(Por Juan Ignacio Novak) - El catálogo de Netflix se nutre siempre con estrenos y producciones originales, pero también funciona, de vez en cuando, al modo de los viejos videoclubes de barrio. Y es posible revisitar allí grandes títulos de la historia del cine.

En medio de la oferta de novedades, aparecen obras que marcaron época, definieron estilos y dejaron huella. Esta es una selección de diez películas imprescindibles, obras que resistieron el paso del tiempo y que hoy pueden revisarse.

Ante la competencia de la televisión, la estrategia que eligió Hollywood para competir fue el "gigantismo". Una de las más logradas fue esta película de aventuras sobre la tortuosa figura de T. E. Lawrence, oficial inglés que durante la Primera Guerra Mundial unió a los árabes en su lucha contra Turquía. Su escala épica es irrepetible.

Columbia Pictures

La adaptación que hizo Brian De Palma de la novela de Stephen King funciona a varios niveles. Es una gran película de terror. Pero a la vez es una descripción sofisticada de la adolescencia y los efectos del bullying, un comentario ácido sobre los fanatismos religiosos y hasta una crítica a la forma de vida y a las costumbres de Estados Unidos.

United Artists

La desesperante situación de un joven condenado a muchos años de prisión en Turquía por contrabando de drogas fue el punto de partida para un film icónico de finales de los 70. Alan Parker muestra de tal manera al calabozo que parece el infierno mismo. Llega a tales niveles de dramatismo, que al final la experiencia es agotadora.

Columbia Pictures

Un proyecto que (cuenta la leyenda) Robert De Niro le alcanzó a Martin Scorsese. La historia del boxeador Jake La Motta sirve como excusa para abordar el lado oscuro de la condición humana. La violencia expresada en el ring se traduce en la vida doméstica y comienza la autodestrucción. Uno de los grandes films de los 80.

United Artists

El joven Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan) encuentra una oreja cortada en el césped de una de las veredas de su confortable barrio de clase media acomodada. Eso lo introduce en una pesadilla propia de David Lynch, que incluye a un psicópata obsesionado con una cantante y todo un submundo de extrema rareza. Pero también lo lleva al amor cuando conoce a Sandy Willams (Laura Dern).

De Laurentiis Entertainment Group (DEG)

Aunque algo tardía, ya que para entonces ya se habían filmado "El francotirador", "Regreso sin gloria" y "Apocalypse Now", la película de Oliver Stone es un descarnado retrato de la Guerra de Vietnam. Describe como los límites entre el bien y el mal (encarnados por los personajes de Willem Dafoe y Tom Berenger) se vuelven difusos en medio de una coyuntura tan caótica.

Orion Pictures

Para muchos, Martin Scorsese logró la mejor película de mafiosos de toda la historia, con la excepción de "El padrino". La descripción de la cotidianeidad de un grupo de violentos gángsters le permite al director demostrar la complejidad de vivir al margen de toda posible regla. Todo está llevado al extremo: después de matar a sangre fría, los personajes bromean con una cafetera.

Warner Bros.

Pocas veces un personaje caló tan profundo en el imaginario colectivo como el Hannibal Lecter construido por Anthony Hopkins para esta película. Pero enfocarse allí sería eludir el arco dramático del personaje de Clarice Sterling (Jodie Foster). Arranca como principiante y al final resuelve el caso y exorciza sus traumas.

Orion Pictures

Michael Mann sentó a Al Pacino y a Robert De Niro a tomar un café y creó la secuencia más conocida de los ‘90. Como contexto, puso una trama de acción en la cual un policía persigue a un ladrón y cada vez se mimetiza más con él. Si a eso se suma el violento robo a un banco, a Natalie Portman como hijastra olvidada y a Val Kilmer como ladrón enamorado, está todo servido para el disfrute.

Warner Bros.

¿Qué puede salir mal si un hombre subestimado decide contratar a dos psicópatas para secuestrar a su propia esposa y sacarle plata a su suegro? Para muchos el mejor trabajo de los hermanos Coen, este policial integra también elementos de comedia negra. Y genera una atmósfera que con los años sería imitada y parodiada, nunca igualada.

Polygram Filmed Entertainment

(Por Juan Ignacio Novak) - El jueves 28 de agosto a las 20, Film&Arts estrena un nuevo episodio del ciclo "Iconos del cine". Esta vez, el protagonista es el actor estadounidense John Wayne. El documental ("América a toda costa") aborda su vida y sus contradicciones.

Wayne representó un modelo cultural que definió durante décadas la imagen del "héroe americano". Desde la consagración en "La diligencia" hasta sus papeles crepusculares en los 70, trazó un arco en el que la leyenda convivió con las fragilidades del hombre de a pie.

"La diligencia". Foto: United Artists

Hasta finales de la década de 1930, Wayne había trabajado en decenas de westerns de bajo presupuesto y argumentos muy parecidos entre sí. Fue John Ford quien lo catapultó a la fama con "La diligencia", estrenada en 1939.

Su irrupción como Ringo Kid, un forajido que se termina revelando como noble y valiente, fue un quiebre: el héroe del western clásico adquiría rostro y voz. Con el paso del tiempo, fijó un estereotipo.

La famosa toma en la que el personaje detiene la diligencia, con el rifle en alto, es icónica. Desde ese momento, Wayne encarnó las premisas de un país que se autopercibía (y todavía una parte lo hace) fuerte, viril y forjado en la frontera.

"El hombre que mató a Liberty Valance". Foto: Paramount Pictures

La relación entre Ford y Wayne se extendió a lo largo de varias películas. Más allá de la épica, sus colaboraciones mostraron un costado más complejo del mito.

En "Más corazón que odio" (The Searchers, 1956), Wayne compuso a Ethan Edwards, un ex soldado confederado que se obsesiona con rescatar a su sobrina raptada por los comanches.

La dureza, la violencia y el racismo del personaje mostraban a un héroe atormentado, lejos de la pureza idealizada de Ringo Kid. Aunque a través de la película va desarrollando un arco que lo lleva a redimirse al final.

"Río Bravo". Foto: Warner Bros.

Con "El hombre que mató a Liberty Valance" (1962), la dupla fue más lejos: Wayne encarnó a Tom Doniphon, el hombre que defiende el orden con la fuerza, pero que debe aceptar que el futuro pertenece a la ley y a los políticos.

La célebre frase final del film ("Esto es el Oeste, señor. Cuando la leyenda se convierte en hecho, se escribe sobre la leyenda") funciona como comentario metacinematográfico sobre Wayne: un hombre atrapado entre el mito y la historia.

John Wayne también fue un militante activo en la vida pública de Estados Unidos. Apoyó al macartismo en los 50 y se manifestó a favor de la Guerra de Vietnam cuando gran parte de la opinión pública la rechazaba.

"El Dorado". Foto: Paramount Pictures

Esa faceta política endureció su imagen: para millones siguió siendo el patriota inquebrantable; para otros, el emblema de un país conservador que se resistía a los cambios sociales.

Algo interesante en la trayectoria de Wayne fue su capacidad para reinterpretar al héroe sobre el final de su carrera.

En "Temple de acero" (1969), su sheriff Rooster Cogburn era ya un hombre roto, alcohólico y malhumorado. Wayne, con más de 60 años, no ocultaba sus achaques: los incorporaba a la construcción del personaje, que le valió el Oscar.

"Río Rojo". Foto: United Artists

Su despedida fue con "El último pistolero" (1976). Allí es un veterano pistolero con cáncer, en un paralelismo con su propia vida: Wayne moriría de esa enfermedad tres años más tarde.

La película, dirigida por Don Siegel, se leyó como su testamento cinematográfico, un apunte sobre el final del héroe y la aceptación de la mortalidad.

El episodio "John Wayne, América a toda costa" se apoya en esa disyuntiva: repasa la gloria del héroe que encarnó a los Estados Unidos más duros y orgullosos, pero también muestra la humanidad que se filtró en sus últimos papeles.

"Temple de acero". Foto: Paramount Pictures

La propuesta del ciclo Iconos del cine es, justamente, contrastar al Wayne "patriota" con el hombre que supo cuestionar la solidez de su propio mito.

Rodrigo Pretto

Suspenso y drama. Karma Negro, la película cien por ciento made in Santa Fe, fue seleccionada para formar parte del 30° Festival Latinoamericano de Cine – comenzó en Rosario este jueves 5 y se extiende hasta el 15 – y tendrá su estreno el próximo domingo, a las 21, en la mítica sala de El Cairo. “Tenemos muchas expectativas. Venimos esperando esto desde hace dos años. Todavía no fue proyectada, esta será la primera vez. Todos estamos muy ansiosos”, le dijo a este medio Ámbar Reschia, una de las actrices protagónicas del film.

Dirigida por Juan Mangiantin y producida por Juliana Montecchia, la producción rompe todos los moldes en el centro oeste santafesino. Un suceso inédito, como ya lo es el propio rodaje en esta región, que toma más trascendencia aún al ser elegida para formar parte de un selecto grupo de películas que estarán en la pantalla grande en una nueva edición del Festival Latinoamericano de Cine.

Karma Negro fue rodado en la ciudad de San Jorge. Ese punto del departamento San Martín fue el centro de la escena. Pero también formaron parte del film otros lugares de la región: Sastre, Carlos Pellegrini y Cañada Rosquín. “El rodaje fue hecho en 20023 y tuvo una duración de entre 14 días. Estuvimos haciendo la toma principal en San Jorge. Pero también hubo otras en los alrededores porque en la localidad no teníamos disponibilidad de locaciones que necesitábamos”, recordó Reschia.

Karma Negro retrata la vida de Claudio, un remisero trucho que sobrevive a duras penas en las calles de la noche ahogando sus miserias en alcohol y gastando lo poco que gana en prostitutas. Vive con Marta, su mujer, y Camila, su hija. Una madrugada su Handy capta una interferencia. Dos voces planean el cobro de un secuestro. Claudio debe decidir entre interferir o dejar pasar la única oportunidad de salir del pozo en el que se encuentra.

La cuenta regresiva comenzó para toda una región que comienza a encenderse con el correr de los días. La producción verá la luz por primera vez – todavía no fue proyectada en ninguna sala –. “Tenemos muchas expectativas. Venimos esperando esto desde hace dos años. Vimos sólo el montaje. Entonces verla terminada va a ser de gran impacto para todos. Hay escenas muy fuertes. La vida de Camila era una vida difícil, entonces el desafío fue muy grande para mí”, sostuvo la actriz de la ciudad de San Jorge.

El guión tardó más de 10 años en terminarse y, en el rodaje, participaron más de 100 personas entre técnicos, elenco y extras. La película tiene una duración total de 70 minutos y está basada en hechos reales.

Tras pasar las diferentes instancias del casting, Ámbar Reschia – de 19 años de edad – fue seleccionada para interpretar el personaje de “Camila”. Un mes y medio después de haber realizado las pruebas, recibió el llamado mediante el cual le comunicaron que había sido una de las elegidas. “Cuando hicimos la grabación tenía 17. Esta es mi primera experiencia en cine. Estudie modelo y en la carrera tuve algo de actuación. Nunca había tenido la oportunidad. Se dio esta nueva experiencia y la verdad fue muy linda. Es todo un desafío”.

Del 5 al 15 de junio Rosario celebra el cine con el festival más importante de la región. En su 30° edición, se presentarán más de 40 funciones gratuitas; estrenos en competencia, películas invitadas, homenajes y proyecciones fulldome. La programación brinda además masterclass, seminarios, entrevistas abiertas, presentación de libro, mesas de debate y muestras.

Las proyecciones de todas las producciones tendrán como sedes el Cine Lumière, el histórico cine El Cairo, el Complejo Astronómico Rosario, Cines del Centro, Galpón 11 y EPCTV.

(Por Cristian Oliva) - Luego de la pandemia y de acuerdo con distintas proyecciones todo parecía indicar que paulatinamente las cifras respecto a la concurrencia a las salas de cine irían en franco aumento. Sin embargo, y pese a un buen último tramo con estrenos exitosos como las continuaciones de “Moana” de Disney y “Gladiador”, los números finales cerraron muy por debajo de lo esperado. La situación, si bien no se circunscribe solo a nuestro país -Estados Unidos auguraba una caída del casi 30 por ciento en relación al 2023 que terminó siendo del 10-, aquí responden no solo a los cambios en las políticas de consumo y el auge de las plataformas de streaming, sino a los recortes que cada uno de los espectadores tuvo que hacer con su propia economía. Lamentablemente en épocas de ajuste, lo primero que se ve resentido es aquello que tiene que ver con el ocio. En este sentido, es preciso mencionar que el público argentino salió, en líneas generales, mucho menos que en 2023. 

Se estima que el año terminó con 35 millones de espectadores, algo así como 8 millones menos que el año pasado. Las comparaciones son aún más odiosas si tenemos en cuenta que en 2023 sólo la suma de tickets vendidos por “Barbie” y “Super Mario Bros” alcanzaban esa cantidad.

Se estima que el año terminará con 35 millones de espectadores, algo así como 8 millones menos que el año pasado. Foto: Gentileza.

En las salas de nuestro país apenas cinco películas superaron la barrera del millón de espectadores, entre ellas cuatro animadas. Argentina suele abrazar con fuerza los productos destinados a la familia, prueba de ello es el récord de “Intensamente 2” (Pixar) con 6.525.000 entradas vendidas. De acuerdo a los datos aportados por el sitio Ultracine, también fueron muy exitosos los pasos de “Mi villano favorito 4” (Illumination) con 3.300.000; “Kung Fu Panda 4” (DreamWorks) con 1.520.000; y “Moana 2” (Disney), que lidera la taquilla por estos días y que promete mantenerse en cartel por varias semanas más (ya suma 1.150.000).  La quinta película en ingresar a ese podio fue, al fin, una con actores reales, “Deadpool & Wolverine” (Marvel), vendió 3.045.000 tickets y continúa hoy su periplo a través de la plataforma Disney con altos índices de visualizaciones. 

Si bien tanto los éxitos como los grandes fracasos suelen comportarse de igual forma en la taquilla mundial, en nuestro país hubo grandes excepciones. “Profesión peligro”, “Furiosa” (proveniente de la saga Mad Max), “Borderland”, “Guasón 2”, “Cazafantasmas” y “Transformers” anduvieron tan mal en Argentina como en el resto del mundo, sin embargo, hitazos como “Duna: Parte 2”, “Beetlejuice, Beetlejuice” y el recientemente estrenado musical “Wicked” no consiguieron atraer público a las salas.

Merece un párrafo aparte la estrepitosa caída de espectadores con respecto al consumo de cineastas que, hasta apenas unos años atrás, convocaban masivamente a los argentinos. Muchos de ellos cercanos al llamado cine de autor. Los números hablan por sí solos. “La habitación de al lado”, película del español Pedro Almodóvar con estrellas a la cabeza como Tilda Swinton y Julianne Moore, apenas vendió 50.000 tickets, suerte similar corrió “Golpe de suerte en París”, de Woody Allen, que convocó a duras penas algo más de 30.000 personas. “Jurado #2”, efectivo thriller judicial a cargo del inoxidable Clint Eastwood, ni siquiera consiguió un estreno comercial en nuestro país debiendo conformarse con un desembarco en la plataforma de streaming Max que llegará a la brevedad.

En cuanto a la producción nacional, el film más convocante del año fue, ironías de la vida, uno estrenado en el último tramo del 2023. El documental futbolero “Muchachos, la película de la gente”, sumó 200.000 espectadores en 2024 arrastrando un total final de 1.100.000.

Le siguió la premiada “El Jockey”, de Luis Ortega con Nahuel Pérez Biscayart y la española Úrsula Corberó, con 125.000 localidades vendidas, el reestreno de “Nueve Reinas”, clásico de Fabián Bielinsky, con 80.000 (que si de reestrenos hablamos le fue mucho mejor que a su par de “Relatos Salvajes”); “Culpa cero”, dirigida y protagonizada por Valeria Bertuccelli, con 75.000; y el thriller de acción “Jaque Mate”, con 65.000 a cargo de Adrián Suar y un mix de figuras provenientes de España, México e Israel (nueva producción que marca el declive de espectadores en los productos que lo tienen al chueco como artista). 

La cantidad de estrenos en salas comerciales es similar al 2023, no así sus recaudaciones. Llegaron 227 películas argentinas y 267 extranjeras; y de esos casi 500 films, 400 no llegaron a los mil espectadores. 

Números realmente desoladores sobre los cuales es meritorio realizar algunas aclaraciones. 2024 no contó con ninguna película protagonizada por, quizás, las figuras más convocantes del cine nacional. Hablamos de Guillermo Francella y Ricardo Darín, abocados actualmente a trabajos en plataformas de streaming.

Esto nos sirve como excusa para mencionar que frente a una industria virtualmente paralizada -este año casi nadie filmó con apoyo del Instituto nacional de cine- los capitales extranjeros han conseguido maquillar un poco la crisis.  Gigantes del streaming como Netflix, Disney, Max y Amazon han aumentado la producción de series y películas argentinas, en muchos casos, dirigidas por cineastas de reconocida trayectoria (Diego Lerman, Ana Katz y Alejandro Hartmann por nombrar algunos). Incluso, en gran medida, muchos de los films nacionales que pasan sin pena ni gloria en salas, son bien recibidos y tienen una mayor repercusión en plataformas. “El Jockey”, sin ir más lejos, por estos días es de los estrenos más populares de Disney+. Un poco menor es la suerte que corren los estrenos de la plataforma Cine.ar (en muchos casos pagos), pero así y todo consiguen alcanzar mayores visualizaciones que de forma tradicional. Estas cifras no son recogidas por ninguna encuesta, lo mismo ocurre con la afluencia de público en festivales, exhibiciones en ciclos o muestras especiales. Lugares en los que suelen confluir tanto el público en general como los cineastas y representantes de la industria.

El 2024 cierra con números realmente preocupantes, no sólo en relación a la cantidad de espectadores, sino al cine argentino a nivel comercial. Como mencionamos, el poder adquisitivo de los argentinos mermó y en consecuencia sus salidas se vieron restringidas. El precio de las entradas casi duplicó su valor respecto a diciembre del 2023. Una escena pinta el panorama de forma completa: el período de vacaciones invernales -históricamente el de mayor afluencia-, tuvo el rendimiento más bajo en boleterías de los últimos 15 años.

Para el sector audiovisual local, se trató de un año muy duro en donde resultó casi imposible ver en cartelera películas argentinas. Las perspectivas para el 2025 no son para nada alentadoras teniendo en cuenta que la producción cinematográfica se encuentra detenida. Por lo pronto se augura un 2025 con una presencia en salas aún mucho menor.

(Por Juan Ignacio Novak) - “Tal vez debieran dejarlo como está, como un monumento a la ambición humana”. Se cumplen 50 años del estreno de una de las películas de catástrofes más logradas de la historia: “Infierno en la torre”, dirigida por John Guillermin y producida por Irwin Allen. Tuvo su premiere en Estados Unidos el 16 de diciembre de 1974 y fue la culminación de un nuevo tipo de cine popular que se había gestado poco antes.

20th Century Fox, Warner Bros., United Films

A través de la historia de un gigantesco rascacielos en llamas, la película se sumó a la tendencia del cine de catástrofes, un subgénero que pone foco en el caos y la destrucción en escenarios urbanos y naturales. El exitoso antecedente que había dado pie a esta proliferación de películas sobre desastres fue “Aeropuerto” (1970).

20th Century Fox, Warner Bros., United Films

En el caso de “Infierno en la torre”, el edificio de 138 pisos, el más alto del mundo dentro de la ficción de la película, es el personaje central, que simboliza la arrogancia de la especie humana ante las fuerzas de la naturaleza. Algo que tiene gran actualidad si se consideran las discusiones sobre el cambio climático y sus consecuencias.

20th Century Fox, Warner Bros., United Films

Al igual que “Aeropuerto”, la película sintetiza espectacularidad visual con una narrativa humana emocional. La película sigue a un grupo de personajes que lucha por sobrevivir al incendio, mientras sus historias personales se despliegan entre las llamas. El ingeniero encargado del proyecto, interpretado por Paul Newman, y el bombero interpretado por Steve McQueen, lideran un elenco de estrellas, creando una dinámica dramática que es tan importante como las escenas de acción. El incendio es el contexto que da lugar a decisiones morales, sacrificios y mezquindades por parte de los personajes.

20th Century Fox, Warner Bros., United Films

Un gran logro de “Infierno en la torre” es el uso de efectos visuales y su representación realista del desastre. Los productores emplearon maquetas de gran escala del rascacielos y efectos especiales novedosos para la época. El incendio y la forma en que se representa su progresión dentro del edificio, sorprendió al público. Las escenas de acción, como la desesperada carrera hacia los ascensores, las explosiones masivas y la caída de estructuras del edificio, fueron un prodigio técnico.

20th Century Fox, Warner Bros., United Films

Con esos pergaminos, “Infierno en la torre” tuvo un gran éxito de taquilla, que intensificó la oleada de películas de catástrofes que abrió “Aeropuerto”. Pero su influjo va más allá: películas como “Duro de matar” (1988) y “Día de la independencia” (1996) se basaron en la estructura de “desastre con una mezcla de acción y personajes llenos de matices”. En “Duro de matar” el edificio como escenario de un desastre es esencial para la trama, mientras que el heroísmo de Bruce Willis recuerda las dinámicas de lucha por la supervivencia que ya se habían presentado en “Infierno en la torre”.

20th Century Fox, Warner Bros., United Films

En la década de 1990, “Twister” (1996) y Armageddon (1998) continuaron la tradición. Todavía hoy, el legado de “Infierno en la torre” se puede rastrear en películas modernas. “Terremoto: la falla de San Andrés” (2015), por ejemplo, sigue una estructura de desastre urbano que se entrelaza con las vidas de sus protagonistas mientras luchan por sobrevivir.

Juan Ignacio Novak

Es imposible no empatizar con las criaturas que habitan en las películas de Pedro Almodóvar. Esos personajes, casi siempre marginales, son “sometidos” por el director a tribulaciones tan extrañas que el espectador casi desea estar junto a ellos para darles un abrazo, a pesar de sus debilidades y hasta sus pequeños actos de miserabilidad. Es un gran logro de un director capaz, como pocos, de representar (echando mano a todo el abanico de posibilidades del artificio) la complejidad de las relaciones humanas.

En sus películas, dotadas de un particular sentido del humor y de una estética plagada de intertextualidades (tan variadas que van desde John Waters y Alfred Hitchcock hasta la cultura popular española) compone un universo personal. Desde el cual dialoga con la identidad, con la maternidad, con la sexualidad, con el dolor, con la muerte, con la discapacidad, pero lo logra con una conjunción de humor, tensión y dramatismo que nunca “suelta” al espectador.

La carrera de este director español arrancó a principios de los años ‘80 en una época que guarda cierta relación con lo que en Argentina fue el “destape” posterior al retorno de la democracia. Era un tiempo en que España trataba de rearmarse tras varias décadas de gobierno autoritario de Francisco Franco. El país quería dar vuelta la página, porque, como decía José Sacristán en el mítico monólogo final de “Solos en la madrugada”: “no podemos pasarnos otros cuarenta años hablando de los cuarenta años”.

En ese contexto, Pedro Almodóvar presentó “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón”, un filme que destila el espíritu rebelde de la movida madrileña postfranquista. Le siguieron títulos como “Laberinto de pasiones” y “Entre tinieblas”, donde ya era evidente su estilo provocador y su mirada aguda, pero también compasiva, sobre la sociedad española. Esto alcanzó una cumbre en “¿Qué he hecho yo para merecer esto?” un retrato entre ácido, delirante y realista de la vida de un ama de casa que tiene que convivir con una familia disfuncional y hace malabares para llegar a fin de mes limpiando casas. En su gesta diaria, se cruza con todo tipo de personajes, desde una vecina prostituta hasta una pareja de veteranos escritores.

Evolución

Al promediar los 80, Almodóvar derivó, sin perder la esencia, al thriller psicológico con “Matador”. Y dio un paso firme con “La ley del deseo”, el inicio de su fructífera colaboración con Antonio Banderas. Pero fue la comedia “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, la que lo hizo conocido a escala planetaria. Esta película, protagonizada por una Carmen Maura en estado de gracia, es para la crítica Dana Duma “un conmovedor monólogo femenino sobre la felicidad y la soledad”.

A principios de los 90, continuó su éxito con “Átame”, comedia negra sobre un joven obsesionado con una actriz. Y, sobre todo, con “Tacones lejanos”, donde aborda la compleja relación entre una madre y su hija e introduce a uno de sus personajes más memorables, interpretado por Miguel Bosé, el juez que por la noche se convierte en una drag-queen. También fue un período de experimentación y madurez: en “La flor de mi secreto” mostró una faceta introspectiva y en “Carne trémula”, cuya escena inicial con Penelope Cruz dando a luz en un ómnibus está entre las más potentes de su filmografía, analizó el deseo y la venganza.

En 1999, con “Todo sobre mi madre”, Almodóvar alcanzó el reconocimiento definitivo, traducido en el Oscar a Mejor Película Extranjera. Su éxito continuó con “Hable con ella”, una que le valió otro Oscar, esta vez al Mejor Guión y que es considerada una de sus obras más poéticas y conmovedoras. Si hasta allí el director se había especializado en el universo femenino, aquí retrata con maestría a Benigno y a Marcos, dos varones que, bajo diferentes circunstancias, tienen a las mujeres que aman en coma en una clínica.

A lo largo de la década del 2000, Almodóvar siguió explorando temáticas profundas y personajes complejos en películas como “La mala educación” sobre la represión sexual y los abusos, y “Volver”, que mezcla algo de suspenso, melodrama y vida cotidiana y “Los abrazos rotos”, cine dentro del cine. Luego llegaron “La piel que habito”, una historia de venganza, “Julieta”, un drama sobre el duelo y las relaciones madre-hija y “Dolor y gloria” inspirada en sus propias vivencias. en “Madres paralelas” combinó las dificultades de la maternidad con la historia política de España.

Lo nuevo

El 31 de octubre de 2024 llegará a los cines argentinos “La habitación de al lado”, su primer largometraje rodado completamente en inglés. Tras su preestreno en el Festival de Venecia, esta película generó gran expectativa, por su elenco de lujo, que incluye a Tilda Swinton, Julianne Moore y John Turturro. Describe el reencuentro de dos mujeres, Ingrid y Martha, quienes fueron íntimas amigas en su juventud mientras trabajaban juntas en una revista. Ingrid se convirtió en una famosa novelista de autoficción, mientras que Martha se convirtió en reportera de guerra. Años más tarde, tras estar separadas por mucho tiempo, se encuentran en una situación extrema pero curiosamente dulce, donde el pasado y las decisiones tomadas juegan un papel crucial. Almodóvar vuelve a temas recurrentes: la amistad, el paso del tiempo y los reencuentros. Pero el contexto, la experiencia (tiene ya 75 años) y el uso del idioma inglés agregan complejidad a su estilo cinematográfico.

El Centro Cultural Municipal proyectará dos atractivas películas para cerrar la agenda del Gobierno de Venado Tuerto en estas vacaciones de invierno 2024, con funciones este domingo 21 de julio para distintas edades. A las 15 se exhibirá “Elementos” y a las 19 será el turno de “Háblame (Talk to Me)”, en ambos casos con entrada gratis, retirada previamente en La Tiendita del Cultural, de 9 a 12 y de 17 a 19.30.

“Elementos” (dirigida por Peter Sohn, 2023) relata la historia de Ember y Wade, dos jóvenes de fuego y agua, respectivamente, que conviven en Ciudad Elementos, una ciudad en donde cohabitan personajes de los cuatro elementos: los dos ya mencionados y, además, tierra y aire. El vínculo entre la vivaz joven de fuego y su amigo da como resultado el cuestionamiento de Ember sobre el mandato cultural de que no se deben mezclar los elementos y una reflexión con respecto a las marcadas diferencias que ambos tienen en sus vidas.

“Háblame” (dirigida por Danny y Michael Philippou, 2022) es un thriller sobrenatural. Narra la historia de la solitaria adolescente Mia, que se engancha a la emoción de invocar espíritus utilizando una mano embalsamada, pero cuando se enfrenta a un alma que dice ser su madre muerta, desata una plaga de fuerzas sobrenaturales y se debate entre decidir en quién puede confiar: en los vivos o en los muertos.

Organiza la Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural.

En la historia reciente de los Estados Unidos de Norteamérica, la Guerra de Vietnam es una herida abierta que no cicatriza pese al medio siglo transcurrido. Si en los conflictos bélicos previos en los cuáles intervino Estados Unidos estaba claro quién era el enemigo, lo que ocurría en ese pequeño país asiático era confuso para buena parte de los norteamericanos. A tal punto que hoy sigue siendo centro de controversias que se plasman en la literatura, la música, el cine y las series.

“El simpatizante”, miniserie que se acaba de estrenar en HBO, se adentra precisamente en la complejidad cultural de los últimos días de la guerra y su posterior impacto en la diáspora vietnamita en Estados Unidos. Distribuida en siete episodios, es una adaptación de la novela ganadora del Pulitzer de Viet Thanh Nguyen.

HBO Max, Max

La trama gira en torno al Capitán, un personaje con una dualidad de identidades: mitad francés, mitad vietnamita, y agente comunista en un mundo dividido por ideologías y traiciones. La serie describe los dilemas morales y las tensiones psicológicas del protagonista mientras se debate entre sus deberes como espía y su lucha por integrarse en la sociedad estadounidense tras la caída de Saigón. A través de distintos recursos, la serie se anima a trabajar temas que merecen ser vistos desde todos los ángulos posibles, para eludir los clichés: la identidad inmigrante, la lealtad dividida y los conflictos de transitar, por así decirlo, múltiples vidas. Única opción del Capitán para sobrevivir en un contexto hostil y cambiante.

HBO Max, Max

“El simpatizante” es también una excusa para revisar de qué manera la ficción abordó este tema a lo largo de los años. Por ese motivo, a continuación, se mencionan cinco películas emblemáticas sobre la Guerra de Vietnam que quedaron presentes en la cultura popular y sirven como complemento perfecto para entender el contexto histórico y social en el que se desarrolla “El simpatizante”.

HBO Max, Max

“El francotirador” (1978): Dividida en dos partes, narra cómo tres amigos que viven en un pueblo chico y son aficionados a la caza se alistan como voluntarios para la guerra de Vietnam, nutridos de un patriotismo que pronto se vuelve irrelevante. La experiencia en el frente cambia sus vidas: uno de ellos queda postrado, otro empieza a jugar a la ruleta rusa por dinero y el tercero se siente culpable por no haber podido protegerlos. “No es una película sobre la guerra, sino sobre la amistad. Sobre cómo la vida puede joder las cosas más hermosas que hemos tenido, la imposibilidad de recobrar el esplendor en la hierba”, escribió Carlos Boyero en Diario El Mundo.

Universal Pictures

“Apocalypse Now” (1979): Tal vez la obra más acabada del género bélico. Esta película dirigida por Francis Ford Coppola no solo describe la locura de la guerra, sino que se adentra en los recovecos de la psique humana a través de un viaje que por momentos se vuelve surrealista por un río que atraviesa la jungla vietnamita. Al capitán Willard le piden encontrar y eliminar a Kurtz, un coronel renegado. Mientras avanza hacia el “corazón de las tinieblas” (título de la obra de Joseph Conrad que inspiró a Coppola), el joven soldado tiene que enfrentar sus propios demonios.

United Artist

“Pelotón” (1986): Oliver Stone se valió de sus propias experiencias como soldado en Vietnam para construir el relato de un joven que es incorporado a un pelotón y tiene que lidiar con la crueldad propia de la dinámica del frente de batalla y los enfrentamientos entre sus superiores, que tienen posiciones muy distintas sobre cómo actuar en el día a día. Sobresale por la descripción descarnada y realista de la experiencia de los soldados rasos, sus dilemas y tensiones internas. “Pelotón” es la mejor y más dura de las películas que componen la famosa trilogía de Stone sobre Vietnam, que incluye también “Nacido el 4 de julio” y “Entre el cielo y la tierra”, de 1993.

Orion Pictures

“Nacido para matar” (1987): En los años 50, Stanley Kubrick, había plasmado su visión antibélica en “Senderos de gloria”, que cuestiona con dureza el rol de los altos mandos militares durante la Primera Guerra Mundial. Su mirada sobre Vietnam, expresada en los ‘80, incluye una arista más: es un fuerte alegato contra el autoritarismo en general. A través de la descripción del día a día de un grupo de reclutas que se preparan en un centro de entrenamiento de la marina norteamericana para viajar al sudeste asiático. Allí un sargento los “deshumaniza” para que puedan afrontar la batalla.

Warner Bros.

“Nacido el cuatro de julio” (1989): Al igual que “El francotirador”, este filme de Oliver Stone inspirado en la autobiografía de Ron Kovic, analiza las secuelas del conflicto en los ex combatientes. El cambio que se produce en el protagonista, encarnado por Tom Cruise, es demoledor: arranca con un patriotismo exacerbado que lo convence de ir a la lucha para defender a su país y termina confinado en una silla de ruedas, profundamente desencantado, con dificultades para reinsertarse en la sociedad. En su conversión en un símbolo de la lucha contra la injusticia y la violencia de la guerra, encuentra alguna redención.

Universal Pictures

Estas películas, cada una a su manera y según la mirada de su director, permiten adentrarse en las dimensiones de la guerra librada entre los 60 y los 70 y sus repercusiones en la sociedad actual. Verlas en paralelo con “El simpatizante”, posibilita una mirada más abarcativa de esta serie.

Por Hagar Blau Makaroff

Dos películas participarán esta semana en el 38º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata: “La mujer hormiga” de Santa Fe y “Vera y el placer de los otros”, de Rosario. Ambos largometrajes son dirigidos por un hombre y una mujer, y tendrán su flamante estreno el próximo viernes 10 de noviembre donde participan en la Competencia Oficial Argentina. En tanto que el cortometraje “Un zorro” del santafesino Gastón del Porto, ganador del concurso de INCAA Historias Breves, también se verá en el festival en la programación institucional, el miércoles 8.

Con buen clima y alta expectativa comenzó la 38° edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, este año dedicada a los 40 años ininterrumpidos de democracia en Argentina, y así comenzaron a proyectarse en La Feliz las funciones de las competencias oficiales. Y como cada año, la bota santafesina dice presente con algunas de sus producciones más recientes. Dos de la ciudad capital (un corto y un largometraje) y una rosarina.

“La mujer hormiga”, de los santafesinos Betania Cappato y Adrián Suárez es producida por Rita Cine, y fue ganadora en producción y postproducción, en la convocatoria del Plan Fomento. Se filmó en la ciudad de Santa Fe, Arroyo Leyes y Cayastá. En tanto que “Un zorro”, cortometraje de Gastón del Porto, con producción de Baltasar Albrecht fue filmado en Colastiné y Esperanza.

Sobre el film de Suárez y Cappato, es la historia de dos hermanas y su vínculo signado por la tragedia, “La vida tranquila de Virginia se ve sacudida por la visita de Renata, y empiezan a asomar las consecuencias de un accidente, los traumas irresolubles, las heridas. Una película de climas y texturas, que nos va sumergiendo en una emoción que no por contenida es menos potente”, adelanta la sinopsis. Allí las actrices Eugenia Alonso y Julieta Vallina le ponen el cuerpo a un vínculo conmovedor, construido desde el gesto y el detalle, que –como el agua que todo lo atraviesa– va desbordando de a poco.

Rosarina sobre el derecho al goce en la adolescencia

El largometraje “Vera y el placer de los otros” de los rosarinos Federico Actis y Romina Tamburello, esta semana tiene su estreno mundial ya que compite en la terna de óperas primas en la 27° edición del Tallin Black Nights Film Festival de Estonia, donde ambos serán de la partida.

La historia es un coming of age (género del devenir adulto de un joven) protagonizado por Luciana Grasso e Inés Estévez, que resultó premiado en la 9na. edición del Concurso para Desarrollo de Largometrajes “Raymundo Gleyzer” del INCAA, y en Desarrollo de Largometrajes del Plan de Fomento Industrias Creativas que otorga el Ministerio de Cultura de la Provincia de Santa Fe.

Misterioso cortometraje de Historias Breves

En torno al corto “Un zorro”, que se verá este miércoles entre las producciones institucionales fuera de competencia, éste film cuenta la historia de una niña curiosa y soñadora que viaja junto a su madre y su hermana a ver un eclipse a un bosque, pero ignora que una extraña presencia hará que el miedo se apodere de ella.

“De pronto es atraída por la belleza del eclipse, pero aquello que la deslumbra, la lleva a sumergirse en sus fantasías. Cuando despierta de ese encantamiento, debe regresar y encontrar a su hermana antes de que el sol se descubra y la fuerza de lo desconocido se evidencie. Y llegará, pero es demasiado tarde”, adelanta la sinopsis del film de Gastón del Porto.

Aunque aún no se confirmó la fecha de estreno, "La sociedad de la nieve" lanzó un nuevo adelanto que generó expectativas, especialmente entre los suscriptores de Netflix.

El director español Juan Antonio Bayona dirigirá esta nueva película basada en la tragedia de los Andes de 1972, que se estrenará directamente en la plataforma de streaming.

Cabe mencionar que esta historia ya fue adaptada al cine en 1993 con la película "¡Viven!", dirigida por Frank Marshall y protagonizada por Ethan Hawke.

"En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobreviven al accidente. Atrapados en uno de los entornos más inaccesibles y hostiles del planeta, se ven obligados a recurrir a medidas extremas para mantenerse con vida", indica la sinopsis compartida por la plataforma de streaming.

Esta película está basada en el libro "La sociedad de la nieve" de Pablo Vierci.

Por Juan Ignacio Novak

Todos aquellos que, por cuestiones generacionales, mera vocación cinéfila, o incluso por curiosidad, se sienten atraídos por el cine de acción de los años 80 y la primera mitad de los 90, encontraron en “Los indestructibles” (“The Expendables”) la saga que arrancó en 2010, con el estreno de la primera entrega de la serie, varios motivos para ponderarla.

El primero (y, con toda posibilidad el principal) fue su reparto integrado por actores que fueron estrellas de acción en la época referida: Sylvester Stallone (que personificó a John Rambo), Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Mickey Rourke y Bruce Willis (cuyo papel más conocido fue el de John McClane en “Duro de matar”). Esta aglomeración de íconos del género despertó entusiasmo en la audiencia.

En las siguientes entregas (la primera de las películas se estrenó en 2010, y entre 2012 y 2014 llegaron las dos siguientes) se fueron sumando leyendas de la acción, como Arnold Schwarzenegger (figura central, gracias a filmes como “Terminator”, “Comando” y “Depredador” entre otras), Jean-Claude Van Damme (quien aportó sus conocimientos sobre artes marciales) y Chuck Norris, quien protagonizó “Desaparecido en acción”.

Foto: Millennium Films, Campbell Grobman Films, Nu Boyana Film Studios

El acierto de “Los indestructibles” fue mezclar las referencias nostálgicas con toques de humor, donde estos referentes se “autoparodian” y satirizan los perfiles “duros” que ellos mismos contribuyeron a crear y difundir.

Pero la saga se destacó también por su acción intensa y sus secuencias espectaculares, siempre con la mirada puesta en la vieja escuela. Esto hizo que los espectadores que se criaron bajo los estereotipos de ese estilo cine, se sintieran, en cierto modo, como en “casa”. Hay enfrentamientos a puñetazos, tiroteos, persecuciones, explosiones, villanos, camaradería. En definitiva, todo lo ya conocido, pero en forma de “tributo” a las películas de acción clásicas.

Foto: Millennium Films, Campbell Grobman Films, Nu Boyana Film Studios

En la cultura popular

Las tres primeras entregas obtuvieron críticas desiguales pero su punto en común fue que obtuvieron éxito comercial. Esto se explica, en gran parte, por las características de esos “héroes de acción” a los cuales rinde homenaje. Tenían una personalidad carismática que los volvió memorables en un momento histórico que las películas de acción y aventuras (tanto en la pantalla grande como en su posterior derivación en pases televisivos) eran muy populares.

Por otra parte, y en este punto, “Los indestructibles” siguió la misma tendencia, las tramas siempre eran simples, directas y fáciles de decodificar, por lo general centradas en la lucha entre un héroe y un villano, con pocos matices intermedios para considerar.

Foto: Millennium Films, Campbell Grobman Films, Nu Boyana Film Studios

El aspecto más interesante, sin embargo, de “Los indestructibles” es como logra utilizar en su favor la fuerte influencia que el cine norteamericano de los 80 dejó en la cultura popular, que llega hasta nuestros días, por ejemplo, bajo el formato de “memes”. Para lograr esto, apela a un estilo de acción “retro”, a la incorporación de guiños que establecen una complicidad con el público.

El próximo 21 de septiembre de 2023 se estrena la cuarta entrega de la franquicia. Esta vez el veterano mercenario que encarna Stallone (uno de los motores más potentes de la franquicia) y su equipo “duros” enfrentan un nuevo desafío.

Foto: Millennium Films, Campbell Grobman Films, Nu Boyana Film Studios

Esta vez, la promesa de acción visceral llega acompañada por caras nuevas como Megan Fox, Curtis “50 Cent” Jackson, el artista marcial y actor indonesio Iko Uwais y Andy García. La promesa es una trama acorde a los tiempos (los héroes buscan evitar un conflicto internacional que involucre a Rusia y a Estados Unidos) muchos tiros, explosiones y sangre. Para volver a disfrutar el legado de los recordados años 80.

Llega el mes de julio y Netflix reveló la lista de películas, series y documentales que se agregarán a su plataforma streaming. Entre los lanzamientos más esperados se encuentra la tercera temporada de The Witcher.

Además, se estrenará Bird Box Barcelona, una ampliación de la exitosa película Bird Box: A ciegas. También destacamos El Clon de Tyrone, una producción de renombre que cuenta con actores reconocidos.

La lista completa de lo que está por llegar.

Marley y yo (1/7/2023) Revenant: El renacido (1/7/2023) Las vacaciones de Mr. Bean (1/7/2023) Cash (6/7/2023) Unos suegros de armas tomar (7/7/2023) Bird Box Barcelona (14/7/2023) Tácticas de amor 2 (14/7/2023) Los (casi) ídolos de Bahía Colorada (19/7/2023) Actividad paranormal: Vínculos familiares (20/7/2023) El clon de Tyrone (21/7/2023) Felicidad para principiantes (27/7/2023) Paradise (27/7/2023) Hoy hablaremos de ese día (27/7/2023)

De vuelta a los 15: Temporada 2 (5/7/2023) Falso amor (6/7/2023) El abogado del Lincoln: Temporada 2 (6/7/2023) De los 19 a los 20 (11/7/2023) El mariscal (12/7/2023) Cenizas del pasado (13/7/2023) King the Land (13/7/2023) La supervivencia de una chica con curvas (13/7/2023) Jugando con fuego: Temporada 5 (14/7/2023) Chef cinco estrellas (14/7/2023) Dulces magnolias: Temporada 3 (20/7/2023) Love After Divorce: Temporada 4 (23/7/2023) The Witcher: Temporada 3 (Volumen 2) (27/7/2023) Capitán Fall (28/7/2023) D. P.: El cazadesertores – Temporada 2 (28/7/2023) Un cuento perfecto (28/7/2023) El sastre: Temporada 2 (28/7/2023)

Ride on time: temporada 5 (1/7/2023) El príncipe que nunca reinó (4/7/2023) Tom Segura: Sledgehammer (4/7/2023) WHAM! (5/7/2023) Lo desconocido: Los robots asesinos (10/7/2023) Lo desconocido: La cueva de los huesos (17/7/2023) La inspiración más profunda (19/7/2023) Desaparecida: El caso Lucie Blackman (26/7/2023) La Dama del Silencio: El caso Mataviejitas (27/7/2023) Cómo se convirtieron en líderes de sectas (28/7/2023)

Tayo The Little Bus: Temporada 5 (3/7/2023) Little Angel español: Volumen 3 (3/7/2023) LEGO City: Aventuras – Temporada 4 (6/7/2023) Los StoryBots responden: Temporada 2 (10/7/2023) Sonic Prime: Temporada 2 (13/7/2023) El diario de las hadas (24/7/2023) Miraculous: Las aventuras de Ladybug – La película (28/7/2023) Príncipe de los dragones: Temporada 5 (Próximamente)

One Piece: Original TV 2 (1/7/2023) One Piece: Arco Thriller Bark (1/7/2023) Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Arco del tren infinito (21/7/2023) Baki Hanma: Temporada 2 (26/7/2023) Bastard!!: Temporada 2 (31/7/2023)

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Cada 23 de mayo se celebra el Día del Cine Nacional en Argentina, en homenaje a la primera película argumental, La Revolución de Mayo, dirigida por Mario Gallo y estrenada en el Teatro Ateneo de Buenos Aires el 23 de mayo de 1909.

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La revolución de mayo fue el primer largometraje argentino, dirigido por Mario Gallo, un realizador oriundo de Barletta, Italia, inmigrante en nuestro país, que realizó la puesta en escena influenciado por el cine francés de la época, el film d´art. Anteriormente, Gallo había dirigido los cortometrajes Plazas y paseos de Buenos Aires (1907), El fusilamiento de Dorrego (1908) y Camila O’Gorman (1910).

La película fue protagonizada por el actor uruguayo Eliseo Gutiérrez, César Fiaschi y el propio director. Gallo se centra en las revueltas administrativas, de la primera reunión de cabecillas en casa del comerciante Rodríguez, sobre la distribución de las cintas distintivas de la revolución en la ciudad, y hasta sobre la proclamación de un nuevo gobierno liderado por Saavedra, presidente de la Nueva Junta. La historia de la película se toma algunas licencias, como la presencia del General José de San Martín.

El gaucho del litoral santafesino llega a la pantalla grande con dirección venadense

La puesta es teatral, rodada en un gran plano general fijo en el cual se va modificando el fondo de la escena, es decir, los telones pintados manejados por asistentes.

Fue filmada en formato de 35mm, en 1955 pasó a 16mm y en 2009 fue restaurada por Cinecolor Argentina para reestrenarla en el 65° Congreso de la Federación Internacional de Archivos de Films (FIAF).

La cinematografía silenciosa argentina tuvo un importante desarrollo,con alrededor de doscientos filmes. Gallo se convertiría en un pionero de este cine nacional con sus películas de temáticas históricas. Luego de La Revolución de Mayo, la productora Mario Gallo Films realizó Muerte civil, La creación del himno, Himno Nacional Argentino , Güemes y sus gauchos (todas de 1910), Tierra baja, La batalla de San Lorenzo, Batalla de Maipú (1912), Juan Moreira (1913), En un día de gloria (1918) y En buena ley (1919).

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Las expectativas comienzan a dar sus frutos. “Argentina 1985” es un éxito en su primer fin de semana de estreno en el país.

La película dirigida por Santiago Mitre y protagonizada por Ricardo Darín, Peter Lanzani, Alejandra Flechner, Norman Briski y Alejo García Pintos, roza los 200 mil espectadores tras cuatro días en salas por fuera del circuito de las grandes cadenas.

El film está inspirado en la historia real de los fiscales Julio Strassera (Darín) y Luis Moreno Ocampo (Lanzani), que en 1985 se atrevieron a investigar y enjuiciar a la dictadura militar más sangrienta de la historia argentina.

“Argentina, 1985”: llega a Venado Tuerto la película argentina más esperada

De acuerdo a la información del sitio Ultracine, 197.276 espectadores ya vieron la película desde el jueves 29 de septiembre, día que se estrenó en Argentina.

Cabe recordar que el film fue seleccionado por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina para representar al país para la 95ª edición de los galardones de la Academia de Hollywood.

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