas visuales que combinaban sabiamente historia, política y arte.

"Autorretrato". Foto: Royal Collection

Entre los datos sobre Rubens que figuran en el portal de la Galería Uffizi de Florencia, se hace hincapié en que Rubens, además de dirigir un gran estudio en Amberes, popular entre la nobleza y los coleccionistas de arte de toda Europa, “fue un erudito humanista de los clásicos, coleccionista de arte y diplomático, un caballero del rey Felipe IV de España y de Carlos I de Inglaterra”.

Parte de la explicación del reconocimiento que tuvo este pintor en vida se encuentra en un texto de la página web del Museo del Prado: “El éxito que disfrutó Rubens se debe tanto a la capacidad de su arte para expresar la nostalgia que sentían sus contemporáneos por la Antigüedad como a su habilidad para ofrecer a sus coetáneos una imagen engrandecida de sí mismos, en un momento en el que los fundamentos de la cultura europea se estaban poniendo en duda”.

"Autorretrato con su esposa Isabella Brant". Foto: Alte Pinakothek

Sofía Vargas, en My Modern Art, señala un aspecto central del estilo de Rubens, relacionado con su representación de los desnudos femeninos, populares en el arte barroco: “Rubens es especialmente conocido por la forma en que representaba a las mujeres, prefiriendo pintar figuras voluptuosas. Este estilo fue muy popular en la época y dio lugar a términos como ‘rubenesco’ para describir los desnudos femeninos de figura completa. El estilo expresivo de Rubens también se aplicó a sus pinturas de hombres, aunque de forma opuesta. Sus sujetos masculinos son representados como figuras grandes y musculosas en poses dinámicas y retorcidas que recuerdan a los personajes de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina”.

A continuación, un repaso por cinco obras maestras de Rubens que sintetizan su estilo y sus temáticas predilectas:

“La adoración de los Reyes Magos”: describe la visita de los Reyes Magos al recién nacido Jesús. Representa la habilidad de Rubens para combinar influencias italianas con la tradición flamenca. Un texto del Museo del Prado señala lo siguiente respecto a esta obra: “iconográficamente representa el momento en el que los tres reyes, acompañados por un gran cortejo, presentan sus regalos al niño Jesús. Este, en brazos de su madre, parece juguetear con el incienso que le presenta Gaspar, arrodillado ante él. La escena se sitúa al exterior, con una referencia al pesebre en la parte izquierda, transformado en una arquitectura clásica. Los ropajes de los reyes, con capas bordadas de rico colorido y gran riqueza, como los adornos de piedras preciosas y joyas de Baltasar, y el número de acompañantes, muestran el lujo de este cortejo”.

"Adoración de los Reyes Magos". Foto: Museo del Prado

“El juicio de Paris”: esta pintura, que Rubens hizo hacia el final de su vida, está centrada en el mito griego en el cual Paris (el príncipe troyano que raptó a Helena) tiene que elegir a la diosa más hermosa. Es un ejemplo claro de la maestría del pintor para la representación del cuerpo humano. También muestra sensualidad y resume su capacidad para representar historias mitológicas. “El tema del Juicio de Paris fue utilizado por Rubens en varias ocasiones, permitiéndole deleitarse con el ideal de belleza femenina y también considerar las consecuencias del amor y la pasión. Esta versión está basada en un diseño para un aguamanil diseñado por el artista. En el dibujo, la escena es más alargada y con más figuras tanto a la derecha como a la izquierda. En la pintura decidió centrarse más en las tres mujeres desnudas, cuyos cuerpos se construyen mediante líneas sinuosas, creando posturas exageradas”, indica un texto sobre esta obra del mencionado Museo del Prado.

"El juicio de Paris". Foto: Museo del Prado

“Las tres gracias”: En esta obra, que nuevamente aborda temáticas mitológicas, Rubens pinta sus figuras con una riqueza de texturas y pone el acento en la belleza corporal femenina. La representación de Aglaya, Talia y Eufrósine, una vez más, pone de manifiesto su devoción por la figura humana y su talento para representar la piel con enorme sensualidad. Emilia Bolaño, en un artículo publicado por Historia/Arte, señala que “las tres gracias destacan por la ampulosidad de sus contornos. Rubens era un verdadero maestro en representar las carnes, que parecen vivas y palpitantes. Están rodeadas de una naturaleza igual de exuberante poblada de numerosos elementos simbólicos vinculados al amor, la fecundidad y el deseo”.

"Las tres gracias". Foto: Museo del Prado

“El descendimiento de la cruz”: muestra a Cristo cuando es bajado de la cruz y es una obra en la cual sobresale la intensidad emocional. Se trata de la tabla central de un tríptico, conservado en la Catedral de Amberes, realizado en óleo sobre tabla y que se completa con las tablas de la Visitación de la Virgen y la Presentación de Jesús en el Templo. Laura Cabrera Guerrero indica al respecto: “Rubens, puro barroco y teatralidad, crea una pintura llamativa por su colorido, que genera una sensación de corporeidad entre los personajes”.

"El descendimiento de la Cruz". Foto: Catedral de Amberes, Amberes (Bélgica)

“El rapto de las hijas de Leucipo”: es una pintura que representa el mito del rapto de Febe e Hilaíra, las hijas de Leucipo, por los gemelos Cástor y Pólux. Pone de relieve la capacidad de Rubens para elaborar composiciones complejas, plagadas de acción. En este caso, el acento está puesto en el dramatismo y la violencia de la escena recreada. Todo es movimiento, no hay atisbo de quietud. Las crónicas señalan que el pintor halló su fuente de inspiración en unas estatuas emplazadas en el Quirinal de Roma y en un grupo escultórico ejecutado por Juan de Bolonia en Florencia.

“El rapto de las hijas de Leucipo”. Foto: Alte Pinakothek de Múnich

El Ente Cultural Santafesino en conjunto con el Área de Cultura de la Comuna de Melincué invita a participar de la muestra "Forma y Color".

Esta propuesta tiene como finalidad la visibilización de artistas locales y regionales.

“Forma y Color” posibilita el encuentro y la inclusión mediante la manifestación artística de los diversos exponentes.

Los interesados en participar tienen que llevar 1 o 2 cuadros de tu autoría (enmarcados e identificados). Serán recibidos el 17 de mayo de 10 a 12hs en la Casa de la Cultura “Don Liberato Rébora”.

Esta Muestra es itinerante. Y para confirmar la participación deben comunicarse al 3465-449524 ó 351-5281807.

Por Juan Ignacio Novak

El arte, en todas sus variantes, es una herramienta útil para conocer mejor la realidad y reflexionar sobre ella para establecer diagnósticos más atinados. En el caso puntual de la pintura argentina, el trabajador siempre ocupó un protagonismo. Sus luchas, reivindicaciones, esfuerzos, sufrimientos, pesares y alegrías cotidianas fueron motivo de inspiración para artistas de distintas épocas y movimientos.

En una fecha emblemática como el Día del Trabajador, que se celebra hoy, adentrarse en este terreno permite actualizar discusiones que están vigentes en pleno siglo XXI. Desde las pinceladas precisas de Lino Enea Spilimbergo hasta la mirada comprometida de Ernesto de la Cárcova, pasando por la expresiva mirada de Quinquela Martín de la vida portuaria, cada una de las cinco obras mencionadas en las líneas que siguen, permiten contemplar la realidad cotidiana de aquellos cuyas manos construyeron, literalmente, el país.

“La planchadora”: es un óleo sobre tela de Lino Enea Spilimbergo, fechado en 1936. Spilimbergo fue un pintor, vinculado al surrealismo, considerado uno de los maestros del arte argentino del siglo XX. Decía que “pintar es un terrible compromiso, no sólo con uno mismo, sino con el mundo". En este caso, la protagonista es una mujer joven que trabaja como planchadora. La escena transcurre en un espacio interior, despojado, minimalista, humilde. Carlos Avalle señala respecto a esta obra: “la mujer está vestida con ropas de uso diario, sencillas, con características que nos hacen suponer un clima invernal. Lleva calzado cómodo, que corresponden a la tarea de una persona trabajando en estos menesteres. Apoya sus manos sobre la mesa, quizás en un instante de descanso. Sus cabellos peinados sin ningún arreglo en especial. Ni pulseras, ni collares, ni aros. Pero la mirada de esta mujer está en otro lado, definitivamente en otro lado. Los ojos característicos de las figuras de Spilimbergo, que salen de escena”. Ahí, el maestro coloca una intriga, que queda fuera de campo.

“Elevadores a pleno sol”: Benito Quinquela Martín se destacó por su conexión con el barrio porteño de La Boca. La vida cotidiana en esa zona portuaria y obrera “late” en sus cuadros. Pero, en paralelo, fue un firme defensor de los menos privilegiados, algo ostensible en este óleo que data de 1945. Que muestra definidamente un rasgo de su labor artística: se acentúan los rasgos de ese paisaje urbano que lo vinculan con el sacrificio, el tesón y el desarrollo. Así la labor cotidiana de los obreros es representada, como señala el texto curatorial de una muestra realizada en el museo que hoy lleva su nombre, por “figuras-signos” de los estibadores que sintetizan el trabajo portuario. Las figuras humanas (que son varias) aparecen acarreando bolsas muy pesadas, detrás se ven las chimeneas de las fábricas que trabajan a pleno.

“Sin pan y sin trabajo”: está considerado el primer cuadro de tema obrero con intención de crítica social en el arte argentino. Ernesto de la Cárcova lo creó cuando era todavía joven, en 1894, sostenido en un compromiso y una mirada sensible respecto a las clases bajas y sus carencias. Cuenta una historia de miseria y frustración: un padre de familia, cuya herramienta de trabajo está detenida sobre la mesa, observa por la ventana, con ira, una escena de fábricas vacías y escasas perspectivas de conseguir trabajo. Al lado, su esposa languidece mientras trata de amamantar a un bebé. María Gainza sostiene que “De la Cárcova pintó su cuadro de manera agitada, como si el mismo pincel arrastrara la ansiedad contenida del desocupado”. “El cuadro responde a un estilo naturalista y a una temática que tuvieron una importante presencia en los salones europeos de los años finales del siglo XIX: grandes pinturas resueltas en tonos sombríos que desplegaban escenas dramáticas de miseria y de los contemporáneos conflictos sociales urbanos”, escribió Laura Malosetti Costa en un texto sobre la obra que consta en la página del Museo Nacional de Bellas Artes.

“La hora del almuerzo”: Pío Collivadino fue un pintor cuyos trabajos intentaron abordar las nuevas formas de belleza que introducía la vida en las cambiantes ciudades de finales del siglo XIX y principios del XX. Juan Gabriel Batalla lo menciona como un pintor esencial en el difícil pasaje del siglo XIX al XX, que documentó su época con una “estética puntillista y preciosista”. En este óleo sobre tela de grandes dimensiones, que hoy resguarda el Museo Nacional de Bellas Artes, muestra a un grupo de siete obreros que comen en un alto del trabajo realizado al mediodía. A diferencia del trabajo de Ernesto de la Cárcova, a priori no hay aquí una premisa de crítica social, aunque sí están mostradas con detalle algunas dinámicas propias del universo obrero de aquellos años. “Lejos de la dramática narratividad de su envío anterior a Venecia, La hora del almuerzo parece un cuadro ‘motivo’, en el que prevalece el tratamiento formal de la refracción de la luz sobre los blancos y el efecto deslumbrante del sol sobre el pozo de cal. Pero resulta evidente que no fue esta la única intención del artista. Se trata de un cuadro de tema obrero, aunque en buena medida despojado de connotaciones conflictivas”, escribió Laura Malosetti Costa.

“El canastero”: el artista Ricardo Carpani concibió este óleo sobre tela en 1957. La temática y el tono no son extraños, ya que Carpani era proclive a prestar atención en sus trabajos a las causas sociales. De modo que en sus obras aparecen problemáticas como el desempleo, la pobreza y la fortaleza y dignidad de los desposeídos. En esa línea se inscribe esta obra. De hecho, Carpani fue parte del grupo Espartaco, que en la misma línea que los muralistas mexicanos intentaba un arte con impronta nacionalista y focalizado en las necesidades del pueblo trabajador. En los años 70, como derivación del Golpe de Estado, se autoexilió en España y desde allí viajó por el mundo, hasta retornar en 1984. Abordó también temas urbanos porteños como el tango, los cafés y los barrios.

Por Juan Ignacio Novak

“Ya se escuchan los disparos, entre muerte y libertad. Cae mi cuerpo agujereado, ya no podré cantar más”. La cruda imagen la eligió el cantautor Alejandro Lerner en su canción “La isla de la buena memoria”, que intenta evocar el dolor que generó la Guerra de Malvinas. El escritor Jorge Luis Borges fue más irónico, no por eso menos lúcido: “Las Malvinas fue una guerra entre dos calvos por un peine” afirmó a poco del conflicto bélico. Lo cierto es que la Guerra de Malvinas fue un conflicto que marcó un antes y un después en la historia de Argentina y sus huellas persisten en la conciencia nacional. Marcas que encontraron un eco poderoso y conmovedor en el arte. En estas líneas, repasamos cuatro obras plásticas que captan aquellos tiempos turbulentos y las emociones que rodearon la guerra y sus consecuencias.

La primera de las obras elegidas lleva la firma de Pablo Suárez, se titula “Tiempos de guerra” y fue realizada en 1982. Suárez, un artista plástico y escultor nacido en Buenos Aires en 1937, había sido uno de los protagonistas del Instituto Di Tella y en los ‘80, formó parte del Grupo Periferia. En su obra sobre Malvinas, que data del momento mismo en que se desplegaba el conflicto, canalizó sus sensaciones (que eran las de muchos) en una imagen pintada al óleo sobre tela. Un aparato de radio, algunos diarios que informan sobre el devenir de las acciones armadas, una taza de café y un paquete de cigarrillos están divididos en la escena. Pero la protagonista es la soledad. “Sobre la mesa hay una taza vacía y un paquete de cigarrillos, estos objetos son huella de que alguien estuvo ahí aunque su cuerpo esté ausente para quien mira”, señala el portal infoarte.

Dibujos

Clorindo Testa realizó en 1994 algunos dibujos, transcurrida poco más de una década de la guerra, estuvieron dedicados a los combatientes caídos durante el conflicto en las islas. Testa fue un reconocido arquitecto, de modo que su obra plástica está muy ligada a su labor en tal sentido. “Toda su producción está atravesada por reflexiones alrededor de temas como el de las grandes ciudades y las condiciones de vida en espacios urbanos”, señala el portal de la Fundación dedicada a su memoria. El dibujo de Testa que elegimos, “Monumento a los caídos en Malvinas, cementerio de Malvinas” es, precisamente, un trabajo de tinta sobre papel.

El ilustrador mendocino Luis Scaffati también se hizo eco del conflicto bélico de las islas del sur. Este dibujante nacido en Mendoza en 1947, publicó dibujos con el seudónimo de Fati en la legendaria revista Hortensia. Luego, sus trabajos estuvieron en las páginas de diversos medios gráficos. El dibujo en tinta china sobre papel que se presenta aquí, fue realizado en la época de la guerra. “En ese momento estábamos todos sumergidos en ese tema catastrófico y se había despertado una especie de conciencia sobre lo nacional. Sentí que era la invasión del imperio, y Estados Unidos se plegaba a lo que decía Gran Bretaña”, reflexionó el autor en una nota publicada en 2020 por el diario La Nación.

Figura agigantada

La artista plástica Marcia Schvartz estudió grabado con Aída Carballo y pasó por los talleres de serigrafía de Jorge Demirjián y de pintura de Luis Felipe Noé. Durante su exilio en España, durante la dictadura militar, entre 1977 y 1982 se volcó hacia las costumbres y pasiones de la clase popular. “Retrató a los auténticos protagonistas de los barrios, fueran las vecinas de Barcelona o los habitantes del Abasto, donde vivió cuando regresó a Buenos Aires. Aquella caterva resplandecía en sus lienzos. En 1988, Alberto Laiseca comparó a la artista con Manuel Puig ‘por el rescate de todas las criaturas marginales y despreciadas’ que Schvartz mudaba al centro de sus cuadros”, señala Viviana Usubiaga en un artículo escrito para el Museo Nacional de Bellas Artes.

“Pasados los años el tema Malvinas volvió a ser central en otra obra de Schvartz titulada ‘Bajo Bandera’, que tal vez, no por casualidad, pertenece a la colección personal de Guillermo Kuitca. Es el retrato de cuerpo entero de un soldado uniformado que posa delante de una especie de telón de fondo que es la bandera argentina. Las pinceladas celestes y blancas se extienden en el fondo cubierto de páginas reales, impresos de una suerte de manual militar. Fotos de regimientos, buques militares, testimonios de soldados que defendieron la Patria, la fotografía del General San Martín, dibujos de la bandera, la escarapela y el escudo nacional. Todo ese fragmentado imaginario entre castrense y marcial, patriótico y nacionalista se empequeñece ante la figura agigantada del ex combatiente. Parado en sus borceguíes sobre el extremo inferior de la tela, el soldado anónimo deja ver una de sus manos que sujeta el cinturón con firmeza, el otro brazo queda oculto (no se percibe si lo tiene), mientras sus ojos serena y fijamente, percuten nuestra mirada”, indica Usubiaga en su libro “Imágenes inestables”.

Por Diego Budassi

Días atrás, el artista plástico Abel Gentiletti inauguró la muestra “Al interior del interior” en el Espacio Cultural Fraternita de la ciudad de Rosario.  Con el apoyo de la prestigiosa Curadora y referente de Fraternita, Marisa Chazarreta, el pintor nativo de Villada pero adoptado hace décadas por Firmat, expuso un total de 28 obras recibiendo muy buenas devoluciones por parte de los especialistas en la materia. Más de 50 personas estuvieron presentes en la apertura, entre ellos críticos de arte y también participaron representantes de la Casa del Artista Plástico de Rosario. 

Sobre su exposición en “Cuna de la Bandera”, Abel Gentiletti, expresó: “Expusimos 28 obras, todos con la temática de campos de nuestra zona y campos de España. Todos lugares conocidos y pisados, donde uno sintió las sensaciones de los aromas, los colores, las luces, las sombras, las formas, así que con todo eso uno se explayó en el tema”.

Respecto de las devoluciones, el artista plástico quedó muy satisfecho con las muy buenas críticas de sus cuadros y además destacó la presencia de las representantes de la casa del Artista de Rosario. “Quedaron muy contentas, tanto la Presidenta como la Secretaria, y ahora quieren venir a Firmat a hacer una visita guiada para recorrer los lugares que yo he pintado y además para recorrer los lugares emblemáticos de la ciudad. También quieren quedarse una tarde a pintar. Vamos a hacer una linda movida y algo hermoso va a salir seguro. Lo bueno es esto, mostrarse y que las puertas se vayan abriendo. Hace tantos años que estoy en esto y cada día se abren puertas nuevas”.

La muestra continuará abierta hasta el 12 de abril en el espacio cultural de calle Moreno 1056. “Es un lugar hermoso, muy lindo, hace 9 años que los organizadores están armando las muestras y la mía es la primera de este año”, concluyó Gentiletti. 

Por Juan Ignacio Novak

Julia Wernicke fue una pintora y grabadora argentina que hoy no goza del reconocimiento y la difusión que merece su obra, aunque eso no implica que no haya tenido méritos suficientes para que su legado sea valorado, estudiado y difundido. Esto tiene que ver con algo que remarcó la especialista Georgina Gluzman y es que la categoría de “mujeres artistas” fue discutida con justicia a lo largo de décadas. “Suele decirse que el arte no tiene género. Sin embargo, las prácticas concretas del arte y las elecciones estéticas han estado indisolublemente ligadas al género de las productoras, tanto en sus limitaciones como en sus posibilidades”.

Wernicke nació el 26 de agosto de 1860 en la ciudad de Buenos Aires, donde falleció el 25 de octubre de 1932, hace justo 91 años. Su historia de vida emerge como una ventana al pasado de un mundo artístico que se encontraba, al igual que el resto de las disciplinas y la propia sociedad argentina, en un proceso de constante evolución. Donde las mujeres artistas -este punto se planteó en este mismo espacio al recordar a Eugenia Belín Sarmiento, la nieta de Domingo Faustino Sarmiento- intentaban superar las expectativas y las restricciones de género.

Cuando apenas tenía 25 años, Julia Wernicke emprendió su primer viaje a Europa. Así lo señala el sitio web del Museo Casa de Yrurtia, donde se resguarda parte de su obra. Fue en 1885, cuando la concreción de un viaje de estudios no constituía algo habitual para las mujeres.

En Munich, Alemania, estudió bajo la tutela del pintor de corte animalista Heinrich von Zügel, quien a la postre sería una de sus influencias centrales. Von Zügel, adscrito al movimiento impresionista, se había especializado en las representaciones de animales autóctonos. “La manada huyendo de la tormenta”, “Toro desbocado” y “Ovejas en el prado” son algunas de sus producciones más valoradas. A lo largo de cuatro años, Wernicke se empapó de la tradición artística europea y adquirió habilidades que la convertirían en una pionera en Argentina.

Salir de la zona de confort

Después de sus años en Alemania, Wernicke regresó a Buenos Aires, donde la propia vertiente que eligió la llevó a ser la primera pintora animalista argentina. Comenzó, saliéndose en este sentido de todos los moldes de su tiempo, a retratar animales salvajes en lugar de los temas tradicionalmente asignados a las artistas: naturalezas muertas, flores, retratos de niños y animales domésticos.

Esto derivó en una amistad con el director del Zoológico de Buenos Aires, Eduardo Holmberg, quien le brindó la posibilidad de pintar in situ a leones, tigres y gorilas. En paralelo, las crónicas sobre su vida dan cuenta de viajes al campo para poder realizar cuadros de animales salvajes.

La especialista Georgina Gluzman señaló que “los temas elegidos por Julia Wernicke –toros y caballos (que se vinculaban con la naciente iconografía nacional), leones y tigres– y su tratamiento –óleos y grabados al aguafuerte– no se ajustaban a la delicadeza que algunos esperaban en obras ejecutadas por mujeres”.

Buscadora incansable

Respecto a las técnicas, Julia Wernicke no se limitó a la pintura al óleo. En un nuevo viaje a Europa, exploró el aguafuerte, la xilografía, el aguatinta, el barniz blando, la aguada, la punta seca, la monocopia y la litografía.

A pesar de su puntillosa labor, la obra de Julia Wernicke fue en gran parte olvidada. Su dedicación a un género poco frecuente en su época y el hecho de ser mujer la relegaron a un segundo plano en la narrativa artística. Sus obras se encuentran en colecciones destacadas como el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Castagnino y el mencionado Museo Casa de Yrurtia.

Télam

Conocida como la primera pintora feminista de la historia del arte y con una producción reconocida tardíamente como consecuencia de un canon que durante siglos solo ponderó a sus congéneres varones, la artista italiana del siglo XVII, Artemisia Gentileschi, suma a su obra ya catalogada un cuadro que se acaba de hallar fortuitamente en un depósito del palacio de Hampton Court, en Inglaterra.

Los curadores de la Colección Real del Reino Unido acaban de dictaminar que una pintura hallada en el Hampton Court fue realizada por la artista italiana, una confirmación que permite ampliar el canon histórico de la que posiblemente sea la mayor maestra de Europa, según consigna The Guardian.

La obra recién identificada se llama "Susanna y los ancianos" y se cree que fue encargada por Henrietta Maria, la esposa del rey Carlos I, que gobernó Inglaterra de 1629 a 1640. El cuadro representa la historia bíblica de Susana, sorprendida por dos hombres mientras se baña en su jardín y arroja luz sobre la estancia de la artista en Londres a finales de la década de 1630.

"El nombre de una mujer suscita dudas hasta que se ve su obra", escribió Gentileschi a un coleccionista de sus pinturas en 1649, asegurándole que sus lienzos ?hablarán por sí solos?. Su aseveración no tuvo correlato inmediato: fueron necesarios tres siglos y medio para que su nombre saliera de las sombras de la historia del arte. La pintura recién hallada tardó incluso un poco más.

La obra fue encontrada en un depósito del palacio de Hampton Court y sometida luego a un arduo trabajo de restauración. "Es realmente muy emocionante -aseguró al periódico Observer la especialista Anna Reynolds, a cargo del operativo de rescate-. Hasta ahora no se podía ver la calidad de la pintura debajo de la suciedad, pero es absolutamente cierto y este hallazgo se produjo como resultado de la reputación recientemente restaurada de Artemisia. Había sido mal atribuida y almacenada durante muchos años y nadie lo había examinado más de cerca".

El mito bíblico de Susanna cuenta que la mujer rechazó las insinuaciones de dos hombres en su jardín y se enfrentó a la muerte después de que se hiciera una falsa acusación de infidelidad. En su obra, Gentileschi da un énfasis inusual a los esfuerzos de ella por evadir a los hombres en este tratamiento de la historia y según Reynolds la artista "parece haber sentido una estrecha afinidad con Susanna".

La pintura redescubierta, expuesta en el Castillo de Windsor en los últimos días, se considera un aporte clave al conjunto de obras de Gentileschi, y arroja luz sobre su estancia en Londres a finales de la década de 1630, cuando trabajó brevemente junto a su padre, Orazio, en la corte inglesa.

La pintora italiana es autora también de otra célebre obra que tematiza el peso del patriarcado en sus implicancias más dramáticas: se trata de "Judith decapitando a Holofernes", que propone un acto de empoderamiento al imaginar una venganza contra quien fue su violador en la vida real, ya que siendo adolescente Gentileschi fue abusada por otro artista, Agostino Tassi, en el taller de su padre y luego interrogada y torturada en su juicio.

El descubrimiento, realizado por los curadores del Royal Collection Trust, en particular el historiador de arte y ex empleado Dr. Niko Munz, se produjo durante los intentos de rastrear todas las pinturas vendidas en toda Europa después de la ejecución de Carlos I, que incluían siete pinturas Gentileschi registradas. Se pensaba que sólo había sobrevivido un autorretrato muy conocido.

"No estimamos el precio de nada de la Colección Real, ya que nunca lo venderemos -indicó Reynolds-, pero esta es una obra rara debido a su procedencia ininterrumpida, excepto durante unos 20 años durante el interregno cuando fue adquirida por un hombre llamado Banks que rápidamente lo devolvió a la Corona después de la restauración".

La obra recién atribuida fue descubierta por curadores del Royal Collection Trust como parte de un proyecto de investigación dirigido por el historiador del arte Niko Munz centrado en rastrear pinturas esparcidas por Europa después de la ejecución de Carlos I en 1649.

(Por Juan Ignacio Novak) - “La primavera besaba suavemente la arboleda, y el verde nuevo brotaba como una verde humareda. Las nubes iban pasando sobre el campo juvenil. Yo vi en las hojas temblando las frescas lluvias de abril. Bajo ese almendro florido, todo cargado de flor -recordé-, yo he maldecido mi juventud sin amor. Hoy, en mitad de la vida, me he parado a meditar. ¡Juventud nunca vivida quién te volviera a soñar!”

Los versos atemporales de Antonio Machado recuerdan que, desde que el mundo es mundo, la primavera fue motivo de inspiración para el arte en sus distintas expresiones. La pintura, obviamente, no permaneció al margen del influjo de la estación más bella del año. Así, grandes maestros encontraron allí la motivación para encender su creatividad.

Posiblemente la obra más famosa relacionada con este ascendiente sea “Alegoría de la primavera” o simplemente “La Primavera” del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Esta pintura, gestada hacia 1482, representa una escena que combina elementos que provienen de las mitología romana y griega. En el centro está Venus (la diosa del amor, tan vinculada con la primavera) rodeada de las Tres Gracias (belleza, alegría y fertilidad) y Mercurio (el mensajero de los dioses). Arriba está Cupido con sus flechas.

En “La Adoración de los Reyes Magos” aparece, supuestamente, un autorretrato de Botticelli. Foto: Galleria degli Uffizi de Florencia

Esta obra, al igual que otras del genial Botticelli, debe su reputación a su composición armoniosa, su cuidado por los detalles (las flores, los árboles, los vestidos) y su simbolismo, vinculado con el renacimiento de la naturaleza, el amor y la fertilidad. Es, al mismo tiempo, una buena síntesis de las ideas que predominaban durante la efervescente etapa del Renacimiento, en especial en Florencia.

Siglo tras siglo los especialistas se esforzaron por descifrar los misterios contenidos detrás de la propuesta artística de Botticelli. Sin embargo, se puede acceder a ella desde un disfrute más mundano, menos cerebral. Cómo dice Pili Egea, escritora y estudiante de Historia del Arte, "Botticelli nos transporta al mundo bucólico de los cuentos de hadas o del amor cortés independientemente si su temática es religiosa o mitológica. Imprime un gran colorido, una técnica refinada y cuidada, de personajes llenos de simbolismo, de dioses y de mortales de ensueño".

Una de las coincidencias es que en La Primavera el pintor alcanzó la cumbre de su estilo. Lo plantea Mirna Bacci cuando asegura se refiere a la "excepcional belleza espiritual de las figuras que componen la escena de La Primavera" y se refiere a ella como un ejemplo en el cual se puede percibir la "interpretación más aguda del clima refinado del círculo neoplatónico florentino”.

Jean Dubreil, en la revista Artmajeur, ofrece algunas claves más en tal sentido cuando asegura que la pintura "está llena de referencias simbólicas, como las naranjas en los árboles que simbolizan la fertilidad y las rosas que representan la pureza de Venus. El exuberante fondo verde de la pintura y la abundancia de flores y follaje enfatizan el tema de la primavera y la renovación". Agrega también que "el estilo delicado y elegante de la pintura, con sus figuras alargadas y calidad etérea, es característico del trabajo de Botticelli”.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días otros maestros de la pintura como Brueghel, Van Gogh y Monet utilizaron en sus obras motivos relacionados con la primavera, la estación del año donde el impulso vital se adueña de todos los entornos. Pero es probable que la que ha resistido con mayor hidalguía el paso indeleble de las centurias sea la del gran creador renacentista.

El Gobierno de Venado Tuerto lleva adelante trabajos de señalización y demarcación de sendas peatonales, colocación de cartelería vial y nomencladores de calles y avenidas, que se hallaban despintados o deteriorados.

A través de las cuadrillas de la División Demarcación Vial, se interviene esta semana en las sendas peatonales de ruta 8 y calle Leoncio de la Barrera, donde además se repara la cámara de electricidad del sistema de semaforización.

Por otro lado, se pintan bicicleteros y señalética de bicisendas y se rotulan carteles para la avenida Dr. Luis Chapuis.

La semana pasada la labor se centró en las sendas peatonales frente al jardín de infantes de barrio Ciudad Nueva, y en la rotulación de nomencladores para calle Formosa.

En cuanto a señalética, se colocaron carteles de sentido “contramano” en Formosa y Laprida y Pringles y Libertad; otro para “prohibición de giro en U” en Av. Alem y Samriento y de “pare” en Gobernador Pujato y Derqui.

La Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural invita a compartir dos noches llenas de arte en la Casa Museo Cayetano Silva (Maipú 966), con entrada libre y gratuita. La muestra se realizará el viernes 14 y sábado 15 de julio, de 19 a 21, y estará cargo de alumnos del Taller de Arte de Fabrina Miretto Rama. Unos 40 alumnos, de un rango de edades desde 7 a 80 años, presentarán sus obras con temática libre

La tallerista narró cómo surgió la idea de realizar esta exhibición y contó que hace tiempo quería hacerles un regalo a sus alumnos como muestra de gratitud, ya que con ellos comparte muchos momentos, considerando al arte como sanador, “un espacio donde se generan vínculos que son muy sanos, se genera empatía y respeto absoluto”.

Dos jornadas a puro arte en la casa histórica de calle Maipú 966.

“Hace un año venía pensando que lo que soy y logro como artista es gracias a mis alumnos, por eso esta vez quiero que los conozcan y puedan ver los increíbles trabajos que realizaron en el transcurso de estos primeros meses del año”, agregó Fabrina.

“El enseñar te pone en un lugar de constante aprendizaje porque muchas veces surgen cosas nuevas y lo resolvemos de manera conjunta; ahí nace la magia, porque todos somos aprendices y damos lo mejor de nosotros y hacemos algo para sanar alguna parte nuestra”, definió.

Por último, Miretto Rama agradeció a la Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural, a su titular Miriam Carabajal y a su equipo de trabajo “por el acompañamiento” en permitirle llevar adelante esta propuesta. También a sus alumnos “por la confianza y el amor” que le brindan.

Venado Tuerto es una ciudad donde se respira arte. La presencia de grandes exponentes en las distintas disciplinas permiten que el desarrollo y expansión sea sostenido en el tiempo, y que la generación de nuevos artistas sea permanente. La variedad en las propuestas ayuda a las personas a encontrar su lugar para expresarse y liberarse.

Una de estas alternativas, vinculada con la pintura, tiene como principal referente a la artista Cristina Scarpetta, quien hace más de una década montó su propio atelier para compartir sus conocimientos en la técnica del realismo e hiperrealismo.

Cristina es médica ginecóloga y cuando se saca la bata, se calza el delantal para darle curso a su creatividad. “Siempre digo que la medicina es mi profesión pero la pintura mi pasión”, cuenta en diálogo con Sur24.

“La pintura despertó en mí una pasión muy grande”, comentó la artista.

Cristina comenzó con la pintura hace unos 20 años, “en una etapa de mi vida que estaba en la búsqueda de algo diferente, tal vez para descargar un poco de tensión que me generaba la medicina, sin imaginarme que iba a generar en mí una pasión tan grande”.

Los primeros pasos no fueron fáciles, porque ambas actividades demandan tiempo, formación y dedicación. Sin embargo aseguró que “soy de la idea que cuando te proponés algo y lo deseas mucho, mágicamente aparece la forma de hacerlo”.

Al poco tiempo, empezó a tomar contacto con grandes pintores de realismo e hiperrealismo, tanto de Buenos Aires como de Córdoba y a participar de clases en forma continua hasta la fecha. “Llevo más de 18 años con cursos, seminarios, exposiciones y concursos de arte a nivel nacional e internacional, clases en mi taller y todo junto con mi consultorio de ginecología, ecografías y cirugía ginecológica”, señala. Y agrega: “Hoy tengo todo organizado y hay tiempo útil y productivo para ambos ámbitos”.

El Atelier de Cristina cierra el año con la muestra “Trayectoria”

“La medicina es una ciencia pero tiene su lado artístico. Se trabaja mucho con las manos, como, por ejemplo en cirugía. Y ahí te podría decir que es un arte donde necesitas destreza, aprendizaje, observación y habilidad para que todo salga bien como cuando pintas una obra. A pesar de ser dos disciplinas diferente encuentro alguna similitud”, consideró.

Y agregó: “Siempre se piensan que los artistas son excéntricos o que llevan una vida desordenada, y en mi caso, al ser médica implica una responsabilidad y una estructura donde no hay lugar para nada de eso. Por eso es que cuando pinto me libero de todas las presiones, comienzo a crear y ya no me preocupa el orden sino que la obra quede bien, creo que a veces es necesario romper con algunas tradiciones para mostrarnos tal cual somos y con la pintura logro sacar lo mejor de mí”.

“Pintar un rostro y sentir que te está mirando porque esos ojos tienen vida es muy fuerte”, explicó.

Hace poco más de una década, Scarpetta dio un paso muy importante en su vida, abrir su propio taller. “Cuando me di cuenta lo que generaba en mí y en la gente este tipo de pintura, decidí emprender este camino. Además tomé conciencia de todos los conocimientos que había adquirido, producto del estudio junto a grandes pintores; porque no basta con tener pasión, sino que hay que formarse, estudiar y practicar como lo hicieron los grandes pintores de la historia”, relata. Y añade: “soy de la idea que si deseas dejar algo en la vida tenés que enseñar todo lo que sabes. Yo no me guardo nada;en el arte no hay lugar para egoísmo ni mezquindades”.

Seguidamente destacó el grupo de alumnos “maravillosos” que tiene en su taller, quienes “comparten la misma pasión y pintan como los Dioses; eso me llena de alegría y me motiva a seguir estudiando para crecer juntas”.

“El realismo o hiperrealismo es desafiante, pero amo los grandes desafíos”.

Al consultarle los motivos que la llevaron a elegir como técnica el realismo e hiperrealismo, respondió: “Siempre me gustó la pintura realista e hiperrealista porque siento que podes crear y manifestar tus sentimientos en una obra que la persona que la observa la ‘entiende’ y la ve de la misma manera que vos. Es una técnica perfeccionista y apasionante, donde transmitís lo que ves de la manera más verosímil posible; eso exige observación, conocimiento del color y un buen dibujo que para mí es la base de una buena obra”.

En este marco sostuvo que “es una técnica mucho más comprometida que otras corrientes artísticas porque no hay margen para el error. Es desafiante, pero amo los grandes desafíos”.

– ¿Cualquiera puede pintar realismo o hiperrealismo?

– El realismo lo puede realizar cualquiera si está dispuesto a seguir los pasos, con paciencia, no es una pintura rápida que se termina en un día. Trabajamos con óleo y tiene tiempos largos de secado pero los resultados son maravillosos. Todo es cuestión de paciencia y tiempo.

– ¿Se necesita afinar o sensibilizar el ojo?

– Sí, realmente es así. Lo que más trato de enseñar a mis alumnos es que no sólo se debe mirar, sino que hay que aprender a “ver”; detalles, colores, luces y sombras. Cuando aprendemos a ver es cuando comenzamos a crear buenas obras.

– ¿Qué es lo que más te gusta pintar?

– Insisto, me gustan los grandes desafíos y si bien me gustan todas las temáticas, la que más me apasiona es la figura humana. Pintar un rostro y sentir que te está mirando porque esos ojos tienen vida es muy fuerte. Siento una gran atracción por la pintura de figura humana.

– ¿Te han solicitado pintaras de desnudos? ¿Lo hiciste o lo harías?

– Pinté muchos semi desnudos pero no tendría ningún problema en pintar desnudos. Si hice muchas sesiones de dibujo de desnudos con modelo en vivo como parte de mi aprendizaje y fue una experiencia fantástica. El cuerpo humano me parece perfecto en todas sus manifestaciones y el desnudo es una de ellas.

– ¿Qué es lo que más te piden tus alumnas?

– Mis alumnas se inclinan por temáticas variadas. Yo les enseño una técnica pero les ayudo a fomentar su creatividad en la búsqueda de lo que más las identifican. Puede ser un bodegón, un animal, paisaje, etc. Muchas se inclinan por la figura humana pero lo bueno es que no se mimetizan conmigo sino que crean sus propios trabajos.

Cristina Scarpetta tiene su atelier en Pringles 56 y el próximo 14 de marzo comenzará con las clases en los turnos mañana y tarde.

Contacto: 3462-606044

Instagram @Scarpetta.Pinturas

Facebook: Cristina Scarpetta.

El Atelier de Cristina, de Cristina Scarpetta, desarrollará este sábado 17 de diciembre, a las 20, una exposición de obras que lleva el nombre “Trayectoria”. De este modo, el espacio artístico de Venado Tuerto, ubicado en Pringles 56, cerrará un gran año de trabajo y creaciones.

“Este año, a la muestra le pusimos el nombre Trayectoria porque, además de presentar las obras de mis alumnas, al igual que algunas propias, la idea es exponer algunos trabajos que fueron realizados en los últimos años, principalmente antes de la pandemia por Covid-19, con el objetivo de que la gente pueda ver y evaluar el crecimiento que hubo en la pintura, más allá de que yo considero que las piezas fueron realmente buenas”, contó en diálogo con Sur24 la titular y docente del espacio, Cristina Scarpetta, considerando que cada alumna en particular tuvo un crecimiento muy importante que se verá reflejado si se comparan los primeros trabajos y los últimos.

En la pintura y sobre todo en el realismo e hiperrealismo, técnicas a las que se aboca el Atelier de Cristina, los logros se consiguen a través del tiempo y la perseverancia y dedicación. “La gente se va a encontrar con muchas obras y muy lindas”, destacó la artistas, agregando que las temáticas son variadas y hay cuadros dedicados a figura humana, paisajes, naturaleza y animales, entre otros.

Última muestra del Atelier de Cristina en el año 2021. Foto: Gentileza.

“Con todo lo que vivimos en los últimos años, donde se vivieron situaciones muy irregulares para todos, las clases debieron adaptarse y continuar online. De igual modo, esto no evitó que el arte siguiera adelante y continuamos trabajando con muy buenos proyectos”, enfatizó.

La invitación a la muestra es abierta a toda la comunidad y será solo este sábado. A su vez habrá un brindis para compartir y cerrar el 2022.

La localidad de Sancti Spiritu, recibió al artista oriundo de Rufino, Jorge Rajadell, reconocido mundialmente por sus obras hiperrealistas de la naturaleza, especialmente animales. Esta fue una actividad que partió de la Escuela Fiscal Nº 587, acompañada por la Comuna de Sancti Spíritu.

Rajadell, fue declarado visitante ilustre por el gobierno local y recibió presentes a través del presidente comunal César Bainotti, el libro del fotógrafo local, Javier Leali y una placa. “Para nosotros fue un día especial porque pudimos compartir y conocer a un excelente artista, que es un ejemplo de superación”, dijo al respecto el jefe político.

Una publicación compartida por Jorge Rajadell ? (@jorgerajadell)

Y es que Jorge, es sordo, algo que en su carrera nunca fue un impedimento para alcanzar una innumerable cantidad de logros. “Una hermosa enseñanza para nuestros niños y que ojalá se transmita a toda la comunidad”, aseguró Bainotti.

Visitante ilustre. Rajadell junto a los alumnos en Sancti Spiritu / crédito gentileza

Entre pinceles

Jorge Rajadell nació en Rufino, el 12 de mayo de 1952. Como cualquier niño de campo se sumió en la aventura de conocerlo, de caminarlo, olerlo, de verlo. Memorizó cada detalle de un nido de pájaros, el movimiento de los jabalíes, antílopes, los pumas. Su padre además tenía veterinaria y el contacto con los animales se hizo más estrecho.

Cuando tenía poco más de un año, Jorge perdió la audición por una sobredosis de estreptomicina y empezó a comunicarse con el mundo a través del dibujo. Fue prácticamente el juego de su niñez. Todo lo que veía lo convertía en imágenes.

Su padre, Antonio, amaba el dibujo, la pintura y la caligrafía. Él le enseñó el manejo del lápiz, las acuarelas y las tintas.

Cuando cumplió los nueve viajó con su madre a Buenos Aires, para iniciar un tratamiento de reeducación fonológica que duraría varios años. Los días hábiles los dedicaba por completo a su rehabilitación y los sábados, domingos y feriados a pintar al óleo con Benito Quinquela Martín, tardes en que el maestro lo instruía en el uso de los colores y lo malcriaba esperándolo con chocolate y churros.

Después siguió sus estudios en Rosario, junto a otro grande de la plástica, Marcelo Dasso, y pasó un breve tiempo por la Escuela Nacional de Bellas Artes, pero a raíz de su problema auditivo, no llegaba a comprender lo que explicaba el profesor y dejó de concurrir.

En vivo. El maestro regalando su arte a todos los presentes / crédito gentileza

Berni para todos

A los 17 años, Rajadell conoció al maestro Antonio Berni, a través de una prima de su padre que estaba casada con un hermano del artista. Berni recibió a los Rajadell, padre e hijos, en su casa de la calle Rivadavia, en Caballito.

Antes de tomarle una prueba para aceptarlo como futuro ayudante o no, Berni se distrajo conversando con el resto de la familia. Mientras tanto Jorge tomó un papel y un lápiz que encontró en el lugar e hizo un retrato en pocos minutos.

Cuando Berni le iba a pedir que le demostrara sus habilidades, Jorge le entregó el retrato y el pintor quedó muy sorprendido al ver su propio rostro tan bien hecho y a lápiz. Entonces respondió: Con esto alcanza, se va a quedar de ayudante mío”. Y le preguntó: “¿Cuándo querés empezar a trabajar conmigo? “Hoy”, le contestó (para esta época Jorge Rajadell ya podía hacerse entender).

Al no conocer la zona, el padre de Jorge le pidió a Berni que le indicara una pensión cerca para ubicarlo. “Nada de pensiones”, le respondió Berni, y le ofreció su casa. Trabajaron juntos arduamente durante tres años y entablaron una gran amistad.

En 1972, cuando Antonio Berni decide viajar a Francia por una temporada, para continuar su obra en ese país, Jorge vuelve a Rufino. Desde entonces y hasta su radicación definitiva en Buenos Aires en 1987, recorrió varias provincias, realizando retratos por encargo y, cuando existía la posibilidad, exposiciones en hoteles e instituciones.

La influencia pictórica de Berni en la formación de Rajadell dejó una huella muy profunda. Pasaría más de una década para que, el antiguo discípulo, pudiera romper con aquellas imágenes e iniciar una búsqueda que diferenciaría claramente su producción artística.

A fines de 1987 Jorge volvió a Buenos Aires con la intención de organizar una muestra y convocó a su hermano para que lo ayudara, Roberto Rajadell, que por ese entonces tenía en sus planes vivir en las sierras de Córdoba y se sumó a un nuevo proyecto de vida. La exposición se realizó en el año 1988, en el cine premier de la calle Corrientes, y Rajadell, con el mayor de los entusiasmos por su pintura, aunque sin dinero, repartió a pie 500 invitaciones personales.

Se trató de una retrospectiva de los cuadros que Rajadell pintara mientras era ayudante de Berni, paisajes de campo y retratos. Eran óleos y óleos pastel. Para esta época Jorge ya pintaba animales domésticos, especialmente perros y caballos.

Incursionó además en la pintura surrealista hasta que llegó el animal art, al que se dedica plenamente, desde entonces. Y es que frente a un cuadro de Rajadell, sorprende el detalle casi caligráfico que logra el pintor, lo que pone de manifiesto su obsesión por imitar la perfección de la naturaleza.

Un mundo hiperrealista. Rajadell compartió su historia con los chicos de Sancti Spiritu / crédito gentileza

Trabajo de hermanos

Jorge y Roberto Rajadell conforman un equipo de trabajo. Jorge pinta y Roberto cuida todos los detalles de la producción integral de la obra. Es su vocero, su representante, su mano derecha.

Se ocupa desde buscar los mejores marcos hasta acompañar a Jorge en la investigación del hábitat de los animales necesarios para el estudio de la naturaleza que inspira al artista. En el espacio donde pinta acumula bocetos, enciclopedias, documentales, fotos, cueros de animales, pelos, garras, nidos, piedras, paneles, ramas, pajas, todos elementos naturales que ayudan a su memoria a la hora de recrear el hiperrealismo de su pintura.

“Nosotros le damos una enorme importancia al estudio de los animales, en su ambiente natural o en cautiverio”, destaca Roberto Rajadell. En consecuencia, los hermanos han dedicado mucho tiempo a la investigación, recorriendo distintas regiones del país.

Los primeros modelos fueron los animales del zoológico y también los de la reserva de Cutini. “Se trata de estudiar las características de cada especie en su hábitat; su morfología, su forma de comer, de caminar, de mirar, su pelaje, su modo de vincularse con otros ejemplares”, explica Roberto.

Reconocimiento. Autoridades comunales de Sancti Spiritu, junto a Jorge Rajadell / crédito gentileza

Dato

En 1993, en la casa Roldan y Cía., la obra “Cebras en el Kilimanjaro” logró el mayor precio en subasta pública un artista argentino vivo. Amalia Lacroze de Fortabat adquirió esa obra para su colección de arte.

A partir de ese momento sus pinturas son requeridas por importantes coleccionistas nacionales e internacionales hasta formar parte de una serie de almanaques de miras ópticas del austíaco Swarovski.

Hoy predominan en sus obras animales salvajes en su ambiente natural. Con tendencia ecologista expresa amor por la naturaleza y sensibilidad en cada una de sus pinceladas. logrando con un solo pelo deslizar el acrílico hasta obtener la perfección en cada trabajo.

En el marco del ciclo de arte “Somos, Hacemos” puesto en marcha por el Gobierno de Teodelina, durante el fin de semana se presentó la muestra de la artista plástica Stella Maris Rende, titulada “Desde todas las ópticas”. Una buena cantidad de público se hizo presente para formar parte de esta actividad.

La exhibición permitió a los asistentes viajar por lugares conocidos de la localidad como Plaza Ituzaingó, Laguna “El Chañar”, entre otros, y también por varios retratos utilizando técnicas como acrílicos, tinta china, óleo, carbón y lápiz.

Finalmente, en este contexto, el área de Cultura y Educación hizo entrega de un certificado a la expositora.