El productor argentino Bizarrap y el cantante colombiano J Balvin anunciaron oficialmente la BZRP Music Session #62, una colaboración inédita que se estrenará este 26 de diciembre, cerrando el año con uno de los lanzamientos más esperados de la música urbana latina. La confirmación llegó en plena Navidad y desató una enorme expectativa en redes sociales.

Este 25 de diciembre, Bizarrap y J Balvin publicaron una imagen conjunta en redes sociales con el mensaje: “BZRP Music Session #62. Mañana. Feliz Navidad”, señalando la fecha de lanzamiento de esta esperada sesión.

Bizarrap y J Balvin unen fuerzas en la BZRP Music Session #62.

La publicación, con ambos artistas sosteniendo zapatillas como si fueran teléfonos, se viralizó rápidamente y generó millones de interacciones en plataformas como Instagram, X y Threads, consolidando la colaboración como uno de los temas más comentados del día en la música urbana.

La sesión #62 marca la primera colaboración oficial entre Bizarrap y J Balvin en el marco del exitoso formato BZRP Music Sessions, que el productor argentino ha llevado a un estatus global con una serie de entregas junto a figuras consagradas de la música urbana.

La noticia toma aún más relevancia si se recuerda que la relación entre ambos tuvo tensiones en el pasado, especialmente tras la BZRP Music Session #49 con Residente en 2022, en la que el rapero puertorriqueño incluyó duras críticas dirigidas al colombiano.

Según lo confirmado por los propios artistas, la BZRP Music Session #62 se estrenará este 26 de diciembre a las 21:00 (hora de Argentina) y estará disponible en el canal oficial de Bizarrap en YouTube y en todas las plataformas de streaming digital.

Por el momento, no se conocen detalles oficiales sobre la letra, el sonido o el enfoque creativo de la canción, aunque la combinación del estilo adaptable de Bizarrap con la versatilidad de J Balvin —famoso por moverse entre reguetón, pop y propuestas más experimentales— alimenta las especulaciones entre seguidores y expertos.

José Álvaro Osorio Balvín, conocido artísticamente como J Balvin.

La confirmación de esta sesión provocó una inmediata reacción global: millones de comentarios, publicaciones, memes y teorías sobre el contenido de la canción y el posible mensaje que Balvin querrá transmitir.

Fanáticos de ambos artistas destacaron el valor simbólico de esta unión, que representa un puente entre dos de los exponentes más influyentes del género urbano en Latinoamérica, y muchos esperan que el tema se convierta rápidamente en un éxito internacional.

Con este anuncio, Bizarrap sigue consolidando su proyecto Music Sessions como una plataforma de alcance global que trasciende géneros y fronteras, mientras que J Balvin reafirma su presencia como figura clave del reguetón y la música latina contemporánea.

La colaboración también representa un posible nuevo capítulo creativo entre ambos artistas, marcando un punto de reinvención y expectativas para los primeros meses del 2026 en la escena musical.

La BZRP Music Session #62 entre Bizarrap y J Balvin ya es un hecho, y su lanzamiento este 26 de diciembre promete convertirse en uno de los momentos más sonados del año en la música urbana. Con la reacción masiva de las audiencias y la curiosidad por el resultado creativo, esta colaboración cierra 2025 con una alta expectativa de réplicas en tendencias globales.

Villa Cañás disfrutó anoche de la segunda edición de “Escuelas que Cantan”, un evento artístico que volvió a unir sobre el escenario a las instituciones educativas de Nivel Primario de la ciudad. Niños y niñas desde 1° a 7° grado interpretaron un repertorio de obras de reconocidos compositores santafesinos, en un homenaje musical a las raíces y la cultura provincial.

El espectáculo contó con el acompañamiento en vivo de una banda integrada por Facundo Curbelo, Julián Malagoli, Joel Ansaldi y Andrés Agostinelli, que aportó un marco profesional a cada una de las presentaciones.

La iniciativa, impulsada por la Municipalidad de Villa Cañás y declarada de interés educativo por el Ministerio de Educación de Santa Fe, tuvo como objetivo fortalecer el vínculo entre las escuelas a través del arte, promoviendo el canto colectivo como herramienta de expresión, integración y construcción compartida.

Desde la organización destacaron el enorme compromiso de profesores, familias y equipos directivos para que el encuentro musical vuelva a consolidarse como una propuesta pedagógica de gran impacto en la comunidad.

La Municipalidad felicitó a todos los niños y niñas por el excelente desempeño y agradeció especialmente a los docentes Fernando Guazzaroni, Aníbal Quiroga, Pablo Poquet, Bruno Alturria y Jorgelina Fernández, quienes hicieron posible una puesta en escena de gran calidad.

4° grado: Santa Fe en mi corazón – Punta Cayastá – Coplas de la orilla1° grado: Las Margaritas – Buscate novia Pascualito – Santafesino de veras3° grado: Si se calla el cantor – Piel morena6° grado: Oración del remanso – Sueño de valeriana – El témpano2° grado: La balsa – Cola de amor – Pensar en nada5° grado: Antes que ver el sol – Esperando por ti – Nada fue un error7° grado: Jurabas tú – La Suavecita

Cierre general: “Y dale alegría a mi corazón” (Fito Páez), interpretado por todos los estudiantes.

Este lunes por la noche llegó el final de "La Voz Argentina" en su edición 2025 por Telefe, que recibió por última vez a sus cuatro talentos finalistas en su escenario.

Con la conducción de Nico Occhiato y un grupo de coaches integrado por Lali Espósito, Soledad Pastorutti, Luck Ra y Miranda! (Ale Sergi y Juliana Gattas), se conoció al campeón de este año, que generó una gran sorpresa en los televidentes y fans.

La final fue un duelo terrible entre los talentosos Nicolás Behringer, Milagros Amud, Alan Lez y Eugenia Rodríguez, y uno se llevó el gran premio. Este desenlace, dividido en dos programas, y con encuestas muy parejas en la previa, definió al artista que se llevó el título tras las últimas presentaciones ante el público.

El domingo 12 de octubre, el escenario de Telefe vibró con las interpretaciones finales. Nicolás Behringer cerró su campaña con una versión cargada de sentimiento de “Un pacto para vivir”, el clásico de Bersuit Vergarabat.

El artista del Team Luck Ra conectó la canción con sus inicios a los 17 años, y la producción sorprendió al mostrar un video de esa primera vez. Con un estilo inconfundible y una profunda emoción, Behringer transformó el escenario en un viaje personal que conmovió a todos los presentes.

Milagros Amud, del Team Soledad, brilló con “Se dice de mí” de Tita Merello, consolidándose como la primera finalista mujer de Pastorutti.

Alan Lez se quedó con el segundo lugar.

A sus 19 años, dueña de una voz poderosa y una firme presencia escénica, la joven de San Miguel demostró por qué se convirtió en la primera finalista mujer de Pastorutti. Su interpretación, fiel a su amor por los géneros tradicionales, fue un homenaje vibrante que le valió una ovación cerrada.

Alan Lez, del Team Lali, apostó todo con una explosiva versión de “Cryin'”, el éxito de Aerosmith. Con su carisma natural y su estilo descontracturado, el joven de Palermo entregó una performance llena de energía que desató la locura en el público. Su coach, Lali Espósito, lo elogió sin reservas, destacando la disciplina y la presencia única que marcaron su paso por el certamen.

Eugenia Rodríguez, del Team Miranda!, estremeció el estudio con su interpretación de “I dreamed a dream”, de Les Misérables. La tucumana desplegó toda su potencia vocal y una conmovedora capacidad para transmitir emociones, poniendo la piel de gallina a coaches y televidentes.

Fue una presentación magistral que consolidó su lugar como una de las voces más destacadas de esta edición.

En la segunda parte de la final, el lunes por la noche, hubo más sorpresas. Tras un repaso de todo el certamen, los finalistas volvieron a cantar, pero esta vez en dúo con sus respectivos coaches. La primera en salir a escena fue Eugenia, que junto a Ale y Juliana se lució con "Valiente", hitazo de Los Pimpinela, que a los tres les quedó perfecto por su capacidad interpretativa y teatral.

Luck Ra, el coach del año.

Luego llegó Milagros, que interpretó "Garganta con arena" de Cacho "Castaña junto a La Sole, generando la ovación de todo el estudio.

Nicolás tuvo que sortear un gran desafío al meterse de lleno en el cuarteto, ya que cantó junto a Luck Ra "Que me falte todo", originalmente grabada por el cordobés con Abel Pintos.

Con la nueva versión, pusieron a bailar a todo el país que los veía.

Finalmente, Alan se unió a Lali para hacer el último tema del certamen en competencia. Los dos cantaron "33", tema perteneciente al nuevo disco de la jurado.

Tras los aplausos, no quedaba tiempo para más y llegó el momento de la verdad. Occhiato anunció que el ganador fue Nicolás Behringer. El artista de Palermo, que comenzó cantando en la calle, no podía contener la emoción al escuchar su nombre.

Con lágrimas en los ojos, agradeció a su coach, Luck Ra, por haber confiado en él desde aquella audición a ciegas donde solo el cordobés giró su silla. También dedicó palabras de agradecimiento al programa, a su familia y a todos los fans que votaron para coronar su viaño de cantar en eventos a convertirse en la gran voz de Argentina.

En su primera aparición como jurado y coach, el premio también fue para Luck Ra, su mentor.

Más allá del resultado, las galas del domingo y el lunes dejó en claro el altísimo nivel de esta edición.

Cada finalista demostró un talento y una entrega únicos, dejando su alma en cada canción. Los coaches, por su parte, vivieron cada presentación con una intensidad que se transmitió a la pantalla. La primera parte de la final fue un espectáculo impecable que preparó el terreno para la definición de este lunes, una noche que quedará grabada en la historia del reality musical más famoso del país.

Darío Pignata

El respetable colega (siempre vinculado al periodismo deportivo hasta que…) y amigo Facundo Fazio, con más de 10 años de experiencia trabajando en medios partidarios digitales y tradicionales, se define como “apasionado por mi carrera, con gran capacidad de análisis, redacción y conducción”. Además, es Licenciado en Comunicación Social.

Fotos: Gentileza

Después de muchos viajes a la capital de la provincia, decidió incursionar en algo tan caro al sentimiento de los sentimientos y de la tradición santafesina, con la cumbia, música popular por excelencia en estas tierras.

Fotos: Gentileza

Así, de la mano de Facundo Fazio y un gran equipo de camarógrafos, editores, iluminadores y productores, nació “Cumbé”, un documental de diez (10) capítulos que, además de visibilizar el nacimiento de la cumbia santafesina, explica el contexto sociocultural de la provincia en aquel entonces (década del 60), el crecimiento del género a lo largo de los años, y su impacto a lo largo y ancho del país.

Fotos: Gentileza

“La familia santafesina le dará voz, desde el lugar de los hechos, a este movimiento popular que atraviesa hace más de 50 años a todos los argentinos. Es decir, una mirada santafesina de su propia creación”, explica Facu Fazio a El Litoral.

Fotos: Gentileza

Este viernes, debuta “Cumbé” y anuncia “el 8 del 8 a las 8 (de la noche)”, primer capítulo: “Los del Bohío”.

Graciela Pacheco de Balbastro

Una palabra es imán de la otra, dijo Julia Kristeva. Y ocurre frecuentemente con la lectura de un libro, que despierta ecos de lejanas memorias que creíamos perdidas. Eso me ocurrió leyendo "El italiano", novela de Arturo Pérez Reverte. El protagonista es veneciano y tiene "ojos del color de la hierba húmeda". Dice el autor: el verde de los ojos glaucos, "glaucopis", como los de Atenea (1). En la mitología griega, se creía que las personas poseedoras de ojos verdes eran poderosas. Posteriormente, en el medioevo europeo, se tenía el convencimiento que las personas con ojos verdes tenían capacidades sobrenaturales.

Tal vez por ello Pérez Reverte describe a Teseo Lombardo con ojos verdes, porque para cumplir con las hazañas que relata, debía tener poderoso dominio de su cuerpo, de su destreza, de su templanza y lograr el hundimiento de tantas embarcaciones inglesas en las adyacencias de Gibraltar, como ocurrió en la realidad, pues este es el trabajo de cuarenta años de investigación del autor: "Los ojos verdes nos han fascinado desde hace mucho tiempo con su impactante y misterioso encanto. A lo largo de la historia, los ojos verdes han estado rodeados de mitos y leyendas que acrecientan su enigmática reputación. En diversas culturas, suelen asociarse con un sentido de misterio y magia" (2).

Pero no solo Pérez Reverte se apoya en ese especial color de ojos. Tanto en la literatura como en la música, los ojos verdes parecen ¡Cotizar en Bolsa! Ya sabíamos que Circe, la hechicera, tenía ojos verdes y que (¿Por maga o por hermosa?) podía transformar a los hombres en cerdos y enamorar a Ulises. En la Cantiga de mediados del siglo XIII, el trovador portugués João García de Guilhade, confiesa: "(...) Os olhos verdes que eu vi/me fazen ora andar assi" ("Los ojos verdes que vi/ me hacen andar así").

En "La Celestina", Melibea es la joven que Calisto describe con "Los ojos verdes, rasgados; las pestañas, largas; las cejas, delgadas (...)" (3). Ojos verdes que los llevan al desastrado fin, empujados por la vieja alcahueta Celestina. Un estudio acerca de la belleza de Melibea, dice que "los ojos verdes son raros (...), son ojos verdaderamente exóticos, y por ello bellísimos, inolvidables para aquellos que hayan tenido la suerte de cruzar con ellos la mirada" (4).

En el corpus del Cancionero General que adquirió la Hispanic Society of America figura un tomo en cuyo lomo se lee "Poesías del Siglo XVI", donde hay unos fragmentos bellísimos que dicen: "¡Ay, ojuelos verdes!/ ¡Ay, los mis ojuelos!/ ¡Ay, hagan los cielos/ Que de mi te acuerdes!"/ Ay, ojuelos verdes,/ ay, los mis ojuelos" (5). Y el compilador acuña en sus comentarios que "The Spaniards, with good reason, consider this colour of the eye as beautiful, and celebrate it in a song; as, for example, in the well-known..." (5 bis).

Miguel de Cervantes Saavedra, admirador de esa otra obra cumbre que fue la tragicomedia "La Celestina", bautizó como Dulcinea (todo parecido es intencional) a la rústica Aldonza Lorenzo quien, al igual que Melibea, tenía ojos verdes: "los de Dulcinea deben ser de verdes esmeraldas, rasgados" (¡Todo parecido es intencional!) (6). Igualmente Gustavo Adolfo Bécquer se encariñó con los ojos verdes. Así, para consolar a una niña que los tenía, pero que por raros a ella no le gustaban, le dedicó la Rima XII, aquella que dice: "Porque son, niña, tus ojos/ verdes como el mar te quejas:/ verdes los tienen las náyades,/ verdes los tuvo Minerva/(...) El verde es gala y ornato/ del bosque en la primavera/ Entre sus siete colores/ brillante el iris lo ostenta. Las esmeraldas son verdes (...)" (7).

En el caso de la cultura española el verde es color litúrgico, pero también el de la virtud de la esperanza. Por eso los ojos verdes estaban arraigados en la psique española como exponentes de la hermosura de quien los poseía. Pero ojo, por seductores pueden llevar al extravío. Lo dijo el propio Bécquer en su cuento "Los ojos verdes" (8), cuando el "yo escritor" relata: "Creo que he visto unos ojos como los que he pintado en esta leyenda. No sé si en sueños, pero yo los he visto. (...) Eran, luminosos, transparentes, como las gotas de la lluvia que se resbalan sobre las hojas de los árboles después de una tempestad de verano".

Pero no sólo en Europa ese extraño poder del color verde, hace escribir a dramaturgos y poetas, Salvador Díaz Mirón (9), el poeta mexicano, de rodillas implora por la atención de unos "Ojos Verdes": "Ojos que nunca me veis,/ por recelo o por decoro,/ ojos de esmeralda y oro (...). // Ojos en que reverbera/ la estrella crepuscular,/ ojos verdes como el mar,/ como el mar por la ribera (...) Ojos color de esperanza// (...) Ojos con aspecto de hojas/ empapadas de rocío". Comparaciones todas ellas que hacen "pendant" con los "ojos del color de la hierba húmeda", como describe Pérez Reverte a Teseo Lombardo.

¡Todas las comparaciones nos recuerdan a un palimpsesto! Gustave Flaubert, con su personaje Madame Bovary, hizo correr ríos de tinta y celuloide. Y uno de los temas de discusión es si siendo el escritor más exigente y cuidadoso en el arte de escribir,... ¿se equivocó al retratar a Emma y el color de sus ojos? ¡Ojos negros que no eran negros! ¡Y que resultaron verdes después!

Pero entonces Julian Barnes viene en nuestro auxilio, para dilucidar en definitiva de qué color eran los ojos de Emma Bovary y describir de la siguiente manera a la mujer en la que se basó Flaubert: "No era guapa, más bien bajita, … y en sus ojos, de color incierto, verdes, grises o azules según la luz, había siempre una expresión suplicante". Vladimir Nabokov, en sus clases supo decir que los ojos de Madame Bobary "tenían algo así como capas sucesivas de colores" (es que Flaubert sabía lo que hacía).

Otro de los raros encantos que tienen los ojos verdes es que responden como pocos a la magia de la luz: "De acuerdo a un estudio publicado por la Corporation Impulse de Los Ángeles, el color de ojos verdes es el único que puede variar tanto de acuerdo al estado del tiempo, como al estado anímico. Van desde azules, grises, a verdes más intensos" (10). Se cree que las personas de ojos verdes suelen ser más sensibles emocionalmente. En 1952, Mirtha Legrand filmó "La de los ojos color del tiempo" (11), película basada en la novela "Lil, la de los ojos color del tiempo" de Guy de Chantepleure (12).

Rubén Darío también anduvo muy ocupado con los ojos de Atenea, la de ojos verdes y los de La Sirena. En ese poema, Darío la describe con "unos ojos glaucos, de un color de ensueño,/ que brillan como el agua en el sol". Antonio Machado en el poema "Olivo del camino" al cantarle loas a este árbol casi sagrado, dice: "Al borde del camino que blanquea,/ guarde tus verdes ramas, viejo olivo,/ la diosa de ojos glaucos, Atenea".

Francisco Madariaga, "Coco" Madariaga, desde su Corrientes "porá" supo encontrar "Una nativa de ojos verdes", la que nos describe así: "(...) una mirada de llamarada verde me arrebató,/ y una herida como nenúfar entre las piernas de una extraña muchacha,/ que -a veces- se pintaba la pasionaria de sus ojos verdes (...)". Y así se podría seguir enumerando los ejemplos literarios, en los que si la dama era hermosa, la engalanan esos ojos verdes que enamoran.

Pero alejados de la literatura, y ya en nuestra caótica historia nacional, hay otros ojos glaukós que llevan a la muerte a un héroe. Fueron los de Damasita Boedo, amante de Juan Lavalle en su última noche. De esta bella salteña, unos dicen que sus ojos eran azules y otros dicen que eran verdes, como los de color de esperanza en la huída hacia el norte del general Lavalle. ¿Azules o verdes? Ya hemos visto qué cambiantes son, de acuerdo a la luz que llegue al iris.

En la música también abundan las citas a este color de ojos. En "Che papusa, oí" pue de escucharse: "Milonguerita linda, papusa y breva,/ con ojos picarescos de pippermint,/ de parla afranchutada, pinta maleva/ y boca pecadora color carmín". A estos ojos color de la menta se los tengo que agradecer a Fernando Sorrentino, que me brindó el dato. Y ya en nuestro aquí y ahora, Trudy Pocoví nos trajo "Esos profundos ojos verdes y otras historias escabrosas". Hasta acá, lo escrito pertenece al mundo literario, pero realmente basta un solo ejemplo para comprobar el poder que tienen unos penetrantes y bellísimos ojos verdes.

¿Quién no vio y admiró la impactante fotografía de la "niña afgana"? Esos ojos verdes le posibilitaron a Steve McCurry conseguir la Medalla de Oro Robert Capa por el reportaje fotográfico sobre la guerra de Afganistán, ya que "Niña afgana" salió en la portada de la edición de junio de 1985 de National Geographic. En aquel momento Sharbat Gula (por entonces de 12 años), sin saberlo, se convertiría en la refugiada más famosa del mundo. Sharbat consiguió el asilo del gobierno italiano, luego de que los talibanes nuevamente tomaran el poder en Afganistán. Pero gracias a todo esto, logró que su pedido de asilo a Italia prosperase y que en forma aérea la rescataran, casi treinta años después. ¡Todo dicho! ¿Verdad?

¡Ah don Arturo Pérez Reverte! ¡No me ha hecho fácil este rudo oficio de ser lector, que me ha mandado de cabeza a revisar toda la bibliografía (¡Y más!) de mis años del profesorado en Letras! También me ayudó a sacudir irreverentes telarañas. Gracias por ello. Y si llegase a leer lo aquí escrito,... ¿quisiera hacerme la "gauchada" de avisarme si he estado totalmente equivocada en pensar que usted sabía en qué se metía con los ojos verdes? Porque no creo que haya sido por casualidad.

(1) "El Italiano", de Arturo Pérez Reverte. Alfaguara, 2021, página 272.

(2) "El fascinante mundo de los ojos verdes". Página web de Debby Burk Optical.

(3) "La Tragicomedia de Calisto y Melibea", de Fernando de Rojas, conocida como "La Celestina". Este fragmento se encuentra en el Acto I.

(4) "Los ojos verdes rasgados de Melibea. Su retrato en el marco europeo".

(5) En el Cancionero General. Apéndice número 317.

(5 bis ) "Los españoles, con buenas razones, consideran bello este color de los ojos y lo celebran en una canción; como, por ejemplo, en la conocida (...)".

(6) En "El Quijote", el protagionista hablando con Sancho, en el capítulo XI de la segunda parte.

(7) "Los ojos verdes rasgados de Melibea. Su retrato en el marco europeo".

(8) Gustavo Adolfo Bécquer, cuento "Los ojos verdes", del libro "Rimas y Leyendas".

(9) Salvador Díaz Mirón, "Ojos verdes". Esta versión fue incluida en 1874 en la antología "El Parnaso Mexicano".

(10) Sergio G. Colautti: "A doscientos años del nacimiento de Gustave Flaubert. No eran negros los ojos negros de Madame Bovary"

(11) "Qué significa tener el don especial de ojos color del tiempo"

(12) "Ojos que cambian de color según el estado del tiempo,... ¿mito o realidad?" En Meterored.com.

La espera terminó. System Of A Down anunció que regresa a la Argentina para un nuevo recital en el 2025 y esta semana comienza la venta de entradas. SOAD, la banda que marcó a más de una generación regresa por tercera vez al país para brindar el show más grande e importante de los últimos años.

Los conciertos de System of a Down “Wake Up South American Stadium Tour” entre abril y mayo de 2025 en Colombia, Perú, Chile, Argentina y Brasil, con un mega show donde SOAD repasará toda su discografía.

Sin embargo, la pregunta importante que se hace la mayoría de los fanáticos: ¿Cuándo comienza la venta de entradas para el recital de System of a Down? A continuación, te dejamos toda la información para que no te pierdas de nada.

Entradas para System of a Down en Argentina: precios y cuándo comienza la ventaLa venta de entradas para System of a Down comenzó este 17 de diciembre con la pre-venta de tickets. A su vez, la venta general de tickets para SOAD se realizará el próximo jueves 19 de diciembre. A continuación, los precios y localidades para el recital en Vélez:

Platea alta: $89.000 + service chargePlatea baja: $150.000 + service chargePlatea baja preferencial: $170.000 + service chargeCampo (acceso a cabecera): $165.000 + service charge

¿Dónde comprar las entradas para el recital de System of a Down en Argentina?Las entradas para el recital de SOAD en Argentina el próximo 3 de mayo de 2025, tanto la pre-venta como la venta general, podrán ser adquiridas a través de la página oficial de Entrada Uno.

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System of a Down: todo sobre su gira por Latinoamérica este 2025

Las otras fechas que harán en América latina son las siguientes:

24 de abril - Estadio El Campín de Bogotá, Colombia.

27 de abril- Estadio Nacional de Lima, Perú.

30 de abril - Estadio Nacional de Santiago, Chile.

6 de mayo - Estadio Couto Pereira de Curitiba, Brasil.

8 de mayo - Estadio Nilton Santos (Engenhão) , Rio de Janeiro, Brasil.

10 de mayo - Allianz Parque de São Paulo, Brasil.

Los shows más recientes de System Of A Down se realizaron en Estados Unidos en abril de 2024 durante el festival Sick New World en Las Vegas, Nevada, y en agosto de 2024 en el Polo Field de Golden Gate Park en San Francisco, California.

Wake Up, Argentina! 🖤 @systemofadown llega con su South America Stadium Tour 2025 para sacudir Buenos Aires con un show inolvidable. 🗓️ 3 de mayo 📍 Estadio Vélez Sarsfield 🎟️Tickets a la venta a partir del jueves 19/12 a las 12hs en https://t.co/1PhCZZnmyj pic.twitter.com/sUyu1i0Eqp

"System Of A Down es una de las bandas más innovadoras e impactantes del rock moderno, conocida por mezclar estilos como metal, punk y música tradicional armenia, además de sus letras cargadas de contenido político que abordan temas como la guerra, la opresión y la desigualdad. En Brasil, la banda ha construido una enorme base de fanáticos, conectando con el público a través de sus mensajes de resistencia y crítica social. Después de 10 años, todos tendrán la oportunidad de verlos de nuevo, ya que han influido en una generación de músicos locales que adoptaron su mezcla única de sonido y actitud” comparte Caio Jacob, Vicepresidente de Giras Globales en 30e.

Una noticia en la prensa inglesa, un posterior posteo en redes sociales y la incertidumbre total. Así se viven las últimas horas entre los fanáticos de Oasis, la banda de rock alternativo británica que fue furor en los '90 y podrían regresar tras varios años de ausencia.

"27.08.24 - 8 am", es el mensaje publicado en las redes sociales de la banda. Todo indicaría que para ese preciso momento se anunciaría el regreso tan esperado.

pic.twitter.com/Gix1lFPQXa

Sería exactamente 15 años después de la pelea entre los hermanos Noel y Liam Gallagher, líderes de la banda. El conflicto derivó en 2009 en la separación de la histórica banda.

Oasis se formó en 1991 cuando Noel Gallagher, quien había trabajado como roadie para la banda Inspiral Carpets, decidió reunir a su propio grupo. Con Liam Gallagher en la voz, Paul Arthurs en la guitarra rítmica, Paul McGuigan en el bajo y Tony McCarroll en la batería, el grupo se lanzó a la escena musical con una propuesta fresca y audaz. Su primer álbum, Definitely Maybe, lanzado en 1994, fue un éxito instantáneo, destacando por su sonido crudo y energético, que combinaba el espíritu del rock clásico con una nueva actitud rebelde.

El segundo álbum de Oasis, (What’s the Story) Morning Glory?, lanzado en 1995, catapultó a la banda al estrellato internacional. Con himnos como "Wonderwall" y "Don’t Look Back in Anger", el disco se convirtió en uno de los más vendidos de la década, consolidando a Oasis como la banda insignia del Britpop, un movimiento musical que celebraba una identidad nacional británica en contraposición a la invasión del grunge estadounidense. La rivalidad entre Oasis y Blur, otro gigante del Britpop, se convirtió en uno de los grandes enfrentamientos de la música de los 90, intensificando el interés y la competencia en la escena musical británica.

El éxito de Oasis estuvo acompañado de una serie de controversias y conflictos internos. La relación entre los hermanos Gallagher fue notoriamente conflictiva, con frecuentes enfrentamientos que se convirtieron en parte del folklore de la banda. Los constantes roces y las peleas públicas entre Noel y Liam, sumados a las tensiones con la prensa, dieron lugar a numerosos titulares y contribuyeron tanto a la fama como a las dificultades del grupo.

A pesar de estos desafíos, Oasis continuó lanzando álbumes exitosos, como Be Here Now (1997) y Standing on the Shoulder of Giants (2000). Sin embargo, la banda comenzó a perder algo de su antigua gloria a medida que la saturación del mercado y los conflictos internos comenzaron a tomar su toll. La calidad de sus producciones y la intensidad de sus actuaciones en vivo parecían disminuir, y la lucha por mantener su relevancia en un mundo musical en constante cambio se hizo evidente.

En 2009, después de una serie de giras problemáticas y el desgaste continuo de la relación entre los Gallagher, Oasis se disolvió oficialmente. La última chispa de la banda se apagó cuando Noel dejó el grupo tras una pelea con Liam, marcando el fin de una era. Posteriormente, los miembros fundaron nuevos proyectos musicales; Liam formó Beady Eye, mientras que Noel lanzó su propio proyecto, Noel Gallagher’s High-Flying Birds.

A pesar de su disolución, el legado de Oasis sigue siendo significativo. La banda no solo dejó una impronta duradera en la música británica, sino que también inspiró a una nueva generación de músicos y fanáticos. Sus canciones continúan siendo ampliamente escuchadas y apreciadas, y el impacto de sus álbumes sigue resonando en la cultura popular.

La historia de Oasis es una de éxito, rivalidad y resiliencia. Desde sus humildes comienzos hasta su ascenso meteórico y eventual caída, la banda ha dejado una huella imborrable en la historia de la música. Oasis no solo definió una década, sino que también demostró que, incluso en medio de la turbulencia, la pasión y la creatividad pueden crear algo verdaderamente grandioso.

El encuentro será este jueves 20, desde las 18, en la biblioteca Popular “Mariano Moreno”, donde se compartirá una tarde cultural, con la presencia de escritores locales: Lidia Nizetich, Griselda Flor, Diego Malina, Ricardo Lovaisa, Malvina Duarte y Piedad Bournot (participaron en concursos del Ente Cultural durante 2023).

Además, la música estará representada por Carlos Herrera y Rubén Varela, Mabel Zelanovich y sus alumnos: Octavio Puebla y Matías Muñoz, Virginia Bizcayzaco y Bautista Quiroga, cerrando con la actuación de Leandro Puebla.

También habrá exposición de trabajos artísticos de Sofía Robledo y sus alumnas: Mónica Acosta, Griselda Domínguez, María Coscia, Adriana Salvatierra, Marisa Rodríguez Lahitte, Graciela Carnevalle, Susana Sánchez y Paula Romero.

El 30 de abril se celebra en todo el mundo el Día Internacional del Jazz. Se pretende concientizar sobre la importancia del jazz como herramienta educativa y de promoción de la paz, el diálogo y la cooperación entre pueblos de todo el mundo.

Fue decretado por la UNESCO en el año 2011, con el objetivo de dar a conocer un movimiento musical de gran valor educativo, así como un recurso valioso que contribuye al intercambio cultural, al diálogo y la cooperación entre los pueblos a nivel mundial.

El jazz es un género musical que incluye melodías afroamericanas y mezclas de otros ritmos, basados en la improvisación y la libre interpretación.

Jazz emerged as an escape from life's challenges and obstacles. Decades later, its essence continues to captivate our hearts.What is it about Jazz that transcends time?This International #JazzDay, delve deeper into the eternal power of Jazz: https://t.co/kfTO3SL45u pic.twitter.com/DgcBalTFVo

Tuvo sus inicios en el siglo XIX en los Estados Unidos y en la actualidad se encuentra expandida alrededor del mundo.

Esta corriente musical se ha fusionado con otras tendencias y géneros musicales populares, como el Rock and Roll y el Blues.

La música siempre ha representado para los seres humanos un importante medio de comunicación, que aporta grandes beneficios.

En este sentido, el jazz es considerado como el lenguaje de las emociones, siendo una forma expresiva y auténtica que tiene la capacidad de humanizar y trascender en la transformación de las personas y de la sociedad.

A través de los años, han existido grandes músicos de jazz que ha dejado un importante legado para las nuevas generaciones. Es un estilo musical muy peculiar, que cada vez gana más adeptos en todo el mundo.

Grandes intérpretes del jazz han pasado a la historia por sus bellas canciones y composiciones inolvidables:

Uno de los más grandes saxofonistas y compositores de jazz. Perteneciente a la generación de los años 50, este gran músico compuso varias canciones que en la actualidad son interpretados por otros músicos reconocidos a nivel internacional.

Director de orquesta y afamado pianista. Dejó un vasto repertorio de canciones y llegó a producir un gran número de álbumes.

Gran pianista y compositor. Considerado como uno de los grandes representantes del jazz.

Una gran cantante de jazz norteamericana, que sigue teniendo una gran influencia en todo el mundo. Con una voz y un estilo únicos que la convirtió en una de las grandes cantantes de jazz de todos los tiempos.

La mejor cantante femenina de este género. Comenzó su carrera muy joven y tuvo la oportunidad de compartir escenario con grandes cantantes, como Louis Armstrong y Duke Ellington.

Por Juan Ignacio Novak

Tangology es el título del flamante proyecto que impulsa el bandoneonista Adrián Ruggiero en sintonía con el baterista Juan Corrao. Se trata de una fusión orgánica que se introduce en las sonoridades del jazz y el tango. Ahora, el grupo está a punto de presentar, el 26 de abril, el álbum debut “Potrero” conformado por siete temas que tienen al tango como lenguaje principal pero están arreglados e interpretados con un espíritu que tiene que ver con la libertad del jazz. Así, conviven allí el bandoneonista Aníbal Troilo, el saxofonista Wayne Shorter y composiciones originales de los integrantes del quinteto.

“Desde hace muchos años, el jazz comenzó a tomar otros estilos para sumar en su repertorio de standards e improvisaciones, temas de bossa nova o valses. Entonces ¿Por qué no podemos improvisar sobre los tangos? A pesar de que los tangueros de la más arraigada escuela no lo hubieran permitido. Creo que el tango fue rompiendo moldes a lo largo de estas últimas décadas y éste es un sonido que faltaba. No es ajeno el lenguaje tampoco, las armonías fluyen libremente y trabajamos mucho para transformar esta idea en arreglos musicales concretos que son los que caracterizan la solidez de este grupo”, expresó Adrián Ruggiero a este medio.

“Bustamante y Peña” (Juan Corrao), “Oblivion” (Astor Piazzolla), “Melodía de Arrabal” (Carlos Gardel - Alfredo Lepera), “Nuevos Viajes” (Adrián Ruggiero - Andrés Jorge), “Footprints / Romance de Barrio” (Wayne Shorter / Aníbal Troilo), “Toma Negra” (Adrián Ruggiero) y “Vieja Viola” (Humberto Correa) son los temas que conforman el álbum.

“Nos inspiró mucho el hecho de que todo pueda cantarse, que no sea un disco demasiado complejo sino más bien popular. Que los temas nos parezcan simples para improvisar y por supuesto hacer nuestros propios tangos fue un objetivo que nos motivó para seguir en este proceso de investigación y prueba. Hay dos temas que no quedaron en el disco y eso también fue una decisión que nos costó mucho tomar, pero finalmente sentimos que fue acertada”, explicó Ruggiero.

-El nombre del álbum, “Potrero”, tiene una connotación interesante. ¿Podrías profundizar en la analogía futbolera y cómo se refleja esa idea en la música del disco?

-Lo primero que tiene el potrero es el barro, esa esencia es la primera que queremos resaltar. Uno entra al jazz saltando una reja de alambre para jugar un partido, con toda la inocencia de un pibe atrás de una pelota, completamente improvisado. Casi siempre los jugadores son los mismos en este equipo, lo que lo hace más genial aún. Quiero aprovechar para presentar a los otros jugadores que son: Juan Corrao en batería y con quien realicé todo el trabajo de arreglos y producción del álbum, Andrés Jorge en saxo barítono, Gonzalo Aldás en bajo y Dante Picca en el piano.

Grabar al lado del Monumental

-¿Cómo fue la grabación del álbum en el estudio Cultura Kamikaze? ¿Cómo es el lugar? ¿De qué manera influyó ese entorno en el resultado final?

-Cultura Kamikaze es nuestra sala, así que fue como grabar en casa. Acá se graban discos principalmente vinculados al tango, al jazz y al folclore, se realiza un festival anual y también es la sede de la Fábrica Argentina de Tango que es una asociación civil con la que difundimos el género con un montón de actividades de inclusión social y acercamiento a la comunidad desde diversas perspectivas. Se realizan también trabajos de herrería artística, serigrafía y otras locuras. Queda a media cuadra de la cancha de River Plate, El Monumental, esto fue un tremendo disparador para el nombre. En cuanto al disco en sí, la ingeniería de sonido la hizo Nico Acosta, él es “El Portugués” de Cultura Kamikaze. Además de este álbum grabamos unos cuantos otros en la sala estos últimos años. Sumamos para la mezcla a Florencio Justo, con quien encontramos un sonido original y eso nos hace felices ya que fue desde el comienzo nuestra principal búsqueda.

La aparición de San Pugliese

-“Potrero” presenta una combinación inusual de instrumentos, como el bandoneón, el saxo barítono, la batería, el piano y el bajo. ¿Por qué esa instrumentación? ¿Cómo lograron equilibrar esos sonidos para dar cohesión al resultado final?

-La selección de instrumentos para “Potrero” fue fundamental para encontrar un sonido distintivo y abrazar el tango con el jazz de manera orgánica. Cada instrumento fue elegido, como en un partido de potrero, por el rol que cumplen en el equipo. Tenemos batería y bajo jugando en el fondo, mitad de cancha el piano y te diría que los goles los suelen hacer el fueye y el saxo.

-¿Podés compartir algunas anécdotas interesantes o momentos destacados durante el proceso de producción del álbum?

-Te contaría que Vieja Viola salió en una sola toma que no volvió a repetirse jamás. En momentos como ésos es donde pensás que las cosas están saliendo bien, pero en la segunda jornada tuvimos un problema técnico con la grabación y no fue hasta que apareció San Pugliese que pudimos retomar la jornada. Preocupados por lo que había pasado, pensamos que había sido un desastre pero al oírlo no podíamos creer lo que sonaba.

El género sigue vivo

-¿Cuál es el mensaje o la emoción principal que esperás transmitir a los oyentes a través de "Potrero"?

-A través de “Potrero”, esperamos transmitir una visión de un tango nuevo que no tiene fronteras ni estructuras, que el género sigue vivo en infinitas formas y ésta es una que faltaba decir. Más allá de las palabras, es nuestro deseo que la música toque el corazón y se abran las puertas donde sea que suene alguna melodía.

La 66ª edición de los premios Grammy se celebra este domingo en Los Ángeles con el presentador y comediante Trevor Noah como maestro de ceremonias.

La noche se ha caracterizado por tener emotivas presentaciones como la de Tracy Chapman junto al cantante de música country Luke Combs, que interpretaron el clásico Fast Car, o el abrazo que le dio Miley Cyrus a su ídolo, Mariah Carey.

También se emocionó la cantante colombiana Karol G, quien recibió su primer Grammy anglo, y lo hizo de mano de su compatriota Maluma, quien estaba acompañado de Cristina Aguilera.

La más nominada de la noche, SZA, se llevó el premio a la mejor canción R&B, una categoría que ganaron anteriormente artistas como Beyoncé y Whitney Houston.

Además, la banda irlandesa U2 interpretó una de sus nuevas canciones desde la famosa esfera de Las Vegas, además de anunciar el primer Grammy de la noche para la que se espera, sea la favorita: Taylor Swift.

Por su parte, los Beatles se llevaron un Grammy al mejor video musical por el nuevo videoclip animado de I'm Only Sleeping.

Mejor interpretación pop en solitario: Miley Cyrus - Flowers

Mejor actuación de dúo/grupo pop: SZA Featuring Phoebe Bridgers - Ghost in the Machine

Mejor álbum de música urbana: Karol G - Mañana será bonito

Mejor canción R&B: SZA - Snooze

Mejor álbum vocal pop: Taylor Swift - Midnights

Mejor grabación pop dance: Kylie Minogue - Padam Padam

Mejor álbum country: Lainey Wilson - Bell Bottom Country

Mejor álbum rap: Killer Mike - Michael

Mejor canción rap: Killer Mike ft André 3000, Future y Eryn Allen Kane - Scientists & Engineers

Mejor actuación rap: Killer Mike ft André 3000, Future y Eryn Allen Kane - Scientists & Engineers

Mejor álbum rock: Paramore - This Is Why

Mejor actuación rock: Boygenius - Not Strong Enough

Mejor canción rock: Boygenius - Not Strong Enough

Mejor grabación dance/electrónica: Skrillex, Fred again.. & Flowdan - Rumble

Mejor álbum dance/electronica: Fred again.. - Actual Life 3 (January 1 - September 9 2022)

Mejor álbum latino tropical: Siembra: 45º Aniversario (En Vivo en el Coliseo de Puerto Rico, 14 de Mayo 2022) - Rubén Blades Con Roberto Delgado & Orquesta

Mejor álbum de música mexicana (incluído tejano): GÉNESIS - Peso Pluma

Mejor álbum pop tradicional vocal: Laufey - Bewitched

Mejor álbum de americana: Jason Isbell and the 400 Unit - Weathervanes

Mejor actuación metal: Metallica - 72 seasons

Mejor audiolibro o grabación narrada: Michelle Obama - The Light We Carry: Overcoming In Uncertain Times

Mejor actuación música alternativa: Paramore - This Is Why

Mejor álbum R&B: Victoria Monét - Jaguar II

Mejor actuación rap melódico: Lil Durk feat J Cole - All My Life

Compositor del año, no clásico: Theron Thomas

Mejor actuación country en solitario: Chris Stapleton - White Horse

Mejor canción country: Chris Stapleton - White Horse

Mejor actuación de americana: Brandy Clark ft. Brandi Carlile - Dear Insecurity

Mejor video musical: The Beatles - I'm Only Sleeping

Mejor banda sonora para medios visuales: Ludwig Göransson - Oppenheimer

Mejor banda sonora compilatoria para medios visuales: Artistas varios - "Barbie, el álbum"

Mejor canción escrita para medios visuales: Billie Eilish - What Was I Made For?

Mejor banda sonora para videojuegos u otros medios interactivos: Star Wars Jedi: Survivor - Stephen Barton y Gordy Haab, compositores.

Mejor álbum de poesía hablada: The Light Inside - J. Ivy

Mejor álbum de música global: This Moment - Shakti

Mejor álbum gospel: All Things New: Live In Orlando - Tye Tribbett

Mejor interpretación gospel: All Things - Kirk Franklin

Mejor álbum de raíces gospel: Echoes Of The South - Blind Boys Of Alabama

Mejor canción de raíces estadounidenses: Cast Iron Skillet - Jason Isbell, compositor (Jason Isbell And The 400 Unit)

Mejor álbum de blues tradicional: All My Love For You - Bobby Rush

Mejor álbum de blues contemporáneo: Blood Harmony - Larkin Poe

Mejor filme musical: Moonage Daydream - (David Bowie) Brett Morgen, director de video

Mejor álbum de comedia: What's In A Name?- Dave Chappelle

Mejor álbum de teatro musical: Some Like It Hot

Una de las primeras ganadoras en la gran noche de la música fue la australiana Kylie Minogue, que se llevó el premio a mejor grabación pop por Padam Padam, el éxito que se convirtió en una sensación viral el año pasado.

Billie Eilish, Boygenius, SZA y Joni Mitchell se llevaron premios en la "ceremonia premiere" que precedió al evento principal.

La música de Taylor Swift, y del resto de artistas que forman la cartera de la firma Universal Music, dejará de estar disponible en TikTok, como consecuencia de la falta de acuerdo entre las dos compañías tras varios meses de negociaciones.

Así lo confirmó la propia compañía, quien acusa a TikTok de abusar de su posición para pagar solo una fracción de lo que pagan otras plataformas y redes sociales por acceder a su catálogo de música.

Por este motivo, la plataforma dejará de contar con la licencia para utilizar música de los artistas de su discográfica en su plataforma. Como consecuencia de ello, las canciones de artistas como Taylor Swift, Drake o The Weeknd ya no se podrán usar dentro de la red social.

La falta de acuerdo se debe a una cuestión económica. TikTok no parecía dispuesta a pagar los miles de millones anuales que otras compañías pagan a Universal Music en concepto de regalías, incluyendo Meta, Apple o Spotify, y esperaba que Universal rebajase la cuota hasta el punto de pagar menos dinero del que estaba pagando hasta ahora.

Desde Universal afirman en un comunicado que la cantidad ofrecida estaba muy por debajo del valor justo del mercado, y no reflejaba el crecimiento exponencial del que TikTok se ha beneficiado en estos últimos años.

Del mismo modo, no parece estar del todo de acuerdo con la decisión de la aplicación de abrir la puerta a la música generada con IA dentro de su red social. Sobre todo aquella que emplea técnicas de clonación de voz.

Emilia Mernes sigue anticipando parte de su nuevo material a través de las redes sociales.

En las últimas horas, la cantante posteó en redes más data sobre el videoclip de “La versión original”, de su álbum MP3.

La novedad es la participación de Tini Stoessel, quien en esta oportunidad es una de las artistas invitadas a colaborar con el proyecto.

En un adelanto del videoclip que ambas publicaron en sus perfiles de Instagram, se las puede ver cantando juntas.

El posteo de Tini para anticipar el videoclip

Pero es al final del tape el momento en el que sorprendieron a sus seguidores. ¿Cómo? Con un fogoso beso con el que revolucionaron las redes.

Entre los comentarios más destacados, se encontraron el de Antonela Roccuzzo, la esposa de Lionel Messi, quien no dudó en aplaudir el video con muchos emojies de fueguitos.

Por su parte, Tini le escribió a su colega: “Ah, Emilia”, en letras mayúsculas. Sofía Jujuy Jiménez exclamó: “Ay, amo”. Mientras, su íntimo amigo, Lizardo Ponce escribió junto a la imagen: “Al fin”.

De esta manera, quedó resuelto el misterio sobre quién sería una de las famosas en acompañar a Emilia en su nuevo trabajo.

Emilia ya había recibido el saludo de su colega con motivo de su cumpleaños número 27 el sábado pasado. “Feliz cumpleaños mi amor, te quiero”, escribió la intérprete de la Triple T sobre la fotografía de su colega con una torta rosa con ositos.

Durante la celebración, la artista se vistió completamente de rosado, con un look que recordaba el comienzo de los años 2000, con una estética de principio del milenio.

Sin embargo, el detalle de toda la ambientación de la fiesta no fue una casualidad. Su nuevo álbum, MP3, está inspirado en la música de aquella época y también en la moda que se usaba entonces.

Mernes se vistió con un conjunto rosa de satén compuesto por un corpiño con dos corazones, guantes y una pollera tiro bajo con volados y strass a la altura de su cadera. Además, usó lentes de sol a tono y unas botas con plataforma altísima y apliques sobre su pierna.

Quien estuvo presente fue su novio, Duki. En el momento de soplar las velitas, le dedicó unas emotivas palabras y también el trapero compartió algunas imágenes en sus redes sociales.

“Feliz cumple, te amo, mi amor, te merecés el cielo”, escribió en su Instagram, en donde tiene casi 13 millones de seguidores.

La "China" Suárez también fue una de las invitadas a la celebración del cumpleaños. Con un conjunto de ropa parecido al de la cumpleañera, la ex Casi Ángeles se mostró con un conjunto de corpiño y pollera de piel sintética, o simil peluche, acorde a la moda de hace 20 años.

También llevó una campera haciendo juego y una vincha sobre su cabeza. Después, durante la fiesta, se la quitó y se dejó un moño blanco que le permitía sujetar su larga cabellera.

Al día siguiente, la cantante agradeció a todos los presentes por haber estado junto a ella en el festejo. A través de sus redes sociales posteó las fotografías del evento con una especial dedicatoria.

“Gracias por esta noche tan especial. Volvimos a los 2000. Al final del carrete les dejé una sorpresa. MP3 ya casi out, qué emoción. Los amo”. En ese caso se refería al álbum que anticipó este martes con el videoclip con la participación de Tini y el apasionado beso entre las dos.

Mientras el rock argentino se debatía a grandes rasgos entre los sonidos rockeros, que tenían a Pappo´s Blues y La Pesada como principales referentes, y el movimiento conocido como "Acusticazo", con Sui Generis, Raúl Porchetto y León Gieco a la cabeza; Luis Alberto Spinetta entregaba en los primeros días de octubre de 1973 "Artaud", su obra más personal e inescrutable, que no permitía referencias claras con ningún otro trabajo a nivel local e, incluso internacional, y ni siquiera un diálogo directo con ninguna de las propuestas anteriores o posteriores que conformaron su extensa discografía. Al igual que su particular portada de forma irregular, imposible de ordenar en las bateas de las disquerías, el álbum contenía una música minimalista en su instrumentación pero extremadamente compleja y atípica en cuanto a su contenido melódico, armónico y lírico; que tomaba debida distancia de Pescado Rabioso, el anterior proyecto de marcado corte rockero del autor, aunque tampoco abría un camino o daba pistas respecto al futuro que comenzaría a tomar forma bajo el trío Invisible.

Aunque el disco fue lanzado como si se tratara de la tercera producción de Pescado Rabioso, en realidad fue el primer trabajo solista de Spinetta, pergeñado en medio de un proceso creativo marcado por el regreso a su mítica casa familiar de la calle Arribeños, en el porteño Bajo Belgrano; el inicio de la relación amorosa y la convivencia con Patricia Zalazar, quien iba a convertirse en la madre de sus cuatro hijos; el final de una etapa signada por la lectura y el intento de experimentar el estilo de vida de los "poetas malditos"; y cierto desencanto con el mundillo rockero.

Precisamente, para su grabación, el músico apeló a sus viejos amigos de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García, compinches además de sus sueños adolescentes; y de su hermano menor, Gustavo Spinetta, con quien en esos días compartía la habitación en la que dormía junto a Patricia, lo cual lo convertía en un testigo partícipe de la composición de aquellas canciones.

"Yo creo que fue un disco que viene de la necesidad de volcar un material que tal vez no se llevaba bien con Pescado Rabioso. Yo relaciono a Pescado con el hard rock, a pesar de que Luis siempre conservó una libertad muy grande en sus obras, en donde aparecen elementos muy diferentes todo el tiempo. Pero él tenía muchas ganas de volcar cosas que le estaban sucediendo musicalmente y en la vida privada. Seguramente, todo eso lo motivó a componer canciones que por ahí no cuadraban en lo que era Pescado Rabioso", consideró Gustavo Spinetta en diálogo con Télam.

"Luis eligió llamarnos a Rodolfo y a mí, y al hermano porque necesitaba un entorno amigable, familiar, de gente que lo quería y lo respetaba. Se ve que se sentía un poco dañado por el final de Pescado; no porque algunos de Pescado lo hayan dañado a él, pero por una cuestión de sensibilidad necesitaba estar un poco apañado y protegido", recordó, por su parte, Del Guercio, a pedido de esta agencia.

El llamado de Luis a la vecina casa familiar de Emilio de la calle Montañeses llegó luego de una gira por Córdoba de Aquelarre, el proyecto en el que el bajista estaba embarcado en esos días junto a García, el guitarrista Héctor Starc y el tecladista Hugo González Neira; y la invitación para participar del disco incluyó un pedido especial para que llevara el bajo Repiso utilizado en la grabación de la gran mayoría de los temas de Almendra.

Para Gustavo Spinetta, ese período fue "un volver al hogar y volver a una esencia que no pudo soslayar. Fue el regreso a esa fuente que nunca dejó de estar, un universo que nunca dejó de existir, que estaba ahí y era imperioso hacerlo visible".

El baterista, que aportó su toque en los temas "Cementerio Club" y "Bajan", en lo que fue su debut absoluto a nivel discográfico, recordó que "había un clima muy pasional, con los sentimientos a flor de piel" en el hogar de Arribeños, a partir del regreso de Luis, en ese caso, junto a su flamante pareja.

"Me acuerdo de verlo tirado en la cama con Patricia, tocando la guitarra, componiendo, dibujando. Era una antena buscando elementos, siempre a la pesca de alguna idea que tenía en el bocho, buscando resolver alguna frase que tenía", describió Gustavo.

En coincidencia con lo dicho por su hermano sobre el estado creativo que atravesaba Luis, Del Guercio señaló que "Si bien se 'rockerizó' un poco saliendo de Almendra, que era mas lirico, y se puso mas duro en Pescado, en realidad toda esa cosa compositiva más amplia que tenia se empezó a frustrar porque la banda quería tocar mas rock y blues".

"A nivel artístico, siempre fue un muchacho súper creativo, siempre tratando de inventar cosas nuevas, sonidos nuevos, buscaba mucho armonías. De alguna manera, en `Artaud´ aparece nuevamente esa cancionística tan linda que tenía y, de alguna manera, fue como el inicio para explorar cosas nuevamente en ese campo", apuntó el bajista.

En el marco de las celebraciones por los 50 años de esta obra, Adrián Iaies se hizo cargo de una lectura sinfónica que subió a escena en mayo pasado, nada menos que en el Teatro Colón, en una velada en la que el pianista manifestó que se trata de un disco que "no tiene secuelas ni precuelas, incluso en el rock internacional".

"Es un disco único, como una especie de meteorito que vino del espacio y cayó en algún lugar de la Tierra. No es un disco que haya dejado un camino. Pudo haber sido una influencia en el sentido de lo motivador que pudo haber sido para algún músico el escucharlo, pero no en el sentido más textual. Fue algo que pasó y se fue", reafirmó ante la consulta de Télam.

Y se explayó al respecto: "La forma de las canciones de `Artaud´ es asimética. No está la idea de canción pop, con estrofa y estribillo. Las formas de las canciones son muy abiertas, aparecen elementos que no se repiten, no sabés cuál es el estribillo. Desde ese punto de vista es muy original".

Aunque toda la obra de Spinetta se caracteriza por el uso de acordes que no son tradicionales, en "Artaud" hay una forma de armonizar, según Iaies, que lo emparentan con la música impresionista de Claude Debussy y Maurice Ravel.

"Hay mucha armonía no funcional, un uso de acordes que están ahí no porque cumplen una función, sino porque generan un cierto color. Y esos elementos impresionistas incluso están en la poética. Hay frases y palabras que están por el color que generan y no por su significado", indicó.

El clima hogareño en el que "Artaud" tomó forma se trasladó al estudio a la hora de registrar el álbum, según el relato de su hermano Gustavo y de su excompañero de Almendra.

"Yo me sentía un poco cortando clavos porque era una responsabilidad muy grande. Era mi primera vez y sentía como que todo el mundo esperaba de mí la misma genialidad que Luis. Era como un apriete", confesó el menor de los Spinetta, pero afirmó que más allá de su sentimiento personal, "todo fluyó muy bien".

"Hubo unos ensayos previos en donde pasamos los temas pero no fue un proceso largo, fue sacar los beats, la armadura de los temas, y luego fue ir para adelante. Es más, en `Bajan´ había una parte que me costaba un poco e hicimos algunas tomas, pero no muchas. No se hicieron sobregrabaciones, solo para sumar alguna guitarra más", contó Gustavo.

"Fue lindo porque teníamos ahí un sustrato de afecto imborrable. No ensayamos antes, lo hicimos ahí en el estudio. Creo que él tenía una necesidad de reencontrarse con Rodo y conmigo, pero también sabía que nosotros estábamos muy afianzados y le íbamos a dar una garantía como base para ejecutar esas canciones. No nos resultó difícil porque, si bien él estaba en otra etapa, el lenguaje de las cosas que hacía Luis nos era familiar y sabíamos como abordarlas. Siempre que nos juntamos, existió esa recreación del espíritu inicial que nos conectó de tan chicos y, de alguna manera, es el certificado de nacimiento de nosotros como artistas", expresó Del Guercio.

La realidad es que este disco que cumple 50 años ocupa un lugar fundamental en la historia de Spinetta y se ubica como una de las mejores obras del rock argentino.

"Luis ha generado música tan increíble que podría dejar en un segundo plano lo que pasó en `Artaud´ pero no ocurre, y si no ocurre es por algo. Hay ahí una pasta muy especial, como que el chef hizo magia", opinó su hermano Gustavo.

Camilo Joaquín Villaruel, conocido artísticamente como Milo J, estrenó junto a Bizarrap 4 canciones: “Toy en el Mic”, “No soy Eterno”, “Fruto” y “Penas de Antaño”. El anuncio junto a Guillermo Francella hace unos dias, generó muchas suposiciones de quien acompañaría al productor de "Shakira sessions #53.

Los artistas, que reúnen dos generaciones, hicieron explotar las redes con el anuncio y Milo J se convirtió en el más joven en grabar una BZRP Music Sessions con tan solo 16 años.

Con un trailer de película y la presencia de Guillermo Francella, Bizarrap tuvo en expectativa a sus millones de seguidores alrededor del mundo. Dejando en claro que la innovación es una de sus más destacadas herramientas, anunció así su próxima BZRP MUSIC SESSIONS, la número #57 junto MILO J.

La gran sorpresa fue que el estreno incluía 4 temas, canciones que formaron parte del recorrido hacia la session y que las titularon “Toy en el Mic”, “No soy Eterno”, “Fruto” y “Penas de Antaño”. Todas bajo el nombre de “en dormir sin Madrid”.

Este estreno viene acompañado con un video de 13 minutos de duración, en el que cada canción tiene su propio videoclip, donde Bizarrap sigue demostrando su innovación en el arte visual.

Milo que creció escuchando a Duki, Bizarrap, Nicki Nicole, entre otros referentes del movimiento argentino que hoy llevan la antorcha en alto, viene a ser el representante de la nueva generación de artistas que redoblan la apuesta. Ahora se sube al escenario y graba temas con quienes fueron sus ídolos y maestros, siendo un orgullo para toda una camada de jóvenes que vienen anunciándose y elevando su voz desde diferentes lugares.

Con influencias no solo de los artistas mencionados, sino también del candombe y la música rioplatense, Milo demuestra a todos aquellos que esperaban cantantes internacionales en esta Sessions, que el talento nacional todavía tiene mucho que enseñar.

La admiración y el respeto obtenido en poco tiempo por MILO J por parte de los artistas más relevantes de la escena lo volvió el favorito de una audiencia que crece constantemente. Letrista increíble que sabe jugar y fusionar géneros con un talento nato, Milo expresa su mensaje contundente desde una composición y lírica tan únicas como poderosas.

“Soy un melómano, me di cuenta que no puedo vivir sin escuchar música” dijo hace un tiempo MILO J y esas palabras hoy más que nunca resuenan a su alrededor, porque este joven artista de 16 años tiene muy claro cuales son sus sueños y está decidido a hacerlos realidad.

MILO J es el artista revelación del 2023. Con tan solo 16 años, demuestra una gran versatilidad artística. Es cantante, autor y compositor y sabe desenvolverse en todo tipo de canciones, tanto en boleros como en temas de trap, rap y R&B. Llegó a estar entre los 500 artistas más escuchados del mundo en Spotify.

Eugenia la China Suárez está enfocándose en su carrera musical, habiendo firmado un contrato con una discográfica en Estados Unidos.

En esta ocasión, presentó "El amor que tu me das", una canción de cumbia que canta junto a Rodrigo Tapari y que cuenta con la presencia de sus dos hijos más chicos, Magnolia y Amancio, en el videoclip.

"Yo no sabía que podías cambiarme la vida, que podía sentirme tan viva, llenaste mi parte vacía", dice parte de la canción, que la China dedica a sus grandes amores, sus hijos.

Respecto a la letra y el mensaje que desearon trasmitir, los cantantes aseguraron que "es un testimonio acerca de la importancia que generan los vínculos y el amor en todas sus formas, transmitiendo la conexión que tienen los artistas con sus familias".

Tiempo atrás, Eugenia había presentado "Pasatiempo" junto al rapero Ecko. "Te fuiste, me abandonaste y me olvidaste. Sabés que por ti mucho sufría, solo fui un pasatiempo para ti y yo pensaba que era feliz...", dice parte del tema, que tiene un ritmo que va desde la cumbia hasta el reggaetón.

Mientras que su última composición fue mucho más melancólica. "Desaniversario" también hablaba del desamor, pero lo hacía desde un lado mucho más triste.

El reconocido productor musical Bizarrap decidió cambiar su nombre de usuario por Bizapop en su cuenta de Instagram y esto despertó las alarmas en sus fanáticos, los cuales creen que se trate de una nueva canción y ya comenzaron a intentar descifrar de quién se trata.

Lo que hizo el artista fue cambiar el usuario de Instagram @bizarrap a @bizapop, e incluso modificó sus icónicas sigas BZRP por BZPP, lo que generó la incertidumbre de todos sus seguidores. A su vez, comentaron las teorías, ya que es de público conocimiento que el productor hace grandes publicidades a la hora de anunciar sus nuevas canciones.

El cambio de perfil de Instagram de Bizarrap.

Por otra parte, mediante la red social X, antes Twitter, el artista le dio “Me gusta” a una publicación que da a entender que esta decisión forma parte de un nuevo lanzamiento. “¿Bizapop? Se viene algo de Bizarrap esta semana”, menciona la publicación.

Dentro de las teorías, muchos fans concuerdan con que se trataría de una session con Lali Espósito, lo que significaría un cambio enorme en sus Music Sessions, debido a que suelen ser una mezcla de trap, electrónica y hip hop.

Por otro lado, los fanáticos más fieles de la intérprete de “Quiénes son” aseguran que esta nueva canción tendrá mucha influencia del trap, por lo que podría tratarse de una burla hacia sus haters.

Bizarrap cambio su nombre de Instagram a Bizapop.

Dentro de los artistas que más se esperan para este tipo de producciones también aparece Tini Stoessel, aunque la posibilidad es mucho más baja.

La introducción reciente de María Becerra al mundo de la bachata, con video junto a Enrique Iglesias, también la descarta de este posible proyecto.

Teniendo en cuenta el nivel de producción que maneja el exitoso argentino, el anuncio podría tratarse de algo más que una simple sesión musical.

Con la presencia de Boom Boom Kid, Moris, Celsa Mel Gowland, Bruno Arias, y Edu Schmidt, entre otros, en el auditorio “Horacio Fontova” del Instituto Nacional de la Música (Inamu), el ministro de Cultura de la Nación, Tristán Bauer, y el presidente del Inamu, Bernabé “Buco” Cantlon, presentaron AMA, la primera agregadora digital pública.

AMA estará disponible a fin de año y brindará la posibilidad de mejorar el acceso y la circulación de música nacional en todas las plataformas digitales. Los y las músicas podrán poner a disposición sus obras, sin costo, y conocer con certeza el detalle de las liquidaciones por reproducciones. AMA ha sido desarrollada por el Inamu gracias a un convenio con el Ministerio de Cultura de la Nación que aportó los fondos para su implementación.

“Estas son problemáticas que tenemos que abordar y materializarlas, dar respuestas concretas. Tiene que ver con nuestra soberanía y con la defensa de los derechos de autor, con la accesibilidad, y con darles posibilidades a los músicos y a las músicas que están dando los primeros pasos. Hacen falta instituciones fuertes como es Inamu y el Ministerio de Cultura de la Nación, porque para todos los proyectos que nosotros desarrollamos necesitamos presupuesto para poder llevarlos adelante”, señaló Tristán Bauer.

El presidente del Inamu contó qué sucede cuando recorren las provincias dando charlas sobre Derechos Intelectuales. “Siempre surge una primera pregunta: ‘¿Cómo subimos nuestra música a las plataformas de streaming? ¿Cómo podemos cobrar por eso?’ Y encontramos distintas situaciones hasta gente que paga mucho dinero para poder tener su música como una herramienta de difusión en las plataformas”.

Así como antes existía el distribuidor que llevaba los discos en formato físico a las disquerías, hoy existen las agregadoras o distribuidoras digitales para que las obras estén disponibles en Spotify, Deezer, iTunes, YouTube, Tidal y otras. Los artistas no pueden subir directamente sus canciones, para esto es necesario un intermediario que se encargue de entregar la música en las plataformas digitales y recibir los fondos generados por las reproducciones. La mayoría de estas empresas son extranjeras con representación local. El Inamu ya realizó acuerdos con los principales servicios de streaming y con otras 100 plataformas.

Además, AMA, la agregadora nacional, tendrá dos beneficios extras. Por un lado, será una guía para que los artistas musicales conozcan sus derechos intelectuales y cómo realizar los diferentes trámites como el registro en DNDA, cobrar en Sadaic, entre otros. Y, por otro lado, será una herramienta fundamental que posicione a la actividad musical argentina en los diferentes espacios digitales (como playlists o recomendaciones).

Con esta herramienta, la actividad musical de nuestro país dará un paso importante, mejorando las condiciones de circulación y cobro de los derechos intelectuales.

Participaron de la presentación la vicepresidenta del Inamu, Charo Bogarín; el jefe de Gabinete de Asesores del Ministerio de Cultura de la Nación, Esteban Falcón; el director de Organismos Descentralizados, Sebastián Berardi; representantes de organizaciones de músicos, músicas, artistas referentes como Moris, Boom Boom Kid, Diego Boris, Celsa Mel Gowland, Bruno Arias, Edu Schmidt, entre otros. También acompañaron la iniciativa representantes de agregadoras digitales y de plataformas de streaming y la Mesa de la Industria y de la Actividad Musical, integrada por el Sindicato Argentino de Técnicas y Técnicos Escénicos (Sate), la Federación Argentina de Músicas y Músicos Independientes (Fa-Mi), Red Multisonora (RMS), la Asociación Argentina de Técnicas, técnicos e Ingenieras, ingenieros de Audio (Aatia), y la Unión de Músicas y Músicos Independientes (UMI).

“Recuerdos que no voy a olvidar” es el nombre de la primera muestra homenaje sobre la vida de Fito Páez, que se exhibe en la Argentina y cuenta con el auspicio del Ministerio de Cultura de la provincia de Santa Fe.

La exposición fue curada por los periodistas Sergio Rébori y Horacio Vargas y la inauguración se llevará adelante el próximo viernes 8 de septiembre, a las 19:00, en la Sala de las Miradas de Ciudad Cultural Lavardén, ubicada en calle Mendoza 1085 de Rosario.

Respecto de los curadores, Rébori es uno de los coleccionistas de rock más importante del país y fundador del icónico Museo Rosario Rock –cuyo archivo fue dispuesto para esta muestra–, en tanto que Vargas es jefe de redacción de Rosario/12, escritor y director de la revista Barullo, además de ser el autor de la primera biografía sobre Fito Páez “La vida después de la vida”.

La muestra se estructuró a partir de varias secciones: “Instantáneas de la calle”, un recorrido fotográfico que resume la vida de Páez con imágenes inéditas asociadas a su tiempo de vida en la ciudad; “El mundo cabe en una canción”, que abarca tapas de discos en distintos formatos –vinilos y casette–, digipacks originales de Cds, afiches, ilustraciones y programas de conciertos históricos; “El chico de la tapa”, una compilación de portadas de Páez en revistas argentinas y posters de colección. La exhibición se completa con la proyección de videos de distintos períodos de los primeros 30 años de la carrera musical del músico.

“Teníamos reunida una gran cantidad de material, cada uno desde su lugar: Sergio contaba con grandes bellezas y yo, con todo el material que recopilé para hacer la biografía”, cuenta Vargas, y destaca: “La idea era hacer un recorrido de la vida de Fito a través de fotografías, revistas, cuadros, dibujos, un poco de todo, en su ciudad natal y en el lugar donde todo empezó. Hay cosas inéditas y la idea es que la gente se sorprenda con la exposición”.

La muestra, que reúne una excepcional colección de fotos, dibujos, afiches, vinilos y programas de recitales, se mantendrá abierta al público hasta el 8 de octubre y se podrá recorrer de lunes a viernes de 10:00 a 19:00 con entrada libre y gratuita.

El Taller Municipal de Guitarra, a cargo del profesor Juan Enriquez, abre nuevos cupos para este último tramo del año, con dictados que se desarrollarán los lunes de 18 a 20.30 en la Vecinal Santa Rosa (Balcarce 4135) y los jueves en el mismo horario en la Vecinal Güemes (Giacaglia 138).

Pensado para alumnos y alumnas desde siete años en adelante, no se requieren conocimientos previos y la enseñanza parte de los conceptos básicos del instrumento.

Vale destacar que el año pasado el Taller Municipal de Guitarra superó los 120 alumnos inscriptos de todas las edades.

“Se trata de otra propuesta gratuita dentro de los Talleres Municipales 2023 y lo único que pedimos es el compromiso de los inscriptos con el trabajo de los talleristas”, puntualizó el director de Juventudes, Joni Martínez.

Informes e inscripciones: 3462-525867 o 3462-340778.