(Por Ignacio Amarillo) - La carrera rumbo a los Premios Oscar 2026 ya está oficialmente en marcha. Este jueves se dieron a conocer las nominaciones para la 98.ª edición de los galardones más importantes del cine mundial, cuya ceremonia se celebrará el domingo 15 de marzo en el emblemático Dolby Theatre de Hollywood, con transmisión en vivo y la conducción, por segundo año consecutivo, del comediante Conan O’Brien.

Tal como anticipaban los pronósticos, la lista de nominados confirma el fuerte protagonismo de grandes autores y producciones ambiciosas. “Una batalla tras otra”, de Paul Thomas Anderson, Pecadores, de Ryan Coogler, y “Hamnet”, dirigida por Chloé Zhao, aparecen entre los títulos más repetidos en las principales categorías, en un año que además marca el debut del premio a Mejor Casting, nueva incorporación al palmarés de la Academia.

“Pecadores”, de Ryan Coogler es la más nominada, compitiendo en 15 categorías. Foto: Gentileza HBO Max

En la categoría reina, Mejor Película, competirán diez producciones: “Bugonia”, “F1”, “Frankenstein”, “Hamnet”, “Marty Supremo”, “Una batalla tras otra”, “El agente secreto”, “Valor sentimental”, “Pecadores” y “Sueños de trenes”. El listado refleja un equilibrio entre cine de autor, apuestas industriales y relatos históricos o intimistas.

En Mejor Dirección, el duelo también promete ser de alto nivel, con nominaciones para Chloé Zhao, Josh Safdie, Paul Thomas Anderson, Joachim Trier y Ryan Coogler, confirmando una temporada especialmente sólida en términos creativos.

“Una batalla tras otra”, dirigida por Paul Thomas Anderson, con Leonardo DiCaprio, Benicio del Toro y Sean Penn, está presente en 13 rubros. Foto: Gentileza Warner Bros. Pictures

Las categorías interpretativas reúnen a figuras consagradas y nuevas consagraciones. Leonardo DiCaprio, Timothée Chalamet, Michael B. Jordan y Wagner Moura competirán por el Oscar a Mejor Actor, mientras que Emma Stone, Jessie Buckley y Renate Reinsve encabezan la terna de Mejor Actriz. En los rubros técnicos, “Frankenstein”, “Pecadores” y “Una batalla tras otra” se repiten en áreas clave como Fotografía, Sonido, Diseño de Producción y Banda Sonora.

Uno de los datos que más repercusión generó en el ámbito local fue la ausencia de Argentina en la categoría Mejor Película Internacional. El largometraje “Belén”, dirigido por Dolores Fonzi y basado en un caso real ocurrido en Tucumán, no logró ingresar a la nómina final, pese a figurar entre las posibilidades previas.

La película, protagonizada por Camila Pláate y la propia Fonzi, reconstruye la historia de una joven acusada en 2014 de homicidio agravado por el vínculo tras sufrir un aborto espontáneo en un hospital público, y había despertado expectativas por su temática social y su recorrido internacional. Finalmente, la terna quedó integrada por “El agente secreto” (Brasil), “Sirāt” (España), “It Was Just an Accident” (del iraní Jafar Panahi pero compitiendo por Francia), “Valor sentimental” (Noruega) y “The Voice of Hind Rajab” (Túnez).

Junto a “Belén”, también quedaron fuera de competencia títulos de países como Alemania, India, Japón, Corea del Sur, Palestina y Suiza, en una de las categorías más competitivas del año. Un dato a tener en cuenta es que cuatro de las que quedaron en competencia fueron estrenadas en Estados Unidos y ganaron el derecho a competir en otras categorías; incluso dos de ellas están en la decena que va por el premio mayor (la brasileña y la noruega) lo que las pone en la primera línea para este premio internacional.

Con las nominaciones ya confirmadas, Hollywood entra en la recta final hacia una ceremonia que promete ser intensa y diversa, con 24 categorías en juego y un mapa cinematográfico que combina miradas globales y grandes nombres de la industria. El 15 de marzo, la alfombra roja y las estatuillas doradas volverán a concentrar la atención del mundo, mientras el cine argentino deberá esperar una nueva oportunidad para regresar a la disputa internacional.

Mejor Película

-“Bugonia”

-“F1”

-“Frankenstein”

-“Hamnet”

-“Marty Supremo”

-“Una batalla tras otra”

-“El agente secreto”

-“Valor sentimental”

-“Pecadores”

-“Sueños de trenes”

Mejor Dirección

-Chloe Zhao, “Hamnet”

-Josh Safdie, “Marty Supremo”

-Paul Thomas Anderson, “Una batalla tras otra”

-Joaquim Trier, “Valor sentimental”

-Ryan Coogler, “Pecadores”

Mejor Actor Protagonista

-“Timothée Chalamet, “Marty Supremo”

-“Leonardo DiCaprio, “Una batalla tras otra”

-“Ethan Hawke, “Blue Moon”

-“Michael B. Jordan, “Pecadores”

-“Wagner Moura, “El agente secreto”

Mejor Actriz Protagonista

-Jesse Buckley, “Hamnet”

-Rose Byrne, “If I Had Legs I’d Kick You”

-Kate Hudson, Song Sung Blue”

-Renata Reinsve, “Valor sentimental”

-Emma Stone, “Bugonia”

Mejor Actor de Reparto

-Benicio del Toro, “Una batalla tras otra”

-Jacob Elordi, “Frankenstein”

-Delroy Lindo, “Pecadores”

-Sean Penn, “Una batalla tras otra”

-Stellan Skarsgård, “Valor sentimental”

Mejor Actriz de Reparto

-Elle Fanning, “Valor sentimental”

-Inga Ibsdotter Lilleaas, “Valor sentimental”

-Amy Madigan, “La hora de la desaparición”

-Wunmi Mosaku, “Pecadores”

-Teyana Taylor, “Una batalla tras otra”

Mejor Guión Adaptado

-“Bugonia”

-“Frankenstein”

-“Hamnet”

-“Una batalla tras otra”

-“Sueños de trenes”

Mejor Guión Original

-“Blue Moon”

-“Fue solo un accidente”

-“Marty Supremo”

-“Valor sentimental”

-“Pecadores”

Mejor Cortometraje Animado

-“Butterfly”

-“Forevergreen”

-“The Girl Who Cried Pearls”

-“Retirement Plan”

-“The Three Sisters”

Mejor Diseño de Vestuario

-“Avatar: Fuego y cenizas

-“Frankenstein”

-“Hamnet”

-“Marty Supremo”

-“Pecadores”

Mejor Dirección de Casting

-“Hamnet”

-“Marty Supremo”

-“Una batalla tras otra”

-“El agente secreto”

-“Pecadores”

Mejor Cortometraje de Ficción

-“Butcher’s Stain”

-“A Friend of Dorothy”

-“Jane Austen’s Period Drama”

-“The Singers”

-“Two People Exchanging Saliva”

Mejor Maquillaje y Peinado

-“Frankenstein”

-“La hermanastra fea”

-“Pecadores”

-“La máquina”

-“Kokuho”

Mejor Banda Sonora Original

-“Bugonia”

-“Frankenstein”

-“Hamnet”

-“Una batalla tras otra”

-“Pecadores”

Mejor Película Animada

-“Arco”

-“Elio”

-“Las guerreras K-Pop”

-“Little Amélie or the Character of Rain”

-“Zootopia 2”

Mejor Fotografía

-“Frankenstein”

-“Marty Supremo”

-“Una batalla tras otra”

-“Pecadores”

-“Sueños de trenes”

Mejor Largometraje Documental

-“Alabama: presos del sistema”

-“Abrázame en la luz”

-“Cutting Through Rocks”

-“Mr. Nobody contra Putin”

-“La vecina perfecta”

Mejor Cortometraje Documental

-“All the Empty Rooms”

-“Armed Only With a Camera: The Life and Death of Brent Renaud”

-“Children No More: Were and Are Gone”

-“The Devil Is Busy”

-“Perfectly a Strangeness”

Mejor Montaje

-“F1”

-“Marty Supremo”

-“Una batalla tras otra”

-“Valor sentimental”

“Pecadores”

Mejor Película Internacional

-“El agente secreto”

-“Fue solo un accidente”

-“Valor sentimental”

-“Sirāt”

-“The Voice of Hind Rajab”

Mejor Canción Original

-“Dear Me” de “Diane Warren: Relentless”

-“Golden” de Las guerreras K-“Pop

-“I Lied to You” de “Pecadores”

-“Sweet Dreams of Joy” de Viva Verdi

-“Train Dreams” de “Sueños de trenes”

Mejor Diseño de Producción

-“Frankenstein”

-“Hamnet”

-“Marty Supremo”

-“Una batalla tras otra”

-“Pecadores”

Mejor Sonido

-“F1”

-“Frankenstein”

-“Una batalla tras otra”

-“Pecadores”

-Sirāt

Mejores Efectos Visuales

-“Avatar: Fuego y cenizas”

-“F1”

-“Jurassic World: Renace”

-“The Lost Bus”

-“Pecadores”

Este martes 13 de enero se conmemoran 20 años de uno de los hechos más emblemáticos en la historia criminal argentina: el robo al Banco Río de Acassuso. Un atraco que no solo conmocionó al país por su audacia, sino también por la sofisticación con la que fue llevado a cabo. En plena hora punta, los ladrones lograron robar más de 15 millones de dólares sin que se registrara un solo disparo, dejando una estela de misterio y fascinación por cómo ejecutaron su plan.

La mañana del 13 de enero de 2006 comenzó como cualquier otro día en el Banco Río de Acassuso. Sin embargo, rápidamente la tranquilidad se vio interrumpida por un grupo de delincuentes que, con un meticuloso plan, irrumpieron en la sucursal bancaria. Armados y vestidos con trajes que les permitían pasar desapercibidos entre los empleados y clientes, los ladrones tomaron el control del banco, pero lo que realmente dejó atónitos a todos fue lo que sucedió a continuación.

En lugar de exigir dinero de inmediato, los criminales se dedicaron a realizar una de las jugadas más astutas de la historia del crimen en el país: decidieron cavar un túnel desde la bóveda del banco hasta la casa de seguridad ubicada en las cercanías. Durante más de 24 horas, mientras los empleados y clientes permanecían en cautiverio, los ladrones trabajaban en silencio, sin que nadie sospechara lo que realmente estaba ocurriendo.

Lo que comenzó como un robo clásico de banco terminó siendo un thriller de acción: con los ladrones ya habiendo hecho su trabajo, despojaron a la institución de millones de dólares, y desaparecieron sin dejar rastro. La investigación posterior reveló que el túnel, que había sido construido con herramientas especializadas, fue el principal responsable de su éxito, permitiendo que los ladrones escaparan sin ser detectados.

El robo al Banco Río no solo conmocionó por la magnitud del dinero sustraído, sino también por la manera en que los delincuentes lograron ejecutar su fuga con precisión milimétrica. No hubo disparos, no hubo víctimas fatales. Todo sucedió sin que nadie pudiera preverlo, lo que convirtió a este robo en uno de los más estudiados y discutidos en la historia criminal argentina.

A pesar de la espectacularidad del asalto, la suerte de los delincuentes no fue tan favorable a largo plazo. La banda estaba liderada por Sebastián García Bolster, conocido como El Ingeniero, quien fue la mente maestra detrás del elaborado plan. García Bolster era un hombre meticuloso y calculador, cuyo conocimiento en ingeniería y en la ejecución de planes complejos le permitió dirigir el robo con precisión. Su papel fue clave en la planificación del túnel que permitió la fuga, utilizando herramientas especializadas y un gran conocimiento sobre la estructura del banco.

Otro miembro clave de la banda fue el uruguayo Luis Mario Vitette Sellanes, quien desempeñó el rol de negociador durante el robo. Vitette, conocido como "El Uruguayo", se encargó de mantener la calma durante la negociación con la policía, actuando como intermediario y llevando la conversación con una destreza que hizo que la situación se prolongara durante más de 24 horas. Su habilidad para negociar y su frialdad ante la situación le permitió controlar la situación mientras los demás miembros de la banda completaban su escape a través del túnel.

A pesar de la tensión y el peligro del momento, Vitette logró evitar un desenlace violento. Tras el robo, la policía siguió su pista, pero no fue hasta algunos años después que fue detenido. En 2007, Luis Mario Vitette Sellanes fue arrestado en Uruguay, y en 2011 fue extraditado a Argentina. Durante su juicio, Vitette se mostró como una figura carismática, lo que solo aumentó su notoriedad en los medios.

El robo al Banco Río fue tan impactante que, años después, llegó a la pantalla grande. En enero de 2020, el cineasta Ariel Winograd estrenó la película El Robo del Siglo, que recrea los hechos ocurridos aquel 13 de enero de 2006. Con Guillermo Francella interpretando a El Pepo y Diego Peretti como El Chiqui, los personajes principales, la película fue un éxito de taquilla y resonó fuertemente en la cultura popular.

La película se centra en los detalles más emocionantes del robo, incluyendo la planificación minuciosa, el enfrentamiento con la policía y la forma en que los ladrones lograron escapar. El Robo del Siglo no solo revivió el caso ante una nueva generación de espectadores, sino que también consolidó a Sebastián García Bolster y Luis Mario Vitette Sellanes como figuras casi legendarias, que representaron la sofisticación y el liderazgo en el crimen organizado.

La cinta, además de revivir el hecho con gran fidelidad, humanizó a los delincuentes, presentándolos como figuras carismáticas, lo que generó debate sobre la moralidad y la admiración por estos “anti-héroes”.

Hoy, el robo al Banco Río sigue siendo un referente en la historia del crimen en Argentina. Aunque el caso nunca se resolvió completamente, el 13 de enero de 2006 sigue siendo una fecha significativa, recordada por aquellos que vivieron la historia de cerca y por las nuevas generaciones que han oído hablar de este robo que rompió todos los moldes.

En este 20º aniversario, algunos de los principales actores involucrados en el caso –desde exdetectives hasta los medios que cubrieron la noticia– reflexionan sobre la importancia de este episodio y sobre cómo el robo dejó una marca indeleble en la memoria colectiva de la sociedad argentina. Sin dudas, un caso que sigue vivo en la cultura popular y que, dos décadas después, continúa siendo objeto de misterio y fascinación.

(Por Juan Ignacio Novak) - Voy a romper algunos preceptos que siempre traté de respetar como periodista: voy a escribir en primera persona y ser autorreferencial. Lo hago porque Robert Redford, el monumental actor que acaba de morir a los 89 años, no me deja lugar para la distancia, la frialdad y la neutralidad que exige la profesión.

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Recuerdo con claridad el día, hace 25 años, en que alquilé "El golpe" en Mundo Megavideo, en calle San Jerónimo. Sabía de la película, pero sostener ese VHS era como la promesa de un ritual.

Al rato, Redford apareció en la pantalla del televisor: su elegancia, su sonrisa calculadora y cómplice. Pocas veces vi un actor con tanto carisma. Estoy seguro de que Al Pacino o Robert De Niro le sacan ventaja en otros planos, pero ninguno logra ganarse al público como lo hacía Redford.

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"El golpe" es una historia de estafas, una buddy movie que seguro Fabián Bielinsky tuvo en mente al pensar "Nueve Reinas". La química que tiene Ricardo Darín con Gastón Pauls me recuerda mucho a la de Redford con Paul Newman.

Es un juego de inteligencia, un ballet donde cada movimiento tiene sentido. Y Redford está perfecto, creo que es su mejor trabajo: la síntesis exacta entre astucia y encanto. Verlo es aprender a descifrar el cine desde la complicidad.

Redford fue un actor de sutilezas, un maestro de la pausa y de la mirada. Capaz de sostener un plano entero y de hacer de un momento de ficción una presencia real. Era una estrella de Hollywood con todas las letras.

Durante años, revisé sus películas. Hizo un gran papel en "El mejor", se aguantó la presión de trabajar con Marlon Brando en "La jauría humana" y despertó vocaciones periodísticas en "Todos los hombres del presidente". Pero nunca lo volví a ver en tal estado de gracia como en "El golpe".

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Hoy siento la pérdida de un amigo. Alguien que me enseñó a amar el cine, la forma más pura de la maravilla.

En el marco del ciclo de “Cine bajo las Estrellas, el viernes a la noche con un importante marco de público en la plaza Italia, se proyectó Wicked, es una atractiva producción apta para toda la familia.

Con estrada libre y gratuita, grandes y chicos se instalaron con sus reposeras y mantas en el espacio de Chapuis y Piacenza, a disfrutar de la propuesta veraniega que coordinan las direcciones de Juventudes y Vecinales.

En esta oportunidad, la película elegida se trataba de dos jóvenes,  Elphaba y Glinda se conocen como estudiantes en la Universidad de Shiz en la fantástica Tierra de Oz y forjan una amistad improbable pero profunda. Tras un encuentro con el maravilloso Mago de Oz, esa amistad llega a una encrucijada y sus vidas toman caminos muy diferentes.

La tercera entrega de Sonic cada vez está más cerca. El veloz erizo que debe salvar otra vez al mundo. También es el regreso del clásico humorista de Hollywood, Jim Carrey.

El popular actor, conocido mundialmente por Ace Ventura, Tonto y Re Tonto y La Mascara, entre otros films, encarna nuevamente al personaje Dr. Eggman.

La productora es Paramount Pictures, que este martes lanzó el primer tráiler que presenta por primera vez a uno de los antihéroes más emblemáticos de Sonic, Shadow, quien será interpretado por la estrella de Hollywood Keanu Reeves.

Las imágenes muestran la electrizante batalla en la que Sonic y sus amigos descubren cuán poderoso es su nuevo adversario. Las secuencias de acción y efectos visuales construyen una narrativa ágil para las aventuras de los protagonistas.

El tráiler demuestra que Shadow será clave en el conflicto de la película. Este personaje debutó originalmente en el juego Sonic Adventure 2 de 2001 y, en el universo del videojuego, es una creación del Profesor Gerald Robotnik, abuelo de quien fue el villano en los filmes anteriores.

El sábado 7 de septiembre, a las 19.30 en la Casa de la Cultura “Don Liberato Rebora” de Melincué, se estrenará esta película documental filmada en 16 pueblos y ciudades de las provincias de Santa Fe y Buenos Aires, entre ellas, la cabecera departamental.En esta oportunidad, se presentará también el grupo “Coral de las aguas altas”, quienes interpretarán canciones de la película y otras. Habrá un esmerado servicio de buffet.Estarán presentes los directores de la producción, Leandro Rovere y Nacho Sánchez Ordóñez, quienes presentarán la película y dialogarán con el público. La entrada tendrá un costo de 2.500 pesos y la capacidad de la sala es limitada. Pueden comprarse de forma anticipada en la comuna.Sinopsis

La región de la pampa húmeda fue una de las primeras en donde se desarrolló el ferrocarril, Alrededor de sus estaciones nacieron pueblos y ciudades. Trajo consigo una infraestructura que se hizo carne con el paisaje: vías, estaciones, talleres. A la naturaleza se le sumó el hierro, los ladrillos y las tejas, que definieron su estética. Hoy las formas de producción y los medios de transporte han cambiado.

Aparecen los extensos sembradíos de soja, maíz, trigo, y las máquinas sembradoras, cosechadoras, fumigadoras. El tren, vehículo fundante, parece haber dejado de ser importante para la vida social de la zona. Quizás porque ya no transporta personas, sino commodities a veces producidos de modo conflictivo por su impacto en la salud y en el ambiente. La pampa húmeda se convirtió en un lugar mítico, misterioso e intransitable. 

En Rosario, un dúo de cineastas construye una zorra de tracción a sangre con el objetivo de realizar un retrato de esta región viajando hasta Espora, un pueblo donde se realiza “La fiesta de la zorra”. Para llegar a destino, la acción del film es motorizada por una propuesta performática: diversos protagonistas la hacen avanzar de una población a otra.

Comienza así un relato coral en el que la zorra se convierte en un escenario donde cada pueblo expresa sus anhelos, en un espacio donde se hace presente la música, la emoción y el encuentro. La zorra, inspirada en los primeros vehículos de este tipo, a vaivén, pero construida desde cero, íntegramente para esta película, toma vida propia: se rompe, se traba, descarrila. Pero no está sola: ferroviarios, poetas, maestras, trabajadoras rurales, alumnos de escuela primaria, gauchos, pueblos originarios, músicos, médicos, personas de todas las generaciones ofrecen sus brazos y hacen fuerza para que siga viaje en una utopía en común con los cineastas: llegar a Espora. Y que vuelva el tren.

Información de proyeccionesDomingo 1 de septiembre: Villada, provincia de Santa Fe. En el SUM. 19.30 hsViernes 6/09: Labordeboy, provincia de Santa Fe.Sábado 7/09: Melincué, provincia de Santa Fe. En la casa de la cultura. 19.30 hsDomingo 8/09: Wheelwright, provincia de Santa Fe. En el Centro de Cultura. 19.00 hsViernes 20/09: Pergamino, provincia de Buenos Aires. En el complejo de cines “Cinema Pergamino”.Domingo 22/09: Chabas, provincia de Santa Fe.Viernes 27/09: Pérez, provincia de Santa Fe.Jueves 10/10, 20.30 hs- Viernes 11/10, 22.30Hs - Sábado 12/10, 18hs - Domingo 13/10, 20:30hs. Cine El Cairo. Rosario, provincia de Santa Fe.

(Por Juan Ignacio Novak) - Curiosamente, la película argentina más icónica de los años ‘70 tiene que ver con Santa Fe. O, para ser más preciso, con un santafesino (sanjavierino, en realidad) que alcanzó el rango de campeón del mundo muchísimo antes que Lionel Messi y Ángel Di María. Se trata de “La Mary”, que hoy cumple 50 años desde su estreno el 8 de agosto de 1974 y que tiene como protagonista al boxeador Carlos Monzón, tan emblemático en Santa Fe como el liso y el puente Colgante, y Susana Giménez, años antes de transformarse en la conductora de televisión más conocida del país, en pugna con Mirtha Legrand.

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Evocar este film de Daniel Tinayre tantas décadas después es complejo. No tanto por la mentada condición de ícono (finalmente, se trata de desvelar sus posibles capas simbólicas con el “diario de lunes” que suponen las continuas revisiones que se hicieron de lo acontecido en los ‘70), sino más bien por la leyenda que se tejió en torno a ella, por lo ocurrido durante el proceso de producción. La cantidad de anécdotas que (a la manera de “La noche americana” de Francois Truffaut, donde el rodaje genera un material que dialoga con la propia puesta en escena) aparecieron con el correr de los años en torno a la película, acrecentadas quizás por el declive y la prematura muerte de Monzón en 1995, son inescindibles en el análisis. El tórrido romance que, según cuentan testigos, vivieron el púgil y la “diva de los teléfonos” durante la filmación está tan vigente en la cultura pop como la trama de la película.

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No obstante, cabe el intento de trazar algunos apuntes, que servirán sobre todo al lector desprevenido como herramienta para revisar el film. En la década de 1970, Argentina atravesaba un período de fuertes cambios políticos, sociales y culturales. El cine, como reflejo de todas esas turbulencias, comenzó a explorar temáticas más oscuras y complejas, abordando algunas aristas de la realidad anclado, si vale este lugar común, sobre una nueva “sensibilidad”. Fue en este contexto en el cual “La Mary” hizo irrupción, brindando al público una narrativa que contenía elementos prácticamente para todo el abanico de gustos posible: romance, tragedia y hasta pinceladas de crítica social.

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Tinayre, formado en tiempos en que Argentina pretendió emular el sistema de producción de Hollywood en los grandes estudios y un maestro en el arte de combinar géneros y estilos, dirigió la película con una visión clara. La elección de la novela homónima de Emilio Perina parece haber sido seleccionada con precisión quirúrgica. La acción está ambientada en Buenos Aires, en los años 40. Mary es una chica de barrio que, cuando era apenas una niña, evita que su padre muera en un accidente de tranvía gracias a una predicción. Se cruza con Cholo y, gracias a su don, anuncia que él será el hombre que desposará en el futuro Se unen en matrimonio y en la intimidad su castidad choca con el deseo sexual casi bestial de Cholo. Tinayre logró un ambiente cargado de emociones y tensión a través de un inteligente uso de la luz y la sombra.

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Luciana De Mello en Radar de Página 12, señala que “en la construcción del personaje de La Mary hay un intento de ensayo psicológico, con una bajada de línea abiertamente moralista. En La Mary se condensa la estampa de la mujer “santa y casta” que enarbola la bandera de la novia virgen para llegar al altar vestida con bien ganado vestido blanco hecho con sus propias manos, junto con la de la “leona”, como la llama el Cholo en la intimidad. Es el personaje de la novela el que acuña la frase tantas veces repetida por las madres que fueron jóvenes en los ‘70: ‘Entre un hombre y una mujer que se quieren, todo está permitido en la cama’”.

Desde su estreno, “La Mary” se convirtió en un éxito de taquilla y resonó entre el público argentino. La química entre Susana Giménez y Carlos Monzón fue uno de los puntos fuertes de la película. Monzón, quien hasta entonces era conocido por su carrera deportiva, sorprendió con su interpretación de un personaje complejo y apasionado. “El éxito de La Mary fue simplemente haber reunido al campeón del mundo que era Monzón en ese momento junto a una vedette como Susana Giménez”, explicó algunos años más tarde el propio Tinayre. En lo medular, eso es cierto. Pero, en algún punto, se resta mérito: su toque en la dirección es crucial para obtener lo mejor de Giménez y, sobre todo, de Monzón.

La relación entre Monzón y Giménez no se limitó a la pantalla. Su romance en la vida real, que comenzó durante el rodaje, añadió otra capa de interés y especulación alrededor de la película. Al igual que la cobertura mediática tuvo el rodaje, las amenazas que los actores y el director recibieron por parte de la Triple A en los meses posteriores al estreno, por atentar contra las buenas costumbres. Pero eso no debe desviar el eje, “La Mary” es una de las grandes películas de los 70, tanto argentinas como a nivel internacional. El crítico Leonardo D’Espósito lo expresa con claridad: “es una de las mejores metáforas de la histeria y la doble vara moral de cierta Argentina, y la combinación de humor negro y melodrama extremo es una de sus mayores originalidades, una última exhibición del enorme talento que tenía Daniel Tinayre”.

(Por Juan Ignacio Novak) - ¿Habrá algún joven que haya vivido los ochenta y no haya querido ponerse un kimono blanco, atarse un hachimaki en la cabeza y ejecutar la famosa ‘patada de la grulla’ para vencer al peor de los matones de la escuela? ¿O tener como vecino a un simpático japonés que resulta ser un experto karateca, dispuesto a enseñar un arte milenario para que se haga algo de justicia? Es difícil imaginarlo. La película "Karate Kid", que se estrenó hace justo 40 años, el 22 de junio de 1984, dejó una marca tan fuerte en la cultura popular que sigue presente, como si el tiempo no hubiera pasado. Hasta tal punto que “Cobra Kai”, la serie que sirve como secuela de la franquicia, se ha convertido en uno de los productos más rentables de los últimos años.

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Pero, ¿qué influencias moldearon aquella película? ¿Cómo hicieron los realizadores para crear una historia tan atemporal? Una de las razones es su estructura narrativa de carácter clásico. Como dijo una vez el director y guionista Sebastián De Caro, quien amaba la película, el camino del héroe (un arquetipo narrativo que data de varios siglos atrás) es prístino en “Karate Kid”.

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Daniel LaRusso, interpretado por Ralph Macchio, es un adolescente inadaptado que se enfrenta a las adversidades bajo la tutela del sabio mentor Miyagi, interpretado por Pat Morita. Según cuenta la leyenda, Morita no tenía ni idea de las técnicas de karate porque se había criado en Estados Unidos. El viaje de Daniel es un ejemplo de superación personal y autodescubrimiento. Desde ser el blanco de acosos escolares hasta convertirse en el campeón de All Valley, su evolución es una historia inspiradora, sin importar cuándo se lean estas líneas.

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Otro logro: los personajes de “Karate Kid” son todos memorables, incluso aquellos con papeles pequeños. Esto se debe en gran medida a las perfectas actuaciones. Daniel es vulnerable pero tiene una voluntad de hierro. Miyagi es sereno y sabio, pero sabe cuándo actuar con audacia. La química entre ellos es central. También el resto del elenco encaja a la perfección: William Zabka como Johnny Lawrence, el villano que tiene muchas más facetas de las que muestra a primera vista (esto está mucho más claro en “Cobra Kai”), Martin Kove como el brutal Kreese y Elisabeth Shue, una década antes de ganar el Oscar, como la frágil pero determinada Ali, objeto de deseo de Johnny y Daniel.

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“Karate Kid” funcionó también porque sus temas son universales: la perseverancia, la autodisciplina, el respeto y la superación. El karate es, simplemente, una metáfora de la vida. Las enseñanzas hablan de equilibrio y armonía, son simples pero a la vez profundas. La conocida escena de “encerar, pulir” es un método de entrenamiento, pero a la vez una reflexión sobre cómo tomarse la vida.

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También la banda sonora es algo especial. Las canciones icónicas, como “You're the Best” de Joe Esposito, sirven para construir una atmósfera energética, muy propia de la época. Por último, la dirección de John Avildsen, quien también dirigió "Rocky," aporta sabiduría: un ritmo adecuado que mantiene al espectador enganchado de principio a fin. La alusión a “Rocky” no es caprichosa: la influencia de las películas deportivas que cuentan historias de superación personal está bien presente en “Karate Kid”.

En los ‘80 proliferaron las películas sobre los adolescentes y sus problemas (“The Breakfast Club” y “Ferris Bueller's Day Off” son ejemplos), pero pocas lograron la trascendencia de “Karate Kid”. Miyagi solía decir “a veces lo que el corazón sabe, la mente olvida”. Él, LaRusso, Johnny Lawrence, John Kreese, Ali Mills y Cobra Kai siempre estarán en algún lugar de los corazones de toda una generación.

Por Juan Ignacio Novak

“Me llamo Máximo Décimo Meridio. Comandante de los ejércitos del Norte. General de las legiones Félix. Leal servidor del verdadero emperador, Marco Aurelio. Padre de un hijo asesinado, marido de una mujer asesinada. Y alcanzaré mi venganza en esta vida o en la otra”. En mayo de 2000 se estrenó “Gladiador”, en la cual el director Ridley Scott recondujo las premisas del “peplum” (películas ambientadas en la antigüedad) hacia una épica obra maestra en la cual un militar romano, esclavizado y destinado a luchar por su vida en el Circo, acaba poniendo a un imperio de rodillas.

Un cuarto de siglo más tarde, el propio Scott tiene todo listo para la continuación de aquel clásico, que despierta tantas expectativas como interrogantes. ¿Cuáles son los detalles de esta nueva entrega, que llegará a los cines en noviembre? Hasta ahora se conocieron trailers que son atractivos y prometedores. La secuela se centra en Lucius, el hijo de Lucilla (que en la primera entrega interpretaba Connie Nielsen). Interpretado por Paul Mescal, emprende una travesía más compleja incluso que la del propio Máximo, pero con una premisa similar, que es la de cuestionar la tiranía.

Inversión

Ridley Scott dio a entender que esta secuela podría, en algunos aspectos, superar inclusive a su predecesora, que se llevó en su momento el Oscar a la Mejor Película. Con una escala inimaginable incluso para los estándares de Hollywood, “Gladiador 2” contó para su producción con un presupuesto tres veces mayor que el de la película original, que trepó a 100 millones de dólares. Los sitios especializados señalan que Scott y su equipo lograron una producción monumental, pero con un costo que superó los 310 millones de dólares.

“El tiempo de honrarte a ti mismo pronto llegará a su fin”, le decía Máximo al villano Lucio Aurelio Cómodo en la película de 2000. Ahora, en la segunda parte, Caracalla aparece como un emperador tirano cuya ascensión al trono desencadena una serie de eventos que pondrán a prueba a los personajes. La lucha por el poder y las conspiraciones familiares vuelven a ser el telón de fondo de la historia, añadiendo intriga política al relato. En este punto hay, también, un eco de “Gladiador”, cuando describe a Roma como un “sueño frágil”, que producto de las feroces internas políticas y de la tiranía, apenas podía ser susurrado para no desvanecerse.

Nuevas caras

Además de los personajes con los cuales los espectadores ya están familiarizados, habrá nuevos rostros. Pedro Pascal da vida a un general romano convertido en gladiador, mientras que Denzel Washington interpreta a un ex gladiador. Estos personajes añadirán complejidad y acción a la trama.

La prensa especializada, que asistió a visionados privados de los trailers oficiales, señalan que las luchas en la “arena”, además de gladiadores, incluyen rinocerontes, babuinos y hasta tiburones. Mientras una voz en off asegura: “Roma debe caer. Sólo tengo que darle un empujoncito”. En este sentido, parece haber una continuidad de aquella famosa frase que pronuncia, en la primera entrega, el entrenador de gladiadores que interpreta Oliver Reed. “No fui el mejor porque maté rápido. Yo era el mejor porque la multitud me amaba. Gana a la multitud y ganarás tu libertad”.

Con actores de renombre, un director experimentado y un presupuesto jugoso, “Gladiator 2” tiene todas las fichas necesarias para ser una experiencia cinematográfica de alto calibre. ¿Podrá esta secuela estar a la altura de su monumental predecesora? El tiempo lo dirá. Pero una cosa es segura: el espíritu de Máximo estará presente en esta nueva entrega, para trasladar una vez más al espectador al interior del Imperio Romano y sus épicas batallas por el poder.

Por Juan Ignacio Novak

Las historias de King Kong y Godzilla, colosos hiper conocidos nacidos en la pantalla grande, siguen generando fascinación a las nuevas generaciones de espectadores. El entramado de aventura, catástrofe y tragedia en el cual se situaron ambos mantuvo su poder en la cultura popular a pesar del tiempo.

King Kong, apoteosis del poder vencido ante la belleza, fue interpretado como una metáfora en permanente evolución. Algunas veces se leyó en términos de las preocupaciones medioambientales, otras veces se lo vinculó con la xenofobia, otras con el aislamiento humano. Lo concreto es que su historia encierra diversas capas de sentido que fueron cambiando según la época y el contexto. Pero, conviene enfatizar esto, la imagen de un gorila gigante enfrentado a la civilización, conserva su poder visual.

A través de numerosas adaptaciones y remakes, desde la original de 1933 hasta la versión más reciente en 2017, la narrativa de Kong fue modificada según los parámetros de cada generación. No muchos personajes ficticios del cine pueden arrogarse el mérito de haber mantenido hasta tal punto su relevancia y encanto. Es más, su influjo va mucho más allá del cine: está presente en cómics, libros, videojuegos y música.

Un reptil con poder atómico

Por otro lado, Godzilla, surgido en el escenario posnuclear de la década de 1950, luego de la catástrofe de Hiroshima, es un producto de la Guerra Fría, que sintetiza los terrores de la era atómica. “Encarnación” de la bomba nuclear, este monstruo gigante se erigió como símbolo de destrucción y poder incontrolable. En cierto punto, desde otro género, sintetiza las mismas preocupaciones que Stanley Kubrick presentó en su genial “Dr. Insólito”: ¿Qué pueden hacer los seres humanos ante un poder tan caótico como el nuclear?

Pero Godzilla no es tan sólo un agente del caos. El personaje fue presentado en términos heróicos en algunas películas, cuando defendió a la humanidad de amenazas aún mayores. Así como King Kong, Godzilla dejó una huella (imaginamos, muy profunda) en todo tipo de plataformas. Inclusive, es atinado plantear que los dinosaurios que Spielberg presentó en “Jurassic Park” son herederos del reptil creado en Oriente.

Fuego contra fuego

En 2021, en la película “Godzilla vs. Kong” estos dos monstruos se enfrentaron en una pelea de proporciones épicas. Adam Wingard, el director, y los guionistas Eric Pearson y Max Borenstein imaginaron, a partir de una historia concebida por Terry Rossio, Michael Dougherty y Zach Shields, un viaje del simio gigante para hallar un hogar y un cruce inesperado con su antagonista lagarto. La película, más allá de sus limitaciones, cumple el cometido y conforma a todo el público. El crítico James Marsh: “emerge, no como una nueva versión del clásico de Toho, sino como una pelea por el título de campeón entre dos adversarios legendarios”. Tampoco era una premisa del todo original: Ishirô Honda los había enfrentado en un film de 1963.

La pelea entre ambos tiene una nueva etapa en “Godzilla y Kong: El nuevo imperio”, nueva entrega de la franquicia que llegará a los cines argentinos el próximo 28 de marzo. Esta flamante aventura contendrá las esperadas batallas. Pero, según lo que se supo, incluye una profundización en las historias de estos dos seres fantásticos que han poblado las pantallas desde mediados del siglo XX. También bucea en sus orígenes y describe algunos de los misterios de la Isla Calavera, aquel mítico emplazamiento en el cual los espectadores de cine se encontraron por vez primera con King Kong, hace más de 90 años.

En un mundo caótico como el actual, King Kong y Godzilla son, en cierto modo, puntos de referencia. Más que simples monstruos, son reflejos de los temores más profundos y, al mismo tiempo, testigos de la fascinación humana por lo desconocido.

Por Juan Ignacio Novak

¿Será el regreso de los saurios gigantes? Sitios especializados en cine dieron por ciertas las versiones respecto a que en julio de 2025 podría llegar una nueva entrega de la saga “Jurassic Park”, que el año pasado cumplió 30 años desde que Steven Spielberg la inició, con base en la novela homónima de Michael Crichton y con la consiguiente generación de una “dinomanía” que no supo de límites geográfico y conquistó al planeta. En una época en la cual todavía no existían las redes sociales.

Con el potencial de que la nueva entrega sería dirigida por David Leitch, el responsable detrás de éxitos como “Tren bala” y “Deadpool 2”, y con el guión a cargo de David Koepp la versión generó expectativas. Aunque aún no es un hecho confirmado, las negociaciones están en marcha.

La herencia de Godzilla

El origen de la franquicia se remonta a 1993 cuando Spielberg, a la par que ganaba premios por “La lista de Schindler”, llegaba a las salas con “Jurassic Park” y daba pie a un fenómeno cultural que no se detendría en los años siguientes. Es que el combo era ideal: efectos visuales que proponían la resurrección de los monstruos prehistóricos y una mirada audaz sobre temas éticos y científicos, como clonación y manipulación genética.

Spielberg no solo bebió del best seller de Crichton, centrado en un parque de diversiones con dinosaurios clonados que escapan. También se hizo eco del cine de ciencia ficción y aventuras que él mismo había consumido en su niñez y juventud. “Jurassic Park” es heredera de “King Kong” (1933) de “Godzilla” (1954) y de todas las películas que, sobre todo en los años ‘50, mostraron criaturas gigantes. De hecho, hay en la película una referencia directa cuando uno de los personajes pregunta: “¿A quién tienen ahí? ¿A King Kong?”

Eso explica la evolución que tuvo la saga a lo largo de los años, donde no solo se amplió el universo de criaturas, ambientes y personajes, sino que se propusieron temas adicionales. La persistente atracción de "Jurassic Park" también tiene que ver con su fijación en la cultura pop y en la nostalgia que genera en los que crecieron con la película original. Hay una base de fanáticos que siguen apoyando la franquicia, lo cual explica su longevidad. Salvando las distancias, es un fenómeno análogo al de otros productos de los ‘90 y los 2000 como “Cazafantasmas”, “Toy Story” o “El señor de los anillos”, que tuvieron continuidad.

De los ‘90 al siglo XXI

La película original de Spielberg fue un éxito tanto comercial como crítico. “El mundo perdido” (1997), lleva la acción a otra isla, donde un grupo de personas intenta documentar y salvar a los dinosaurios de la destrucción causada por los humanos. En “Jurassic Park III” (2001) todo se centra en la búsqueda de un niño desaparecido en la isla donde viven los reptiles prehistóricos.

El escaso éxito de la tercera entrega puso en pausa la franquicia, que volvió con fuerza a través de “Jurassic World” (2015). La revitalización se logró a partir de la exhibición de un parque temático ahora completamente operativo, donde no obstante las cosas vuelven a salir mal por la obsesión de “jugar” con la naturaleza. “Jurassic World: Fallen Kingdom” (2018) sigue los eventos después de que el parque temático de Jurassic World colapsara. Finalmente “Jurassic World: Dominion” (2022), supuso el reencuentro con los personajes icónicos de la saga.

Mientras se negocia una nueva entrega queda claro que la saga sigue siendo un mojón en el paisaje cinematográfico, una ratificación de que el interés por los dinosaurios está lejos de extinguirse. Parafraseando al Dr. Ian Malcolm, “la saga se abre camino”.

Por Juan Ignacio Novak

Este jueves 8 de febrero llega a las pantallas de los cines argentinos “Ferrari”, la película dirigida por el cineasta Michael Mann, que pone en el centro de la escena a Enzo Ferrari, el fundador de la Scuderia Ferrari y uno de los pilares del automovilismo mundial en el siglo pasado. Enzo no solo fue un pionero en el ámbito del automovilismo y la industria automotriz, sino también un visionario cuya influencia trascendió con creces las pistas de carreras.

Fundada en 1929, la Scuderia Ferrari pasó a ser un sinónimo de excelencia y prestigio en el universo de la Fórmula 1 y de las competencias automovilísticas en general, acumulando numerosos títulos y victorias a lo largo de los años. Los argentinos Juan Manuel Fangio y Carlos Reutemann, por ejemplo, fueron pilotos de ese equipo.

El largometraje de Mann está ambientado en 1957, año crucial en la vida de don Enzo y tiene como protagonistas a Adam Driver y Penélope Cruz. Aborda tres meses intensos y decisivos en los cuales tuvo que enfrentar una grave crisis empresarial que puso en jaque la estabilidad de su compañía. Además, revela aspectos íntimos y complejos de la vida personal de Ferrari, incluyendo una segunda familia mantenida en secreto y las tensiones resultantes.

La trama se desarrolla en medio de la presión financiera para aumentar la productividad de la fábrica automotriz, lo que desafía los principios fundamentales de Enzo sobre la producción exclusiva de automóviles de carrera. Mientras tanto, la obsesión de sus pilotos por ganar la peligrosa carrera de 1000 millas a través de Italia, la Mille Miglia, suma tensión y drama a la historia.

El film no elude los momentos personales más oscuros de Ferrari: la pérdida de su hijo Dino, que falleció muy joven por una enfermedad, y el reconocimiento público de un hijo nacido fuera del matrimonio. Estos eventos, combinados con las presiones del mundo de las carreras y los desafíos empresariales, configuran un retrato complejo del magnate del automovilismo.

Un cineasta particular

El cine de Michael Mann, quien presenta este film con 81 años recién cumplidos, tiene una serie de características que, por su ambición, lo conectan en varios puntos con la personalidad puntillosa de Enzo Ferrari. Mann es conocido por su estilo visual que crea atmósferas de volatilidad, lo cual suele ir en sintonía con sus personajes, siempre al límite. Basta recordar a los personajes de “Heat” (sobre todo el policía que interpreta Al Pacino) “Collateral” (con un Tom Cruise irreconocible como un asesino) y “Miami Vice”. Todos se mueven en un entorno urbano que parece tan inestable como ellos.

Las historias de Mann suelen ser complejas y llenas de matices, con personajes multidimensionales cuyas motivaciones no siempre son del todo claras. Esta profundidad atrajo con frecuencia a un público que busca más que simple entretenimiento en el cine. “Enemigos públicos” es un claro ejemplo: Mann se apega al género de gángster, pero al mismo tiempo lo trasciende al complejizar a sus criaturas. ¿Cuáles son los buenos y cuáles los malos? parece preguntarse.

A su vez, Mann presta gran atención al detalle en la fotografía y la dirección de arte de sus películas, lo que lo ayuda a crear mundos visuales muy realistas. Lo demostró cuando dejó de lado su lugar de confort (la ciudad) y buscó entornos naturales para rodar “El último de los mohicanos”, una de las mejores películas de aventuras de los ‘90.

La tendencia de este director a analizar en sus trabajos temas universales (identidad, moralidad, lealtad, violencia, poder, justicia y deseo de éxito) hace que encontrarlo al frente de un material tan atractivo como la historia de Ferrari conlleve la aparición de expectativas favorables.

Las críticas, hasta el momento, fueron divididas. La frase de David Rooney en The Hollywood Reporter lo sintetiza bien: “es poco probable que 'Ferrari' pase a la historia como una película canónica de Mann, ya que carece del estilo brillante de sus mejores trabajos. Pero los fans del cine de alta intensidad del director no quedarán sin recompensa”. Habrá que esperar el paso por las salas para ver la sentencia del público argentino. Pero el tándem Ferrari-Mann merece una oportunidad.

El Gobierno de Venado Tuerto y la Comuna de Elortondo invitan al estreno de la película “Lennons” en el Cinema Casey, el domingo 26 de noviembre a las 19. El evento contará con la presencia del director José María Cicala y la actriz Griselda Sánchez, quienes además adelantarán sus próximos proyectos que involucran al sur provincial.

El filme está situado en 1980 y cuenta sobre un excéntrico buscavidas que convence al famoso productor discográfico Jacobo Cohen de financiar un show de John Lennon en Argentina, argumentando ser íntimo amigo del artista. 

Para eso necesita a Norberto, quien luce igual a uno de los símbolos de los Beatles. Pese a la negativa, logran que acepte alegando que el show será a beneficio del orfanato donde ambos crecieron. 

El elenco está integrado por Clara Kovacic, Gastón Pauls, Guillermo Zapata, Betiana Blum, Luciano Cáceres, Luis Machín, Roberto Peloni, Pachu Peña, Griselda Sánchez, Javier Parisi y Malena Guinzburg. Y cuenta con la participación especial de Nito Mestre, David Lebón y Maite Lanata.

La entrada tendrá un costo de 2.000 pesos. Se podrá adquirir en forma anticipada en La Tiendita del Centro Cultural Municipal (Belgrano 843) de 8 a 12, y en el Kiosco Ophelia (San Martín 723) de Elortondo. 

Este jueves se estrenará en los cines de todo el país la película “Norma”, escrita y dirigida por el venadense Santiago Giralt. Venado Tuerto, no sólo será una de las plazas donde se exhibirá el film, sino también contará con la presencia del cineasta que encabezará la función que se llevará a cabo a las 20.45 en Cinema Casey, ubicado en Patio Casey Shopping Center.

“Norma” es una comedia que tiene como personaje principal a Mercedes Morán, una de las actrices más importante de la escena nacional, quien además colaboró en la elaboración del guion en un trabajo conjunto con Giralt que tardó una década en salir a la luz. Además, el elenco cuenta con Alejandro Awada, Lorena Vega, Mercedes Scápola, Elvira Onetto, Claudia Cantero, Marco Antonio Caponi, Mirella Pascual y Elizabeth Vernaci.

“Llevamos más de 10 años escribiendo esta película junto a Mercedes Morán y está basada en una novela inédita mía que se llama 'Señales de Humo'”, contó Giralt, adelantando que el film sigue la historia de una mujer de clase acomodada, que vive en una ciudad del interior que se llama Las Tucas (cualquier similitud con Venado Tuerto es mera coincidencia), y que un día, inesperadamente, se queda sin su empleada doméstica de confianza, que renuncia tras 20 años de servicio. A partir de ese hecho empieza a cuestionar su vida y las cosas que ha sostenido hasta ese entonces, iniciando así una trama “que se va volviendo entre peligrosa y divertida todo el tiempo”, adelantó.

El venadense contó que su vínculo con Mercedes Morán comenzó en el año 2008, luego de estrenar su primera película “UPA!, una película argentina”, que ganó el Festival de Cine de Buenos Aires, y su novela “Nelly R. la amante del general”, que narra el supuesto romance entre Juan Domingo Perón y una adolescente de 14 años. “En un mes, Mercedes vio la peli y leyó el libro, y le atrajo como una persona tan joven como lo era yo en aquel momento, podía mezclar un film contemporáneo con una novela histórica. Así fue que pide conocerme a través de un amigo en común, algo que no podía creer porque yo la admiraba desde siempre”, recuerda.

De ese encuentro devino una amistad entre el cineasta y la actriz, que se acrecentó a partir de este proyecto que encararon en conjunto. “Yo le pasé la novela que había escrito, aún inédita, y ella detectó de inmediato un personaje, el de Norma y me dijo que a partir de esa historia se podía hacer una película entera”, relató.

Asimismo, resaltó que el guion tiene muchos puntos de común con la novela, pero que, con el correr del tiempo logró tomar vida propia.

“Mercedes quería sumarse como co-guionista, porque quería que cada frase que dijera el personaje principal la represente, lo mismo que la elección del elenco. Incluso, en esta película no hay momento sin el personaje de ella en pantalla; es ella la que nos lleva todo el relato. Es un protagónico absoluto que le permite lucirse al extremo”, adelantó.

Giralt también remarcó que el proceso que atravesó “Norma” y la demora de diez años fue producto de que “hay temáticas que aborda la historia que no estaban tan en auge en aquel entonces o en la agenda social, como el empoderamiento de la mujer, el vínculo y la amistad entre mujeres, la ruptura de mandatos preestablecidos; muchas veces pasa que uno se va adelantando un poco a los tiempos, mirando hacia adelante y luego hay que esperar que eso se acomode y la película se vuelva viable”, exclamó.

Santiago Giralt recordó su infancia en Venado Tuerto cuando soñaba dirigir y trabajar con aquellos actores y actrices que admiraba, como el caso de Mercedes Morán, con quien hoy se encuentra en el misma lugar de la pantalla. “Siento el gran privilegio de poder hacer lo que me propuse y amo en la vida”, señaló, rememorando a su vez lo que fue el primer día de grabación, cuando por sus auriculares escuchó la inconfundible voz de Mercedes, esa voz que al oírla te instala en un espacio de ficción por lo que representa, “fue algo único, para disfrutar”.

“Los sueños están para cumplirse”, considera el cineasta, subrayando que la idea de presentar el film en Venado Tuerto es justamente para dar un mensaje a todas aquellas personas que quieran “dirigir, actuar, cantar, bailar, patinar, que lo hagan, porque cualquier deseo profundo, por más que parezca difícil, se puede lograr. Yo siempre digo que tuve el privilegio que mis padres me pudieron pagar los estudios en una universidad privada, pero más allá de eso, yo llegué a Buenos Aires sin conocer gente, sin conocer el mundo del cine, y todo lo que fui consiguiendo es por esfuerzo y constancia”, enfatizó.

Por otro lado, el director contó que la película “Norma” transcurre en un pueblo que tiene muchas similitudes con Venado, sin embargo decidieron trasladar el set a Córdoba porque “Santa Fe no tiene una ley de cine como si tiene Córdoba que invoca tantas producciones. Por eso, mi otra movida es llevar a mi ciudad esta película porque como ahora hay una fuerza política que tiene representatividad, que vean la importancia que sería tener una ley de estas características, porque estamos hablando que es trabajo para más de 300 familias, sumado a la mano de obra local, desde pintores, tapiceros, hoteles, restaurantes y demás”, indicó.

Otro de los aspectos que favorecen a las localidades que se convierten en escenario para producciones de esta índole es la posibilidad de mostrarse al mundo. “A fin de año la película se estrenará en Netflix (con quien comparten la producción) y será vista por todo el mundo”, sentenció.

“Siempre estoy intentando volver a filmar en Venado”, aseguró Giralt, recordando que el proyecto que tenía previsto desarrollar en esta ciudad, “Perla” quedó momentáneamente frenado por diferencias entre los actores principales, Luciano Castro y Jimena Barón.

El estreno será este jueves 19 a las 20.45 en Cinema Casey, donde se utilizarán las dos salas: una para invitados, “gracias al apoyo del gobierno de Venado Tuerto a través de la secretaria de Territorialidad y Desarrollo Cultural Miriam Carabajal, y la segunda con la posibilidad de comprar las entradas. El film continuará en cartelera durante todo el fin de semana.

Nahir Galarza, la joven condenada a cadena perpetua a los 19 años por el asesinato de su novio Fernando Pastorizzo, tendrá su película la cual narrará su historia de vida. El film será producido por Amazon Prime y protagonizado por Valentina Zerene.

En la película que estará dirigida por Hernán Guerschuny y escrita por Sofía Wilhelmi buscarán contar lo ocurrido el 29 de diciembre de 2017 cuando Nahir asesinó a su novio de 20 años con dos disparos en la ciudad de Gualeguaychú.

“Nahir”, el nombre de la producción cinematográfica, estará disponible en 240 países y quienes acompañen a Zenere en la producción serán Mónica Antonópulos, César Bordón, Nacho Gadano y Simón Hempe.

Además de la película, la joven recibió propuestas para realizar una serie documental de 12 capítulos y una miniserie de 3 episodios sobre su caso policial. En total por todos los proyectos Galarza recibirá 500 mil dólares por utilizar su nombre e historia.

El crimen ocasionado por Nahir Galarza fue uno de los que mayor impacto causó en el país ya que se convirtió en la mujer más joven en ser condenada a cadena perpetua en Argentina. Además, tiempo despues de su condena, Nahir aseguró que fue su padre quien cometió el asesinato.

La película biográfica estará inspirada en el libro “El silencio de Nahir, crónica de un linchamiento mediático” escrito por el manager de prensa Jorge Zonzini.

Tras el exitoso recibimiento de su última película, “Killers of the Flower Moon”, en el Festival de Cannes, Martin Scorsese ha continuado su estadía en Europa y el pasado fin de semana se dirigió a Italia para, entre otras cosas, tener un encuentro con el Papa Francisco en el Vaticano.

Acompañado por su esposa, Helen Morris, Scorsese sostuvo una reunión privada con el Papa antes de asistir a una conferencia titulada “La naturaleza global de la imaginería católica”, organizada por la Universidad de Georgetown y la publicación jesuita La Civiltà Cattolica. El evento contó con la participación de personas relacionadas con el mundo del arte de diferentes partes del mundo.

Thank you to Martin #Scorsese for accepting the invitation to join us of La Civiltà Cattolica and Georgetown University – along with his wife and daughter – in the meeting of 40 poets and writers from different Countries with #PopeFrancesco, who said among other things, "This is… pic.twitter.com/yG6bEyo2Wq

— Antonio Spadaro (@antoniospadaro) May 27, 2023

El director de la revista, Antonio Spadaro, brindó algunos detalles en su página web sobre la participación de Scorsese en la conferencia, en la cual el propio Papa también estuvo presente. El enfoque principal de su intervención se centró, como era de esperar, en películas propias o ajenas que tratan sobre la figura de Jesús o la historia de la Iglesia católica. Entre sus propias películas, Scorsese quiso explicar en detalle el significado de “La última tentación de Cristo” (1988), su adaptación cinematográfica de la novela del escritor griego Nikos Kazantzakis, la cual generó mucha controversia en su momento. También habló sobre “Silencio” (2016), una de sus películas más recientes, que narra la persecución sufrida por los misioneros jesuitas en el Japón del siglo XVII.

Inspirado por las palabras del Papa, quien afirmó que “el arte es la expresión de las inquietudes humanas” y que nunca se debe dejar de ser “original y creativo” por temor a ser criticado, el cineasta sorprendió al anunciar su próximo proyecto durante la conferencia. Scorsese declaró: “Voy a responder al llamado del Papa a los artistas de la única manera que sé: ideando y escribiendo un guion para una película sobre Jesús, y empezaré pronto a trabajar en ello”. A sus 80 años, Scorsese admitió recientemente en una entrevista con Deadline que se siente mayor y desea contar historias, pero que no le queda mucho tiempo.

Papa Francisco: “La idea es ir a Argentina el año que viene, vamos a ver si se puede”

El director neoyorquino tiene varios proyectos en espera, incluyendo un posible biopic sobre el presidente de Estados Unidos, Theodore Roosevelt, protagonizado una vez más por Leonardo DiCaprio. Sin embargo, de confirmarse el proyecto anunciado durante la conferencia, sería la segunda vez que Scorsese aborda la figura de Jesús después de “La última tentación de Cristo”.

Esta película, protagonizada por Willem Dafoe, con Harvey Keitel y Barbara Hershey en los papeles de Judas Iscariote y María Magdalena, respectivamente, juega, al igual que la novela en la que se basa, con la idea de presentar a un Jesucristo muy humano, alguien que carga con la responsabilidad de ser el Mesías y se siente tentado de abandonar el sacrificio en la cruz para formar una familia y vivir como un hombre común.

Antes de su proyección, se explicaba que “esta película no se basa en los Evangelios, sino que es una exploración de ficción sobre el eterno conflicto espiritual”. Aun así, la controversia rodeó a la película incluso antes de su primer visionado en el Festival de Venecia en 1988. Parte de ello se debió al rumor de que incluía una escena de sexo entre Jesús y María Magdalena, algo que era cierto, pero que es menos explícito, sucede dentro de una ensoñación y sirve a la idea central de la obra.

El entonces Papa Juan Pablo II la calificó de blasfema y la Madre Teresa de Calcuta pidió a los católicos que no la vieran. La proyección en Venecia se llevó a cabo bajo un fuerte control policial y con amenazas de secuestro de la película. El director italiano Franco Zeffirelli llegó a pedir abiertamente que la quemaran.

Y eso fue solo el comienzo: Scorsese recibió varias amenazas de muerte y se vio obligado a contratar guardaespaldas durante varios años (según reveló el crítico Roger Ebert en su libro “Scorsese by Ebert”). Un grupo integrista católico incendió un cine en París que proyectaba la película, hiriendo a trece personas. Algunos predicadores evangélicos estadounidenses ofrecieron sus fortunas para comprar el negativo y destruirlo, y la película fue vetada directamente en países como Grecia (Kazantzakis ya había sido expulsado cuando publicó el libro por parte de la Iglesia ortodoxa), México, Chile y Argentina.

Con el paso del tiempo, “La última tentación de Cristo” ha sido percibida como lo que realmente es: una alegoría (incluso se recomienda desde algunos sectores católicos hoy en día por su exploración de la fe). Y, como hemos podido comprobar, Scorsese vuelve a tener las puertas abiertas en el Vaticano.

Tras varios días de ardua labor, la filmación de la película “Encantador” en Elortondo, llegó a su fin. Con la presencia en las últimas horas de rodaje de los actores Arturo Puig y Mario Alarcón, la cuarta producción de José María Cicala seguirá ahora en Buenos Aires.

Allí, será el turno de un minucioso trabajo de post producción de todo el material recolectado en el sur santafesino. Se filmarán además escenas en interiores y se estima que un plazo de un año, el producto vea la luz.

Fueron semanas increíbles si se tiene en cuenta que pocas veces en el interior de la provincia se realizaron producciones de este calibre. Actores como Rodrigo Noya, Guillermo Zapata, Eduardo Calvo, Alejo García Pintos, Silvia Petri, Santiago Domínguez y Alejandra Baldoni, convivieron con los vecinos de la localidad e interactuaron más allá de los sets de filmación que se montaron en distintos espacios.

Previo al final de filmación, actores y el staff fueron reconocidos por la comuna y su presidenta, María Isabel Bosco, en compañía de la diputada Silvia Ciancio: “Esta historia empezó hace ya más de un año. Un grupo estuvo viendo todos los lugares donde poder grabar, dejaron una organizadora local y desde los primeros días de abril empezó el movimiento. Realmente cambió la imagen, la estética de Elortondo porque fue como un set de cine a cielo abierto”, señaló al respecto la presidenta comunal María Isabel Bosco.

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“Se utilizaron muchísimos frentes, instituciones, campos y en el último día de grabación fueron a la Estancia Elortondo. Salió algo muy lindo. Es de mucha calidad lo que hicieron. Son todas primeras figuras, no solamente adelante de la cámara sino detrás, que a veces es lo que más importa”, destacó.

La presidenta comunal recordó que “fueron 35 personas que alojamos, con lo que significa eso también la convivencia permanente, en los bares, en los comercios, en las mismas salas abiertas de filmación” y que “para nosotros fue una alegría este recibimiento que le hicimos porque es como una nota de color en épocas de crisis para la gente”.

“A nivel cultural es enorme lo que pasó porque hay muchos chicos jóvenes que quieren seguir carreras artísticas, de sonido, iluminación, grabación y de cine. A veces está la duda, sobre todo familiar, que no se sabe bien de qué se trata”, añadió Bosco.

“Realmente han podido estar en muchas escenas, adelante y atrás, y creo que eso cultiva, hace conocer, y todo Elortondo cada vez que se siente adelante del televisor para ver una película o una serie va a valorar realmente lo que significa cada imagen porque es muchísima la gente que intervino”.

Por su parte, la diputada Silvia Ciancio, enfatizó: “Esto de poder mostrar localidades del interior profundo de la provincia también está bueno porque lo pone en valor, hace que la gente lo conozca y vea su dinámica”.

La legisladora, puso énfasis en que “vivimos una realidad diferente” y que “compartimos un clima hermoso”, donde “hacía rato que la comunidad no tenía este sacudón y los vimos involucrados, felices, siendo colaborativos y generosos”. “Son cuestiones que ellos (los integrantes del equipo de filmación) remarcan como únicas, esto que tenemos en los pueblos sobre la cuestión de la solidaridad y que vamos todo para adelante con un objetivo”, aseguró.

“Si a eso le sumamos la calidad de una película que vamos a poder ver, que vamos a saber que está diseñada, pensada para esta localidad, la verdad que es un privilegio y de mi parte el enorme agradecimiento”, amplió Ciancio.

“Para las localidades todo es con mucho esfuerzo de los funcionarios. Y que esto impacte así de lleno más allá de que estaba planeado para el común de la gente fue sorpresivo. Nos hizo muy bien”, manifestó la diputada provincial.

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En una época en la cual Internet no formaba parte de la vida diaria (de hecho era apenas un concepto esgrimido por entendidos) y el ser digital se asociaba más a un futuro distópico, el videojuego de plataformas era un instrumento clave para el entretenimiento cotidiano. Y, dentro del amplio universo generado en torno a este dispositivo, Mario Bros, su hermano Luigi y el malvado Bowser eran referentes absolutos. Sinónimos de diversión garantizada. Prácticamente todos los seres humanos nacidos entre 1975 y 1985 utilizaron parte de su tiempo de infancia (o incluso adolescencia) para conducir las aventuras de estos personajes a través de la consola.

Super Mario Bros fue lanzado en 1985 por la empresa japonesa Nintendo y se convirtió en un hit en toda la línea. El juego, como se sabe, se centra en las correrías de los hermanos Mario y Luigi, quienes deben rescatar a la Princesa del Reino Champiñón de las garras del rey de los Koopas. A lo largo de de ocho universos, cada uno de los cuales posee características particulares, los jugadores que conducen a cada uno de los fontaneros bigotudos (así están planteados los personajes) deben afrontar peligros diversos y monstruosos antes de poder cumplir la misión asignada.

Buenos actores, poco público

El fuertísimo impacto popular que tuvo el videojuego no permaneció ajeno al mundo del cine, siempre atento a capitalizar estos fenómenos. Así, en 1993 las firmas Lightmotive Films y Hollywood Pictures en sintonía con Nintendo trasladaron las aventuras de Mario y Luigi a la pantalla grande, con actores. Los productores (entre ellos Roland Joffé, conocido en estas latitudes por “La misión”) optaron por actores de sólida trayectoria y dúctiles como Bob Hoskins (a quien le tocó el papel protagónico) y Dennis Hopper (que compuso, como en otras varias películas de la época, al villano). Y decidieron incorporar al entonces desconocido John Leguizamo, como Luigi.

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La película (hoy de culto) resultó un fracaso de taquilla en su momento. La mala recepción tiene parte de su explicación en los problemas que tuvieron los guionistas para condensar un mundo tan complejo como el gestado por Nintendo para el videojuego. Tampoco fue de mucha ayuda el tono sombrío hacia el que se orientaron los directores Annabel Jankel, Rocky Morton, siendo el juego original más alegre y luminoso. Sin embargo, esta película pionera en la adaptación de videojuegos al cine, derivó en una tendencia que se mantuvo y creció en las tres décadas posteriores. Ejemplos son “Street Fighter” y “Mortal Kombat”, también de los 90.

Nueva aventura

El próximo 6 de abril se podrá ver en las salas de cine de Argentina “The Super Mario Bros. Movie”, dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic, a partir de un guión ideado por Matthew Fogel inspirado en los personajes gestados por Shigeru Miyamoto para el famosísimo videojuego. Esta vez, la película es enteramente animada y representa una apuesta muy fuerte de Nintendo en sintonía con Illumination Entertainment (la firma creadora de los Minions, que según los trailers tienen su cameo en este flamante film) y Universal Pictures, que tiene a su cargo la distribución. La voces originales de los personajes la realizaron actores y actrices muy populares como Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Jack Black y Seth Rogen. Habrá que ver si esta vez se cubren las expectativas de los fanáticos, pero la certeza es que Mario, el personaje nacido en la analógica década del 80 sigue vigente en la era digital.

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Dada la gran aceptación en cada barrio y el cálido clima imperante, la Dirección de Vecinales ofrecerá una noche más de “Cine bajo las estrellas”, el ciclo que permite a las familias compartir plazas y espacios públicos para disfrutar de buen cine al aire libre.

La convocatoria es para este viernes 17 de marzo, a las 20.30, en el Centro Integrador Comunitario (CIC) de Falucho y Vuelta de Obligado, en barrio Pedro Iturbide.

Allí se proyectará “Coco”, animación de Disney Pixar que narra la historia de Miguel, un niño mexicano que sueña con ser músico, pero su familia se lo prohíbe y quieren obligarlo a ser zapatero, como todos los miembros de la familia. Por accidente, Miguel entra en la Tierra de los Muertos, de donde sólo podrá salir si un familiar difunto le concede su bendición.

La propuesta como siempre es asistir con reposera o lona.

Organizan las direcciones de Vecinales y Juventudes.

Del 10 al 18 de marzo, comenzará a rodarse en Elortondo el filme “Las muñecas de Tomás”, bajo las órdenes del reconocido director José María Cicala.

En estos primeros días de trabajo, desembarcarán un total de 25 personas entre equipo de producción y actores, para trabajar en distintas locaciones.

En principio, se confirma que van a filmar en exteriores en lugares que ya estuvieron visitando como la Farmacia Guareschi, la Ferretería Bugnon y caminos rurales.

Está prevista una segunda etapa de rodaje posterior a la segunda quincena de abril, con la presencia de más actores que formarán parte de la película.

La novedad por estas horas, es que por cuestiones aún no detalladas, cambió el elenco anunciado a fines del 2022. Quienes sí formarán parte de este proyecto son Rodrigo Noya, Guillermo Zapata, Alejandra Baldoni, Silvia Petri y Lola Ahumada.

Este es el cuarto trabajo de Cicala, uno de los fotógrafos más reconocidos del medio con más de 25 años de trayectoria. En 2018, debutó en la dirección cinematográfica con la película “Sola”, protagonizada por Araceli González, luego de más de una década como realizador de clips y publicidades.

Siguió en el 2021 “La Sombra del Gato”, película encabezada por el reconocido actor estadounidense Danny Trejo (“Machete”) y el argentino Guillermo Zapata. Y la más reciente, “Lennons”, una comedia absurda con Gastón Pauls junto a Luciano Cáceres, Luis Machín, Santi Domínguez, Malena Guinzburg y Betiana Blum.

Cicala, contó que uno de los motivos para encarar un trabajo en el sur de Santa Fe, fue su historia familiar: “Tengo sangre elortondense. Toda mi infancia la pase acá, viniendo de vacaciones. Mi madre nació en Elortondo y la sangre siempre tira”.

El cineasta, reconoció que la filmación es un “momento importante”, porque “rescata de por vida los espacios, lugares y la gente” y que “esa ventaja la da el cine”. “Podes estar viendo una película que tiene 100 años y es dejarle a hijos y nietos, nuestra cultura, gustos o edificios. Hay un montón de cosas en el pueblo (por Elortondo) que están como cuando yo era chico. Inmortalizar espacios únicos, que nos vieron crecer, es mágico. Cuando conseguís eso en un pueblo, dan ganas de participar y nos encanta”, aclaró.

Luego, adelantó que la película, será de época, ambientada en la década del ’80, del género policial y suspenso. “Ya tenemos por ejemplo el lugar donde montar un videoclub y un bar, en una vieja estación de servicio, a la cual vamos a inmortalizar en una forma pintoresca y distinta”, sostuvo.

“Queremos aprovechar un montón de cosas que sirvan al pueblo para abrir un polo en lo económico o artístico. Van a llegar muchos actores que se conocen de películas, sumado a eso buscamos el talento autóctono que seguro hay mucho. Personas que nunca actuaron pueden tener una soltura diferente. Queremos conservar todas esas cosas para la perpetuidad. Ese es el objetivo del cine. Permanecer es lo importante”, amplió.