Por Graciela Pacheco de Balbastro

¡Poderoso Caballero es Don Siete! (*) Y le gusta figurar. Roba prensa a diestra y siniestra. Todos se ocupan de él, psicólogos, astrólogos, historiadores, budistas, católicos, tibetanos, musulmanes, yogui y yoguini, filósofos.

Los escritores lo buscan y parece que los ayudara a llegar a la fama: Alfonso el Sabio (1221-1284) escribió y organizó poner por escrito, un cuerpo normativo redactado en Castilla, donde habla hasta de los modales en la mesa.

Dante Alighieri, en su magna obra, tampoco se olvida de él; Blancanieves y los siete enanitos, en la versión recogida por los hermanos Grimm; los Siete Reinos en "Juego de Tronos", la historia creada por George R.R. Martin, y hasta J.K. Rowling, la autora de "Harry Potter", también eligió ese número para los siete horrocruxes de lord Voldemort.

De seguir hurgando, uno se tropieza con que el siete también ha sido elegido para entretenimientos, como ser Genshin Impact, videojuego con sus personajes esenciales, Los Siete Arcontes.

Pero el siete va aún más lejos: siete son los días de la semana; siete los colores del arco iris; existen siete tipos de virus -de acuerdo a la clasificación del biólogo David Baltimore- y hay siete tipos de heces, según la escala de los doctores Stephen Lewis y Ken Heaton.

Y si le preguntamos a Wikipedia, nos recuerda que "el 7 es el número natural que sigue al 6 y precede al 8, el único número primo que precede a un cubo". Pero sigamos con la cuenta...

Son siete las colinas de Roma; siete los pecados capitales (soberbia, avaricia, lujuria, ira, gula, envidia y pereza) y siete las virtudes necesarias para oponerse a esos pecados (humildad, generosidad, castidad, paciencia, templanza, caridad y diligencia).

Son siete los brazos de la Menorá, la lámpara o candelabro sagrado que simboliza la luz divina, la sabiduría y los siete días de la creación según la tradición judía. Siete son los sacramentos (bautismo, confirmación, eucaristía, penitencia, unción de los enfermos, matrimonio y orden sacerdotal), y siete los cielos o los niveles del islam.

La menorá es un candelabro ritual de siete brazos, símbolo central del judaísmo, que representa la presencia eterna de Dios, la luz divina y la sabiduría.

Siete son las cabezas de la bestia del Libro de las Revelaciones. Y los israelitas necesitaron dar siete vueltas alrededor de Jericó, para que al séptimo día sus muros cayesen. Podríamos continuar, pues la lista es interminable. Leonardo da Vinci, por ejemplo, decía: "En los números se encuentra la explicación a todos los misterios".

Y para Pitágoras, el 7 era "el número perfecto"; mientras que para Hipócrates, "el número 7, por sus virtudes ocultas, es el que tiende a realizar todas las cosas; es el dispensador de la vida y fuente de todos los cambios, pues incluso la Luna cambia de fase cada siete días: este número influye en todos los seres sublimes".

Incluso la suma del tres y el cuatro, son las vías en la educación clásica y medieval, en busca de alcanzar la perfección. El Trivium y el Quadrivium son los dos ciclos de las siete artes liberales que integraban el saber necesario para formar, educar y que el ser humano fuera feliz y libre.

Solo a través de conocimiento el hombre tenía posibilidad de ser libre! ¡Nada de tiempos oscuros en esa sabiduría medieval! (**) Hay un artículo muy interesante publicado en "Didáctica. Lengua y literatura", de Eduardo Tejero Robledo (aparece completo en Revistas Científicas Complutenses).

En él analiza la carga cósmica, mágica, sagrada, del número siete. Y todo esto para dar pie a la historia de los "Siete Durmientes de Éfeso". Éfeso, en la maravillosa Anatolia turca, es una de las ciudades grecorromanas mejor conservadas del mundo.

Los turistas viajan a ella para conocer la soberbia Biblioteca de Celso, también lo que queda del Templo de Artemisa, una de las siete maravillas del mundo antiguo, del que el poeta griego Antípatro de Sidón exclamó al contemplarlo que las pirámides parecían pequeñas y deslucidas en comparación.

También el Gran Teatro, iniciado en la época helenística, obra maestra de la ingeniería, con capacidad para 25.000 espectadores. Y fue en medio de esas maravillas, que una lejana monja alemana, Ana Catalina Emmerich (1774-1824), sin haber visitado jamás Turquía, dio las señales exactas para ubicar la casa donde vivió y murió la Virgen María.

Lamentablemente, no todos los guías les informan a los visitantes que otro acontecimiento increíble sucedió allí: el caso de "Los Siete Durmientes de Éfeso". ¿Leyenda medieval, suceso histórico, milagro de fe? ¿Qué ocurrió realmente para que, tanto en las tradiciones islámicas como cristianas, se hable de lo acontecido?

Representación de Los Siete Durmientes de Éfeso, según una ilustración hallada en manuscrito del siglo XIV.

La versión occidental más conocida de esta historia, aparece en la leyenda áurea de Santiago de la Vorágine (1259-1266). En la diversidad de idiomas y religiones que toman este hecho, surge como cierto que durante el reinado de Decio (249-251 d.C.), este exigió que se le rindiera culto a él y a sus dioses preferidos.

Estando en Éfeso, conminó a la población realizar sacrificios a los dioses paganos. La desobediencia sería pagada con la muerte. Muchos ya eran cristianos, pero cumplieron con la orden del emperador. Solo siete amigos, siete jóvenes nobles y de buena posición económica, mantuvieron su fe y desobedecieron. Entonces Decio les dio solo un día para que abjuraran de sus creencias cristianas.

Todos ellos repartieron sus riquezas, se quedaron con algunas monedas de oro y huyeron buscando esconderse en la ladera noreste del Monte Pion (actualmente conocido como Panayır Dağı). Encontraron una cueva y allí se refugiaron, esperando que el emperador romano se olvidase de ellos. Decio mandó que se los trajesen y al no encontrarlos ofreció una recompensa al que le dijese dónde estaban ocultos.

Allá fueron los hombres de Decio a buscarlos. Y el emperador con ellos. Los muchachos estaban durmiendo y Decio exclamó: "¡¿Prefirieron venir a dormir a obedecer a su emperador?! ¡Pues que se queden allí durmiendo para siempre!" Y entonces ordenó tapiar la cueva con inmensas rocas.

Cuando Decio abandonó Éfeso alguien se atrevió a grabar en el exterior de la caverna la historia de lo sucedido y agregó los nombres de los mártires. Según Simón Metafraste los nombres eran Maximiliano, Iámblico, Martín, Juan, Dionisio, Exacustodio y Antonino, pero para Gregorio de Tours no, son otros: Aquílides, Diomedes, Diógeno, Probato, Estéfano, Sambato y Quiriaco.

Pasaron los años, pasaron los siglos y Teodosio I el Grande, emperador del Imperio Romano de Oriente y Occidente, decretó que el cristianismo niceno fuese la única religión oficial del Imperio, denominando "cristianos católicos" a sus seguidores.

En tiempos de Teodosio II (408-450), un hacendado, necesitando aumentar sus establos, ordenó retirar las piedras que cerraban el ingreso a la cueva para poder usarla. Con el ruido y la luz, los jóvenes despertaron. ¡No habían sufrido ni hambre, ni sed ni frío!

Le pidieron a uno de ellos, a Maximiliano, que fuese hasta Éfeso a comprar comida antes de entregarse a Decio para ser ejecutados. Maximiliano no logró comprender por qué había cruces a la vista, pero cuando pagó los alimentos con una moneda de oro acuñada en tiempos de Decio, le preguntaron dónde la obtuvo.

Entre explicaciones de una y otra parte (también muy extraño, luego de trescientos años, no hubo impedimentos lingüísticos) el muchacho explica lo sucedido. Enterados el prefecto y el obispo, van hasta la cueva donde están los otros seis. Ven la inscripción hecha centurias atrás y ya no cabe dudas. ¡Hay que mandar a buscar a Teodosio II!

Cunde el regocijo general. Los sobrevivientes son la prueba definitiva de la resurrección después de la muerte. Brindan más detalles y transidos todos de profunda alegría, escuchan que cada uno de ellos, mientras pronuncia alabanzas al Señor, cae muerto.

El emperador quiso construirles tumbas lujosas, donde el oro no debería faltar, pero en un sueño los jóvenes se le aparecieron y lo hicieron cambiar de idea. Le manifestaron que deseaban ser sepultados en la cueva. Los Siete Durmientes fueron canonizados por la Iglesia Católica y la Ortodoxa. La Iglesia Católica Apostólica Romana conmemora a los Santos Siete Durmientes de Éfeso el 27 de julio.

Según el Martirologio Romano, se recuerda a Constantino, Dionisio, Juan, Malco, Martiniano, Maximiano y Serapión, quienes se refugiaron en una cueva durante la persecución del emperador Decio y en distintas fechas en el ortodoxo y también en el Islam.

(*) "Poderoso Caballero es Don Dinero". Letrilla Satírica de Francisco de Quevedo (1580-1645).

(**) La grande clarté du Moyen Âge ("La gran claridad de la Edad Media") de Gustave Cohen.

(Por Juan Ignacio Novak) - Cada 15 de abril se celebra el Día Mundial del Arte, una efeméride promovida por la Asociación Internacional de Artes Plásticas en honor al nacimiento de Leonardo da Vinci.

El objetivo es recordar el valor universal del arte como forma de expresión humana, de reflexión social y de desarrollo cultural.

"Un alto en el campo" de Pueyrredón. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

Argentina, desde el siglo XIX, fue una enorme usina de obras plásticas de inmenso valor histórico y social para América Latina, pero incluso con proyección mundial.

Por eso, en el marco de la mencionada efeméride, cabe una mirada sobre diez pinturas fundamentales que marcaron la historia del arte argentino.

Un recorte arbitrario, sí, pero representativo de épocas, estilos y sensibilidades. Un camino posible para entender cómo se construyó una identidad visual a lo largo del tiempo.

"Después de la batalla de Curupaytí" de Cándido López. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

El viaje comienza en el siglo XIX, con "Un alto en el campo", de Prilidiano Pueyrredón. Esta obra resume la búsqueda de una estética nacional en el naciente estado argentino, donde el gaucho aparece como emblema identitario.

El pintor capta en su trabajo un instante en la vida cotidiana del hombre de la llanura, dando así dignidad al retrato de lo rural.

El Litoral, en un artículo de abril de 1957, señaló a Pueyrredón como "el primero que intenta instalar un estilo pictórico que nos defina, no solamente por los temas elegidos para la composición sino por la forma de enfocarlos para trascender con ellos a la universalidad del arte".

“La vuelta del malón” de Ángel Della Valle. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

Pocos años después, Cándido López, veterano de la Guerra del Paraguay, logra con "Después de la batalla de Curupaytí" una de las visiones más singulares de la guerra.

No hay grandilocuencia, tampoco se muestran escenas de heroísmo. Su mirada, desde una perspectiva elevada, permite una descripción precisa del campo de batalla.

"Es la imagen que, en toda su obra, representa la devastación de la guerra luego del hecho armado sin carga moral. Sobresale, entonces, dentro de una narrativa bélica en la que predomina la cotidianidad de los campamentos y los movimientos de tropas", señala Roberto Amigo.

La tensión social y política del siglo XIX también está presente en "La vuelta del malón" de Ángel Della Valle, donde el drama colonial y la visión romántica del "otro", sintetizado en la figura del indígena, se reúnen en una escena violenta.

"Retrato de la esposa del autor" de Ernesto de la Cárcova. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

"​La vuelta del malón" fue celebrada como la "primera obra de arte genuinamente nacional" desde el momento de su primera exhibición en la vidriera de un negocio en 1892.

Aunque es una obra maestra, vista en perspectiva tiene aspectos polémicos. Laura Malosetti Costa dice que no sólo hay "una glorificación de la figura de Roca sino que, en relación con la celebración de 1492, plantea implícitamente la campaña de exterminio como culminación de la conquista de América".

"La comida de los cerdos" de Fernando Fader. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

Pero no todo es conflicto. Creada a principios del siglo pasado, "Retrato de la esposa del autor", de Ernesto de la Cárcova, muestra en cambio una atmósfera de intimidad. Lejos de su célebre “Sin pan y sin trabajo”, aquí el realismo es doméstico.

El siglo XX abre nuevas posibilidades, y "La comida de los cerdos", de Fernando Fader, da prueba de ello. La escena campesina es un estudio de luz, materia y composición.

Fader, influenciado por el postimpresionismo, muestra un momento de la vida rural apelando a un lenguaje moderno, sin perder el contacto con lo local.

Autorretrato de Emilio Pettoruti. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

En otro registro, Emilio Pettoruti sintetiza su estética en "Autorretrato": planos geométricos, paleta fría, ruptura con la representación tradicional. El artista moderno, en diálogo con las vanguardias europeas.

Como indica Patricia Artundo, Pettoruti había alcanzado un notable prestigio internacional cuando "ya radicado en Francia apareció no como 'asociado a' sino como un actor que había sido un agente activo de la vanguardia de la década de 1910".

Más adelante, Raquel Forner y Lino Enea Spilimbergo introdujeron a los seguidores del arte en terrenos vinculados con la introspección y densidad emocional.

"Figura" de Spilimbergo. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

"Figura", obra de Spilimbergo que forma parte del acervo del Museo Nacional de Bellas Artes es, al mismo tiempo, título y contenido. El cuerpo es volumen, silencio interior y reflexión.

En tanto "El drama", de Forner, hace honor a su frase ​"Necesito que mi pintura sea un eco dramático del momento que vivo".

En la mirada de Diana Wechsler, esta obra "está atravesada por lo patético instalado en un paisaje trágico y violento que desgarra a los personajes".

"El drama" de Raquel Forner. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

De modo que ambos artistas dialogan con lo clásico desde el presente convulsionado del siglo XX. Y sus obras condensan destreza técnica y profundidad simbólica.

El universo simbólico de Xul Solar irrumpe con fuerza en "Piai", donde el artista, místico e inventor, despliega un lenguaje visual que es también lingüístico y metafísico.

En este caso, el autor está inclinado a una temática americanista y el título se relaciona con los 'piay' o 'payé', una especie de hechizo generado por un curandero.

"Piai" de Xul Solar. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

No hay nada convencional en esta obra, que muestra a dos hombres en un acto ceremonial junto al fuego. Cada imagen es un acertijo, un mapa, una arquitectura esotérica.

"En la obra, de gran fuerza expresiva, los protagonistas están resueltos con una gran síntesis, de manera geométrica", explica Patricia Corsani.

Finalmente, Antonio Berni, con "Juanito Laguna aprende a leer", reúne sensibilidad social con innovación formal. Juanito, hecho de retazos, representa la infancia popular que accede al conocimiento.

"Juanito Laguna aprende a leer" de Antonio Berni. Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

Berni crea belleza con los residuos, y hace del arte una herramienta de transformación.

(Por Juan Ignacio Novak) - A finales de agosto de 1911, uno de los pintores que solía visitar el Museo del Louvre para usar a la Gioconda como inspiración se encontró con una novedad: el cuadro más famoso de Leonardo Da Vinci no estaba en su lugar. Al principio, no se alteró, ya que el retiro de obras para mantenimiento era algo habitual. Sin embargo, con el paso del tiempo, se dio cuenta de que había algo más. Efectivamente, era testigo de uno de los robos más sorprendentes de la historia del arte.

La Gioconda ya era una obra de renombre mundial, famosa por su enigmática sonrisa. Su desaparición causó una conmoción internacional, similar a una “viralización”, en una época analógica. Se desataron intensos esfuerzos para recuperar la pintura, pero sin éxito. Incluso artistas de renombre como el poeta y dramaturgo Guillaume Apollinaire y el pintor Pablo Picasso fueron detenidos e interrogados, aunque no tenían relación con el hecho.

Historia Arte

Durante más de dos años, el paradero de la Gioconda fue un misterio. En este contexto, aparece una curiosa derivación en Santa Fe. Cuando la noticia de la sustracción llegó a los habitantes de “la cordial”, decidieron tomar cartas en el asunto. Se les ocurrió exhibir una reproducción del cuadro en el Teatro Municipal, junto con otras de diversas características.

En su edición del domingo 27 de agosto de 1911, el diario Santa Fe publicó una noticia con una imagen de la Mona Lisa, acompañada del siguiente texto: “La fotografía que reproducimos es copia exacta de valiosísimo y artístico lienzo recientemente robado del gran museo del Louvre, y cuyo paradero, a pesar del empeño que demuestra la policía francesa, no se ha podido descubrir”.

Archivo Santa Fe / Hemeroteca Digital Castañeda

“Como se trata de un original de valor inapreciable, del que se privará seguramente al mundo entero, pues no es difícil que los secuestradores lo hagan desaparecer para evitar ser descubiertos, se presenta aquí, entre nosotros, la ocasión de adquirir una artística reproducción que, por su costo equitativo, debe ser considerada por las personas de buen gusto”, continúa el texto.

“La reproducción a la que nos referimos estará en exhibición en el Teatro Municipal, juntamente con otras también de valor”, finaliza el texto. Una estrategia que, en términos actuales, podría considerarse como un ejemplo temprano de marketing.

V. Peruggia. Foto: Archivo

El misterio de la Mona Lisa se develó en 1913: el autor del robo era Vincenzo Peruggia, un pintor italiano que había trabajado en el Louvre y conocía sus instalaciones. Aprovechó un fin de semana, cuando el museo estaba cerrado, para sacar la pintura, que fue a parar a su departamento en París. La mantuvo oculta hasta que intentó negociar con un marchante de arte italiano, que sospechó de la autenticidad del cuadro y contactó a expertos que pudieron confirmarlo. Así, la pintura fue recuperada y regresó triunfante al Louvre.

Archivo / Museo Louvre

Sin embargo, existe una historia no oficial que incluye a un argentino: Eduardo Valfierno, un estafador argentino. Según algunas hipótesis, Valfierno habría manipulado a Peruggia para ejecutar el robo. La idea era crear una serie de réplicas y venderlas como originales. La noticia del robo inflaría el valor de las copias, que podrían ser comercializadas como auténticas. Aunque no hay pruebas sólidas al respecto, el aura de misterio que añade al caso es irresistible. Como dice la famosa frase de “Un tiro en la noche” de John Ford, si la leyenda es mejor que la realidad, conviene publicar la leyenda.

Más allá de las teorías, lo concreto es que la impresionante cobertura mediática que recibió el caso aumentó la fama de la Gioconda, que hoy atrae a gran parte de los 9 millones de visitantes anuales del Louvre.

Mercedes Ezquiaga (Télam)

La retrospectiva más grande dedicada al renacentista Leonardo da Vinci (1452-1519), sólo posible a través de la tecnología, se puede visitar on line a partir de hoy en la plataforma Google Arts and Culture, que en alianza con 28 museos de todo el mundo se propuso reunir sus grandes contribuciones científicas y artísticas con la ayuda de la Inteligencia Artificial, en una exposición titulada “Inside a Genius Mind” (Dentro de la mente de un genio).

Se trata de un itinerario visual a través de 1.800 imágenes en alta resolución, una exposición virtual con sus pinturas (que no fueron más de 20), más de 100 bocetos de sus cuadernos personales (conocidos como Códices), la recreación en 3D de 17 de sus máquinas voladoras e inventos, fotografías y vistas de las ciudades en las que vivió, a través de Street View o algunos aspectos lúdicos como una app de Realidad Virtual para ver las obras en tamaño real en el lugar en que te encuentres, distribuidos en 80 historias, como bautizó la plataforma a los recorridos que se despliegan dentro del proyecto central.

“El objetivo es dejar que Leonardo nos hable visualmente a lo largo de 500 años”, dijo el profesor británico Martin Kemp, experto en Leonardo da Vinci, durante una conferencia de prensa con medios de todo el mundo, en referencia al trabajo que incluyó la colaboración de Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), The Metropolitan Museum of Art de New York, The National Gallery de Londres, el Getty Museum de Los Ángeles, el Museo Nacional de Cracovia (Polonia), Castle of Clos Lucé de Amboise (Francia), The British Library (Reino Unido) y el National Museum of Science and Technology Leonardo Da Vinci de Milán, Italia, entre otros.

A lo largo del recorrido se puede hojear sus cuadernos personales que entrelazan ideas dispares, desde la anatomía hasta la mecánica, 3.000 dibujos de seis volúmenes de sus códices, organizados aquí por temáticas -con curaduría de Kemp- como secretos del vuelo, espirales, la tierra como un cuerpo, movimiento perpetuo y destrucción.

“Leonardo da Vinci transformó los horizontes de la humanidad a través de su arte, ciencia e ingenio. Es increíble de lo que era capaz. Este proyecto permite entender su contribución en los diferentes campos de saberes. Pensado para los que ya conocen sobre Leonardo y para los que no”, señaló por su parte el indio Amit Sood, director y fundador de Google Arts & Culture, durante la presentación virtual.

El proyecto se propone evadir una idea extendida de Leonardo como pintor. Aunque se puede recorrer una galería virtual que reúne por primera vez todas sus obras de arte -distribuidas en distintos museos del mundo- y si bien es reconocido de manera universal por “La Gioconda” o “La última cena”, su poder de observación y su ilimitada imaginación lo convirtieron en autor del prototipo de muchas de las máquinas modernas, como el auto, el helicóptero, el aeroplano, el tanque militar y el paracaídas.

Así, la plataforma creó solapas que refieren al “ingeniero”, “gastrónomo”, “matemático”, “biólogo”, “artista”, “arquitecto”, “aeronauta” y “físico”, amparadas bajo el paraguas de “El verdadero Leonardo”, un curioso incansable por todas las disciplinas del ser humano -un polímata- para quien comprender un fenómeno significaba ponerlo en conexión con otros mediante una semejanza de modelos.

“El arte es la reina de todas las ciencias, comunicando el conocimiento a todas las generaciones del mundo”, es una de las frases escritas por el maestro renacentista para quien dibujar era su manera de comprender el mundo circundante. No es posible entender su arte sin su ciencia, ni viceversa.

A lo largo del recorrido aparecen por ejemplo datos curiosos para contar, como que Leonardo no tenía apellido en el sentido moderno. Era hijo ilegítimo de Piero Fruosino y una campesina llamada Caterina, por lo que Da Vinci alude al pueblo toscano en el que nació. Otro dato curioso es que odiaba a Miguel Angel -el creador de la Capilla Sixtina- y que llegó a criticar la mala calidad del mármol del famoso “David”, la escultura cumbre de su rival.

Frente al fresco de “La última cena”, la exposición reza: “Hay una figura oculta en este cuadro. Sin embargo, no es quien crees que es. A Leonardo le gustaba basar sus figuras en personas reales, y pasó mucho tiempo vagando por las calles en busca de un criminal que sirviera de modelo para Judas. Cuando su mecenas se quejó de que perdía el tiempo, Leonardo le dijo que basaría a Judas en su mecenas”.

No falta en este itinerario algunos de los datos más conocidos del florentino, como que escribía en espejo y que era zurdo, cuya solapa lo presenta como “séver la aíbircsE” y agrega que la “escritura en espejo” ha intrigado a los historiadores del arte durante años: “¿Era zurdo para no mancharse la tinta? ¿O era para evitar que las miradas indiscretas le robaran sus ideas?”, interroga el texto.

La biografía de Da Vinci se extiende a los lugares en los que habitó, como las fotografías del castillo de Amboise, donde fue enterrado. En 1516 empezó a trabajar a las órdenes de Francisco I de Francia. Encontró un gran favor y colaboró estrechamente con el rey en el diseño de una nueva ciudad fortificada. “Leonardo murió aquí, en Clos Lucé, en 1519, a la edad de 67 años. Según la leyenda, el rey Francisco abrazó al anciano y lloró”, relata el recorrido.

La “Mona Lisa”, la “Dama de Armiño”, “Retrato de un músico”, “Virgen del clavel”, “Virgen de las Rocas”, “Retrato de Ginebra de Benci” o un zoom a “La última cena” que permite apreciar detalles solo posibles en esta plataforma, también conforman la historia de las obras maestras de Leonardo, un recorrido que se extiende al único autorretrato que se conoce del autor, que se encuentra actualmente en la Biblioteca Real de Turín y mide 33 centímetros.

Un dato que no incluye la exposición por la plataforma, pero que sí cuenta el escritor Walter Isaacson en su libro “Leonardo da Vinci. La biografía” es que una de las esculturas más fascinantes de Andrea del Verrocchio, el maestro de Leonardo cuando era adolescente, la de un joven David triunfante con la cabeza de Goliat a los pies es muy probablemente un retrato para el que posó Leonardo cuando tenía 14 años.

A la hora de profundizar en los retratos de Da Vinci, el recorrido toma como ejemplo el “Retrato de Ginevra de Benci”, actualmente en la Galería Nacional de Arte de Washington -la única en territorio estadounidense-, y asegura que “se adelanta a la composición y el estilo de la Mona Lisa”, trazando una suerte de antecedente sobre la famosa pintura que hoy convoca a millones de visitantes cada año en el Museo del Louvre en París.

La idea de reunir juntos los códices de Da Vinci es tal vez uno de los principales hallazgos de esta exposición, teniendo en cuenta que fue uno de los más grandes eruditos de la historia: con la ayuda de Machine Learning y la experiencia curatorial de Martin Kemp, el experimento permite bucear en sus anotaciones por temáticas. Es sabido que Da Vinci escribía y dibujaba de manera compulsiva por lo que navegar por sus páginas personales permite encontrarse con investigaciones de los temas más variados. La IA en este caso colabora para prestar cierto orden al conjunto, a la hora de navegar.

Por ejemplo, el Codex Atlanticus, que abarca el trabajo de su vida, presenta la búsqueda mítica del vuelo y una carta de presentación que muestra sus habilidades multifacéticas. Mientras tanto, el Codex Arundel, conservado por la Biblioteca Británica, revela las últimas creaciones geniales de Leonardo, incluido un comentario aparentemente mundano sobre su sopa fría. Así de variadas podían ser sus escritos.

Esta colección, según Kemp, “transforma los contenidos de los Códices en un viaje visual interactivo, involucrando al público con una poderosa herramienta para aprender más sobre el complejidades y conexiones que atraviesan el genio de Leonardo, aclarando lo que parece oscuro. El objetivo es dejar que Leonardo nos hable visualmente a lo largo de 500 años”.

Da Vinci ideó inventos para la ingeniería hidráulica o militar, pero la mayoría de esas máquinas nunca llegaron a construirse debido a los limitados avances técnicos de la época. Sin embargo, resultaron modernas e imaginativas. La plataforma alberga el boceto del planeador y un testimonio en 3D del sueño de Leonardo de volar, con la ayuda del Museo Nacional de Ciencia y Tecnología de Milán, que alberga en sus salas una colección de 170 máquinas y modelos en 3D del Maestro.

Además, la herramienta de Street View invita a recorrer los sitios en los que nació, vivió y murió Leonardo, desde su ciudad natal, Vinci, hasta el Castillo Sforza que decoró en Milán, pasando a Francia en el Chateau D’Amboise.

La exposición “Inside a Genius Mind”, en colaboración con 28 instituciones de todo el mundo, está disponible a partir de hoy de manera libre y gratuita en el link google/leonardo y desde su aplicación en Android e iOS.