(Por Juan Ignacio Novak) - Hoy se celebra el Día de la Constitución Nacional, en conmemoración de la aprobación de tal documento, que se produjo en Santa Fe en 1853. Efeméride adecuada para revisar los pilares de la nación: la democracia, la educación pública y la identidad cultural forjada como crisol de razas.

En ese contexto, cabe evocar unas palabras de Jorge Taverna Irigoyen, publicadas en El Litoral el 30 de abril de 1978. Se refieren a la dimensión cultural de una obra vinculada estrechamente con la Carta Magna, que se titula "Los Constituyentes de 1853", del pintor Antonio Alice.

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El cuadro, de dimensiones monumentales (5,40 por 3,60 metros), fue durante años considerado el mayor óleo de caballete del país. Pero su escala va mucho más allá y se hunde en el terreno de lo simbólico.

Igual que Eugène Delacroix, que trabajó sobre la identidad francesa en "La libertad guiando al pueblo" y Goya trató de indagar un hecho traumático español en "El tres de mayo de 1808", Alice intenta dejar constancia del día en que la Argentina comienza a pensarse como Estado moderno.

Alice en su atelier. Foto: Archivo

Para José León Pagano, se trata de "una proeza de largo respiro", una definición que Taverna recuperó en 1978 para subrayar la profundidad conceptual y técnica del artista. No hay improvisación, sino disciplina, estudio y una vocación épica por representar lo fundacional.

El análisis de Jorge Taverna Irigoyen se detiene en la composición, realizada de una manera casi quirúrgica. La escena nocturna, presidida por el general Ferré, sentado de espaldas, organiza un espacio donde palabra y gesto adquieren un peso histórico.

Los congresales, distribuidos en una arquitectura de cuerpos y miradas, escuchan al orador que domina la escena. En el fondo, la figura del doctor Seguí emerge como un eje visual que ordena la perspectiva.

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Pero lo que verdaderamente fascina al crítico de El Litoral es la atmósfera. "Una tonalidad dorada, con acentos rojos, verdes y violáceos", que ilumina y dramatiza.

Uno de los aspectos que subraya Taverna es el método de trabajo de Alice. Para pintar la escena, el artista reconstruyó el Cabildo de Santa Fe en un diorama: muebles, vestimentas, disposición espacial.

Esa acción, reflejo de una personalidad meticulosa, da idea de una concepción del arte como herramienta de memoria. No se trata de pintar el pasado, sino de hacerlo verosímil, tangible, casi habitable para las nuevas generaciones.

Boceto de "Los Constituyentes del 53". Foto: Museo Rosa Galisteo

En ese sentido, la obra se inscribe en una tradición de pintura histórica que en Argentina buscó fijar imágenes fundacionales, pero lo hace con una exigencia plástica que la distingue. La "severidad del montaje", como la define Taverna, supone rigor.

Cada 1 de mayo, cuando se conmemora la sanción de la Constitución Nacional de 1853, el foco suele estar en lo jurídico o lo político. Sin embargo, la lectura de Taverna Irigoyen propone otra mirada, que es la cultural.

Porque la Nación no se construye solamente en base a leyes, sino también a través de imágenes. Y en ese mapa simbólico, la obra de Antonio Alice ocupa un lugar central.

Autorretrato de Alice. Foto: Museo Sívori

Hay algo en Los Constituyentes de 1853 que resiste el paso del tiempo. Su ambición, su profundidad o, como sugiere Taverna Irigoyen, esa "hondura testimonial" que convierte al cuadro en algo más que una representación.

Por Juan Ignacio Novak

El arte, en todas sus variantes, es una herramienta útil para conocer mejor la realidad y reflexionar sobre ella para establecer diagnósticos más atinados. En el caso puntual de la pintura argentina, el trabajador siempre ocupó un protagonismo. Sus luchas, reivindicaciones, esfuerzos, sufrimientos, pesares y alegrías cotidianas fueron motivo de inspiración para artistas de distintas épocas y movimientos.

En una fecha emblemática como el Día del Trabajador, que se celebra hoy, adentrarse en este terreno permite actualizar discusiones que están vigentes en pleno siglo XXI. Desde las pinceladas precisas de Lino Enea Spilimbergo hasta la mirada comprometida de Ernesto de la Cárcova, pasando por la expresiva mirada de Quinquela Martín de la vida portuaria, cada una de las cinco obras mencionadas en las líneas que siguen, permiten contemplar la realidad cotidiana de aquellos cuyas manos construyeron, literalmente, el país.

“La planchadora”: es un óleo sobre tela de Lino Enea Spilimbergo, fechado en 1936. Spilimbergo fue un pintor, vinculado al surrealismo, considerado uno de los maestros del arte argentino del siglo XX. Decía que “pintar es un terrible compromiso, no sólo con uno mismo, sino con el mundo". En este caso, la protagonista es una mujer joven que trabaja como planchadora. La escena transcurre en un espacio interior, despojado, minimalista, humilde. Carlos Avalle señala respecto a esta obra: “la mujer está vestida con ropas de uso diario, sencillas, con características que nos hacen suponer un clima invernal. Lleva calzado cómodo, que corresponden a la tarea de una persona trabajando en estos menesteres. Apoya sus manos sobre la mesa, quizás en un instante de descanso. Sus cabellos peinados sin ningún arreglo en especial. Ni pulseras, ni collares, ni aros. Pero la mirada de esta mujer está en otro lado, definitivamente en otro lado. Los ojos característicos de las figuras de Spilimbergo, que salen de escena”. Ahí, el maestro coloca una intriga, que queda fuera de campo.

“Elevadores a pleno sol”: Benito Quinquela Martín se destacó por su conexión con el barrio porteño de La Boca. La vida cotidiana en esa zona portuaria y obrera “late” en sus cuadros. Pero, en paralelo, fue un firme defensor de los menos privilegiados, algo ostensible en este óleo que data de 1945. Que muestra definidamente un rasgo de su labor artística: se acentúan los rasgos de ese paisaje urbano que lo vinculan con el sacrificio, el tesón y el desarrollo. Así la labor cotidiana de los obreros es representada, como señala el texto curatorial de una muestra realizada en el museo que hoy lleva su nombre, por “figuras-signos” de los estibadores que sintetizan el trabajo portuario. Las figuras humanas (que son varias) aparecen acarreando bolsas muy pesadas, detrás se ven las chimeneas de las fábricas que trabajan a pleno.

“Sin pan y sin trabajo”: está considerado el primer cuadro de tema obrero con intención de crítica social en el arte argentino. Ernesto de la Cárcova lo creó cuando era todavía joven, en 1894, sostenido en un compromiso y una mirada sensible respecto a las clases bajas y sus carencias. Cuenta una historia de miseria y frustración: un padre de familia, cuya herramienta de trabajo está detenida sobre la mesa, observa por la ventana, con ira, una escena de fábricas vacías y escasas perspectivas de conseguir trabajo. Al lado, su esposa languidece mientras trata de amamantar a un bebé. María Gainza sostiene que “De la Cárcova pintó su cuadro de manera agitada, como si el mismo pincel arrastrara la ansiedad contenida del desocupado”. “El cuadro responde a un estilo naturalista y a una temática que tuvieron una importante presencia en los salones europeos de los años finales del siglo XIX: grandes pinturas resueltas en tonos sombríos que desplegaban escenas dramáticas de miseria y de los contemporáneos conflictos sociales urbanos”, escribió Laura Malosetti Costa en un texto sobre la obra que consta en la página del Museo Nacional de Bellas Artes.

“La hora del almuerzo”: Pío Collivadino fue un pintor cuyos trabajos intentaron abordar las nuevas formas de belleza que introducía la vida en las cambiantes ciudades de finales del siglo XIX y principios del XX. Juan Gabriel Batalla lo menciona como un pintor esencial en el difícil pasaje del siglo XIX al XX, que documentó su época con una “estética puntillista y preciosista”. En este óleo sobre tela de grandes dimensiones, que hoy resguarda el Museo Nacional de Bellas Artes, muestra a un grupo de siete obreros que comen en un alto del trabajo realizado al mediodía. A diferencia del trabajo de Ernesto de la Cárcova, a priori no hay aquí una premisa de crítica social, aunque sí están mostradas con detalle algunas dinámicas propias del universo obrero de aquellos años. “Lejos de la dramática narratividad de su envío anterior a Venecia, La hora del almuerzo parece un cuadro ‘motivo’, en el que prevalece el tratamiento formal de la refracción de la luz sobre los blancos y el efecto deslumbrante del sol sobre el pozo de cal. Pero resulta evidente que no fue esta la única intención del artista. Se trata de un cuadro de tema obrero, aunque en buena medida despojado de connotaciones conflictivas”, escribió Laura Malosetti Costa.

“El canastero”: el artista Ricardo Carpani concibió este óleo sobre tela en 1957. La temática y el tono no son extraños, ya que Carpani era proclive a prestar atención en sus trabajos a las causas sociales. De modo que en sus obras aparecen problemáticas como el desempleo, la pobreza y la fortaleza y dignidad de los desposeídos. En esa línea se inscribe esta obra. De hecho, Carpani fue parte del grupo Espartaco, que en la misma línea que los muralistas mexicanos intentaba un arte con impronta nacionalista y focalizado en las necesidades del pueblo trabajador. En los años 70, como derivación del Golpe de Estado, se autoexilió en España y desde allí viajó por el mundo, hasta retornar en 1984. Abordó también temas urbanos porteños como el tango, los cafés y los barrios.

Télam

Conocida como la primera pintora feminista de la historia del arte y con una producción reconocida tardíamente como consecuencia de un canon que durante siglos solo ponderó a sus congéneres varones, la artista italiana del siglo XVII, Artemisia Gentileschi, suma a su obra ya catalogada un cuadro que se acaba de hallar fortuitamente en un depósito del palacio de Hampton Court, en Inglaterra.

Los curadores de la Colección Real del Reino Unido acaban de dictaminar que una pintura hallada en el Hampton Court fue realizada por la artista italiana, una confirmación que permite ampliar el canon histórico de la que posiblemente sea la mayor maestra de Europa, según consigna The Guardian.

La obra recién identificada se llama "Susanna y los ancianos" y se cree que fue encargada por Henrietta Maria, la esposa del rey Carlos I, que gobernó Inglaterra de 1629 a 1640. El cuadro representa la historia bíblica de Susana, sorprendida por dos hombres mientras se baña en su jardín y arroja luz sobre la estancia de la artista en Londres a finales de la década de 1630.

"El nombre de una mujer suscita dudas hasta que se ve su obra", escribió Gentileschi a un coleccionista de sus pinturas en 1649, asegurándole que sus lienzos ?hablarán por sí solos?. Su aseveración no tuvo correlato inmediato: fueron necesarios tres siglos y medio para que su nombre saliera de las sombras de la historia del arte. La pintura recién hallada tardó incluso un poco más.

La obra fue encontrada en un depósito del palacio de Hampton Court y sometida luego a un arduo trabajo de restauración. "Es realmente muy emocionante -aseguró al periódico Observer la especialista Anna Reynolds, a cargo del operativo de rescate-. Hasta ahora no se podía ver la calidad de la pintura debajo de la suciedad, pero es absolutamente cierto y este hallazgo se produjo como resultado de la reputación recientemente restaurada de Artemisia. Había sido mal atribuida y almacenada durante muchos años y nadie lo había examinado más de cerca".

El mito bíblico de Susanna cuenta que la mujer rechazó las insinuaciones de dos hombres en su jardín y se enfrentó a la muerte después de que se hiciera una falsa acusación de infidelidad. En su obra, Gentileschi da un énfasis inusual a los esfuerzos de ella por evadir a los hombres en este tratamiento de la historia y según Reynolds la artista "parece haber sentido una estrecha afinidad con Susanna".

La pintura redescubierta, expuesta en el Castillo de Windsor en los últimos días, se considera un aporte clave al conjunto de obras de Gentileschi, y arroja luz sobre su estancia en Londres a finales de la década de 1630, cuando trabajó brevemente junto a su padre, Orazio, en la corte inglesa.

La pintora italiana es autora también de otra célebre obra que tematiza el peso del patriarcado en sus implicancias más dramáticas: se trata de "Judith decapitando a Holofernes", que propone un acto de empoderamiento al imaginar una venganza contra quien fue su violador en la vida real, ya que siendo adolescente Gentileschi fue abusada por otro artista, Agostino Tassi, en el taller de su padre y luego interrogada y torturada en su juicio.

El descubrimiento, realizado por los curadores del Royal Collection Trust, en particular el historiador de arte y ex empleado Dr. Niko Munz, se produjo durante los intentos de rastrear todas las pinturas vendidas en toda Europa después de la ejecución de Carlos I, que incluían siete pinturas Gentileschi registradas. Se pensaba que sólo había sobrevivido un autorretrato muy conocido.

"No estimamos el precio de nada de la Colección Real, ya que nunca lo venderemos -indicó Reynolds-, pero esta es una obra rara debido a su procedencia ininterrumpida, excepto durante unos 20 años durante el interregno cuando fue adquirida por un hombre llamado Banks que rápidamente lo devolvió a la Corona después de la restauración".

La obra recién atribuida fue descubierta por curadores del Royal Collection Trust como parte de un proyecto de investigación dirigido por el historiador del arte Niko Munz centrado en rastrear pinturas esparcidas por Europa después de la ejecución de Carlos I en 1649.