Este domingo, con dos funciones, el Ballet Estable Juvenil Municipal presentó el espectáculo “Sinfonía Mágica en las Cuatro Estaciones”, en Teatro Malandra (Juan B. Justo 157).

Durante el espectáculo fue presentado todo el repertorio clásico interpretado por el Ballet Estable y se sumaron la Escuela de Tango Juan Carlos Copes, Solistas del Coro Lírico Municipal, y ofreció su arte de pintura en vivo Ana Canelo, ofreciendo una dimensión visual única del evento.

En las presentaciones de este domingo, el Ballet, bajo la dirección coreográfica de Melisa Luciani y la dirección artística de Alicia de Luciani, interpretó “Las Cuatro Estaciones” de Vivaldi, explorando géneros como el neoclásico, el jazz y la danza española, combinando música y movimiento, para generar en el público una experiencia sensorial enriquecedora.

Cabe destacar que esta propuesta cultural en la que se fusionaron estilos y disciplinas en una propuesta original y memorable, fue con entrada libre y gratuita por invitación del Gobierno de Venado Tuerto.

El Ballet Estable Juvenil Municipal (BEJM) presenta el espectáculo “Sinfonía Mágica en las Cuatro Estaciones”, con destacados artistas invitados, el domingo 2 de noviembre en Teatro Malandra (Juan B. Justo 157), con funciones a las 18 y a las 20.

El espectáculo está diseñado para el disfrute de personas de todas las edades, presentando un repertorio clásico interpretado por el BEJM.

Además, la Escuela de Tango Juan Carlos Copes aportará la pasión y el ritmo del tango, mientras que el Coro Lírico Municipal participará con interpretaciones solistas que enriquecen la propuesta musical. La experiencia artística se verá complementada por la pintura en vivo de Ana Canelo, quien aportará una dimensión visual única al evento.

Uno de los momentos más destacados del espectáculo será la presentación de “Las Cuatro Estaciones”, de Antonio Vivaldi. Esta obra es abordada desde distintos estilos de danza, ofreciendo una perspectiva renovada y dinámica.

El BEJM, bajo la dirección coreográfica de Melisa Luciani y la dirección artística de Alicia de Luciani, interpreta “Las Cuatro Estaciones” explorando géneros como el neoclásico, el jazz y la danza española.

La combinación de música y movimiento aporta energía y creatividad a la puesta en escena, permitiendo que el público disfrute de una experiencia sensorial enriquecedora.

Esta fusión de estilos y disciplinas no solo realza el valor cultural del espectáculo, sino que también lo convierte en una propuesta original y memorable para quienes asisten.

Entre el 13 y 16 de junio, Plataforma Lavardén (Mendoza 1085) se convertirá en sede central del Festival de Jazz de Rosario 2024. Organizado integralmente por el Ministerio de Cultura de la Provincia de Santa Fe, se desarrollará con entrada libre y gratuita, y permitirá el encuentro de exponentes históricos del género junto con expresiones emergentes.

La lista de conciertos y jam sessions se nutrirá de la participación de treinta grupos y más de cien músicos. Las cuatro jornadas darán comienzo a las 19 y, entre las propuestas, habrá un espacio especialmente montado para la escucha de vinilos, tres escenarios y tres bares. La programación contemplará además recitales en los bares Feuer, Groovin’ y Club de Maltas.

Con la intención de recuperar un espíritu de festival que apunta a la convivencia y encuentro de los músicos que animan la escena jazzera rosarina y santafesina (y que se ampliará, además, con la participación de destacadas propuestas del circuito nacional) el Festival se desarrollará durante cuatro jornadas, siempre con entrada libre y gratuita. En ese marco, durante cuatro días los espacios centrales de Plataforma Lavardén estarán íntegramente destinados al Festival.

La programación, amplia y diversa, se diseñó con un criterio curatorial que permite la convivencia de nombres históricos y de artistas emergentes, otorgando idéntico valor a cada una de las presentaciones, en una grilla auténticamente destacada.

Paulo Ricci, secretario de Desarrollos Culturales del Ministerio de Cultura, destacó: “Rosario es una de las capitales indiscutidas del jazz argentino, de modo que esta nueva versión de su festival, que concentra y pone en relación, en cuatro intensas y hermosas jornadas, a muchos de los más destacados exponentes de la escena jazzera rosarina, con la participación de músicos de toda la provincia y algunas figuras destacadas de la escena nacional, es una verdadera razón para celebrar”.

"Durante cuatro jornadas, el edificio de la Plataforma Lavardén se convertirá en una verdadera nave insignia de las más diversas expresiones de la escena local y nacional, llegando a más de treinta presentaciones y con la participación de más de cien músicos del género. No solamente se destaca la calidad de la programación que propone el festival, sino sobre todo la oportunidad de generar encuentros, cruces y diálogos musicales de todo tipo en estas intensas jornadas que vivirá Rosario”, distinguió Ricci.

Jueves 13

Plataforma Lavardén

– 19.30h, Gran Salón: Seba López Trío

– 20.30h, Teatro: Gustavo Telesmanich Grupo

– 21h, Petit Salón: Dúo Devadder-Salvatierra

– 21.30h, Gran Salón: Andy Passerini Quinteto

– 22.30h, Teatro: Leonardo Piantino y sus Ratas Calientes

Club de Maltas (Güemes 2901)

– 23.30h: Helio Gallo Sexteto

Viernes 14

Plataforma Lavardén

– 19h, Petit Salón: Pau Soka Band

– 19.30h, Gran Salón: Marozzi-Silva-Allende Trío. Artista Invitada: Sandra Corizzo

– 20.30h, Teatro: Julio Kobryn Quinteto

– 21h, Petit Salón: Every Year Quartet

– 21.30h, Gran Salón: Polijazz

– 22.30h, Teatro: Trío Maza-Jacinto-Piazzolla

Club de Maltas (Güemes 2901)

– 23.30h: CDM Cuarteto

Sábado 15

Plataforma Lavardén

– 19h, Petit Salón: Juan Gabino y Lu Blanch Dúo

– 19.30h, Gran Salón: Quini Etchandy Cuarteto

– 20.30h, Teatro: Pablo Socolsky Trío

– 21h, Petit Salón: Claudio Lanzini & Organísimo

– 21.30h, Gran Salón: Quinteto Matador Risso-Rovetto-Suárez-Huertas-Salvatierra

– 22.30h, Teatro: Mariano Ruggieri Grupo

Club de Maltas (Güemes 2901)

– 23.30h: A Go Go

Domingo 16

Plataforma Lavardén

– 19.30h, Gran Salón: Luca Topino Cuarteto

– 20.30h, Teatro: Ernesto Jodos-Mariano Otero-Sergio Verdinelli

– 21h, Petit Salón: Pablo Juárez + Ismael Iwanzuck

– 21.30h, Gran Salón: Kalbermatten-Méndez Grupo

– 22.30h, Teatro: Rubén «Chivo» González

Groovin’ (Italia 886)

– 11h: This Here! Giménez López-Devadder-Lazzarini-Di Renzo-Ribero

Feuer (Maipú 555)

– 23.30h: RMDM

El Gobierno de la Provincia de Santa Fe organiza esta semana la edición 2024 del Festival de Jazz de Rosario. Con Plataforma Lavardén como escenario principal, se desarrollará del jueves 13 al domingo 16 con la participación protagónica de más de 100 músicas y músicos cuyos conciertos podrán ser disfrutados de manera libre y gratuita. 

Durante cuatro jornadas, que comenzarán siempre a las 19 y se extenderán hasta la medianoche, referentes del género se encontrarán con solistas y grupos emergentes para deleitar al público en el Petit Salón, el Gran Salón, y la sala principal de Plataforma Lavardén (Mendoza 1085) y los bares Feuer (Maipú 555), Groovin’ (Italia 886) y Club de Maltas (Güemes 2901).

“El Festival está totalmente organizado por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Provincia, que recupera de esta manera un evento maravilloso”, aseguró en la presentación oficial de la propuesta la ministra Susana Rueda. En este sentido, en una actividad desarrollada este lunes por la noche en Plataforma Lavarden, la funcionaria anticipó que “más de 100 músicos estarán durante cuatro días en Rosario, con conciertos, charlas, masterclass”.

Expectativa, orgullo y satisfacción

Luego, Rueda aseguró que “es un orgullo estar generando esta movida en estos momentos tan complicados y tan complejos para la cultura en general. En una ciudad que está siendo muy castigada, nosotros creemos siempre que la cultura y la belleza nos pueden salvar. Este Festival, por su calidad, está pensado para todo público y ofrece muchísimas actividades para hacer desde el jueves y hasta el domingo”.

En sintonía, el secretario de Desarrollos Culturales del Ministerio de Cultura, Paulo Ricci, destacó que “Rosario es una de las capitales indiscutidas del jazz argentino, de modo que esta nueva versión de su Festival, que concentra y pone en relación, en cuatro intensas y hermosas jornadas, a muchos de los más destacados exponentes de la escena jazzera rosarina, santafesina y de la escena nacional, es una verdadera razón para celebrar. De este modo, Plataforma Lavardén se convertirá en la nave insignia de este festival, que permitirá generar encuentros, cruces y diálogos musicales de todo tipo”.

Artistas y programación

El Festival de Jazz Rosario 2024 contará con la presencia, entre otros, de Seba López Trío; Gustavo Telesmanich Grupo; Dúo Devadder-Salvatierra; Andy Passerini Quinteto; Leonardo Piantino y sus Ratas Calientes; Helio Gallo Sexteto; Pau Soka Band; Marozzi-Silva-Allende Trío; Julio Kobryn Quinteto; Every Year Quartet; Polijazz; Trío Maza-Jacinto-Piazzolla; CDM Cuarteto; Juan Gabino y Lu Blanch Dúo; Quini Etchandy Cuarteto; Pablo Socolsky Trío; Claudio Lanzini & Organísimo; Quinteto Matador Risso-Rovetto-Suárez-Huertas-Salvatierra; Mariano Ruggieri Grupo; A Go Go; Luca Topino Cuarteto y Ernesto Jodos-Mariano Otero-Sergio Verdinelli.

La programación completa se puede consultar en plataformalavarden.gob.ar y en santafecultura.gob.ar

El 30 de abril se celebra en todo el mundo el Día Internacional del Jazz. Se pretende concientizar sobre la importancia del jazz como herramienta educativa y de promoción de la paz, el diálogo y la cooperación entre pueblos de todo el mundo.

Fue decretado por la UNESCO en el año 2011, con el objetivo de dar a conocer un movimiento musical de gran valor educativo, así como un recurso valioso que contribuye al intercambio cultural, al diálogo y la cooperación entre los pueblos a nivel mundial.

El jazz es un género musical que incluye melodías afroamericanas y mezclas de otros ritmos, basados en la improvisación y la libre interpretación.

Jazz emerged as an escape from life's challenges and obstacles. Decades later, its essence continues to captivate our hearts.What is it about Jazz that transcends time?This International #JazzDay, delve deeper into the eternal power of Jazz: https://t.co/kfTO3SL45u pic.twitter.com/DgcBalTFVo

Tuvo sus inicios en el siglo XIX en los Estados Unidos y en la actualidad se encuentra expandida alrededor del mundo.

Esta corriente musical se ha fusionado con otras tendencias y géneros musicales populares, como el Rock and Roll y el Blues.

La música siempre ha representado para los seres humanos un importante medio de comunicación, que aporta grandes beneficios.

En este sentido, el jazz es considerado como el lenguaje de las emociones, siendo una forma expresiva y auténtica que tiene la capacidad de humanizar y trascender en la transformación de las personas y de la sociedad.

A través de los años, han existido grandes músicos de jazz que ha dejado un importante legado para las nuevas generaciones. Es un estilo musical muy peculiar, que cada vez gana más adeptos en todo el mundo.

Grandes intérpretes del jazz han pasado a la historia por sus bellas canciones y composiciones inolvidables:

Uno de los más grandes saxofonistas y compositores de jazz. Perteneciente a la generación de los años 50, este gran músico compuso varias canciones que en la actualidad son interpretados por otros músicos reconocidos a nivel internacional.

Director de orquesta y afamado pianista. Dejó un vasto repertorio de canciones y llegó a producir un gran número de álbumes.

Gran pianista y compositor. Considerado como uno de los grandes representantes del jazz.

Una gran cantante de jazz norteamericana, que sigue teniendo una gran influencia en todo el mundo. Con una voz y un estilo únicos que la convirtió en una de las grandes cantantes de jazz de todos los tiempos.

La mejor cantante femenina de este género. Comenzó su carrera muy joven y tuvo la oportunidad de compartir escenario con grandes cantantes, como Louis Armstrong y Duke Ellington.

Por Juan Ignacio Novak

Tangology es el título del flamante proyecto que impulsa el bandoneonista Adrián Ruggiero en sintonía con el baterista Juan Corrao. Se trata de una fusión orgánica que se introduce en las sonoridades del jazz y el tango. Ahora, el grupo está a punto de presentar, el 26 de abril, el álbum debut “Potrero” conformado por siete temas que tienen al tango como lenguaje principal pero están arreglados e interpretados con un espíritu que tiene que ver con la libertad del jazz. Así, conviven allí el bandoneonista Aníbal Troilo, el saxofonista Wayne Shorter y composiciones originales de los integrantes del quinteto.

“Desde hace muchos años, el jazz comenzó a tomar otros estilos para sumar en su repertorio de standards e improvisaciones, temas de bossa nova o valses. Entonces ¿Por qué no podemos improvisar sobre los tangos? A pesar de que los tangueros de la más arraigada escuela no lo hubieran permitido. Creo que el tango fue rompiendo moldes a lo largo de estas últimas décadas y éste es un sonido que faltaba. No es ajeno el lenguaje tampoco, las armonías fluyen libremente y trabajamos mucho para transformar esta idea en arreglos musicales concretos que son los que caracterizan la solidez de este grupo”, expresó Adrián Ruggiero a este medio.

“Bustamante y Peña” (Juan Corrao), “Oblivion” (Astor Piazzolla), “Melodía de Arrabal” (Carlos Gardel - Alfredo Lepera), “Nuevos Viajes” (Adrián Ruggiero - Andrés Jorge), “Footprints / Romance de Barrio” (Wayne Shorter / Aníbal Troilo), “Toma Negra” (Adrián Ruggiero) y “Vieja Viola” (Humberto Correa) son los temas que conforman el álbum.

“Nos inspiró mucho el hecho de que todo pueda cantarse, que no sea un disco demasiado complejo sino más bien popular. Que los temas nos parezcan simples para improvisar y por supuesto hacer nuestros propios tangos fue un objetivo que nos motivó para seguir en este proceso de investigación y prueba. Hay dos temas que no quedaron en el disco y eso también fue una decisión que nos costó mucho tomar, pero finalmente sentimos que fue acertada”, explicó Ruggiero.

-El nombre del álbum, “Potrero”, tiene una connotación interesante. ¿Podrías profundizar en la analogía futbolera y cómo se refleja esa idea en la música del disco?

-Lo primero que tiene el potrero es el barro, esa esencia es la primera que queremos resaltar. Uno entra al jazz saltando una reja de alambre para jugar un partido, con toda la inocencia de un pibe atrás de una pelota, completamente improvisado. Casi siempre los jugadores son los mismos en este equipo, lo que lo hace más genial aún. Quiero aprovechar para presentar a los otros jugadores que son: Juan Corrao en batería y con quien realicé todo el trabajo de arreglos y producción del álbum, Andrés Jorge en saxo barítono, Gonzalo Aldás en bajo y Dante Picca en el piano.

Grabar al lado del Monumental

-¿Cómo fue la grabación del álbum en el estudio Cultura Kamikaze? ¿Cómo es el lugar? ¿De qué manera influyó ese entorno en el resultado final?

-Cultura Kamikaze es nuestra sala, así que fue como grabar en casa. Acá se graban discos principalmente vinculados al tango, al jazz y al folclore, se realiza un festival anual y también es la sede de la Fábrica Argentina de Tango que es una asociación civil con la que difundimos el género con un montón de actividades de inclusión social y acercamiento a la comunidad desde diversas perspectivas. Se realizan también trabajos de herrería artística, serigrafía y otras locuras. Queda a media cuadra de la cancha de River Plate, El Monumental, esto fue un tremendo disparador para el nombre. En cuanto al disco en sí, la ingeniería de sonido la hizo Nico Acosta, él es “El Portugués” de Cultura Kamikaze. Además de este álbum grabamos unos cuantos otros en la sala estos últimos años. Sumamos para la mezcla a Florencio Justo, con quien encontramos un sonido original y eso nos hace felices ya que fue desde el comienzo nuestra principal búsqueda.

La aparición de San Pugliese

-“Potrero” presenta una combinación inusual de instrumentos, como el bandoneón, el saxo barítono, la batería, el piano y el bajo. ¿Por qué esa instrumentación? ¿Cómo lograron equilibrar esos sonidos para dar cohesión al resultado final?

-La selección de instrumentos para “Potrero” fue fundamental para encontrar un sonido distintivo y abrazar el tango con el jazz de manera orgánica. Cada instrumento fue elegido, como en un partido de potrero, por el rol que cumplen en el equipo. Tenemos batería y bajo jugando en el fondo, mitad de cancha el piano y te diría que los goles los suelen hacer el fueye y el saxo.

-¿Podés compartir algunas anécdotas interesantes o momentos destacados durante el proceso de producción del álbum?

-Te contaría que Vieja Viola salió en una sola toma que no volvió a repetirse jamás. En momentos como ésos es donde pensás que las cosas están saliendo bien, pero en la segunda jornada tuvimos un problema técnico con la grabación y no fue hasta que apareció San Pugliese que pudimos retomar la jornada. Preocupados por lo que había pasado, pensamos que había sido un desastre pero al oírlo no podíamos creer lo que sonaba.

El género sigue vivo

-¿Cuál es el mensaje o la emoción principal que esperás transmitir a los oyentes a través de "Potrero"?

-A través de “Potrero”, esperamos transmitir una visión de un tango nuevo que no tiene fronteras ni estructuras, que el género sigue vivo en infinitas formas y ésta es una que faltaba decir. Más allá de las palabras, es nuestro deseo que la música toque el corazón y se abran las puertas donde sea que suene alguna melodía.

(Por Ariel Pennisi) - Mike Stern a lo largo de su carrera ha deslumbrado con su viola junto a distintas leyendas del jazz como Stan Getz, Joe Henderson, Jim Hall, Pat Martino, Tom Harrell, Arturo Sandoval, Tiger Okoshi o Michael Brecker entre otros. Fue compañero de Miles Davis a principio de la decáda del 80, en un período de creatividad que dio como resultado tres discos en cuatro años. Stern grabó y fue parte de las bandas de Jaco Pastorius y Billy Cobham y como solista tiene más de 15 discos editados, y 6 nominaciones al Grammy.

El próximo sábado 2 de marzo se presenta en el Galpón 11 de Rosario (Estévez Boero 980) en una visita donde estará acompañado por una agrupación de lujo que cuenta con dos músicos nacidos en Venado Tuerto y residentes en Estados Unidos desde hace un tiempo: el pianista Leo Genovese y la joven promesa de la batería en New York, Juan Chiavassa. La agrupación se completa con el bajista Javier Malosetti, y el norteamericanos Bob Franceschini en saxo .

Mirador Provincial dialogó con el pianista Leo Genovese quien obtuvo un reciente premio Grammy en la categoría Mejor solo improvisado de jazz. 

-¿Cuándo nace tu encuentro con el piano y la composición?

-Mi encuentro con el piano es de antes de mi nacimiento. Mi mamá toca piano, y tocaba mucho mientras estaba embarazada. Por las noches, ponía su panza tocando el teclado. Ese piano sigue estando en Venado Tuerto, así que esas frecuencias siguen resonando. El marfil y la madera guardan información de otros tiempos.

La composición fue y sigue llegando de a poco. Dice el maestro Wayne Shorter, que uno tiene que escribir “…What you wish for…” , o sea lo que uno desea, o lo que uno desearía, o como uno se imagina que el mundo fuese. Cosas que tienen que ver con los sueños y las metas que uno se propone. Como músicos, improvisadores y soñadores todos tenemos fronteras, metas y aspiraciones. La composición es la manera que estudio improvisación, y la improvisación es la forma que estudio composición.

-Te encontrabas estudiando música y economía en Rosario y en el 2001 emigrás a EEUU, ¿qué recordás de aquel exilio?

-Desde el año 1998 al 2001 estuve viviendo en Rosario. Recuerdo todo, como si estuviese pasando hoy, y yo fuese un testigo de esa película.

Recuerdo el vivir con mis hermanos, las comidas de mi abuela los domingos en Alberdi. Íbamos a su casa, y en uno de los canales de televisión pasaban un programa de jazz y solíamos grabarlo en VHS, ahí fue la primera vez que pude ver a Mccoy Tyner, Chick Corea a Herbie Hancock en pantalla. También había una videoteca que era de un hombre de apellido Perrone, cada quince días abría las puertas de su local y durante dos horas ponía videos de jazz que él traía de USA. Todo esto antes de que existiera Internet, en donde había disquerías, la información que circulaba era menor, había un importante tráfico de casetes grabados, y los discos se escuchaban y se reescuchaban mucho. Recuerdo que éramos, en esa época, pocos jóvenes músicos que nos gustaba el jazz en Rosario: El Pipo, Topo, Nickbop, Saya y alguno más.

Hacía poco tiempo que Seba Mamet había vuelto de USA, fué el último año que estuve en Rosario y Julio Kobryn armó un grupo llamado La Revancha, para el cual me convocó y también llamó al bajista Bjarki Meitil, un músico de las islas Faroe que estaba en Rosario en esa época.

Recuerdo mis clases de piano con Ana Maria Cue y con Lionel Lúquez. Las clases en la Siberia, los viajes en bondi. Quiero mucho a la hermosa ciudad.

-Continuás tu formación en Berklee College of Music (Boston, Massachusetts), ¿cómo fue tu inserción en el mundo del jazz?

-Llegué sin poder comunicarme mucho en inglés, sin entender cuando me hablaban y con un aire bastante “pueblerino”, medio tímido. Recuerdo que estuve varios meses casi sin hablar en inglés. Pero llegué con mucha sed de aprender y tocar. Eso fue clave: las ganas y la predisposición. Siempre disponible para tocar con gente, y ponerme en situaciones de reto, o sea de tratar de tocar con gente de alto vuelo, con la finalidad de aprender en el escenario, ganar experiencia y aprender repertorio y como dicen allá “get your ass kicked”… esa es la escuela, el cuarto de práctica, el escenario y la comunidad.

-En el año 2003 sale a la luz Haiku II, tu primer disco solista. Luego vinieron varios materiales que te llevaron a ganar un Grammy en el 2023 por el trabajo “Endangered Species”, pero también trabajás mucho desde lo grupal, ¿qué diferencia encontrás en tus momentos creativos a la hora de trabajar de forma grupal o como solista?

-Trato siempre de estar preparado para la situación artística que voy a encarar, sea algo al cual fui convocado o algo que arme yo. Cuando llamo a alguien a tocar a mi grupo, me encuentro de todo, y así conozco a la gente. Hay gente que llega y se sabe la música mejor que yo mismo que la escribí. Hay otros que leen muy bien y que me doy cuenta que no han pasado mucho tiempo con el material, pero la zafan.

A mí me gusta tener en mi equipo a gente que se comprometa con la causa, gente que se sepa la música, que no tenga miedo a saltar al vacío y lo de todo a la hora del partido, gente que busque nuevas cosas, que me sorprenda con sus ideas y sea creativa; también trato de que cuando soy convocado a una banda llevar ese espíritu. Llegar con el material aprendido lo mejor posible, para poder crear sin ataduras y además llevar a la mesa un poco de campo del sur de Santa Fe y un poco de Ovni.

-¿Cuándo entablás relación Javier Malosetti?

-Por el año 95/96 vino Jota Morelli a tocar a Venado Tuerto con Javier Malosetti y Mono Fontana. Yo estaba en la escuela, me acuerdo que fui, que me voló la cabeza, que no entendí nada, pero que fue una inyección de data e inspiración que duran hasta hoy.

La primera vez que tocamos juntos con Javier Malosetti fue hace un par de años en Venado con Jota. Él es un genio, un prócer de la música, un NBA del sonido.

Además en los primeros intentos de tocar jazz en Venado por los noventas, su primer disco solista era de cabecera para nosotros, lo escuchábamos mucho.

-¿Y con Mike Stern?

-Hace más o menos nueve años recibí una llamada de Mike Stern a mi teléfono. El mensaje era así: “…Hola Leo, soy Mike Stern, me puedo tomar una clase con vos…”. Típica, pensé que alguien me estaba embromando, pero cuando llamé al teléfono que me dejaron, era el mismísimo Mike.

El tema era que Mike iba a tocar una canción de Esperanza Spalding que se llamaba “If that’s true”, canción que grabamos en un disco de Esperanza. La canción es como un blues medio particular, con una armonía bastante atípica, pero 12 compases al fin.

Cuando Mike escuchó la grabación de esa canción en ese disco, le gustó la manera en que yo encaré la problemática armónica, y me llamó e invitó a su casa a tocar. Tocamos en dúo y también con su mujer Leni. Con Leni establecí una gran amistad, y ella me invitó a ser parte de su grupo, con el cual viajamos por USA, por Europa y África.

Cuando llegó la pandemia, y nadie tocaba en ningún lado, Mike y Leni me invitaron a su casa a tocar, un domingo, con máscaras. Lo invité a mi gran amigo y baterista, también de Venado Tuerto, Juan Chiavassa, a que se sume a la zapada en la casa de los Stern. De esa manera empezamos a ir todos los domingos a su casa con Juan.

Tocábamos a dos guitarras, batería y yo tocaba órgano Hammond. Tocábamos Stan- dars, composiciones nuevas que habíamos estado trabajando esos días. Era como un Workshop como para que no se corroa la maquinaria de la música.Cuando reabrieron los clubs Mike nos invitó a tocar con su grupo. Al principio le puso “The street band”, porque el primer lugar que tocamos fue en la calle, en una galería de arte en el East Village.

-¿De qué trata el show que van a estar presentando en Rosario el próximo 2 de marzo?

-Vamos a tocar la música de Mike. El es un gran maestro no solo de la guitarra y la música, sino de la composición también. Aprendí mucho de la arquitectura de la música, tocando y analizando su obra. Es música que le llega a todo el mundo, a los sabios de la música y a la gente que no entiende nada. Es compleja y simple al mismo tiempo. Es fácil y difícil al mismo tiempo. Es familiar y novedosa al mismo tiempo.

Tiene esa magia que me gustaría que mi música tenga algún día. Por eso sigo estudiando cuando puedo y analizando la música de los maestros como Mike.

-Luego de Rosario, ¿cuál es el itinerario a seguir?

-Luego de Rosario la banda de Mike sigue de gira por Argentina, Chile y Uruguay.Yo tenía compromisos previos, así que tendré que ir a Eslovenia a tocar con un grupo de jazz de allá y luego a Londres a grabar al estudio Abbey Road con un grupo inglés.

También tengo unos conciertos con mi trío en Estados Unidos, y después a fin de marzo me voy a Boston a tocar con la sinfónica de ahí, la música de Wayne Shorter.

Lugar: Galpón 11. Estévez Boero 980. Monumento a la Bandera, Rosario.

Fecha: 2 Marzo, 21 horas.

Puntos de venta: disquería Amadeus, Córdoba 1369 - Local 9 - Galeria Melipal.

[vc_row][vc_column][vc_column_text]Leo Genovese, el pianista nacido en Venado Tuerto fue el único argentino en conseguir una estatuilla en la 65° edición de los Premios Grammy, la megafiesta global de la música que se lleva a cabo este domingo en Los Ángeles, Estados Unidos. 

De esta manera, Genovese, junto a la leyenda del jazz, Wayne Shorter, fueron los ganadores en la categoría Mejor solo improvisado de jazz por su actuación en “Endangered species”, compuesta por la artista Esperanza Spalding y registrada en el álbum Live At The Detroit Jazz Festival. 

Los otros nominados en la categoría fueron Ambrose Akinmusire – Rounds, Gerald Albright – Keep Holding On, John Beasley – Cherokee/Koko, Marcus Baylor – Call of the Drum y Melissa Aldana – Falling. 

El trío Genovese-Otero-Verdinelli vuelve a la ciudad en un espectáculo imperdible

Pese a haberse ganado el premio, ni Genovese ni Shorter estuvieron presentes en la ceremonia. Por parte del venadense, se sabe que está recorriendo el país junto al trío Sin Tiempo, integrado por Genovese en piano, Mariano Otero en bajo y Sergio Verdinelli en batería. La formación actuará este lunes en Santiago del Estero, antes de volver a actuar en Venado Tuerto el próximo sábado 11 de febrero a las 21.30, en el anfiteatro de plaza Italia.  

“El 3 de septiembre de 2017, los asistentes del Detroit Jazz Festival presenciaron un evento muy especial y único de una sola vez”, fue como en julio del año pasado Genovese anunciaba en su Instagram que estaba por editarse este disco de la grabación de aquel show, del que además de los ganadores de este domingo, también participaron Spalding y Terri Lyne Carrington. El álbum en cuestión también estaba nominado en la categoría Mejor álbum de jazz instrumental, premio que fue para New Standards, Vol. 1. [/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_raw_html]JTNDaWZyYW1lJTIwd2lkdGglM0QlMjI1NjAlMjIlMjBoZWlnaHQlM0QlMjIzMTUlMjIlMjBzcmMlM0QlMjJodHRwcyUzQSUyRiUyRnd3dy55b3V0dWJlLmNvbSUyRmVtYmVkJTJGUG5iakhpaG1YbE0lMjIlMjB0aXRsZSUzRCUyMllvdVR1YmUlMjB2aWRlbyUyMHBsYXllciUyMiUyMGZyYW1lYm9yZGVyJTNEJTIyMCUyMiUyMGFsbG93JTNEJTIyYWNjZWxlcm9tZXRlciUzQiUyMGF1dG9wbGF5JTNCJTIwY2xpcGJvYXJkLXdyaXRlJTNCJTIwZW5jcnlwdGVkLW1lZGlhJTNCJTIwZ3lyb3Njb3BlJTNCJTIwcGljdHVyZS1pbi1waWN0dXJlJTNCJTIwd2ViLXNoYXJlJTIyJTIwYWxsb3dmdWxsc2NyZWVuJTNFJTNDJTJGaWZyYW1lJTNF[/vc_raw_html][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]“Era solo un show. No sabíamos que lo iba a grabar la NPR, la radio pública nacional de los Estados Unidos. Y tampoco estaba contemplado que fuera un disco. Esa posibilidad surgió recién el año pasado y fue una alegría. Originalmente era Geri Allen quien iba a tocar piano y yo sintetizadores. Pero lamentablemente Geri falleció poco antes del concierto y me pidieron que tocara el piano. Para mi es genial que exista ese documento. Más que nada por la oportunidad de escuchar a Wayne en otro disco en vivo. Además, tocando el tenor, que es un instrumento que utiliza cada vez menos”, le contó Genovese a Infobae en diciembre de 2022 acerca de esta grabación.  

Genovese nació en Venado Tuerto en 1979 y comenzó a estudiar música y contabilidad en la Universidad Nacional de Rosario (UNR). En 2001 se mudó a Estados Unidos, donde aun sigue viviendo. Allí, además, continuó su formación en Berklee, donde se graduó dos años más tarde de su llegada. En 2003, debutó como solista con el disco Haiku II y desde entonces publicó otros cuatro álbumes más, además de colaborar en numerosos proyectos de otros artistas disímiles como José James, Residente y The Mars Volta.  

“Siempre estoy grabando. Pero a veces son grupos de amigos en los que participo, pero no estoy al frente. Proyectos más colectivos que, si bien yo no lidero, también los siento parte de mí. Porque puse mi corazón en eso. (…) Pero la verdad es que tengo mucha música archivada en un cajón. Algunas veces estoy conforme con que ese cajón permanezca cerrado y otras, al tocar con otra gente y otros proyectos, me inspiran y me aportan mucho. Entonces el cajón se va llenando y de a poco los materiales van pujando por salir. Elijen algún arreglo, alguna formación, alguna orquestación y entonces si cuadra, ven la luz del día”, dijo Genovese acerca de cómo su carrera pendula entre su música y las colaboraciones con otros artistas.  

Los otros dos argentinos presentes en la edición 2023 de los Grammy fueron Fito Páez -que con su disco Los años salvajes compitió por el premio a Mejor disco de rock / alternativo latino, galardón que se llevó Rosalía por su fascinante Motomami- y Ástor Piazzolla, presente en la categoría Mejores notas de un álbum -el premio se lo quedaron los estadounidenses Wilco, por la reedición de los 20 años de Yankee Hotel Foxtrot-.  

Con información de Infobae [/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]

El próximo sábado 18 de diciembre, se presentará en Venado Tuerto Quintino Cinalli Cuarteto, propuesta que lidera el baterista local junto a los músicos Mariano Agustoni (piano/voz), Bruno Di Lorenzo (guitarra) y Andrés Pellican (bajo eléctrico). Se trata de un potente e innovador cuarteto de jazz/fusión Latinoamericana.

El repertorio incluirá composiciones propias, pertenecientes a los cuatro álbumes solista de Quintino y versiones de obras de grandes autores latinoamericanos y del mundo (Victor Jara, Jacinto Piedra, Hermeto Pascoal, W. Shorter, entre otros).

En cada presentación, la música puesta al servicio de la emoción, recorre un sinfín de situaciones musicales que conviven perfectamente en la estética de esta particular agrupación liderada por Quintino.

El abanico musical que escucharán transita por diferentes climas y géneros, desde una balada instrumental a una chacarera cantada, cómo así también el candombe, el funk y la improvisación, siempre presente, imprimiéndole al grupo una impronta más jazzística.

“Es nuestro deseo brindarles un nuevo sonido contemporáneo con esta mixtura de sonoridades, melodías y ritmos, basados en nuestras raíces”, expresó el músico local, asegurando que el público se encontrará con “un concierto lleno de variedad, espontaneidad, emoción y con un alto vuelo creativo”.

[vc_row][vc_column][vc_column_text]Contar su vida desde un punto fijo sería como filmarlo en blanco y negro. Miles Davis fue en colores y en futuro. De eso trata la proliferación cromática de su música; la misma que primero desconcierta y después seduce.

Por la razón antes expuesta, no lo abarcan bien las biografías. Ni la muy potable que escribió su colega el trompetista escocés Ian Carr, ni la oficial The Autobiography (1990) redactada a cuatro manos por el propio Miles junto al poeta Quincy Troupe. En ambas (y en otras circulantes, menos conocidas) sobrevuela la formalidad de la reverencia obsecuente o su versión maquillada en primera persona: la vanidad.

La revolución sonora que Miles llevó a la trompeta es una extensión de su personalidad.

“Miles por Miles”, en cambio, pone en escena al hombre sin filtro, desaforado, excesivo y a la vez austero, como su sonido; impiadoso, certero, lúcido, lo largo del grueso de su carrera. El volumen consta de textuales del trompetista en declaraciones a distintos medios periodísticos, vertidas entre 1957 y 1998.

Los historiadores, jazzistas y melómanos lo saben: La trompeta fue una hasta Louis Armstrong y otra desde Miles Davis. Pero la revolución de su sonido no tuvo que ver, como algunos despistados suponen, con la velocidad o la mera destreza. Rápidos y efectivos se cuentan por cientos, quizás miles (valga la cacofonía).

Lo de Davis fue otro asunto y más sutil: él entró en la trompeta como quien lo hace por primera vez. La buceó cual extraño, desdeñó la pirotecnia, el virtuosismo, los trucos: ahondó en ella buscando sus silencios, reinventando una relación de intimidad que lleva tiempo. Así dio con un sonido, una textura, un color completamente inexplorado en su instrumento hasta entonces. De esa relación, a veces hasta tortuosa, tratan también estas páginas.

La revolución sonora que Miles llevó a la trompeta es una extensión de su personalidad: fue aquel que pretendía sólo lo indispensable para que esa frecuencia esencial desplegara su timbre oculto, su alma. Acaso un minimalista anticipado o, mejor aún, el intérprete musical de lo que Hemingway recomendaba en literatura: “arquitectura, no decoración”.

Aquella misma austeridad prodigiosa de Miles Davis soplando se refleja en los testimonios que, en este caso, Paul Maher Jr. y Michael K. Dorr se tomaron el trabajo de conjugar en un mismo cuerpo, a partir de distintas entrevistas que el músico brindó durante las tres décadas referidas más arriba a distintos medios gráficos y audiovisuales.

La propuesta que asumió la heroica (siempre lo es publicar localmente) editorial Letra Sudaca incluye –además de los reportajes a cargo de periodistas renombrados y especializados como Nat Hentoff, Al Aronowitz, Chris Albertson, Leonard Feather, Stephen Davis, Eric Nisenson y Ben Sidran– artículos rescatados de aquellas viejas revistas dedicadas al género que ya no se publican y programas de radio y televisión que nunca antes habían sido transcriptos. En el apogeo de la virtualidad internética, la recopilación de tamaño material, en sus nobles 363 páginas papel obra, reviste un valor inversamente proporcional a la omisión de estos contenidos en los insondables caminos de la web.

Otro aspecto interesante que surge de este volumen es la verificación de cómo y por qué su personaje recio fue tan necesario en los años 50 y 60, cuando era improbable que un negro en los Estados Unidos pudiese hacerse un lugar de respeto sin apelar a cierta hostilidad imprescindible. Ese rol, que algunos juzgaron maliciosamente, le permitió ser quien era en todo sentido, incluyendo la posibilidad de acceder a mejores tratos que sus contemporáneos afroamericanos. Casi 100 álbumes publicados (entre 1951 y 2011) dan cuenta de alguien que, pese a su proverbial dureza, fue, además de un compositor distinto, solista y sesionista genial, un hábil negociador.

“Esto lo estoy tocando Mañana” decía Johnny Carter –alter ego de Charlie Parker en el cuento El perseguidor, de Julio Cortázar. El escritor argentino, al evocar a Parker (creador del bebop el subgénero del jazz que reformuló la Historia) hablaba también de un momento y un ambiente musical en cuyo centro estaban Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Max Roach, Bud Powell y, por supuesto, el entonces muy joven Miles, discípulo de todos ellos, revoloteaba por ahí. Eso aborda a su vez este libro y, volviendo a Cortázar ¿quién sino Miles Davis estaba, estuvo, está “tocando mañana”?

Por si quedaban dudas de que el hombre en cuestión hablaba con vigencia de futuro, he aquí una obra que lo ratifica.

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Lolo Risso Grupo hace su primera presentación en vivo después de un largo año y medio, el sábado 11 de septiembre a las 21 horas en la Sala Cultural Municipal de Firmat. En esta ocasión presentando “Memória dos Mares”, disco grabado a finales de 2019 en la ciudad de Rio de Janeiro con la participación de músicos de la escena del jazz carioca.

En la actualidad la banda está formada por músicos de diferentes lugares del país. Integran el grupo: Lolo Risso en batería, Alexis Gambacurta en contrabajo, Gustavo Girves en piano, Bruno Lazzarini en trompeta, Jesus Eroles en saxo alto y Eliana Grabriela Buyatti en voz.

Además de tocar los temas compuestos y arreglados por Lolo, el grupo reversiona temas de compositores brasileños como Gilberto Gil, Milton Nascimento, Baden Powell. El show va a contar con la participación del músico invitado Máximo Cavallin quien hará la apertura de la noche con temas de su autoría e interpretaciones originales.

Las entradas anticipadas están a la venta a $700 en “La Disbrería” (Santa Fe 919 – Firmat).