(Por Juan Ignacio Novak) - Mucho antes de convertirse en lo que son hoy, una especie de objetos de colección, los trabajos creados por Florencio Molina Campos estaban colgados en lugares modestos: almacenes de ramos generales, estaciones de tren, pulperías de pueblo, talleres mecánicos o cocinas familiares.

En esos espacios, entre el mate y el trajín cotidiano, esos gauchos de narices largas, caballos inquietos y ademanes exagerados fueron entrando, de a poco pero con firmeza, en la memoria visual de los argentinos.

El punto de partida de ese fenómeno tiene fecha precisa: 14 de marzo de 1930. Fue ese día cuando la Fábrica Argentina de Alpargatas contrató al artista para ilustrar el almanaque de 1931. Lo que parecía un encargo más terminó siendo una de las difusiones artísticas más masivas del siglo XX en el país.

Museo Zorrilla Uruguay

Las escenas camperas de Molina Campos comenzaron a reproducirse en millones de láminas que circularon por toda la geografía argentina. Y armaron una "narrativa visual" sobre la vida rural que hoy es parte del imaginario colectivo.

Cuando Alpargatas convocó a Molina Campos, el pintor ya había dado señales de su talento. Había presentado su primera exposición pública en la Sociedad Rural, donde sus caricaturas de escenas gauchas llamaron la atención.

Pero el contrato de 1930 le dio una vidriera inédita. La empresa le encargó doce pinturas originales, una para cada mes del almanaque de 1931. El éxito fue tal que la colaboración se prolongó durante años: primero entre 1931 y 1936, y luego nuevamente entre 1940 y 1945.

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Como explicó Segundo Deferrari, director del Museo Las Lilas, en el catálogo publicado por el Museo de Artes Visuales Ernesto Alexandro de Uruguay, el fenómeno fue tan potente que terminó creando un circuito cultural propio.

"Donde llegaba la mercadería de Alpargatas, había una obra de Molina Campos que la promocionaba. Así, la empresa jugó el doble papel de difundir sus productos y el arte de don Florencio", destacó.

La circulación fue monumental. Cerca de 18 millones de láminas se distribuyeron por todo el país, llevando esas escenas gauchescas a lugares donde el arte rara vez llegaba.

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La Argentina de los años 30 vivía una transición. Buenos Aires crecía, mientras el campo seguía siendo símbolo identitario de la nación. En esa tensión (tradición y modernidad), las obras de Molina Campos brindaban una mirada singular.

No idealizaban al gaucho como héroe romántico, tampoco lo reducían a una caricatura grotesca. Más bien lo mostraban en su vida cotidiana: trabajando, bailando, jugando a las cartas, cortejando a una "china" o domando caballos.

Para el filósofo y ensayista Pablo da Silveira, "Molina conocía profundamente ese mundo, pero tenía la distancia necesaria para mirarlo en perspectiva. Lo quería profundamente, pero no se sentía obligado a reverenciar. Por todo eso se permitió retratarlo con un humor casi farsesco, que es muy poco frecuente entre quienes han tratado el tema".

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A partir de 1934, los almanaques comenzaron a incorporar textos escritos por el propio artista. Allí apareció Tiléforo Areco, personaje emblemático de su universo creativo. Inspirado en un capataz de estancia, Tiléforo era un paisano que contaba su historia con giros rurales, exageraciones y humor.

Ese folletín criollo fue tan popular que el personaje terminó llegando a la radio. Durante dos años, Molina Campos lo interpretó en Radio Splendid, con retransmisiones en emisoras del interior como Bahía Blanca y Rosario.

Lo más llamativo del fenómeno es que esas obras nacieron dentro de una campaña publicitaria. Sin embargo, el tiempo terminó haciéndolas patrimonio cultural.

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Las láminas se colgaban en bares, talleres, escuelas y bibliotecas. Muchas familias las guardaban incluso después de que terminara el año del calendario. La gente se apropió de ellas: las apreció, las guardó y las exhibió.

El artista retrató un universo rural que todavía estaba vivo en la memoria colectiva de la Argentina de la primera mitad del siglo XX. Pero lo hizo con una mirada moderna, capaz de captar la dimensión humana del paisaje criollo.

En palabras de la historiadora cultural Mariana Wainstein, directora nacional de Cultura de Uruguay, su obra se sostiene en una convicción profunda.

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"Dedicó su vida entera con tenacidad inquebrantable a mantener vivas las costumbres y las tradiciones campestres plasmadas en su rico legado. Y fue con ese entusiasmo y esa resolución que supo conquistar también a los exigentes públicos de los EUA y de Europa", afirmó.

A más de 90 años del contrato firmado con Alpargatas, la obra de Florencio Molina Campos sigue ocupando un lugar singular en la cultura argentina. Sus pinturas están en museos, colecciones privadas y exposiciones internacionales. Pero el corazón sigue siendo el mismo.

(Por Ana Inés Dobal) - Con funciones a sala llena y una propuesta que volvió a superarse, Las Cocot Producciones presentan este sábado 5 y domingo 6 de julio (se agregó una función ante la demanda del público) las últimas funciones de Fantásticos del Humor, el espectáculo que marcó su regreso triunfal al escenario del teatro Candilejas. En una ciudad donde cada vez más público los acompaña, Marcel Gondou y Emilio Cura, profetas en su tierra, vuelven a confirmar que su humor transformista llegó para quedarse.

Fantásticos del Humor es un show completamente renovado, que mezcla cuadros musicales, imitaciones, sketches desopilantes y una producción que crece a cada temporada. Con nuevas incorporaciones en el elenco, vestuarios más trabajados y una dinámica escénica que combina lo absurdo con lo musical, Las Cocot demuestran que el humor puede ser provocador, inteligente y profundamente popular.

"Cada cuadro está pensado para provocar risa, pero también para sorprender. Hay interacción con el público, ritmo, cambios de escena y una energía que no se apaga nunca", comentaron desde la producción.

Desde su irrupción en el escenario local con propuestas como Las Cocot Recargadas y Bravísimas del Humor, la compañía logró imponer un nuevo estilo en Rufino: el transformismo con narrativa propia, formato de revista y un marcado enfoque en la comedia de personajes. Su trabajo los llevó más allá de la ciudad, incluso hasta la costa argentina, donde también se presentaron durante la temporada de verano.

“Nos dimos cuenta de que podíamos hacer algo distinto, con profesionalismo, sin perder lo artesanal. Conectar con la gente desde el humor y también desde lo emocional”, señalaron Gondou y Cura.

Entre los cuadros más celebrados de esta temporada se encuentran "las amigas abuelas", "las parejas tóxicas" y "el monólogo de la nena", verdaderos hits que combinan sátira, ternura y actualidad. A ellos se suman personajes de revista: cantantes, amas de llaves, niñas caprichosas y maestras de carácter, que se suceden en un ritmo constante de humor.

Pero más allá del despliegue técnico y actoral, lo que sigue marcando la diferencia es la conexión directa de la dupla con el público, que los abraza al finalizar cada función y vuelve a llenar la sala una y otra vez. “Ese aplauso del final, ese abrazo genuino, nos alimenta. Es lo que nos hace volver”, aseguran.

Este sábado 5 y el domingo 6 son las últimas chances para ver "Fantásticos del Humor" en Rufino. Las entradas están a la venta en el Teatro Candilejas y en Espacio Hirth, pero quedan pocas localidades disponibles. Serán dos noches especiales, no solo por el cierre de temporada, sino también por el camino recorrido: dos años de presentaciones ininterrumpidas, en invierno y verano, con propuestas que se superan función a función.

Con humor, talento, sensibilidad y una propuesta que rompe moldes, Las Cocot siguen brillando en escena y en el corazón de su público.

(Por Juan Ignacio Novak) - Hace 40 años se estrenó "Esperando la carroza", de Alejandro Doria. Todos los buscadores de Internet señalan que el estreno se produjo el 6 de mayo de 1985.

Aunque Diana Frey, quien fuera productora de Doria, recordó en una entrevista con el periodista Pablo O. Scholz de Clarín que, en realidad, fue el 6 de junio de aquel año.

Para Frey, los fanáticos de la película que pueblan las redes sociales nunca aceptaron nunca esa fecha. Y, como dice John Ford en "El hombre que mató a Liberty Valance", si la leyenda es mejor que la realidad, que se imprima la leyenda.

Rosafrey, Susy Suranyi y Asociados

Más allá de ese dato de color, lo cierto es que 40 años después, la película sigue tan viva (o más), que el día que llegó a los cines, sea 6/5 o 6/6. Tal vez porque, a fin de cuentas, los argentinos no cambiamos mucho.

Citada, estudiada, venerada y hasta reproducida en memes, es una radiografía de la sociedad argentina de los años '80. Pero sortea toda referencia a la coyuntura y se vuelve universal.

Basada en la obra de teatro de Jacobo Langsner, "Esperando la carroza" usa herramientas del grotesco criollo para retratar a una familia de clase media baja en crisis.

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Como en una obra de Shakespeare, las miserias humanas están a flor de piel. El egoísmo, la hipocresía, la negación, el miedo provocan carcajadas, incomodidad y reconocimiento.

Este humor incómodo, que a veces llega a lo trágico, funciona como un espejo distorsionado. Pero, como en la serie "Black Mirror", da miedo en tanto se refiere a situaciones posibles.

Doria logra algo construir personajes caricaturescos pero con una humanidad impresionante: cada frase parece haber salido de la sobremesa familiar de un asado familiar dominguero.

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Una de las claves del éxito es el elenco. Antonio Gasalla como Mamá Cora encarna la desprotección de una anciana ninguneada, pero que también tiene su costado terrorífico.

China Zorrilla, como Elvira, ofrece una performance memorable. Casi le pertenece el film. Y junto a ella, actores como Luis Brandoni, Julio De Grazia, Betiana Blum, Juan Manuel Tenuta y Enrique Pinti.

El timing cómico de cada intérprete, el ritmo coral de las escenas y la forma de decir verdades hirientes sin perder la risa generaron frases que están grabadas en la cultura popular.

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"¿Dónde está mi amiga?", "¡Tres empanadas!", "Yo hago puchero, ella hace puchero… yo hago ravioles, ella hace ravioles", se volvieron parte de la mitología argenta.

Una premisa de la película es la mirada sobre la vejez. Mamá Cora representa a todas las madres y abuelas que, tras una vida de sacrificio, quedan en un lugar marginal.

El debate sobre quién debe cuidarla (léase "deshacerse de ella") expone una verdad incómoda que atraviesa generaciones: el temor a envejecer. La pregunta ¿Qué hacemos con nuestros viejos? es dura, inevitable.

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Estrenada apenas dos años después del regreso democrático, "Esperando la carroza" dialoga, aunque no en forma directa, con el trauma de la todavía reciente dictadura militar.

La familia Musicardi no habla de política. Apenas hay alguna referencia velada a los negocios oscuros de Antonio Musicardi. Pero el desmembramiento, la desconfianza, la sospecha, la simulación y el miedo se cuelan en los vínculos.

En ese sentido, puede pensarse en paralelo a otras películas del período post-dictadura que, desde distintos registros, hablaron del pasado reciente: "La historia oficial", "Darse cuenta" o "En retirada".

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Aunque "Esperando la carroza" no afronta de manera explícita la represión, muestra un tejido social roto, donde nadie se preocupa por el prójimo para salvar lo propio.

Los años "80 fueron un gran momento para el cine argentino. Tras años de censura, surgieron películas que buscaron recuperar la memoria, explorar los traumas y también experimentar con nuevos lenguajes.

Trabajos como "La película del rey", con su tono metaficcional, o la transgresora "Kindergarten", que escandalizó a la crítica, dan cuenta de esa diversidad.

Gentileza

En ese marco, la película de Doria ocupó un lugar singular: pudo sintetizar, en clave de humor, muchas tensiones sociales de una Argentina que salía de la oscuridad.

Hoy, "Esperando la carroza" forma parte de la memoria emocional de millones. Cientos de miles de usuarios reproducen escenas, citan diálogos, comparten imágenes.

No es nostalgia, es que la película sigue diciendo cosas que los argentinos todavía no resolvimos como sociedad.

(Por Juan Ignacio Novak) - Fue como el párrafo final de la crónica de una muerte anunciada: después de padecimientos varios, y un progresivo deterioro cognitivo, partió Antonio Gasalla, a los 84 años.

Es muy difícil eludir el cliché, pero con él se va una de las figuras centrales de la televisión, el cine y el teatro del último medio siglo en Argentina.

Era un observador quirúrgico de la sociedad y, sobre todo, un gran creador de personajes. Por tanto, circunscribir todo ese universo a tres roles es una tarea ardua, pero también una forma de decirle adiós.

Además, para el autor de estas líneas, los seleccionados sintetizan todo el abanico de posibilidades interpretativas que poseía Gasalla, un auténtico gigante de la actuación.

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Aunque Gasalla se especializó en el humor, su talento dramático se evidenció en "La tregua" (1974), la primera argentina nominada al Oscar y un retrato melancólico de la soledad y el desencanto en la madurez.

Gasalla interpretó a Santini, un empleado de oficina tímido, retraído, fanático del zodíaco, cuyas breves intervenciones ponen en jaque el funcionamiento de una oficina.

No era un personaje central, pero en sus interacciones con Carlos Carella, Héctor Alterio y Aldo Barbero, era el que "rompía" la rutina gris de los empleados administrativos y la falta de ambiciones de una generación resignada.

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Si hay un personaje que marcó la cultura popular argentina, ese fue "Mamá Cora". En "Esperando la carroza" (1985), Gasalla interpretó a la anciana que, cuando se va de casa sin avisar, desata el caos en una familia porteña.

El desafío era enorme: un hombre de 44 años debía interpretar a una octogenaria sin que eso se volviera un simple chiste visual. Pero Gasalla creó un personaje inoxidable.

Su "Mamá Cora" es entrañable y exasperante, una viejita que parece al borde del delirio pero que, en el fondo, es la única que observa con lucidez el absurdo de su familia.

Con una gestualidad precisa, un tono de voz inconfundible y una mirada pícara que sugería que sabía más de lo que decía, Gasalla construyó un ícono del cine argentino.

Más aún: "Mamá Cora" es una parodia de la abuela típica argentina, esa figura familiar a veces ignorada o menospreciada, pero que en el fondo sostiene a la familia.

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En 2009 estrenó "Más respeto que soy tu madre", una obra teatral basada en el blog de Hernán Casciari, donde interpretaba a Mirta Bertotti, una madre de clase media que enfrenta con humor y desparpajo la crisis económica, la rutina familiar y el caos cotidiano.

El personaje es un retrato hilarante y conmovedor de la maternidad en la Argentina. Mirta es una mamá todoterreno, que lidia con un marido desempleado, hijos con problemas y un contexto social que la abruma. Igual, le pone el cuerpo.

El éxito de la obra fue arrollador: batió récords de taquilla, fue aclamada por la crítica y consolidó a Gasalla como el actor más convocante del teatro argentino en ese momento.

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Gasalla murió, no así sus personajes. Que ya son patrimonio cultural del pueblo argentino, como los monólogos de Tato Bores, los tangos de Carlos Gardel, los sketches de Niní Marshall o las canciones de María Elena Walsh.

El adiós de Gasalla marca el cierre de una era, pero también el inicio de la eternidad de su obra.

Este sábado 7 de septiembre, a las 21, el Centro Cultural Comunal de María Teresa se llenará de risas con la llegada del reconocido humorista Chichilo Viale, quién presentará su espectáculo "Stand Up de Barrio". 

Con su característico estilo, que mezcla lo cotidiano con una aguda observación de la realidad, Chichilo promete una noche de humor desbordante.

Los amantes del buen humor tienen una cita obligada para disfrutar de una velada diferente, llena de risas y buenos momentos. Sin duda será una jornada inolvidable. 

Las entradas anticipadas ya están a la venta y se pueden adquirir contactando al número 3462 626165.

Omar Rubén Alleva nació en Elortondo en 1931. Fue un trabajador toda su vida y también un curioso artista y dibujante, algo que sostiene hasta el día de hoy. 

Tiene entendido que su abuelo materno sobresalía por su caligrafía inglesa y que "maravillaba" por lo que hacía, como referencia inmediata a artistas en la familia. "Parecía impreso por la prolijidad. También hacía tapas para bandoneones en madera calada y unas cajas que se usaban como adornos maceteros", recordó.

En su casa de Elortondo, compartía el patio con una maestra, Lorenza Vita. Eso, para el "Cholo" tenía sus beneficios. Podía jugar con los alumnos de la docente y también infiltrarse en el aula. 

"Con un cuaderno y un lápiz me sentaba con los chicos en el salón. La señora vio unos dibujos que yo hacía en el patio con un palo y me subió a una silla para dibujar las provincias en el pizarrón con el mapa en la mano. Tenía cinco años", recordó. 

En el sur-sur provincial vivió hasta los 22 años y luego se trasladó a Rosario con su familia, lugar en el que reside actualmente y donde abrazó cuatro de sus grandes pasiones: las historietas, las acuarelas, las tizas y a su querido Rosario Central.

Su padre falleció y se cargó la familia a la espalda. Trabajó para ayudar a la economía de la casa, a dos hermanos menores y una madre viuda. 

"Como en ese entonces no existían las escuelas secundarias en el pueblo, le dije a mi madre de irnos a Buenos Aires. Yo quería hacer dibujos animados, trabajar de eso y que mis hermanos sigan estudiando. Pero ella tenía miedo de viajar. Le pareció una cosa demasiado arriesgada. Se animó a que nos fuéramos a Rosario porque tenía un hermano que vivía ahí". 

Contactos con el escribano López Sauqué y gente conocida, ayudaron para que entrara a trabajar en una compañía de seguros en el año 54, aunque se estaba preparando para ser banquero. "El dactilógrafo de la compañía me tomó una prueba y enseguida me quedé. Yo llegaba a escribir 110 palabras por minuto cuando habitualmente en una academia se hacían 25", indicó. 

A mitad de camino de Disney

A la mañana dormía. Entraba a las 12 en la compañía de seguros y salía a las 19.30. En la búsqueda de mayores ingresos, apuntó a uno en el que realmente pudiera volcar su talento. "Logré una conexión para dibujar en una fábrica que hacían banderines gallardetes, clásicos de clubes, ciudades turísticas o que usaban las escuelas. Era un extra que hacía en mi casa aparte del trabajo que tenía".

En paralelo y nuevamente a través del escribano López Sauqué, consiguió un puesto en Teléfonos del Estado, así que a la mañana dibujaba, de 14 a 19.30 estaba en la compañía de seguros, salía, se comía un sándwich con una gaseosa y entraba como operador de teléfono hasta las 24.

En el 58 se casó con su novia de toda la vida, Nelly Muntané, con quien tuvo dos hijas, Andrea y Patricia. Volvió a dibujar con intensidad y llevaba a la escuela de su esposa láminas para darle vida y color a las paredes de los salones. También organizó el teatro de títeres para los chicos. 

Más tarde, dejó los banderines y se metió con un nuevo emprendimiento. Aprovechando la habilidad de sus manos, se dedicó a hacer prótesis dentales en un taller por recomendación de un cuñado. 

Sumado a eso, continuaba en la compañía de seguros. Y ese fue el lugar desde donde pudo trasladar la cotidianidad de la oficina al papel en formato humorada. Aparecieron caricaturas e historietas con sus compañeros. Algunos reían, otros se molestaban, pero eso le permitía ejercitar la mano. 

Pasado unos años, cansado del encierro del taller de mecánica dental y la oficina de teléfonos, renunció a ambos trabajos. Fue en ese momento que un compañero de los seguros que era distribuidor mayorista de juguetería, le insistió para que empiece a viajar y se involucre en el rubro. Dejó sus 25 años en la empresa aseguradora -cuando otorgan la medalla de oro a los empleados-, para cambiar de aire.  

Encandilado por el arte

Había pasado de un "fitito" a un Falcon justo cuando surgió la posibilidad de ser representante de marcas de juguetes y librerías de Buenos Aires. Se armó una buena cartera de clientes en distintas provincias, siguió con la representación de artículos de oficina de librerías, artísticas y escritura.

En esa época, el dibujo pasó a un segundo plano. Llegó a estar un mes entero fuera de su casa para volver y dedicarse a la familia. Pero nuevamente el trabajo lo volvió a unir con los dibujos. 

"Una de las firmas importaba los pasteles de acuarelas y tiza pastel. Me dieron para probarlas y me gustó. Me compré una caja para mí que era muy cara", acotó. 

Afirma que el "pastel no es una pintura muy difundida como es el óleo o la acuarela" y que "sin embargo, artistas famosos como Monet y Degas las trabajaron". 

Con una máquina de fotos en la mano y el papel en otra, comenzó a realizar sus primeras obras creando con los dedos (los lápices los usa para los toques finales), como la laguna que estaba cerca en la estancia La Barrancosa yendo a María Teresa; la rama de un limonero; y un grupo de mujeres artesanas del norte, solo por nombrar algunas. 

Asimismo, profundizaba cada vez más con las caricaturas. Algunas de ellas se pueden ver en Pizza Piazza de Rosario (donde se imprimieron manteles con sus viñetas y aun se exhiben cuadros en las paredes) y en la panchería de su nieto Mariano (Cholo's Hot & Dog) en Elortondo.

Asegura que "vivía en el ex cine Heraldo" (San Martín 878 de Rosario), que daba noticias y dibujos animados de Walt Disney y que "veía dos películas, salía, me comía un chocolate, tomaba un café y entraba en otro cine; miraba cuatro películas por día, era lo que más me gustaba".

Chichilo Viale, uno de los comediantes y humoristas más destacado de nuestro país, genuino y notorio representante del humor cordobés, trae en esta oportunidad un espectáculo con el que no podrás parar de asombrarte y de reír: “Stand up de barrio”.

El show reúne a los más diversos estilos como el stand up, la pantomima y la galería inagotable de los personajes de su barrio y comunes a todos. El capo cómico cuenta un sinnúmero de situaciones reideras, referidas a su infancia y a las cosas que vivió en esas épocas. Por ejemplo, la comida de la vieja, la canchita de fútbol, el asalto o americana, la primera novia, el boliche y demás cosas típicas de cualquier barrio; convirtiéndose de esta manera en un show interactivo, ya que los espectadores aportan cosas desde la platea a cada minuto.

El show -de una hora y media- despierta las carcajadas a cada momento destacándose lo gestual y lo corporal que tan bien maneja Viale. Además de estos temas, toca parte de los mejores monólogos de su trayectoria, dejando para el final unos minutos a cargo de “el borracho”, personaje preferido de la platea. El espectáculo está concebido con una batería de recursos y un sentido fino del humor, convirtiéndolo en uno de los mejores en su estilo; basado en la más pura realidad y eso hace que genere en el espectador una identificación sorprendente.

Única función en Teodelina: viernes 6 de octubre a las 21.30, en la Sala Horacio Caimi del Complejo Cultural Julio Gutiérrez Martín.

Las entradas anticipadas (a un valor de $3000) pueden adquirirse en la Casa de la Cultura, o bien contactándose vía Whatsapp al 3462 467090. El día de la función, en boletería, las entradas tendrán un valor de $4000.

Este sábado, a las 16, la actriz Gretel Folmer presentó su nuevo espectáculo “Este mundo es un papelón” en el Centro Cultural Provincial Ideal. En esta oportunidad, la artista que encarna del personaje de Krapodina, se pregunta por qué el mundo a cambiado tanto, por qué tanta violencia, peleas, discusiones, contaminación y demás. ¿Qué hemos hecho? Es el disparador.

Pero el show no queda sólo en el mero interrogante, sino que también expone una serie de ideas para poder solucionar estos problemas. Conclusión: “si cambiamos cada uno nuestro pequeño mundo, aportaremos un granito de arena para hacer del mundo un lugar mejor”, expresó la actriz y payasa, quien también ofrecerá también sus clásicas burbujas.

“El mundo es un papelón” volverá a presentarse el 20 de julio en el mismo teatro Ideal de Pellegrini 980. Las entradas tienen un costo de 500 pesos y se consiguen en Perfumería Silvina, Tienda Beige o en la boletería.

Miguel “Mili” Lerotich tiene muchas facetas, es periodista y locutor (conduce la mañana de la Radio Pública); músico (integra el trío Proyecto Sauzal) y también humorista, dibujante y director fundador de la revista “Ojito”, una publicación que se ha convertido en un clásico de Venado Tuerto por abocarse, principalmente, al humor local y sacando a relucir personajes y personalidades de la ciudad. Este medio no sólo ha logrado sostenerse durante más de 14 años, con una tirada actual de alrededor de 500 ejemplares mensuales, sino que se empieza a expandir, sumando su propia página web que está disponible desde esta semana (www.revistaojito.com.ar).

“La revista tiene 14 años ininterrumpidos, llegando todos los meses a sus lectores”, señaló a Sur24 Mili Lerotich, resaltando que “me inspiré en un amigo que había hecho unos folletos que repartía en unos bares. Así que me compré una computadora con la idea de algo similar, chico, pero finalmente decidí hacer una revista de humor, enfocándome en la ciudad y la región”.

Los primeros pasos no fueron nada sencillos. “Recorrí muchas imprentas, pero al principio no querían saber nada porque decían que quienes hacían revistas después no pagaban. Hasta que llegue a una que sí me aceptó, trabajando con ella durante varios años hasta que finalmente cerró. Continué con una nueva imprenta y luego me compré mi propia impresora, haciendo todo el trabajo en mi casa”, relata el humorista, dando cuenta de las dificultades con las que se fue encontrando en estos años, aunque no repercutió en la periodicidad de la revista que siguió circulando.

“Desde el comienzo la idea fue tener contenido local, humor venadense, siguiendo con la propuesta que hacíamos con el ‘Wally’ (Walter Abaca) en el espectáculo Pobres Muchachos, con personajes de la ciudad. Me gusta mucho ironizar sobre la historia de Venado Tuerto, la fundación, la leyenda del venadito y siempre citando a vecinos de la ciudad, como (el periodista, músico y docente) Gabriel Zarich o (el dirigente político y exdiputado provincial) Julio Eggimann, dos abonados que cuando no aparecen la gente los reclama”, expresó. Y reconoció que “nunca tuve inconvenientes, creo que el humor es una herramienta muy linda para decir cosas, siempre tratando de no ofender. El contexto de la revista da a entender que es humor y por eso no recibo comentarios negativos, como sí me ha pasado haciendo chistes en otros medios de comunicación”.

Si bien Mili fue siempre la cara visible de Ojito, remarcó que de la revista “colaboran muchos amigos que lo hacen de manera desinteresada, con responsabilidad como si estarían en cualquier otro medio de comunicación más serio”. Entre ellos aparecen Walter Abaca, que está desde el primer número; Juan Carlos Quattordio, gran dibujante y guionista; Manuel Fernández, que forma parte del grupo Historietistas de Venado, muy talentoso; Hugo Sanz, otro muy buen dibujante; Mauro Rojas que hace colaboraciones con sus dibujos, Marcelo Peruca, Sanitago Blanco (Crudosan) y Enrique Silva, más conocido como El Mago Fleymann que hace su tira de humor.

Lerotich también contó que la página web era un sueño, un proyecto que hace muchos años lo venía gestando, aclarando que “no va a reemplazar al papel, porque en lo personal me gusta el impreso y tenemos una buena tirada, llegando a los 450, 500 ejemplares”. De todos modos “nos va a permitir tener otra actualidad -siempre con la lógica y el humor de la revista-, sumar otros personajes, tener otras herramientas como videos, analizar (siempre en chiste) las noticias de la ciudad y el país”, destacó.

“Yo dibujo mucho, todos los días y esos trabajos los voy a ir publicando. Es el humor de Ojito, con contenido de Ojito, pero no sólo volcando lo que sale en la revista, sino sumar más”, sentenció.