(Por Juan Ignacio Novak) - “La gente creía que cuando alguien muere, un cuervo se llevaba su alma a la tierra de los muertos, pero a veces, algo malo ocurre, y acarrea una gran tristeza, y el alma no puede descansar en paz. Y a veces, solo a veces, el cuervo puede traer de vuelta el alma para enmendar el mal”.

“El cuervo” (1994), de donde nace la frase citada, es una película de culto, no solo por sus credenciales artísticas sino por la siniestra historia que rodeó su proceso de filmación. En este sentido, se puede “linkear” con otros clásicos como “La profecía” (1976) o “El exorcista” (1973), que también estuvieron signadas por el infortunio, que adquirió la forma de incendios, muertes y accidentes que retrasaron el proceso.

The Electric Shadow Company

Con una atmósfera oscura y una trama que contiene elementos vinculados con la venganza, el amor, la justicia y la redención, “El cuervo” es una gran película. Pero su notoriedad deriva, sobre todo, de la tragedia que rodeó su producción, que acrecentó su mística y el lugar emblemático que ocupa en la cultura pop.

La película está basada en el cómic homónimo creado por James O'Barr y es la historia de Eric Draven (interpretado por Brandon Lee, el hijo del legendario Bruce Lee, actor y especialista en artes marciales fallecido en 1973), un músico que regresa de la muerte con el truculento deseo de vengar su asesinato y el de su novia, en la víspera de su casamiento.

Brandon Lee, en la película estrenada en 1994. Miramax, Edward R. Pressman Film,

Con la ayuda de un cuervo sobrenatural (referencia inevitable al célebre poema decimonónico de Edgar Allan Poe), Eric se convierte en un vengador implacable y controvertido, que busca justicia por mano propia (de una manera similar al personaje de Charles Bronson en “El vengador anónimo”) en una ciudad sumergida en la corrupción y el caos.

La estética de corte gótico del film y la banda sonora con temas de bandas como The Cure y Nine Inch Nails, marcaron a toda una generación. En una sintonía muy pocas veces tan lograda, la mezcla de acción, fantasía y un tono sombrío hizo de “El cuervo” una película única en su tipo.

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Pero la producción se eclipsó por un accidente trágico, que en su momento sacudió a Hollywood. Durante la filmación de una de las escenas finales, Brandon Lee, fue fatalmente herido por una pistola que debía estar cargada con balas de fogueo. Un suceso de ribetes parecidos al que, en octubre de 2021, protagonizó el actor Alec Baldwin.

La bala que mató a Lee era un proyectil defectuoso que había quedado en el cañón del arma, una negligencia que costó la vida del joven actor con un futuro prometedor. La muerte del actor, de solo 28 años, generó conmoción y (como ocurre muchas veces en USA) teorías conspirativas que, hasta el día de hoy, rodean la película con un aura de misterio.

La repercusión que obtuvo el film dio pie a una franquicia, dentro de la cual se construyeron “The Crow: City of Angels” (1996), “The Crow: Salvation (2001)” y “The Crow: Wicked Prayer” (2005). Y ahora, treinta años más tarde, Hollywood vuelve a apostar a la historia de Draven a través de una remake de la primera entrega, de 1994, precisamente la que protagonizó Lee.

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Bajo la dirección de Rupert Sanders, con guión de Zach Baylin y William Schneider, tendrá su estreno en cines el 22 de agosto. Bill Skarsgård interpreta a Eric Draven y la cantante británica FKA Twigs encarnará a Shelly Webster. ¿Estará presente en este nuevo film el aura de Lee?

(Por Juan Ignacio Novak) - Para hallar el origen de un cine de terror con identidad argentina, hay que viajar hasta los ‘60: uno de los primeros experimentos en tal sentido, fue “Obras maestras del terror” (1960), antología de tres historias basada en relatos de Edgar Allan Poe, dirigida por Enrique Carreras, con la participación de Narciso Ibáñez Menta. En los años posteriores, empezó a consolidarse a través de directores como Armando Bo y Emilio Vieyra, que se aventuraron en el terreno del terror, pero combinados con el erotismo. Es el caso de “Sangre de vírgenes” (1967) de Vieyra, que trabaja sobre los elementos de la mitología del vampiro.

Shudder, La Puerta Roja, Aramos Cine, Machaco Films

Pero el reconocimiento internacional llegó durante los años ‘90 y 2000, años en los cuales el cine de terror argentino experimentó un renacimiento de la mano de directores como Pablo Parés y Hernán Sáez, quienes co-dirigieron la trilogía “Plaga Zombie”, que generó un culto de seguidores.

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En la última década, el género vivió en Argentina una instancia de diversificación y profesionalización. Películas como “La memoria del muerto” (2011) de Valentín Javier Diment, “Resurrección” (2015), escrita y dirigida por Gonzalo Calzada y “Muere, monstruo, muere” (2018) de Alejandro Fadel, lo demuestran cabalmente. Si hay que encontrar algunas líneas en común, podría decirse que el terror argentino se caracteriza por mezclar lo gótico y rural, por usar el folclore local y las leyendas regionales como insumo, pero logrando que las mismas resuenen a nivel global.

En ese panorama, sobresale la figura de Demian Rugna. En “Aterrados” (2017), este director demostró un manejo excelente de los códigos del género, sin abandonar las líneas que le brindan una definida identidad argentina. En “Aterrados” (2017), concentró en una hora y media varios tópicos del cine de terror (fantasmas, zombis, casas embrujadas) de una manera a la vez creativa y terrorífica. Es Rugna el creador de “Cuando acecha la maldad”, la película que luego de triunfar en 2023 en los cines de Estados Unidos y de pasar por las salas argentinas, está disponible en la plataforma Netflix con un éxito monumental en número de reproducciones.

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¿De qué se trata? Es un film que, a tono con las tendencias de los últimos tiempos, entra en la categoría de “posesiones y exorcismos”. En un pueblito perdido, dos hermanos descubren a un hombre infectado por fuerzas malignas a punto de dar a luz a un demonio.

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La película obtuvo críticas positivas en los principales medios del planeta. Erik Piepenburg, en The New York Times, afirmó que “se trata de una oscura y oportuna historia sobre lo que ocurre cuando la confianza entre los miembros de una comunidad, en el seno de las familias, entre un gobierno y su pueblo, se desintegra”. Elsa Fernández-Santos, en Diario El País, afirmó que es “una sorprendente incursión en el terror rural, que se presenta como una tromba de leyendas arcaicas, vísceras, pus y gritos que repele tanto como atrae”.

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Demian Rugna reafirma el potencial que tiene el cine de terror argentino. Su última película no solo conquistó a la crítica internacional, sino también la imaginación del público. Este triunfo no solo destaca su maestría en el género, también pone de manifiesto la creciente diversificación del cine de terror en Argentina, a que habrá que estar atento en los próximos años.

Por Juan Ignacio Novak

Edgar Allan Poe fue un cronista literario de las zonas más oscuras del alma humana. Precisamente, desde su condición de pionero del cuento de terror y del relato corto en la literatura estadounidense, desarrolló un estilo en el cual la nota sobresaliente fueron las atmósferas oscuras y opresivas.

Sus historias atravesadas por el misterio, lo sobrenatural, la muerte, la soledad, la locura y la obsesión influyeron en escritores posteriores como H.P. Lovecraft, Stephen King, Shirley Jackson. Así, obras de terror que son representativas del siglo XX como “El resplandor” de King y “La maldición de Hill House” de Jackson son deudoras de Poe en tanto analizan aspectos profundos de la condición humana y la psicología.

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Su tortuosa habilidad para abordar temas sombríos y emocionales sumada a su trágica historia de vida, atravesada por lo trágico, Poe alcanzó un lugar significativo en la cultura popular. Relatos suyos y su propia biografía fueron adaptadas al cine, la televisión, el teatro y la música.

En enero pasado, por ejemplo, se estrenó en Netflix “Los crímenes de la academia”, donde un veterano detective intenta resolver unos asesinatos cometidos en West Point y recibe la ayuda de un cadete, que es precisamente Edgar Allan Poe.

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La casa del terror

Dentro de los cuentos de Poe, “La caída de la Casa Usher”, de 1839, ocupa un lugar central. Desde el primer párrafo, introduce al lector en un mundo de horror y decadencia.

Además de su historia compleja, el cuento está lleno de simbolismo y ambigüedad, que permiten interpretarlo de diversas maneras. La casa en ruinas y la relación incestuosa entre los gemelos Usher son elementos que fueron analizados desde diferentes aristas.

La tormenta que se desata también se puede leer como símbolo de la creciente tensión y la inminente tragedia que se avecina. El retrato de Madeline puede ser un reflejo de la obsesión y la culpa de Roderick, a la vez que la sepultura de Madeline simboliza el miedo a la muerte y la lucha de la humanidad contra su propia mortalidad.

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“La caída de la Casa Usher” fue adaptada al cine. La versión más conocida es de 1960, con dirección de Roger Corman (quien frecuentó mucho el universo de Poe) y protagonismo de Vincent Price, pero hay otras de 1928, 1982 y 2012.

Miniserie

Este mes, Netflix ofrecerá una nueva versión de este texto literario del siglo XX. Esta vez, con un formato de miniserie televisiva, a cargo de Mike Flanagan, creador de las también terroríficas “La maldición de Hill House” y “Misa de medianoche”, que tuvieron gran éxito en la misma plataforma.

En realidad, se supo que estará basada en múltiples obras y personajes de Poe y concentrará en su trama temas como locura, familia, aislamiento e identidades metafísicas. Carla Gugino, Kate Siegel, Annabeth Gish, Henry Thomas Rahul Kohli, Bruce Greenwood, Mary McDonnell, Mark Hamill y Carl Lumbly integrarán el reparto.

Más allá de los resultados puntuales de este producto que estará en línea a partir del 12 de octubre, lo que queda claro es que el legado de Edgar Allan Poe resuena todavía, por lo atemporales que resultan los temas aludidos. Si los trabajos de otros escritores, anclados en sus propias coyunturas, se han marchitado con el tiempo, los del norteamericano fallecido hace casi dos siglos, están más vivos que nunca.