(Por Juan Ignacio Novak) - El 8 de diciembre, Día de la Inmaculada Concepción de la Virgen, es una de las fechas más queridas por los cristianos dentro del calendario litúrgico. Tiene, además, una resonancia especial en Santa Fe, donde el amor por la Madre de Jesús se expresa en la devoción masiva a Nuestra Señora de Guadalupe.

La Iglesia recuerda "la pureza y gracia de María de Nazaret, concebida libre de pecado original y presentada como modelo de fe y caridad". El Concilio de Trento fijó los primeros marcos rituales que veneran a María y tres siglos después, Pío IX proclamó el dogma que marcaría la tradición católica.

Desde entonces, la Virgen María es un símbolo que va más allá de lo meramente religioso, hasta convertirse en una iconografía fundamental del imaginario occidental.

Primera aparición de la Virgen de Guadalupe. Foto: Jerez de la Frontera (Cádiz), iglesia de San Miguel

Desde las catacumbas romanas decoradas por los cristianos perseguidos hasta los frescos góticos, desde las vírgenes humanizadas del Renacimiento hasta las interpretaciones subjetivas del siglo XX, María fue un "arquetipo".

Por eso, en este 8 de diciembre, en esta sección decidimos detenernos ante cinco obras esenciales que, desde distintas épocas y lugares, evocan la figura de la Virgen.

Jacob Cornelisz van Oostsanen, miembro de una célebre familia de artistas, desarrolló una producción que incluye 27 pinturas y alrededor de 200 xilografías. Su obra evolucionó desde el gótico tardío a una pincelada más libre y alargada.

En este óleo renacentista, perteneciente a la escuela flamenca, muestra una escena cotidiana de mucho color y movimiento, con varios personajes que "conviven" en el salón de una casa que, intuimos, pertenece a una clase social acomodada.

Hay algunas mujeres que atienden a la bebé y otro grupo que hace lo propio con la mamá, exhausta tras el parto. Mientras tanto otras mujeres (no hay varones) acompañan desde diversos roles. Cuatro ángeles controlan todo desde lo alto.

Museo Nacional de Bellas Artes.

Ángel M. Navarro, en un comentario a la obra que consta en la página del Museo Nacional de Bellas Artes, supone que Oostsanen "se ha inspirado en un grabado de Albrecht Dürer publicado en 1511, donde hallamos una resolución similar".

"Sin embargo -dice- ha introducido un punto de vista alto que permite detallar los diferentes grupos y mostrar los objetos que utilizan al tiempo que ha alterado sus proporciones en altura; ha variado el número de personajes conservando algunas poses y actitudes".

Esta escena cotidiana, casi profana por su grado de intimidad, aborda el misterio mariano desde una perspectiva profundamente humana, a tono con el eje renacentista.

Esta obra permite acercarse al estilo de Antonio María Esquivel y Suárez de Urbina, pintor cuya trayectoria estuvo marcada por la adversidad. Una enfermedad lo dejó ciego en 1839, para luego recuperar la vista y reintegrarse al circuito artístico.

En la pintura hay una Virgen de resonancias clásicas, cuyo porte remite, según el Museo del Prado, tanto a la diosa Ceres como a las matronas romanas. El Espíritu Santo está representado a través de la paloma blanca, tal como está descrito en el Evangelio de San Mateo.

Museo del Prado.

A ello se suma el "característico recuerdo murillesco" de la técnica del pintor, presente en la delicadeza de los ángeles que están al fondo. Que, en esta obra, articula la tradición barroca con una mirada sobre lo que estaban haciendo sus contemporáneos, en particular los franceses.

Además de la impronta más recostada sobre lo devocional, la composición muestra a una Virgen idealizada en su belleza, pero todavía muy unida con la humanidad del Niño sostenido en sus brazos.

Pocas imágenes marianas tuvieron tanto eco en la iconografía católica como las de Bartolomé Murillo, maestro sevillano que contó con muchos seguidores e imitadores, llegando a ser en su momento uno de los pintores más conocidos fuera de España.

Según el MET de Nueva York, "las numerosas representaciones de la Virgen con el Niño realizadas por Murillo tuvieron un éxito enorme".

MET de Nueva York.

Esto es, según la misma fuente, porque "dotó a un tema católico convencional de una intimidad renovada mediante un modelado suave y detalles naturalistas, como el desvío momentáneo de la atención del niño mientras amamanta, casi como si respondiera a la presencia del espectador".

Esta mirada, tan diferente a la majestuosidad del barroco contrarreformista, dio pie a otra forma de sensibilidad mariana desde el siglo XVII.

O sea, una Virgen más humanizada, que abraza a Jesús y a todos los creyentes. Una figura que está mucho más cerca de la idea de la "madre" que hasta hoy suele aparecer en los encuentros de catequesis en las parroquias.

Encargado por Luis XII de Francia, esta obra se inscribe en el período de madurez de Leonardo y descansa hoy en el Museo del Louvre. La Virgen, sentada en el regazo de Santa Ana, sostiene al Niño Jesús que sostiene a un cordero.

La pieza tiene una estructura compositiva piramidal donde están las tres generaciones (abuela, madre, niño) y se pone acento en la interacción entre las figuras. Solo con una ojeada, el espectador comprende la relación que une a los personajes.

Museo del Louvre

Un artículo de Infobae señala un curiosidad. "La pieza, que data hacia 1508-1510, tiene una 'hermana' anterior, el llamado Cartón de Burlington House, que se encuentra en la National Gallery de Londres, aunque en ésta se incluye a San Juan Bautista en vez del cordero".

Creada entre 1489 y 1490 para la iglesia del monasterio de Cestello, esta obra del maestro florentino Sandro Botticelli es una de las más bellas representaciones del anuncio del ángel Gabriel a María.

Según la Galería Uffizi, "la obra representa el momento en que el ángel se presenta a María. Nos damos cuenta de su velo, todavía levantado. La Virgen estaba leyendo, pero se vuelve hacia el hombre".

"Los dos se miran profundamente. El ángel dona a la joven un lirio blanco: es el símbolo de la pureza. Las dos figuras se representan de forma dinámica, ambas en el curso de un movimiento", completa la misma fuente.

Galería Uffizi

El paisaje del fondo intensifica lo espiritual del momento. Botticelli logra una síntesis entre delicadeza y tensión, entre la aceptación y el desconcierto ante el anuncio divino.

Estas cinco obras, como si fueran cinco ventanas hacia lo sagrado, permiten recorrer, comprender y sentir el camino de una devoción que lleva siglos inspirando al arte occidental.

El palacio de Versalles fue evacuado este sábado, como antes lo fue el museo del Louvre de París, también por una amenaza de bomba, al día siguiente de que un joven checheno islamista matase a un profesor dentro de un liceo de Arrás (norte), informaron los medios locales.

Estas mismas fuentes indicaron que el palacio, situado a unos 25 kilómetros de París, no volverá a abrir tras la evacuación, que afectó a miles de turistas.

Las alerta de bomba vino de un mensaje anónimo colgado en una página web, no identificada hasta el momento. Las autoridades no han informado sobre posibles incidentes durante la evacuación.

El Palacio de Versalles, emblemático monumento del siglo XVII, recibe cada año en torno a siete millones de personas, una cifra que sitúa a este conjunto arquitectónico como una de las atracciones turísticas más visitadas del mundo.

Unas horas antes, fue evacuado el Louvre, catalogado como el museo con más visitas del planeta.

Ambas evacuaciones suceden un día más tarde de que el joven checheno Mohamed M. matase este viernes a cuchilladas al profesor de un liceo Dominique Bernard, de 57 años, dentro del instituto Gambetta de Arrás (norte).

En medio de la conmoción por este nuevo ataque islamista, la presidencia francesa informó este sábado de que hasta 7.000 militares de la operación "Sentinelle" se desplegarán hasta este lunes por todo el territorio francés en respuesta a la elevación de la alerta terrorista.

Desde 2012, los atentados yihadistas en Francia han matado a 272 personas y heridos a 1.200, sobre todo en 2015 y 2016.  

[vc_row][vc_column][vc_column_text]En un insólito episodio ocurrido en el Museo de Louvre de París, un hombre que se movilizaba en sillas de ruedas y que tenía colocada una peluca le arrojó una torta de nata al cuadro “La Gioconda”, la famosa obra de Leonardo Da Vinci. 

Aunque las imágenes son más impactantes y ya recorren el mundo, desde el museo informaron que el cuadro no se vio vandalizado ya que un vidrio antibalas lo protege. Antes de tirarle la torta el hombre en cuestión había querido romper la seguridad de cristal que la resguarda. La seguridad del lugar actuó rápidamente y la persona fue detenida. 

Según testigos del momento sospechan que este tipo de acto vandálico estuvo relacionado a un tema ecológico ya que se lo escuchó gritar: “Piensen en la tierra, hay gente que está destruyendo la tierra. Todos los artistas piensen en la tierra. Por eso hice eso”, según reprodujeron medios internacionales. [/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_raw_html]JTNDaWZyYW1lJTIwc3JjJTNEJTIyJTJGJTJGY2RuLmp3cGxheWVyLmNvbSUyRnBsYXllcnMlMkZNRURJQUlELW9na202T2MzLmh0bWwlMjIlMjB3aWR0aCUzRCUyMjMyMCUyMiUyMGhlaWdodCUzRCUyMjI2MCUyMiUyMGZyYW1lYm9yZGVyJTNEJTIyMCUyMiUyMHNjcm9sbGluZyUzRCUyMmF1dG8lMjIlM0UlM0MlMkZpZnJhbWUlM0U=[/vc_raw_html][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Luego de ser detenido el agresor, personal del museo se encargó de ordenar la situación y limpiar el vidrio que había quedado manchado, mientras que los turistas que visitaban este icónico e histórico sitio empezaron a grabar el hecho. 

La pintura realizada por Da Vinci en 1503 ha sufrido diversos ataques. El primero fue en 1911 cuando un hombre la robó del museo Louvre, en donde pertenece resguardada desde 1797. 

El siguiente sucedió en 1956 cuando le rosearon ácido en la parte inferior y a fines de ese año le arrojaron una piedra que también ocasionó daños. En 1974 una mujer le arrojó pintura roja y el último sucedió en 2009 cuando una mujer enfurecida por la denegación de su solicitud de ciudadanía francesa, le arrojó una taza de cerámica. [/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]