El cantante J. Balvin cerró el 2025 con una sorpresiva reconciliación con el artista René Pérez, más conocido como Residente, dejando atrás cuatro años de tiraderas y enfrentamientos.

A través de una publicación en su cuenta de Instagram, el colombiano confirmó la esperada paz con su colega del género urbano con una imagen de ambos sonrientes, destacando la importancia del diálogo en tiempos de caos.

“Frente a la inmensidad de las cosas que pasan en el mundo, esta es posiblemente una de las más pequeñas. Pero en un mundo tan complejo, que dos personas que no coinciden en todo puedan reencontrarse, nos parece valioso”, reflexionó.

Una publicación compartida por J Balvin (@jbalvin)

Según explicó, la reconciliación no fue algo que pasó de un día para el otro, sino que fue un proceso que transcurrió en secreto hasta ahora: “Hace meses nos encontramos. Nos escuchamos. Nos entendimos. Al final, siempre la razón la tiene el tiempo. René y Jose”.

De esta forma, el miércoles se cerró un capítulo en las vidas de ambos artistas, recibiendo el año de la mejor manera.

Los referentes de la música urbana protagonizaron un enfrentamiento que inició en aquel boicot a los Latin Grammys 2021 que el colombiano intentó impulsar.

Bizarrap junto a Residente en la famosa tiradera contra J Balvin.

En su descargo, Balvin intentó recriminar a la asociación de música de no tener en cuenta al género, tan solo para ser cuestionado por René, quien le recordó que él ya posee de 31 reconocimientos de la institución.

Eso desencadenó un conflicto que duró años y que culminó con la exitosa tiradera que René grabó en su colaboración con Bizarrap.

(Por Ignacio Andrés Amarillo) - MilkShake, la propuesta de género urbano paraguaya (no podrían ser otra cosa, con esa tonada) con las voces y la presencia de Sabrina Montes y María José Maciel, acompañadas por un DJ pistero y un cuerpo de baile mixto (incluyendo una ostensiblemente embarazada), fue el número de apertura de la primera jornada del Lollapalooza Argentina 2025, la décima edición en el Hipódromo de San Isidro que realiza el festival ideado por Perry Farrell allá lejos y hace tiempo.

MilkShake: música urbana y folclórica desde Paraguay. Foto: Gentileza Lady Miru

Invitaron a la cordobesa Guada Casales para “Olvidándote”. Continuaron con “La cadena se rompió” y “Paraguarí”, con Nicola como invitado y sigo de folclórico en la base. Se despidieron con “Gata pandillera”; el DJ se fue con un remix reggaetonero de “All the Things She Said” de t.A.T.u.

Mientras la azulada La Cintia electrificaba el Perry’s Stage y Vinocio grooveaba en el Alternative, la española Queralt Lahoz presentó su fusión urbana-funk-flamenca, con su voz de cantaora sevillana (aunque es barcelonesa) y un trío de batería teclados y secuencias (con algunos problemas técnicos por el calor y el intenso, a los que se sobrepusieron), Metió perreos en “Tan rico”, uno de los hits del set, y pasó por una versión reducida de “Gypsy Woman (She’s Homeless)”, la de Crystal Waters; “El tiroteo” llegó en versión espesa y electrónica, con un solo de batería en el final.

En “QL” se preguntó: “No cambio mi vida por una perfecta / Si es que eso existiera, yo prefiero esta / Si no, ¿quién sería yo? / Seguramente no sería Queralt Lahoz” (un espacio para la autoafirmación). Se lució vocalmente en el bolero “De la cueva a los Olivos”, con “tumbado” de la pianista Anna “Kay” Bosch en su solo. Se fue agradecida con el público y “al borde de la lipotimia” por el calor.

“¿Como están Buenos Aires? Soy Pablopablo y hemos venido desde muy lejos, estamos súper felices”, dijo el cantante, guitarrista y tecladista hispano-uruguayo (hijo de Jorge Drexler), en su turno sobre el Samsung Stage. Junto al saxofonista Simeon May y el baterista, guitarrista y tecladista Lyle Burton (ambos británicos) y el resto en pista, mostró sus canciones melódicas, tristes y lánguidas en el falsete (con algunos colores de la voz de su padre).

“Esta canción acaba de salir ayer por la mañana, se llama ‘Vida nueva’”, anunció una de las más para arriba. “La mitad de mi familia es de Uruguay, y me siento cerca de casa aquí”, comentó. Se despidió con “Mi culpa” y “Eso que tú llamas amor”, otra de las nuevas.

Queralt Lahoz es barcelonesa, pero su interpretación vocal tiene una fuerte impronta flamenca. Foto: Gentileza Agustín Dusserre

Al otro lado del césped, la continuidad ibérica trajo a Ana Mena, sin músicos sobre el escenario, pero con un team de bailarines para menear sus ritmos latinos. La rubia arrancó lo primeros aullidos en el público de la tarde. Cantó “Música ligera”, una de sus preferidas para el vivo, desde arriba de los brazos de los danzarines: algo así como si Mecano reversionase una canción de Jeanette. Enganchó “Quiero decirte” (con la voz grabada de Abraham Mateo), y aparecieron las primeras chispas desde el borde del escenario.

A la misma hora, las Darumas mostraban su funk-disco-latino en el Alternative: el trío femenino (la cantante haitiana Vedala Vilmond, la guitarrista De Miami Ceci León y la bajista y directora musical argentina Aldana Aguirre) se amplía a quinteto en vivo, para un grupo de fieles. En la lista se destacó una versión muy propia de “Aprendiz” de Alejandro Sanz.

Mientras tanto, Mena pasaba un video de repaso de su carrera desde niña, antes de ir a “Se iluminaba”, con Fred De Palma haciendo dúo desde una grabación. “Se están convirtiendo en uno de mis públicos favoritos”, destacó. Hubo humo y cintas de papel para “Madrid City”, con coreografía sensual y acrobática al estilo Kylie Minogue. Terminó bien arriba con “Las 12”, y se despidió en la pasarela entre papelitos.

Lollapalooza 2025: la española Ana Mena arrancó los primeros aullidos en el público, y celebró con pirotecnia y papelitos. Foto: Gentileza Agustín Dusserre

Mientras tanto, Darumas se iban ovacionadas, regalando gorritos y presentando a la “DJ y tecladista Marge, de República Dominicana; e Ivette, de México en la batería”.

Como continuidad del groove, llegaron los australianos de Parcels, con su ritmo sincopado y sus armonías cantadas a cuatro voces, con y sin falsete. “Gracias por tenernos, es excitante estar aquí después de cuatro años”, comentó Patrick Hetherington (guitarra y teclados), parte de una banda que se completa con Louie Swain (teclados), Noah Hill (bajo), el carismático Anatole “Toto” Serret (batería y percusión) y Jules Crommelin (guitarra).

Un “olé olé” los celebró en el final “Overnight” tuvo una guitarra a lo Nile Rodgers para una pieza algo intimista, con un solo percusivo en el sinte. Hill cantó “Somethinggreater”, en un gran momento del set.

La cantante haitiana Vedala Vilmond, la guitarrista De Miami Ceci León y la bajista y directora musical argentina Aldana Aguirre forman la propuesta funk de Darumas. Foto: Gentileza Agustín Dusserre

Pero para esa altura de la tardecita, cuando el sol y la temperatura empezaban a perdonar, ya estaban largando Los Ángeles Azules, el mítico grupo de cumbia mexicana, actualizados por sus colaboraciones con artistas jóvenes de estas tierras (las banderas de ambos países decoraron el escenario), como Ángela Leiva, Lali Espósito y Nicki Nicole. De hecho “Otra noche” fue de las primeras de la lista, interpretada por la cantante María Belén, con potente sección de vientos, güira de madera y acordeón pequeña. Si todos los años hay un lugar para la música tropical y para una visita inhabitual, Los Ángeles entraron en ambos casilleros.

Después de “La cumbia del infinito”, el veterano bajista Elías “Doc” Mejía Avante presentó “Perdonarte para qué”, “que se la dedican a alguien, no sé a quién”: otro momento para la voz femenina. Invitaron a Leiva (“yo estoy lista para cantar siempre”) para una intensa interpretación de “El listón de tu pelo”. Mantuvieron el romanticismo con “El amor de mi vida”.

Los Ángeles Azules, encabezados por el veterano bajista Elías “Doc” Mejía Avante, invitaron a Ángela Leiva a compartir un par de canciones. Foto: Gentileza Agustín Dusserre

En ese turno de la tarde, en el tercer escenario, la morocha estadounidense Nessa Barrett arrancaba suspiros con canciones oscuras en su voz aniñada; trajinando el escenario de vestido largo y tacos negros, como para un velorio.

Mientras tanto los mexicanos seguían con “Amor a primera vista” y de nuevo convidaron a Ángela (de notorias botas plateadas) para “Y tú te vas”: la cantó como si la estuviesen dejando en ese instante. De ahí salieron a “Mis sentimientos” y “19 años” (todo en el marco de lo legal).

Ca7riel & Paco Amoroso Levantaron la vara en cuanto a la puesta de su show, acompañados de una potente banda. Foto: Gentileza Cata Almada

Una voz en off, en el otro extremo, dijo que para que Ca7riel y Paco puedan dar du show, tendrían que inflarse. Así aparecieron dos cabezas inflables realistas gigantes, y ellos con unos overoles pintados como cuerpos desnudos, sobre una plataforma con forma de frasco de “Papota”, en referencia a su más reciente trabajo; mientras las pantallas (una dedicada a cada uno, en general) pasaban las letras traducidas al inglés como subtítulos. Atrás la eficiente banda, con su look de camisa y shorts, para este segundo festival consagratorio en lo que va del año, después del Cosquín Rock.

Abrieron con “Dumbai”, “Baby Gangsta”, “Mi diosa” y “A mí no” (con su frase comida por la inflación: “No me llegan los Roca”). “Impostor” empezó jazzística y siguió funk, con apoyo en los coros femeninos y un unísono de guitarra y voz de Cato (algo bien progresivo). “Mi deseo” llegó como bossa nova, con subtítulos en japonés. Engancharon “Bad Bitch”, a partir de la línea de bajo de Felipe Brandy (de gafas oscuras cuádruples). Paco pidió las luces de los celulares para la canción más emotiva de nuestro repertorio: fue “Pirlo”, cantada por ambos a cococho de sendos “forzudos de circo” (barbudos y en shorts animal print). Desde los hombros hicieron el hit “La que puede, puede”, y remataron con “Sheesh”.

En cuero y solo, Ca7riel fue solo a la pasarela para interpretar “McFly” con todo su histrionismo, y cedió el escenario a Paco para que haga “Todo el día”. Se reunieron para “Ola mina XD”, “Ouke”, la disco “Cono hielo” y la flamante “#Tetas”, en la que se sumaron más de los musculosos a desfilar pectorales. Siguieron el segmento con “El día del amigo, y se deslizaron a “El único” con sus diferentes climas, incluyendo un destacable solo de teclado, lucimiento para los vientos y una apoteosis instrumental. “¡Hasta la próxima, hijos de puta!”, dijo Ca7riel entre fuegos artificiales, mientras de fondo sonaba “Spanish Flea” de Herb Alpert and the Tijuana Brass (la que usan los Humanos de Santa Fe para divertirse).

Mark Foster de Foster the People: nuevo disco y etapa vital. Foto: Gentileza Agustín Dusserre

Ahí las opciones volvieron a dividirse: la alternativa era el venezolano Lasso, pero a las tablas principales subió Foster the People, el proyecto de Mark Foster (voz, teclados, piano, sintetizador, guitarra, programación y percusión) secundado creativamente por Isom Innis (teclados, piano, sintetizador, bajo, batería, percusión y coros); acompañados por una formación potente. Con nuevo disco (“Paradise State of Mind”) y estabilidad personal, Foster salió a recuperar el tiempo perdido, con una propuesta de indie pop, entre lo melódico y lo bailable (en la previa hicieron un side show propio en el Complejo C Art Media).

El setlist incluyó: “Helena Beat”, “Lost in Space”, “Miss You”, “Coming of Age”, “Imagination”, “Houdini”, “Call It What You Want”, “Sit Next to Me”, “Don’t Stop (Color on the Walls)”, “Lotus Eater”, “Time to Get Closer”, A Diamond to Be Born” y “Pseudologia Fantastica”.

Mientras Lasso homenajeaba al país con la intro del Himno Nacional Argentino, por recibir expatriados de su tierra, Foster se animaba a transitar la pasarela en “Pumped Up Kicks”, para luego irse con un saludo seco. Ya muchos se iban acomodando para el primero de los platos fuertes de la noche.

Alanis Morrisette: madura y en plenitud artística, con la fuerza de sus años de juventud. Foto: Gentileza Lady Miru

Un video repaso imágenes de archivo de una Alanis Morrisette joven y de trenzas, portadas de revistas, apariciones en “Los Simpson”, hasta llegar al presente. Una voz inconfundible arrancó a entonar “Hand in My Pocket” sobre un teclado, hasta abrir el hitazo en el estribillo, sumando a la banda y la lluvia armónica. La canadiense salió radiante, de camisa azul eléctrico sobre remera negra y jeans, sonriente y moviendo su histórica melena.

Tras un rápido saludo fue a “Right Through You”, mientras en la pantalla central pasaban datos sobre desigualdad de género y violencia contra las mujeres. Un piano ligero abrió “Reasons I Drink”, un trabajo de madurez en el que puede mostrar su rango expresivo. Montada sobre un arpegio de guitarra pasó “A Man”, antes de colgarse ella misma el instrumento para “Hands Clean” (presentó a Jason Orme tras su solo de guitarra. “Can’t Not” aportó su crítica política sobre la guerra y el clima, conectada con “Lens” (ahí paso de la Fender Stratocaster a una Gibson Les Paul, tan dorada como la otra).

“Sorry to Myself” fue una exploración por el dramatismo vocal, como transición hacia la ya clásica “Head Over Feet”, compartiendo estrofa con el público y presentando a Julian Coryell en la otra guitarra. “Los amo mucho”, disparó, antes de in pedacito de “Forgiven” como aperitivo de “You Learn”. “Would Not Come” también sirvió como muestra de expresividad, y para marcar el clima a “Smiling”, de la que se despidió arrodillada, con el pelo sobre la cara, tras girar como un derviche.

Sólo acompañada por el piano desplegó “Rest”, para luego sumar a los músicos a una versión intimista, con escobillas en la batería, bajo de caja y guitarra clásica: le tocó el turno de presentar a Mike Farrell en teclados). El tramo acústico siguió con “Mary Jane”, en la que demostró el mix de soul y folk que tiene su forma de interpretar. En “Flinch” hizo un solo de flauta traversa (con Mike en el acordeón), y de ahí marchó a “Perfect”, mientras la cámara-grúa sobrevoló muchas cabezas con gorros de lana como los que usaba Alanis en el 97.

Volvieron la electricidad y aquellos tiempos con “Ironic”, mostrando fotos de viejos y recientes conciertos en todo el mundo en la pantalla (incluyendo uno con Taylor Swift). Caminó el escenario con “Not the Doctor”, y presentó al baterista Victor Indrizzo (puesto que alguna vez ocupó Taylor Hawkins, cuyo último concierto fue con Foo Fighters en este festival). Paso de “Are You Still Mad” a “All I Really Want”, subiendo la carga eléctrica.

Un trozo de “Sympathetic Character” anticipó la explosión con “You Oughta Know”, tras el que presentó al bajista Cedric LeMoyne. Un piano en tensión trajo “Uninvited”, una de sus canciones más oscuras (a Amy Lee le hubiera encantado escribirla), que terminó muy arriba. De yapa, y ya en el horario asignado a Justin Timberlake, se despidió con “Thank U”, proyectando tweets de gente que le contó sus razones para estar agradecidos. Gracias y cuídense el uno al otro, dijo antes de salir corriendo del escenario. No por miedo: es una sobreviviente de la música de los 90 tardíos, en plenitud artística.

Justin Timberlake llevó a su banda al frente de la pasarela varias veces, en este caso en la previa del final. Foto: Gentileza DF Entertainment

De a uno fueron saliendo los músicos en el Flow Stage, hasta que salió el ex Mousketeer, el de Britney, actor y cantante, mientras el festival celebraba con un show de drones sus diez años, a cargo de Iluxman para Lumasky Drone Show (en el Alternative estaba Mon Laferte, una artista de peso para dar una alternativa, justamente). El comienzo del show fue con “Mirrors”, con Justin en el centro de la pasarela, como un boxeador, de sacó con brillos. “En Cry Me a River” explotó su potencial vocal y el de sus coristas, y terminó con estos y varios de los instrumentistas adelante. Bajó un cambio con “No Angels”, con mucho de disco setentoso, incluyendo los falsetes del solista, que mantiene bastante de aquella cara de niño con la que lo conoció el mundo.

Metió unos buenos pasitos de baile en el meddley “LoveStoned / I Think She Knows”, a tres voces; se puso más rockero en “Like I Love You”, empuñando una guitarra acústica; y pegaron “My Love”, bien arriba todos. Se quedó solo, cambiado a una camperita blanca, haciendo gritar a la gente como director de orquesta, hasta que le tiraron un corpiño firmado, algo que le pareció raro como regalo. Le mostraron una estampa del Sagrado Corazón con su rostro, y comentó: “No soy tan santo”. “Vamos a cantar esta noche, vamos a bailar, nos vamos a enamorar”. Vino un segmento R&B con “Sexy Ladies”, “Señorita” y “Play”; en “Summer Love” Justin fue al piano Rhodes (auténtico, de lenguetas metálicas); hubo duelo de trompetistas y solo de batería.

Hizo mover brazos de un lado al otro, a miles de personas juntas, con “Suit & Tie”. En “Rock Your Body” bailó con las chicas, y mantuvo el clima festivo con “Can’t Stop the Feeling!”, llevando en su propio cuerpo el movimiento (otra cosa que no envejece)

“Gracias por venir a vernos. Sé que ha pasado mucho tiempo, pero estoy aquí ahora (mucho tiempo desde siempre, porque no había venido nunca). Soñé con esto viendo era chico y es verdad. Gracias por hacer realidad el sueño de un chico de Tennessee”. Solo con su guitarra (y los coros, encaró “Selfish”. En el mismo plan pasó “What Goes Around... Comes Around”, sumando flauta traversa y llevada hacia el gospel.

De nuevo en formación completa, la cosa se a los beats urbanos con un meddley de “Chop Me Up”, “4 Minutes” y Let the Groove Get In”, seguido por “TKO”. El DJ pidió “some noise” para “SexyBack”, incorporando tuba en los vientos (de orquesta, pero tocada al hombro como una “margarita”) y congas latinas en la percusión. El rubio agarró una bandera argentina y se envolvió en ella (zafamos de las camisetas en la primera jornada) y terminó entre columnas de humo.

“¿Una más?”, preguntó tirando besos. Con el Rhodes en punta de pasarela, encaró “Until the End of Time”, frente a un mar de luces de celulares. Tras hacer los últimos corazones con las manos, se fue con su energía de entertainer querible.

El cierre de la noche quedo a cargo de la DJ belga Charlotte de Witte: a fin de cuentas, era viernes de un fin de semana largo... y con mucha música por venir.

El festival “Lago en el Cielo” reunirá a grandes referentes de la música con un objetivo común: brindar apoyo a las comunidades afectadas por los incendios en el sur argentino. Originalmente prevista para hacerse en dos fechas (21 y 28 de febrero), se decidió reprogramar la primera de febrero y unificar todo el festival el viernes 28 en el capitalino Groove de Palermo.

“Esta decisión no fue fácil, pero queremos que el esfuerzo de cada trabajador, artista y equipo detrás de este evento se refleje en una jornada llena de música, compromiso y solidaridad. Para eso, necesitamos que estén ahí”, sostuvieron los organizadores ante el cambio.

Lago en el Cielo no es solo un festival, sino un encuentro solidario donde la música y la empatía se unen para hacer la diferencia. Reconocidas figuras se subirán al escenario con la misión de generar conciencia y recaudar fondos para quienes más lo necesitan.

Los artistas que participarán son: Ainda, Juan Carlos Baglieto;, Coti;, Franco Rizzaro, Hipnótica, La Bomba de Tiempo, La Grecia, Las Ligas Menores, Hilda Lizarazu, Meri Granados, Mia Folino, Potra, Turf, Vale Acevedo y Lito Vitale.

Todo lo recaudado será destinado al Fondo Solidario Universidad Nacional de Río Negro y la Fundación Planeta Vivo para apoyar a brigadistas, comunidades y animales afectados.

Las entradas se consiguen en Tuentrada.com. Para quienes no puedan asistir pero quieran colaborar con la causa, se habilitará un alias de bono contribución: lagoenelcieloxelsur. “Ahora más que nunca, necesitamos que nos acompañen. Comprá tu entrada, difundí, colaborá. Cada gesto suma y juntos podemos hacer la diferencia”, dicen desde la organización. Más información en: @festilagoenelcielo y @dupla.agencia.

(Por Juan Ignacio Novak) - Cada 14 de febrero, el mundo celebra el amor a través de lo que se conoce popularmente como el día de San Valentín. Que fue, desde siempre, uno de los grandes motores del arte.

Inspiración de poetas, músicos, pintores y escultores, el sentimiento romántico tuvo en las artes un ámbito donde plasmar pasiones arrebatadoras, encuentros furtivos y promesas de amor eterno.

En esta fecha, cabe aludir a cinco obras maestras que celebran el amor romántico en sus múltiples facetas. También son una muestra de cómo la forma de representar el amor cambió a través de las épocas y las costumbres.

Esta pintura es un ícono del modernismo vienés y representa el amor en su forma pura y sensual. Los amantes están envueltos en un abrazo íntimo, rodeados por patrones dorados que dan idea de opulencia.

Para la especialista Emilia Bolaño: “es un ejemplo claro de 'periodo dorado' de Klimt, inspirado en los mosaicos bizantinos que habían impresionado al artista en su viaje a Rávena”.

Österreichische Galerie Belvedere

Alex Sala, en un artículo publicado por la revista National Geographic, escribió que la obra “es la culminación del particular y rompedor estilo artístico de Klimt, que se caracteriza por sus personajes lánguidos”.

Para Sala, esa era “una característica combinación de las dos y las tres dimensiones y el uso de materiales como el oro, que recuerda a las imágenes bizantinas”.

Esta obra, que se adscribe al movimiento surrealista, presenta a una pareja con los rostros cubiertos por telas húmedas, lo cual genera misterio a imposibilidad en el contacto físico. Representa el dolor o la prohibición en un amor invisible.

Museo de Arte Moderno de Nueva York

Miguel Calvo Santos: “Magritte también vuelve a uno de sus rasgos recurrentes: los velos húmedos aluden al suicidio de su madre, ahogada en un río. En la mente de un artista de 13 años quedó la imagen de la ropa húmeda tapándole la cara a su progenitora”.

Esta obra del rococó remite al amor clandestino y a la sensualidad propia de ese período. La escena, íntima, muestra a una pareja en un instante de pasión contenida: el joven amante, en un movimiento ágil, le roba un beso a su amada, quien parece atrapada entre la cautela y la entrega.

Los gestos de los personajes sugieren un juego de seducción típico de la literatura y la pintura libertina del siglo XVIII. Más allá del erotismo velado, la composición refleja la frivolidad y el hedonismo de la aristocracia previa a la Revolución Francesa.

Museo del Hermitage, San Petersburgo

Verónica Gómez en “La cámara del arte”, menciona que “los innumerables grabados de obras de Fragonard realizados y distribuidos por París poco después de la terminación de los originales, popularizaron en Francia ‘El beso robado’, aunque fuera más discreto que otras obras anteriores.

Creada por Egon Schiele hace casi un siglo, esta pintura expresionista muestra un momento de pasión física entre dos seres humanos.

La pose alude a “El beso” de Klimt mencionada anteriormente, pintada una década antes. Es que Schiele admiraba a su colega y lo había estudiado mucho.

Österreichische Galerie Belvedere

Miguel Calvo Santos: “El estilo expresionista de Schiele está intacto. La sábana blanca está revuelta y sobre ella retozan dos figuras que se funden en una”.

“El punto de vista es desde arriba y hay un gran dinamismo (cabellos ondulantes, inestabilidad, composición diagonal…). La mujer incluso hace uno de los característicos gestos con la mano de Schiele”, agrega Calvo Santos.

La temática de los amantes entrelazados es frecuente en la obra de Chagall, desde 1915. En relación a esta obra, que se conserva en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Kate Kangaslahti, señala que dentro de su repertorio de temas, la idea del amor extasiado ocupó un lugar preponderante.

Museo Nacional de Bellas Artes

“La apuesta permanente por el amor como una emoción triunfante frente a los obstáculos de la vida fue explicada por él mismo: ‘a pesar de todos los problemas de nuestro mundo, en mi corazón nunca abandoné el amor en que fui criado o la esperanza del hombre en el amor’”, agrega.

Ante el éxito de la primera edición del certamen, realizada a mediados de 2023, la Orquesta Sinfónica Provincial de Santa Fe, dependiente del Ministerio de Cultura, repetirá la Convocatoria de Jóvenes Artistas Argentinos en el 2024. Por tal motivo, el organismo musical informa que según Resolución 187/24 quedan abiertas las inscripciones para quienes quieran participar de esta segunda edición, en las modalidades de instrumentista, cantante y director.

En dicho procedimiento se seleccionaran jóvenes talentos para actuar junto con la Sinfónica, en un concierto que se realizará en el Centro Cultural Provincial (Junín 2457, Santa Fe), el día viernes 26 de julio, a las 21 horas.

Según las bases de la convocatoria, quedan excluidos del llamado aquellos que hayan resultado ganadores en la edición del año 2023. Quien quiera participar deberá enviar un correo electrónico con la documentación solicitada, debidamente escaneada, a: ospsantafe@gmail.com de lunes a viernes de 9 a 12h. Las inscripciones estarán abiertas desde el lunes 20 de mayo hasta el viernes 31 de mayo de 2024 inclusive.

– DNI.– Foto reciente de alta resolución.– Todo antecedente pertinente a la especialidad que se postula, a los efectos de ser evaluados.– Título de Grado o Certificado de carrera en curso.– Carta de Recomendación de dos (2) Profesionales reconocidos.– Informar con precisión la/s obra/s que interpretarán/ejecutarán, especificando compositor y movimientos.

Los candidatos menores de 18 años también deberán adjuntar una carta firmada por un responsable legal donde autorice la participación del interesado.

Consultá en el siguiente enlace las bases y condiciones. 

Un particular incidente tuvo lugar durante el festival conmemorativo del 98º aniversario de Lago Blanco, en Chubut, cuando un hombre en estado de ebriedad decidió subir al escenario y atacar a los músicos debido a que no le gustaba la canción que estaban interpretando. Sin embargo, su intento de agresión resultó en un desmayo que requirió asistencia médica.

Si bien ocurrió durante el fin de semana, el video del incidente comenzó a circular en las últimas horas y se volvió viral en las redes sociales.

Según informó un medio local, el festival contó con la actuación de diversos números artísticos, incluyendo a Rocío Arancibia y su conjunto.

Cuando la banda se preparaba para interpretar la ranchera "Mate Amargo", un hombre visiblemente ebrio se subió al escenario y trató de golpear a uno de los guitarristas. Afortunadamente, el músico logró esquivar el golpe.

El individuo continuó su intento de agresión dirigiéndose a otro de los artistas, quien también logró esquivarlo. Después de pasar de largo, el hombre terminó cayendo al suelo y, al intentar reincorporarse para seguir su pelea, se precipitó del escenario.

Finalmente, el hombre se desmayó y, cuando recuperó la conciencia, fue atendido por personal médico.

Con la presencia de Boom Boom Kid, Moris, Celsa Mel Gowland, Bruno Arias, y Edu Schmidt, entre otros, en el auditorio “Horacio Fontova” del Instituto Nacional de la Música (Inamu), el ministro de Cultura de la Nación, Tristán Bauer, y el presidente del Inamu, Bernabé “Buco” Cantlon, presentaron AMA, la primera agregadora digital pública.

AMA estará disponible a fin de año y brindará la posibilidad de mejorar el acceso y la circulación de música nacional en todas las plataformas digitales. Los y las músicas podrán poner a disposición sus obras, sin costo, y conocer con certeza el detalle de las liquidaciones por reproducciones. AMA ha sido desarrollada por el Inamu gracias a un convenio con el Ministerio de Cultura de la Nación que aportó los fondos para su implementación.

“Estas son problemáticas que tenemos que abordar y materializarlas, dar respuestas concretas. Tiene que ver con nuestra soberanía y con la defensa de los derechos de autor, con la accesibilidad, y con darles posibilidades a los músicos y a las músicas que están dando los primeros pasos. Hacen falta instituciones fuertes como es Inamu y el Ministerio de Cultura de la Nación, porque para todos los proyectos que nosotros desarrollamos necesitamos presupuesto para poder llevarlos adelante”, señaló Tristán Bauer.

El presidente del Inamu contó qué sucede cuando recorren las provincias dando charlas sobre Derechos Intelectuales. “Siempre surge una primera pregunta: ‘¿Cómo subimos nuestra música a las plataformas de streaming? ¿Cómo podemos cobrar por eso?’ Y encontramos distintas situaciones hasta gente que paga mucho dinero para poder tener su música como una herramienta de difusión en las plataformas”.

Así como antes existía el distribuidor que llevaba los discos en formato físico a las disquerías, hoy existen las agregadoras o distribuidoras digitales para que las obras estén disponibles en Spotify, Deezer, iTunes, YouTube, Tidal y otras. Los artistas no pueden subir directamente sus canciones, para esto es necesario un intermediario que se encargue de entregar la música en las plataformas digitales y recibir los fondos generados por las reproducciones. La mayoría de estas empresas son extranjeras con representación local. El Inamu ya realizó acuerdos con los principales servicios de streaming y con otras 100 plataformas.

Además, AMA, la agregadora nacional, tendrá dos beneficios extras. Por un lado, será una guía para que los artistas musicales conozcan sus derechos intelectuales y cómo realizar los diferentes trámites como el registro en DNDA, cobrar en Sadaic, entre otros. Y, por otro lado, será una herramienta fundamental que posicione a la actividad musical argentina en los diferentes espacios digitales (como playlists o recomendaciones).

Con esta herramienta, la actividad musical de nuestro país dará un paso importante, mejorando las condiciones de circulación y cobro de los derechos intelectuales.

Participaron de la presentación la vicepresidenta del Inamu, Charo Bogarín; el jefe de Gabinete de Asesores del Ministerio de Cultura de la Nación, Esteban Falcón; el director de Organismos Descentralizados, Sebastián Berardi; representantes de organizaciones de músicos, músicas, artistas referentes como Moris, Boom Boom Kid, Diego Boris, Celsa Mel Gowland, Bruno Arias, Edu Schmidt, entre otros. También acompañaron la iniciativa representantes de agregadoras digitales y de plataformas de streaming y la Mesa de la Industria y de la Actividad Musical, integrada por el Sindicato Argentino de Técnicas y Técnicos Escénicos (Sate), la Federación Argentina de Músicas y Músicos Independientes (Fa-Mi), Red Multisonora (RMS), la Asociación Argentina de Técnicas, técnicos e Ingenieras, ingenieros de Audio (Aatia), y la Unión de Músicas y Músicos Independientes (UMI).

Los integrantes del grupo de rock Kapanga volvían esta madrugada de un recital que brindaron el fin de semana en Córdoba y sufrieron un fuerte accidente en la Ruta 7 por el que afortunadamente no hubo heridos de gravedad.

El accidente ocurrió en el cruce con la Ruta Provincial 51, a la altura de Carmen de Areco donde, según relataron los músicos, el micro doble piso en el que viajaban fue impactado por otro auto que cruzó de carril y los chocó de frente.

Martín Alejandro Fabio, más conocido como el “Mono”, líder de la banda, que todavía se encontraba en el lugar del choque, contó que los dos hombres que iban en el otro auto “no podían hablar de la borrachera” e iban sin cinturón de seguridad.

“Nos podríamos haber matado. Si sirve el mensaje, no más alcohol al volante. Si no vas a manejar, hacé lo que quieras de tu vida. No le cagues la vida a los demás, cagatela vos solo”, lanzó. “Hoy la podemos contar pero hay muchos que no. Todos los viajes que hacemos vemos un accidente. Y en el 85% de los casos está involucrado el alcohol. Eso no es un accidente, es un incidente. Un accidente es que se te salga una rueda”.

“Estábamos volviendo de Córdoba a Escobar de un show y un auto nos chocó. Es la primera vez que tenemos un accidente de este tipo. El Mono y todos estamos muy nerviosos por lo que pasó. Es un fin de semana lleno de turismo y nosotros somos laburantes de las rutas”, señaló Leandro, manager de la banda oriunda del partido bonaerense de Quilmes.

“Sobre la ruta 51, un Chevrolet Cruise cortó la ruta y nos pegó a nosotros. Los que manejaban eran dos personas de 55 años aproximadamente. Nos podríamos haber matado o nosotros a ellos. Es una locura. Es la primera vez que nos pasa algo así en 27 años de carrera”, agregó.

El líder y cantante de la banda también se quejó de la lentitud del operativo. “Tardaron 50 minutos en venir con un patrullero, otros 40 en traer una ambulancia ¿Y si se les va el alcohol que tienen encima?”, expresó. “Es la burocracia con la que vivimos en este país”.