(Por Leonardo Pez) - En sintonía con el cumpleaños 73 de David Lebón, Planeta publicó “La magia de estar aquí” (2025), libro de memorias nacido a partir de charlas con Marcelo Fernández Bitar. La obra llega en un momento refundacional del multi-instrumentista argentino, abrazado por su público y por la crítica en esta última década (Premio Gardel de Oro, incluido).

Además, se puede ver como un ejercicio palmario de escucha del periodista especializado en rock (actualmente editor de Música en Clarín) y escritor de volúmenes como “50 años de rock en Argentina”, “Soda Stereo. La biografía total” y “La vida secreta del rock argentino”. Un ejercicio-oficio que no se despega nunca de la voz de Lebón. Marcelo oye, graba y anota. Editará -sí-, pero no se percibe signo alguno de intromisión o contaminación discursiva. Si el lector cierra los ojos, podrá sentir el grano de una voz que supo cantar “Mundo agradable” o “El tiempo es veloz”. Algo de ese “duende” del que habla Pedro Aznar en el prólogo. En comunicación con El Litoral, Fernández Bitar dio detalles sobre el proceso de gestación de las memorias de una pieza clave del rock argentino.

“Le demuestra a la nueva generación que se puede mantener siempre esa frescura, esa emoción y esa vitalidad del comienzo”, resume Fernández Bitar sobre el fenómeno de Lebón. Foto: Gentileza Planeta

-¿Cuándo nace este “encuentro supremo” con Lebón?

-A David, por suerte, lo vengo entrevistando desde que empecé. Seguramente fue uno de mis primeros reportajes a los 19 años, cuando él había sacado “El tiempo es veloz”. Empezaba su carrera solista. Como siempre estuve trabajando en esto (en revistas de rock, en diarios, en suplementos, en programas de televisión, de música), lo iba viendo regularmente. Decir que se formó una amistad sería exagerar un poco, pero había una muy buena relación de periodista-entrevistado, especialmente mucha confianza.

David dio un show en La Usina del Arte “unos minutos antes de la pandemia”. Cuando bajé a saludarlo, él y su pareja me comentaron que querían hacer un libro. Me preguntaron si me animaba a hacerlo. Ahí mismo dije que sí. Y ahí mismo hablamos de la idea de autobiografía -una definición que me parece tramposa porque hay otra persona ayudando-, aunque el título dice “memorias”, con lo cual abre un poco el juego.

Pero había un problema que yo no había visto en mis otros libros. Si realmente era una autobiografía, me lo tenía que contar todo él. Yo no podía entrevistar a Héctor Starc ni hablar con otros periodistas o con su familia. Entonces, fue difícil armar la dinámica.

En los primeros dos años (de cuatro en total) nos debemos haber visto entre diez y quince veces, que es bastante poco. Pero después le fuimos encontrando la vuelta para juntarnos. Creo que no hice ninguna por Zoom, ni siquiera un minuto después de la pandemia. Yo me iba hasta la casa y nos juntábamos ahí para darle forma y charlar sobre la estructura.

Hasta antes de entrar a imprenta era 100% cronológico: mi padre, mi madre, mi infancia, mi viaje a Estados Unidos, la vuelta a la Argentina. Yo venía con ganas de empezar con una anécdota muy rica y después hacer el flashback. Y me pareció que la anécdota de David en España con Pappo y algunos ex Los Gatos era muy divertida. Era una linda puerta de entrada para que no sea tan esquemático.

-¿Cómo es charlar con David?

-Como muchos artistas, es bastante disperso en las respuestas y eso se ve en cualquier reportaje. Yo simplemente lo dejo hablar y después lo traigo de vuelta, como hago con las notas para gráfica. Había muchos momentos que David no los tenía muy presentes, entonces yo se los refrescaba con alguna anécdota o llevaba los discos en vinilo para que los recordara palpándolos.

Charlar con David siempre es muy divertido: tiene muy buen sentido del humor, a veces en el límite de lo políticamente correcto o lo que era humor hace 30 años. Es muy emotivo, se emociona fácilmente al recordar momentos de su vida: su familia, su madre, sus hijos. Tiene un momento en el que va más allá de la pregunta-respuesta lineal y busca dar un mensaje sobre para qué estamos acá, qué estamos haciendo en este mundo y que tenemos que estar tranquilos que todo va a estar bien. Es tal como uno se lo imagina, como uno lo percibe en el escenario. Él habla mucho en el escenario y conversar con él es muy similar a ese tono.

-Se nota una alta fidelidad a la voz narrativa del artista, ¿cómo fuiste construyendo ese ritmo o tono de la obra?

-Los dos teníamos esa premisa de hierro clavada en mármol de que era una autobiografía. Tenía que estar hablando él en primera persona, recordando, quizás haciendo una pequeña broma entre paréntesis. Me pareció que lo más lógico, lo más real, lo más natural, era mantener ese tono coloquial, como si él estuviera hablando con alguien. Lo que logramos con el libro es que uno siente que David te lo está contando.

“David pudo empezar a cosechar lo que su talento merecía porque empezó a tocar regularmente”, reflexiona el entrevistado. Foto: Gentileza Charlie Piccoli

-Y en la brevedad, brillan esos elementos claves que no pueden faltar en ninguna biografía que se precie de tal.

-Si uno examina la vida de David Lebón, todo lo que hizo hasta ahora y todo lo que vivió, los episodios increíbles no son solamente musicales. Su madre fue espía en la Segunda Guerra Mundial, cayó en un campo de concentración y fue torturada. Su padre murió bastante joven y a David le agarró una reacción psicológica que se convirtió en un asma muy difícil. Por eso, la madre decidió, por consejo médico, llevarlo a un lugar con otro clima y terminaron en Miami. Ahí es donde él vio a Jimi Hendrix. Fueron a Nueva York y vio a los Beatles. Realmente, es un protagonista y testigo de toda esa época increíble del rock de los últimos 50, 60 años.

-David reconoce que tenía todo para quedarse en Estados Unidos, pero allá estaba todo hecho (todo sonaba bien, la vida funcionaba mejor), y acá había algo para hacer. Había una misión por cumplir.

-Sí. También esa sensación de que, tal vez, en Estados Unidos tendría mucha competencia y acá todo se estaba empezando a hacer. David entró en el momento justo y tuvo el golpe de suerte en 1969. Estaba en un rock club donde se juntaban todos los rockeros de la época. El que estaba en el escenario, sabiendo que él tocaba bien, le pasó la guitarra tal como habían hablado antes del show. Y ahí David logró mostrar lo bien que toca. Esa misma noche, prácticamente, Pappo lo invitó a tocar en Pappo’s Blues y Billy Bond en La Pesada. Él era y es muy bueno, muy talentoso. Pero eran muy pocos los que habían ingresado a ese mundo... y él ingresó enseguida.

-Y entre sus compinches, sus amigos del alma, siempre destacó al Flaco.

-Él armó una amistad muy fuerte con Luis Alberto Spinetta y terminaron viviendo juntos. Luis se fue a vivir a la casa donde estaban David y su hermana, su casa de infancia. Y ahí es donde David, a quien siempre le gustaba tocar instrumentos (la batería, el bajo, la guitarra), vio de cerca, de manera cotidiana, lo que era un compositor que no podía parar. David cuenta que se iba a buscar ropa linda para usar en el show del fin de semana, y cuando volvía Luis había compuesto cinco canciones. Y, en vez de sentir que perdía en la comparación ante un genio tan increíble, ese contacto le inyectó entusiasmo y ganas de componer. Así arma su primer tema. A Luis Alberto le encanta y lo incentiva. El Flaco es el gran amigo y el gran mentor de David como compositor.

“El Flaco [Spinetta] es el gran amigo y el gran mentor de David como compositor”. Foto: Gentileza Charlie Piccoli

-¿Por qué tardó tanto en llegarle el reconocimiento a Lebón?

-Creo que David tuvo una muy exitosa y muy buena carrera solista cuando dejó de ser el coequiper de muchas bandas como Pescado Rabioso, Polifemo y Serú Girán. Me parece que lo que influye en el reconocimiento es que en la época en que el rock se hace absolutamente masivo y popular, es el fin de semana perdido de David. Fue a Mendoza con la propuesta de tocar en un boliche los fines de semana y se quedó viviendo diez años. Ahí es donde, él mismo lo cuenta, se profundizó su alcoholismo. Cuando David pudo dejar el alcohol y las drogas -en lo que ayudó muchísimo su pareja, actual manager y flamante esposa-, empezó a cosechar lo que su talento merecía porque se puso a tocar regularmente. Hacia 2015 ya estaba llenando varias veces por año La Trastienda, hace un Teatro Ópera, un Gran Rex. Fue subiendo escalón por escalón hasta llegar al Luna Park y al Movistar Arena. En el medio, el reconocimiento de los colegas y la industria con el premio Gardel.

-Da la impresión de que se hizo cargo de lo que fue generando, de ese legado en vida, asumiendo que ya es un clásico de nuestra música popular.

-Acordate que llegó por su primer disco de dúos, donde regrabó algunas de sus canciones más conocidas con todo tipo de artistas de todo tipo de generaciones y de estilos musicales. El disco ya era un reconocimiento de sus pares y una admiración. Todo eso fue desembocando en el merecidísimo Gardel que lamentablemente no lo pudo recibir en un auditorio porque fue el único que se entregó de manera virtual en 2020. Se lo merecía y él se está permitiendo, dentro de su modestia, sentirse reconocido e importante.

-Y está girando mucho, como si tuviera 20 o 30 años.

-Impresiona todo lo que hizo David Lebón, la cantidad de bandas legendarias que integró. Parece que nació con el rock argentino, aunque nació medio minuto después (ya habían estado Los Gatos, por ejemplo).

David tiene 73 años recién cumplidos. Hay una cosa que se aprendió con el rock en los últimos años: el rockero cuando se convierte en adulto mayor puede seguir tocando. Ahí tenés a Paul McCartney, a Mick Jagger, como faros que le está diciendo a todos los músicos: “Ponete las pilas que la podés seguir pasando bien, cantando y tocando a los 85”. Hay mucho porvenir y nos pasó con el libro mismo.

Volviendo al libro, a medida que íbamos charlando iban sucediendo nuevos hitos en su carrera... Entonces decíamos: Bueno, la cortamos acá. ¡Y David hacía algo más grande unos meses después! Bueno, la cortamos acá. Cuando fue telonero de Eric Clapton en Vélez, nos miramos con él y con Pato, y dijimos: “Pase lo que pase, acá ponemos el punto final de este libro”. Y si se reúne con Pedro Aznar y hacen las canciones de Serú Girán y sacan otro disco y siguen ocurriendo cosas, quedará para un segundo volumen... o para demostrar lo vital que sigue siendo su carrera.

“Charlar con David siempre es muy divertido y emotivo”. Foto: Gentileza Charlie Piccoli

-La presentación del libro fue muy emotiva, también.

-Sí. Hicimos una charla donde la moderadora fue Ayelén Velázquez [Mega, Focco] y, hacia el final, se abrió el juego al público. Hubo unas tres, cuatro preguntas. Cuando ya se había dicho que venía la última, apareció una chica de 14 años que con la primera palabra estalló en llantos incontenibles. Balbuceaba que lo admiraba y amaba porque la ayudó en momentos muy difíciles de su vida. David le dijo “Vení” y se abrazaron. Los dos estaban muy emocionados: ella de estar con el músico que admira, él con una fan tan chiquita que decía cosas tan emotivas y lindas sobre él. Y se largaron los dos a llorar.

-¿Qué lecturas entendés que pueden hacer las nuevas generaciones de una figura como la de David Lebón?

-Creo que la carrera de David le demuestra a la nueva generación que se puede mantener siempre esa frescura, esa emoción y esa vitalidad del comienzo. David es un tipo con una carrera gigantesca de 60 años, y sigue teniendo los nervios antes del show y las ganas de tocar en vivo. Mantiene un entusiasmo que es admirable.

A mí me parece que uno de los síntomas y características del rock argentino es que no está todo hecho, todavía todo está por hacerse. Los chicos se juntan en los garages y arman bandas muy ilusionados. Parecen estar un poco menos metidos en la industria que en otros países, aunque todos los chicos saben cómo se maneja todo para no ser estafados por manager. Pero, fíjate, cuántos artistas de música urbana han sido estafados por su manager. O sea, la vieja historia del rock and roll: del manager que le daba un contrato miserable a alguno de los pioneros de la época de Elvis Presley. Les sacan los derechos autorales, les clavan un contrato leonino... Y todavía la gente lo que recibe de David es que primero hay que tocar, hay que crear, hay que transmitir con amor (y todas esas sensaciones que son tan inherentes a su música).

-Y en una era de tanto odio, su presencia resulta revolucionaria, contracultural...

-Así como te contaba lo emotivo que es charlar con David, cuando se largó la guerra de Rusia contra Ucrania, él se acordaba de lo que era la guerra para su madre y estallaba en llantos... Cancelamos una charla ahí en el momento o unas horas antes. David estaba muy afectado por todo lo que estaba pasando, es muy permeable a lo que sucede, se emociona y se siente triste genuinamente.

-¿“La magia de estar aquí” tendrá una segunda parte?

-No hay nada formalmente charlado. El libro está abierto porque la carrera de David sigue generando nada menos que la reunión de Serú Girán. Fijate todo lo que está pasando. Estas últimas semanas cuando nos encontramos con David me dijo: “Me estoy acordando de otras cosas, tenemos que hacer un segundo volumen”. Como que, de tanto hablar y recorrer u hojear el libro, le va disparando algunos recuerdos. Así que lo que le digo a él y a Pato es: “Anótenlo. Grábenlo con el teléfono. Hagan algo, pero que no se pierda”.

La ciudad se prepara para vivir una noche especial con "Spinetta Night", un homenaje a uno de los más grandes músicos argentinos, Luis Alberto Spinetta. El evento se llevará a cabo este viernes en la Usina Cultural, a partir de las 21 y ofrecerá un recorrido tanto musical como poético por la obra del icónico artista.

"No queríamos dejar el homenaje sólo en lo musical, porque la obra del 'Flaco' abarca también la poesía", explicó Santiago Druetta, organizador y miembro de la Usina Cultural. La actividad combinará interpretaciones musicales con una intervención poética a cargo de El Cíclope, conformado por Marce Fumale, Juani Ramírez y Laura Dolagaray.

Para la parte musical, se formó especialmente "La Banda Eterna", en referencia al histórico recital de Spinetta cuando reunió a los músicos con los que compartió su trayectoria. La banda está integrada por Momi Morelli, Fernando "Cosita" García, Vitto Cervesato, Flavio Adra y Dani Soto, además de artistas invitados como Clara Linares, Lucas Cejas, Melisa Puello, Lola Merlino, Lucha Rubio, Jorge Pereyra y Flora Haze, entre otros.

El repertorio fue cuidadosamente seleccionado para abarcar las diferentes etapas de la carrera de Spinetta. "Queríamos reflejar toda su trayectoria, desde sus primeros trabajos hasta sus obras más recientes, incluyendo los grandes éxitos y temas que representan momentos específicos de su evolución artística", comentó Druetta.

El ensayo final dejó a los organizadores muy satisfechos. "Estamos realmente contentos con el resultado. La banda suena muy bien y la propuesta en general promete ser una experiencia inolvidable", agregó.

La intención de los organizadores es que este evento no sea un hecho aislado, sino el inicio de una serie de propuestas similares. "La gente ha respondido bien a esta propuesta, porque es un formato diferente al habitual. Queremos seguir apostando por eventos de este tipo", aseguró el integrante de La Usina.

Las entradas anticipadas están prácticamente agotadas para los lugares sentados, pero quienes deseen asistir podrán comprar su entrada en puerta y disfrutar del evento de pie. Además de la propuesta artística, habrá servicio de gastronomía con opciones para comer y beber durante la noche.

"Música, poesía, comida y bebida: una combinación perfecta para homenajear al Flaco", concluyó Druetta. La cita está hecha y se espera una gran convocatoria para celebrar el legado de Spinetta en una noche inolvidable.

Luis Alberto Spinetta nació un 23 de enero de 1950 y es en su homenaje que cada 23 de enero se celebra en Argentina el Día Nacional del Músico.

La fecha fue establecida por la Ley 27.106 en 2015.

“El Flaco” Spinetta integró algunas de las bandas más importantes del rock nacional como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto, y fue autor de grandes canciones como “Rezo por vos”; “Muchacha ojos de papel"; “Todas las hojas son del viento” o “Seguir viviendo sin tu amor”, entre otras.

Esta conmemoración fue impulsada por el INAMU (Instituto Nacional de la Música) y tiene como fin resignificar la relevancia cultural producida por los músicos nacionales. Por eso mismo, recuerda a una de las glorias del rock que se ganó el cariño de todos.

A su vez, cabe señalar que esta iniciativa se puso en marcha luego de la muerte de Spinetta, el 8 febrero de 2012.La fecha fue establecida por la Ley 27.106 en 2015.

“El Flaco” Spinetta integró algunas de las bandas más importantes del rock nacional como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto, y fue autor de grandes canciones como “Rezo por vos”; “Muchacha ojos de papel"; “Todas las hojas son del viento” o “Seguir viviendo sin tu amor”, entre otras.

Mientras el rock argentino se debatía a grandes rasgos entre los sonidos rockeros, que tenían a Pappo´s Blues y La Pesada como principales referentes, y el movimiento conocido como "Acusticazo", con Sui Generis, Raúl Porchetto y León Gieco a la cabeza; Luis Alberto Spinetta entregaba en los primeros días de octubre de 1973 "Artaud", su obra más personal e inescrutable, que no permitía referencias claras con ningún otro trabajo a nivel local e, incluso internacional, y ni siquiera un diálogo directo con ninguna de las propuestas anteriores o posteriores que conformaron su extensa discografía. Al igual que su particular portada de forma irregular, imposible de ordenar en las bateas de las disquerías, el álbum contenía una música minimalista en su instrumentación pero extremadamente compleja y atípica en cuanto a su contenido melódico, armónico y lírico; que tomaba debida distancia de Pescado Rabioso, el anterior proyecto de marcado corte rockero del autor, aunque tampoco abría un camino o daba pistas respecto al futuro que comenzaría a tomar forma bajo el trío Invisible.

Aunque el disco fue lanzado como si se tratara de la tercera producción de Pescado Rabioso, en realidad fue el primer trabajo solista de Spinetta, pergeñado en medio de un proceso creativo marcado por el regreso a su mítica casa familiar de la calle Arribeños, en el porteño Bajo Belgrano; el inicio de la relación amorosa y la convivencia con Patricia Zalazar, quien iba a convertirse en la madre de sus cuatro hijos; el final de una etapa signada por la lectura y el intento de experimentar el estilo de vida de los "poetas malditos"; y cierto desencanto con el mundillo rockero.

Precisamente, para su grabación, el músico apeló a sus viejos amigos de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García, compinches además de sus sueños adolescentes; y de su hermano menor, Gustavo Spinetta, con quien en esos días compartía la habitación en la que dormía junto a Patricia, lo cual lo convertía en un testigo partícipe de la composición de aquellas canciones.

"Yo creo que fue un disco que viene de la necesidad de volcar un material que tal vez no se llevaba bien con Pescado Rabioso. Yo relaciono a Pescado con el hard rock, a pesar de que Luis siempre conservó una libertad muy grande en sus obras, en donde aparecen elementos muy diferentes todo el tiempo. Pero él tenía muchas ganas de volcar cosas que le estaban sucediendo musicalmente y en la vida privada. Seguramente, todo eso lo motivó a componer canciones que por ahí no cuadraban en lo que era Pescado Rabioso", consideró Gustavo Spinetta en diálogo con Télam.

"Luis eligió llamarnos a Rodolfo y a mí, y al hermano porque necesitaba un entorno amigable, familiar, de gente que lo quería y lo respetaba. Se ve que se sentía un poco dañado por el final de Pescado; no porque algunos de Pescado lo hayan dañado a él, pero por una cuestión de sensibilidad necesitaba estar un poco apañado y protegido", recordó, por su parte, Del Guercio, a pedido de esta agencia.

El llamado de Luis a la vecina casa familiar de Emilio de la calle Montañeses llegó luego de una gira por Córdoba de Aquelarre, el proyecto en el que el bajista estaba embarcado en esos días junto a García, el guitarrista Héctor Starc y el tecladista Hugo González Neira; y la invitación para participar del disco incluyó un pedido especial para que llevara el bajo Repiso utilizado en la grabación de la gran mayoría de los temas de Almendra.

Para Gustavo Spinetta, ese período fue "un volver al hogar y volver a una esencia que no pudo soslayar. Fue el regreso a esa fuente que nunca dejó de estar, un universo que nunca dejó de existir, que estaba ahí y era imperioso hacerlo visible".

El baterista, que aportó su toque en los temas "Cementerio Club" y "Bajan", en lo que fue su debut absoluto a nivel discográfico, recordó que "había un clima muy pasional, con los sentimientos a flor de piel" en el hogar de Arribeños, a partir del regreso de Luis, en ese caso, junto a su flamante pareja.

"Me acuerdo de verlo tirado en la cama con Patricia, tocando la guitarra, componiendo, dibujando. Era una antena buscando elementos, siempre a la pesca de alguna idea que tenía en el bocho, buscando resolver alguna frase que tenía", describió Gustavo.

En coincidencia con lo dicho por su hermano sobre el estado creativo que atravesaba Luis, Del Guercio señaló que "Si bien se 'rockerizó' un poco saliendo de Almendra, que era mas lirico, y se puso mas duro en Pescado, en realidad toda esa cosa compositiva más amplia que tenia se empezó a frustrar porque la banda quería tocar mas rock y blues".

"A nivel artístico, siempre fue un muchacho súper creativo, siempre tratando de inventar cosas nuevas, sonidos nuevos, buscaba mucho armonías. De alguna manera, en `Artaud´ aparece nuevamente esa cancionística tan linda que tenía y, de alguna manera, fue como el inicio para explorar cosas nuevamente en ese campo", apuntó el bajista.

En el marco de las celebraciones por los 50 años de esta obra, Adrián Iaies se hizo cargo de una lectura sinfónica que subió a escena en mayo pasado, nada menos que en el Teatro Colón, en una velada en la que el pianista manifestó que se trata de un disco que "no tiene secuelas ni precuelas, incluso en el rock internacional".

"Es un disco único, como una especie de meteorito que vino del espacio y cayó en algún lugar de la Tierra. No es un disco que haya dejado un camino. Pudo haber sido una influencia en el sentido de lo motivador que pudo haber sido para algún músico el escucharlo, pero no en el sentido más textual. Fue algo que pasó y se fue", reafirmó ante la consulta de Télam.

Y se explayó al respecto: "La forma de las canciones de `Artaud´ es asimética. No está la idea de canción pop, con estrofa y estribillo. Las formas de las canciones son muy abiertas, aparecen elementos que no se repiten, no sabés cuál es el estribillo. Desde ese punto de vista es muy original".

Aunque toda la obra de Spinetta se caracteriza por el uso de acordes que no son tradicionales, en "Artaud" hay una forma de armonizar, según Iaies, que lo emparentan con la música impresionista de Claude Debussy y Maurice Ravel.

"Hay mucha armonía no funcional, un uso de acordes que están ahí no porque cumplen una función, sino porque generan un cierto color. Y esos elementos impresionistas incluso están en la poética. Hay frases y palabras que están por el color que generan y no por su significado", indicó.

El clima hogareño en el que "Artaud" tomó forma se trasladó al estudio a la hora de registrar el álbum, según el relato de su hermano Gustavo y de su excompañero de Almendra.

"Yo me sentía un poco cortando clavos porque era una responsabilidad muy grande. Era mi primera vez y sentía como que todo el mundo esperaba de mí la misma genialidad que Luis. Era como un apriete", confesó el menor de los Spinetta, pero afirmó que más allá de su sentimiento personal, "todo fluyó muy bien".

"Hubo unos ensayos previos en donde pasamos los temas pero no fue un proceso largo, fue sacar los beats, la armadura de los temas, y luego fue ir para adelante. Es más, en `Bajan´ había una parte que me costaba un poco e hicimos algunas tomas, pero no muchas. No se hicieron sobregrabaciones, solo para sumar alguna guitarra más", contó Gustavo.

"Fue lindo porque teníamos ahí un sustrato de afecto imborrable. No ensayamos antes, lo hicimos ahí en el estudio. Creo que él tenía una necesidad de reencontrarse con Rodo y conmigo, pero también sabía que nosotros estábamos muy afianzados y le íbamos a dar una garantía como base para ejecutar esas canciones. No nos resultó difícil porque, si bien él estaba en otra etapa, el lenguaje de las cosas que hacía Luis nos era familiar y sabíamos como abordarlas. Siempre que nos juntamos, existió esa recreación del espíritu inicial que nos conectó de tan chicos y, de alguna manera, es el certificado de nacimiento de nosotros como artistas", expresó Del Guercio.

La realidad es que este disco que cumple 50 años ocupa un lugar fundamental en la historia de Spinetta y se ubica como una de las mejores obras del rock argentino.

"Luis ha generado música tan increíble que podría dejar en un segundo plano lo que pasó en `Artaud´ pero no ocurre, y si no ocurre es por algo. Hay ahí una pasta muy especial, como que el chef hizo magia", opinó su hermano Gustavo.

(Télam) – La Televisión Pública emitirá este domingo a las 22.30 la primera parte del ciclo de conciertos “Luis Alberto Spinetta. Discos esenciales”, producido por el Centro Cultural Kirchner y dedicado a revisitar las canciones de una de las figuras centrales del rock nacional.

En el primer programa, se emitirá la presentación en la que un grupo dirigido por la cantante Nadia Larcher y el pianista Andrés Beeuwsaert abordó el disco “Almendra”, de 1969.

En el concierto, Larcher y Beeuwsaert realizan versiones que dan cuenta de las maravillosas creaciones de Spinetta junto a Edelmiro Molinari, Rodolfo García y Emilio del Guercio y contó con invitados especiales como Ricardo Mollo y Nicolás González (Sig Ragga), y la participación de la artista visual Sol Carta.

Los conciertos del ciclo fueron registrados en el Auditorio Nacional “Ballena azul” del CCK y en cada uno de ellos se abordó un disco en especial con la participación de músicos y cantantes invitados bajo una curaduría pensada exclusivamente para esa producción.

“Almendra” se interpreta en su orden original, con sonoridades nuevas y la puesta en escena está inspirada en la mirada literaria y visual del “Flaco”.

En los domingos subsiguientes, el ciclo se ocupará de las canciones de los álbumes “Kamikaze” y “Artaud”.

[vc_row][vc_column][vc_column_text]

Luis Alberto Spinetta nació un 23 de enero de 1950 y es en su homenaje que cada 23 de enero se celebra en Argentina el Día Nacional del Músico.

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_raw_html]JTNDaWZyYW1lJTIwd2lkdGglM0QlMjI1NjAlMjIlMjBoZWlnaHQlM0QlMjIzMTUlMjIlMjBzcmMlM0QlMjJodHRwcyUzQSUyRiUyRnd3dy55b3V0dWJlLmNvbSUyRmVtYmVkJTJGQ2ZVdFRmQk1vdTglMjIlMjB0aXRsZSUzRCUyMllvdVR1YmUlMjB2aWRlbyUyMHBsYXllciUyMiUyMGZyYW1lYm9yZGVyJTNEJTIyMCUyMiUyMGFsbG93JTNEJTIyYWNjZWxlcm9tZXRlciUzQiUyMGF1dG9wbGF5JTNCJTIwY2xpcGJvYXJkLXdyaXRlJTNCJTIwZW5jcnlwdGVkLW1lZGlhJTNCJTIwZ3lyb3Njb3BlJTNCJTIwcGljdHVyZS1pbi1waWN0dXJlJTNCJTIwd2ViLXNoYXJlJTIyJTIwYWxsb3dmdWxsc2NyZWVuJTNFJTNDJTJGaWZyYW1lJTNF[/vc_raw_html][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]

La fecha fue establecida por la Ley 27.106 en 2015.

“El Flaco” Spinetta integró algunas de las bandas más importantes del rock nacional como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto, y fue autor de grandes canciones como “Rezo por vos”; “Muchacha ojos de papel”; “Todas las hojas son del viento” o “Seguir viviendo sin tu amor”, entre otras.

Esta conmemoración fue impulsada por el INAMU (Instituto Nacional de la Música) y tiene como fin resignificar la relevancia cultural producida por los músicos nacionales. Por eso mismo, recuerda a una de las glorias del rock que se ganó el cariño de todos.

A su vez, cabe señalar que esta iniciativa se puso en marcha luego de la muerte de Spinetta, el 8 febrero de 2012.

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]

El 20 de febrero del año 2009, tres años antes de su fallecimiento, Luis Alberto Spinetta, el Flaco, brindaba su último show en Venado Tuerto, una noche que, sin duda, quedará para siempre en el recuerdo, sobre todo de las cientos de personas que estuvieron presentes. Fueron cuatro las veces que el músico pisó escenarios venadenses: la primera en 1991 en el Centro Cultural Provincial Ideal, la segunda al año siguiente, en 1992, en el Centro Cultural Municipal y la tercera, el 11 de febrero de 1998, en el Club Centenario con Los Socios del Desierto.

Las expectativas eran muchas, el Flaco volvía a la ciudad para brindar un show abierto y gratuito en plaza San Martín, acompañado por Claudio Cardone en los teclados y el Jota Morelli -como músico invitado- en batería. El recital estaba organizado por el Gobierno de la provincia de Santa Fe en coordinación con la Municipalidad de Venado Tuerto. Sin embargo, la jornada amaneció lluviosa y se pronosticaba inestabilidad durante todo el día y la noche, lo que obligó a poner en marcha un plan B, trasladarlo al Centro Cultural Municipal, sabiendo que tan sólo iban a poder ingresar 980 personas (cantidad de butacas con la que cuenta la sala mayor del teatro).

En cuestión de minutos, la sala se colmó de fanáticos que estaban deseosos de volver a ver a uno de los máximos referentes de la música argentina, quedando cientos de espectadores sin poder ingresar. A su vez, se habilitó la sala 2 (José Pedroni) en el primer piso del teatro, para poder seguir el show en vivo pero por pantalla gigante y escuchar algunas melodías y los aplausos que retumbaban en sus pies.

De todos modos las dos salas, casi 1.500 personas, no logró saldar la demanda y muchos se tuvieron que conformar con “disfrutarlo” desde la vereda, detrás de las vayas, intentando visualizar algo de lo que estaba sucediendo en el escenario y resistiendo a la lluvia que iba apareciendo de manera intermitente.

Fue show acústico, en ese momento el Flaco se encontraba con una propuesta a dúo con Cardone. Algunas de las canciones interpretadas fueron “Sagrado tesoro”, “Barro tal vez”, “Lago de forma mía”, “Las cosas tienen movimiento”, “Un niño nace”, “Tu cuerpo mediodía”, “Crisantemo”, “Ekathé”, “Nueva Luna, Mundo arjo”, “A Starosta el Idiota”, “Laura va” y”Seguir viviendo sin tu amor”, entre otras. Duró poco más de una hora. Afortunadamente quedó grabado completo y hoy puede encontrarse en Youtube.

Con 62 años recién cumplidos; una intensa trayectoria de más de 40 años; y una rica y audaz obra portadora de una originalidad y belleza inusitadas, cuya exploración aún hoy no se agota y ofrece siempre nuevas y reveladoras aristas, el 8 de febrero de 2012 moría Luis Alberto Spinetta y dejaba un legado fundamental para la cultura argentina, basado en una búsqueda permanente sin concesiones.

Figura central del rock argentino, Spinetta expandió los límites de este movimiento con una lírica inusual para el género; un inquieto estilo musical propio forjado con influencias que fueron reinterpretadas desde sus particulares y arrojadas lecturas; y, fundamentalmente, una coherencia en su postura artística que nunca se vio contaminada por los dictados de las modas o los mandatos del mercado, aunque siempre atento a las nuevas tendencias.

Como si todo eso no bastara, este artista se destacó además como un brillante intérprete, alejado de ortodoxias, creador de una expresiva forma de cantar y tocar la guitarra, imposibles de imitar.

Estas particularidades dieron vida a una obra integrada por cientos de composiciones repartidas en más de 40 discos –casi todos ellos de un nivel superlativo-, cuya apreciación pareciera ser inagotable, incluso luego de innumerables atentas escuchas.

Uno de los grandes músicos que parió Venado Tuerto, Jota Morelli, no sólo tuvo el placer de tocar como invitado en el último show del Flaco en la ciudad, sino que compartió con él escenarios durante más de cinco años (de 1987 a 1992), grabó tres discos: Téster de violencia, Don Lucero y Fuego Gris y realizó una extensa gira por toda América Latina.

“De ese día tengo los mejores recuerdos, fue increíble. El Flaco vino un día antes a Venado, así que hicimos un asado en casa, donde mi viejo (el músico Chilín Morelli) tocó el piano para él y lo disfrutó muchísimo”, recordó Jota en diálogo con Sur24.

“Aproveché cada momento, desde la prueba de sonido, hasta el show, porque volver a tocar con el Flaco, después de tanto tiempo, era muy especial para mí”, aseguró.

El baterista, actualmente músico de Los Enanitos Verdes, también expresó: “Tengo el mejor recuerdo del Flaco. Para mí era un padre, un hermano, con el que aprendí mucho y que dejó un legado enorme”. Y sentenció: “Lo extraño un montón, día a día al Flaquito. Muchas veces sueño con él. Pero soy un agradecido porque me dejó una enseñanza increíble”.

NOTA PUBLICADA EN LA EDICIÓN IMPRESA DE SUR24 DEL LUNES 14 DE FEBRERO DE 2022.

“El Flaco” Spinetta formó parte de algunas de las bandas que hicieron historia en el rock nacional como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto, y fue autor de canciones entrañables e inmortales como Rezo por vos; Muchacha ojos de papel; Todas las hojas son del viento o Seguir viviendo sin tu amor, entre muchas otras.

A 72 años de su nacimiento, el Ministerio de Cultura de la Nación compartió en el siguiente video algunas de las razones por las que Luis Alberto Spinetta define el Día Nacional del Músico.