(Por Ignacio Amarillo) - En un anuncio que marca un antes y un después en la historia del espectáculo en Argentina, DF Entertainment y Live Nation han confirmado que estarán a cargo de la renovación y el gerenciamiento integral del Estadio Luna Park por las próximas décadas. El acuerdo fue firmado con Estadio Luna Park S.A. y promete devolverle el brillo al mítico recinto porteño, elevándolo a los más altos estándares internacionales del entretenimiento en vivo.

Inaugurado en 1932 y declarado Monumento Histórico Nacional en 2007, el Luna Park no solo es una joya arquitectónica sino también un ícono cultural que ha albergado conciertos históricos de artistas como Frank Sinatra, Mercedes Sosa, Astor Piazzolla, Pavarotti y Sui Generis, además de eventos deportivos legendarios como las peleas de Carlos Monzón, Ringo Bonavena y José María Gatica. A pesar de su prestigioso legado, el estadio requiere “una profunda modernización”, algo que será abordado por esta alianza estratégica con una reapertura prevista para fines de 2027.

“La transformación será total, pero respetuosa del legado”, afirman desde DF Entertainment, productora responsable de traer a la Argentina a artistas como Coldplay, Taylor Swift y The Weeknd. “Es un inmenso honor haber sido elegidos para renovar el recinto cultural más importante de la historia de nuestro país”, sostuvo Diego Finkelstein, fundador de DF Entertainment, según se consigna en el comunicado conjunto de ambas empresas. “Vamos a poner todos nuestros recursos al servicio de esta transformación sin precedentes”.

Por su parte, Michael Rapino, presidente y CEO de Live Nation (la empresa de conciertos y venues más grande del planeta), remarcó: “Buenos Aires es una de las grandes capitales musicales del mundo, y el Luna Park está en el corazón de esa escena. Es un honor ser parte de su renovación y seguir conectando a los mejores artistas del mundo con el apasionado público argentino”.

La obra, liderada por el equipo internacional de desarrollo de Live Nation junto a estudios locales de arquitectura e ingeniería, contempla una restauración integral que respetará la estructura original del estadio, incluyendo sus históricas fachadas y cartelería. Al mismo tiempo, se proyecta una expansión que aumentará su capacidad, mejorará la acústica y visibilidad, y sumará comodidades y servicios de última generación.

Entre las novedades prometidas se destacan:

-Creación del Museo del Luna Park, un espacio dedicado a homenajear sus grandes hitos.

-Ampliación de áreas gastronómicas, camarines y zonas de producción.

-Incorporación de palcos y experiencias premium.

-Nuevas cocheras y mejoras en los accesos.

-Optimización de flujos para público y carga técnica.

-Implementación de sistemas de energía sustentable, alineados con estándares internacionales.

El objetivo que manifiesta la sociedad es que el Luna Park vuelva a ser un faro cultural para la ciudad y la región. Se espera una programación de más de 150 eventos anuales, entre espectáculos locales e internacionales, que reforzarán a Buenos Aires como una capital artística global.

“Queremos que el estadio recupere el brillo que lo caracterizó durante tantas décadas”, expresaron los accionistas del Estadio Luna Park S.A., al anunciar esta nueva etapa que proyecta al mítico recinto hacia su centenario, en 2032, más vigente que nunca.

(Por Nicolás Loyarte) - La esperada adaptación de El Eternauta, la icónica historieta argentina creada por Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López, llegó a Netflix con una producción de alto nivel que no solo rescata el espíritu original de la obra, sino que también rinde homenaje a símbolos profundos de la cultura nacional. Entre ellos, dos guiños musicales destacaron especialmente para los santafesinos: la presencia de Los Palmeras y la emblemática Misa Criolla de Ariel Ramírez.

El Eternauta interpela la condición humana, una vez más.

Uno de los momentos más comentados por el público santafesino fue la aparición de un cartel publicitario de un recital de Los Palmeras, la legendaria banda de cumbia de estas tierras, en una escena callejera que retrata la vida cotidiana antes de la nevada mortal. La imagen, fugaz pero significativa, actúa como un ancla emocional para los espectadores argentinos, evocando una identidad popular arraigada y celebrada a lo largo del país. Y más especial aun para los santafesinos.

El cartel del recital de Los Palmeras es original.

Es el minuto 9 del episodio 4. Juan Salvo, interpretado por Ricardo Darín, y Alfredo Favalli, a cargo del uruguayo César Troncoso, bajan de un auto sobre una calle de Buenos Aires completamente devastada por la nevada mortal que cubre toda la ciudad. Entre el caos ambiental y los restos de una civilización colapsada, puede observarse claramente una publicidad pegada en un cartel que anuncia un recital de Los Palmeras en el Luna Park, programado para el 15 de diciembre de 2022.

El afiche se viralizó de inmediato en las redes sociales y no pocos fueron a buscarlo en la plataforma. La mayoría de los mensajes eran de sorpresa, orgullo y pertenencia.

Santa Fe en El Eternauta. Esta imagen es sólo un montaje especial con el efecto de la serie, en la icónica playa de la Costanera Este de Santa Fe.

Más tarde el director de la serie, Bruno Stagnaro, se encargaría de contar lo que ocurrió y dijo que “no fue intencional”, ya que la producción de El Eternauta optó por mantener la ambientación real de las calles porteñas al momento de grabar. “Los elementos como ese cartel no fueron colocados por el equipo de arte”, aclaró. En otras palabras, la pegatina estaba allí al momento del rodaje, y su inclusión en la toma es parte de una decisión artística más general: preservar el entorno auténtico de la ciudad en medio del relato de ciencia ficción.

Este tipo de decisiones, explicó el propio director, buscan generar identificación con el público local, un objetivo que, en este caso, se logró con creces. Porque si hay algo que representa al ADN popular argentino —además de los asados y el fútbol—, es la cumbia de Los Palmeras, publicó el periódico porteño Infobae.

Y Los Palmeras no se quedaron atrás. Al toque publicaron un video en su perfil en Instagram en el que aparecen con máscaras y expresaron: “Ahora somos los Palmernautas, cantando y saltando entre nieve y aventuras. Si llega una invasión, tranqui: nosotros ponemos la cumbia”.

Más adelante, en una de las escenas más conmovedoras de la serie, cuando los protagonistas ingresan a una iglesia buscando refugio, suena la voz inconfundible de Mercedes Sosa interpretando el Credo (chacarera trunca) de la Misa Criolla, una de las obras más universales de Ariel Ramírez, también oriundo de la ciudad de Santa Fe. La música, cargada de espiritualidad y resistencia, acompaña con solemnidad una escena clave que resalta los valores de comunidad y esperanza frente al desastre.

Como contó El Litoral hace un par de años atrás en el documental transmedia “Paisano Santafesino”, Ramírez compuso la Misa Criolla en 1964, inspirado por un profundo gesto de humanidad que vivió durante un viaje a Alemania en la posguerra. Allí, conoció a un grupo de mujeres alemanas que, en plena ocupación nazi, habían ayudado a escapar a prisioneros franceses, entre ellos un amigo suyo. Conmovido por ese acto de solidaridad, Ramírez decidió crear una obra que celebrara la fe, la paz y la hermandad entre los pueblos. La continuó y terminó en Santa Fe, ayudado por el Padre Catena, en la parroquia de Villa del Parque. Con textos en español y ritmos folclóricos argentinos como la chacarera, la baguala y el carnavalito, la Misa Criolla se convirtió en una pieza revolucionaria que llevó la música litúrgica latinoamericana al mundo.

Estas apariciones no son meros detalles de ambientación en El Eternauta: se sienten como una forma de celebrar la identidad argentina y santafesina dentro de una narrativa de ciencia ficción que, aunque universal en sus temas, está profundamente enraizada en el contexto social y cultural del país.

Así podría quedar el Puente Colgante de Santa Fe en El Eternauta. La imagen es un montaje.

Con estos homenajes, El Eternauta no solo revitaliza un clásico literario, sino que también reafirma la potencia simbólica de los íconos musicales del litoral. Una producción que, sin dudas, invita a mirar más allá de la historia y a reconocer en cada escena fragmentos de una memoria colectiva.

Cada 11 de mayo se conmemora en la Argentina el Día del Himno Nacional, una de las máximas expresiones patrióticas del país. Esta fecha recuerda la aprobación oficial de la marcha patriótica por parte de la Asamblea del Año XIII, en 1813. Compuesto por Vicente López y Planes (letra) y Blas Parera (música), el Himno Nacional Argentino ha sido desde entonces un símbolo de unidad, lucha y soberanía.

El contexto en el que nació el himno era el de un país en plena lucha por su independencia del dominio español. La Asamblea General Constituyente encargó la creación de una canción patriótica que pudiera representar los ideales revolucionarios. El 11 de mayo de 1813, se aprobó como "Marcha Patriótica", aunque fue conocida posteriormente como "Canción Patriótica Nacional" y finalmente como "Himno Nacional Argentino".

Lo que muchos desconocen es que la versión original del himno era considerablemente más extensa que la que se canta en actos oficiales hoy en día. Contaba con más de 20 versos y un tono marcadamente anti-español, acorde al fervor revolucionario de la época. Las estrofas hacían alusión directa a la lucha contra el dominio español, incluyendo referencias como:

"Españoles, en vano intentáisoponer resistencia a la libertad.Vuestros tronos ya caen a pedazos,y los pueblos reclaman su igualdad."

Con el paso del tiempo y tras la consolidación de la independencia, esos fragmentos dejaron de tener sentido práctico o diplomático. Por eso, en 1900, por decreto del presidente Julio Argentino Roca, se estableció una versión reducida y neutral, sin las estrofas más combativas, para que sea interpretada en actos oficiales y escolares. Esa es la versión que todos conocemos hoy, con una duración de aproximadamente tres minutos.

Blas Parera, el autor de la música, era un compositor catalán radicado en Buenos Aires. Su partitura original ha sido interpretada y adaptada en diversas formas a lo largo de los años, incluso por orquestas sinfónicas internacionales. El Himno Nacional Argentino fue también uno de los primeros himnos en ser grabado en disco, a comienzos del siglo XX, y su versión instrumental es obligatoria en emisiones televisivas y radiales a la medianoche.

Más allá de su uso institucional, el himno argentino ha atravesado géneros y generaciones. Ha sido interpretado por reconocidos artistas como Charly García, Mercedes Sosa, y Fito Páez, que han sabido imprimirle su sello personal, respetando siempre su esencia.

Además, en eventos deportivos internacionales, como los Juegos Olímpicos o los mundiales de fútbol, entonarlo se convierte en un acto de orgullo nacional, cargado de emoción colectiva.

Este 11 de mayo, en escuelas, plazas y edificios públicos de todo el país, se recordará la importancia de nuestro Himno Nacional como símbolo de libertad, unidad e identidad. Más allá de la música y la letra, es un legado que invita a reflexionar sobre la historia, los valores fundacionales de la Nación y el compromiso con el presente y el futuro.

(Por Ana Inés Dobal) - El Pre-Cosquín es uno de los eventos más destacados de la música y la danza folklórica en nuestro país. Cada año miles de artistas compiten en distintas sedes para llegar a cantar en el escenario Atahualpa Yupanqui, donde se desarrolla el festival. Y Cecilia Medero fue una de las representantes locales el pasado 4 de enero.

La vocalista interpretó su versión de “La Jardinera” de Violeta Parra en el escenario cordobés luego de ser preseleccionada entre muchos: “Este año participamos en el mes de noviembre en la sede de América (Buenos Aires), compitiendo con más de 20 participantes en mi rubro solista vocal y obtuvimos el primer ‘pase’ para actuar en el escenario mayor el 4 de enero”. 

Desde hacía dos años la artista padecía una disfonía que se acentuaba y casi no la dejaba cantar. En febrero de 2023 le descubrieron un pólipo en uno de sus pliegues vocales y se programó una cirugía para extirparlo. Pasaron tres meses y a una semana de la operación, ella sintió una mejora en su voz… repitieron un estudio y el pólipo había desaparecido. “Soy una mujer de fe y no tengo dudas de que fue un milagro, yo lo siento así”.

“Por eso, siento que el Pre-Cosquín era una asignatura pendiente este año, porque pasé de estar casi sin habla, con una voz ronca y soplada, a sentir que mi voz volvía a florecer y podía estar a la altura de otros cantantes en un certamen muy difícil", señaló Ceci.

“La experiencia fue hermosa, tanto en la sede de América, donde los jurados nos dieron una devolución maravillosa después de cantar, como en Cosquín. Si bien no pasamos a la final, tuvimos la oportunidad de conocer colegas, compañeros de camino muy talentosos, tanto en la danza como en el canto”, valorizó la intérprete santafesina.

“El Atahualpa Yupanqui tiene una magia, un algo, para quienes amamos el folklore, tal vez la magia de los grandes que lo han pisado, como Mercedes Sosa, Teresa Parodi, Horacio Guarany, Abel Pintos. Cantar ahí, parada en el mismo lugar que tantos grandes, y para tanta gente, es un regalo para el alma y un recuerdo imborrable”, reveló.

Esta es la tercera vez que Medero pisa el escenario, pues participó en 2017, en 2019 y en este enero de 2024. “Siempre es un sueño cumplido y ahora sigue el de ganar el certamen y tal vez se nos dé algún día, si volvemos a participar; por ahora estoy feliz con mi voz. El tema del criterio y evaluación del jurado es algo muy subjetivo, yo lo di todo y fui muy feliz”, manifestó, orgullosa, la cantante de Rufino.

Cecilia Medero fue acompañada en guitarra por Jorge Morales, quien además es su compañero en la vida, y por Nelson Astorga en piano, un ex compañero del conservatorio de música de Buenos Aires, donde la cantante se formó. “Dos músicos tremendos”, destacó la protagonista.

[vc_row][vc_column][vc_column_text](Por Mili López) – Hay canciones que marcan un momento puntual en la obra de un compositor. Si bien Ariel Ramírez compuso muchas canciones con una vara de calidad muy alta, es sin dudas “Alfonsina y el mar” su punto cúlmine. Lo sublime radica en la inspiración creativa que lejos de ser una composición trabajada surge, como decía Manolo Juárez, como “una fluida melodía de un solo trazo”. “Me senté al piano y la melodía salió sola”, contó innumerables veces Ariel, y esa genialidad -que se vio reflejada en esta composición exquisita con tintes jazzísticos, pasajes clásicos y aires de zamba- fue la puerta de entrada para que se convirtiera en un clásico popular.

“Alfonsina y el mar” nació para la voz de Mercedes Sosa, como todas las canciones que conformaron la obra conceptual Mujeres Argentinas grabada en 1969. Se formó así un trío insuperable, sumando a la dupla compositiva de Ariel Ramírez y Félix Luna, la interpretación de esta cantante que llevó estas canciones al rango de íconos culturales.

Esta zamba es un homenaje a la poetisa Alfonsina Storni, que se suicidó el 25 de octubre de 1938. Si bien Ramírez no la conoció personalmente, hubo un lazo vincular entre la poetisa y el compositor. Su padre Zenón Ramírez fue maestro de Alfonsina en una escuela en la localidad de Coronda. “Los primeros poemas que Alfonsina escribió se los enviaba a mi padre para que los leyera”, contó una vez Ariel, y ello le otorga otra relevancia y emotividad a esta obra.

“Cuando se la toqué a Mercedes y ella la cantó, le empezaron a caer lágrimas de sus ojos, me abrazó y me dijo: ‘Esto me llegó al alma y vamos a llegar a todos los rincones del país'” contó Ramírez. Lo cierto es que llegó a todos los escenarios del mundo, transformándose en una obra universal.

La partitura de “Alfonsina y el mar” dice tempo de zamba, y si bien en términos generales la forma y el ritmo se atienen a lo característico de esta danza, Ramírez introduce elementos que evidencian varias influencias en su composición: acordes dominantes, modulaciones propias del jazz y el lirismo melódico. Es un equilibrio justo entre tradicional y moderno.

En el sentido musical, la melodía comienza con alteraciones en relación con su tonalidad, lo que le imprime un sentido melancólico, buscado deliberadamente por el autor para crear la atmósfera trágica que relatan los versos de Félix Luna.

La introducción es típica de una zamba. En el interludio el piano del maestro toma relevancia y se luce en un lenguaje ligado al romanticismo europeo, si se permite beethoveniano. Un fiel reflejo de una característica de este compositor que son los puentes entre la música clásica y la música popular. En la segunda parte de la canción, la melodía va tomando más fuerza, más pasión, más tragedia, en un registro agudo.

Primero Ramírez compuso la música y luego Luna escribió los versos. Dice Sergio Pujol en su libro “Canciones Argentinas”: “No es un poema musicalizado, es una canción con letra ad hoc”. Así, “Falucho” se valió de la lectura de algunos poemas y de su trágico desenlace. La retrató como una heroína que buscaba ser comprendida. “Quería que se viera a Alfonsina como en una especie de entrega, y que se reflejara que era acogida por todos los habitantes del mar”, contó Félix Luna.

En la última estrofa hay una clara referencia a Voy a dormir, un poema escrito por Storni pocos días antes del suicidio y que envió a la redacción del Diario La Nación y fue publicado al día siguiente de su muerte. Bájame la lámpara un poco más/déjame que duerma nodriza, en paz/ Y si llama él no le digas que estoy/ Dile que Alfonsina no vuelve

Concluye Pujol: “La audición de Alfonsina y el mar ya no sólo evocará a Alfonsina Storni sino también a quienes la devolvieron al mundo en forma de canción”.

“Alfonsina y el mar” ha recorrido el mundo. Centenares de versiones de intérpretes de distintos países, con diferentes estilos musicales y en varios idiomas han hecho que esta canción crezca y llegue a públicos disímiles. La potencia de la historia y la fluidez de la melodía hizo que su escucha sea siempre emocionante.

La han grabado artistas como Lucho Gatica o Chabuca Grande, cantantes líricos como José Carreras y Plácido Domingo, cantantes de pop como el español Miguel Bosé, el cantaor español Diego El Cigala, los chilenos Inti Illimani y figuras de recorrido internacional dentro del mundo de la canción como Tania Libertad, Nana Mouskouri y Paloma San Basilio.

En nuestro país, la canción resonó en la voz de Patricia Sosa, Soledad Pastorutti, Charo Bogarin, la Bruja Salguero, Los Chalchaleros, Los Tucu Tucu, Jairo, Andrés Calamaro, Luis Salinas, Nahuel Penissi, Los Nocheros, entre muchos otros.

De las más recientes, la propuesta de los argentinos Adrián Iaies y Raúl Barboza, la versión del músico israelí Avishai Cohen acompañado solo por su contrabajo o la joven española Rita Payés con la guitarra de Elizabeth Roma son perlas para ser guardadas.

En 2021, después de 52 años de su composición, ¨Alfonsina y el mar¨ sigue siendo cita obligada del cancionero popular. La cantante mexicana Natalia Lafourcade la grabó en marzo y con una excelente versión la trapera Cazzu junto a Lito Vitale hicieron lo propio en el mes de julio. Mientras que Raly Barrionuevo la incluyó en su reciente trabajo “1972”.

¿Qué es lo que hace que esta zamba pueda ser cantada por artistas tan distintos y siempre transmita la misma emoción? Sin lugar a duda, su lirismo melódico y su calidad poética. Una excelsa composición que sabe transmitir la historia que quiere contar, con sus momentos expresivos a flor de piel. Una perlita de esta historia es que los restos de Ariel Ramírez y de Alfonsina Storni descansan en el Cementerio de la Chacarita a sólo cinco metros de distancia.

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