(Por Juan Ignacio Novak) - "Cada mañana cuando me levanto experimento una exquisita alegría: la alegría de ser Salvador Dalí. Y entonces me pregunto entusiasmado '¿Qué cosas maravillosas logrará hoy este Salvador Dalí?'"

Pasaron más de 36 años desde la muerte de Dalí, en enero de 1989. Sin embargo, los que aman el arte se valen de su nombre para hablar de "provocación", "delirio" o, directamente, de "genialidad".

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Cada aproximación a su figura, compleja, inasible, parece confirmar la misma premisa, obvia a estas alturas: Dalí fue más que un artista, una "construcción artística" en sí misma.

Con su bigote llamativo y su afán de exhibirse a la manera de un pavo real, fue alguien que, mucho antes de las aparición de las redes sociales, pudo atisbar la noción de "influencer".

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El 20 de marzo se producirá el estreno en Argentina de "Daaaaaalí!". Es una película que lo retrata desde la mirada de una joven periodista francesa (Anaïs Demoustier), que encara con el pintor un documental que nunca llega a realizarse.

El film reabre el enigma. ¿Cómo interpretar a Dalí en el siglo XXI? ¿Qué hay detrás de su teatralidad y sus extravagancias? ¿Hasta qué punto su arte sigue siendo una transgresión?

Dalí no creó el surrealismo, ese movimiento basado en lo irracional y onírico. Lo llevó sin embargo a un nivel de maestría visual con escasos precedentes.

Si André Breton veía en lo surrealista una pulsión poética, Dalí lo convirtió en una técnica depurada, basada en escenarios ilusorios, donde el tiempo se licúa y las figuras se retuercen en una pesadilla lúcida.

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Desde "La persistencia de la memoria", con sus relojes derretidos, hasta "El sueño", con esa cara sostenida por muletas, su obra busca desentrañar los mecanismos de la mente humana.

Su método ("paranoico-crítico"), buscaba vínculos absurdos entre elementos dispares. Él mismo afirmó: "Deme dos horas al día de actividad y seguiré las otras veintidós en sueños".

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En "Construcción blanda con judías hervidas", por ejemplo, un cuerpo deforme y retorcido anticipa el horror de la Guerra Civil Española con una crudeza premonitoria.

Dalí fue un artista en el sentido más radical. Sus trabajos no pueden separarse del personaje: paseaba hormigas en el bolsillo, hablaba de sí mismo en tercera persona (como Diego Maradona) y diseñaba muebles con labios de Mae West.

Todo estaba calculado. "Para comprar mis cuadros hay que ser criminalmente rico como los norteamericanos", dijo una vez.

"Construcción blanda con judías hervidas". Foto: Museo de Arte de Filadelfia

Esa teatralidad lo enfrentó con los surrealistas ortodoxos quienes lo cuestionaron por mercantilista. Dalí se proclamó "más surrealista que el surrealismo" y siguió su camino.

"La modestia no es mi especialidad. Dalí solo es bueno porque el resto de pintores son muy malos", afirmó en su arrogancia.

Más tarde, se adentró en la física cuántica, el misticismo y el catolicismo. Obras como "Corpus Hypercubus", con Cristo crucificado en un hipercubo flotante, muestran esa arista.

"Corpus Hypercubus". Foto: Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

Más allá de su desaparición física, Dalí no murió en 1989. Sigue vivo en la moda, en la publicidad, en el cine. Su estética influenció a artistas como el recientemente fallecido David Lynch y a diseñadores como Alexander McQueen.

Su rostro, de ojos siempre desorbitados, es un ícono pop igual de potente que los de Andy Warhol y Marilyn Monroe. Presente en grafitis, remeras y series como "La casa de papel".

"La persistencia de la memoria". Foto: Moma

La pregunta es: ¿qué más nos queda por descubrir en Dalí? ¿Cómo reinterpretarlo sin caer en el cliché del genio excéntrico? ¿Cómo revisar su obra bajo el prisma de las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías?

"Daaaaaalí!" permite ver al pintor más humano y fragmentado. No es la caricatura de siempre, sino un personaje que se jugó a su propia inmortalidad y que, tal vez, lo haya logrado.

"Yo soy en todo lo contrario de las fábulas. Especialmente de la del lobo y el cordero. Cuando amenazo con un proyecto se me cree por absurdo que sea", dijo.

"El sueño". Foto: Colección particular

En definitiva, Dalí no necesita ser redescubierto porque nunca estuvo oculto. Su obra está ahí, esperando ser descifrada por nuevas generaciones que quieran entrar en su laberinto. A riesgo de no poder (o no querer) salir de allí.

"Anora" se llevó el Oscar a Mejor Película en la 97ª edición de los premios de la Academia, imponiéndose en la categoría más importante de la noche a “El Brutalista”, “Un completo desconocido”, “Cónclave”, “Duna: Parte Dos”, “Emilia Pérez”, “Ainda Estou Aqui”, “Nickel Boys”, “La sustancia” y “Wicked”.

El filme, dirigido por Sean Baker, narra la historia de una estríper neoyorquina que se enamora de un heredero ruso, solo para descubrir que su cuento de hadas es una pesadilla. Baker, en su discurso, hizo un llamado a preservar la magia del cine en las salas: "Todos estamos aquí porque amamos las películas. ¿Dónde nos enamoramos de ellas? En los cines".

El director Sean Baker multipremiado por Anora. Crédito: Reuters.

Otro momento histórico de la noche fue el triunfo de "Ainda Estou Aqui" en la categoría Mejor Película Internacional, marcando el primer Oscar en la historia del cine brasileño.

El filme de Walter Salles, basado en la historia real de la desaparición del exdiputado Rubens Paiva durante la dictadura de 1971 y la lucha de su viuda Eunice Paiva, se impuso ante la favorita "Emilia Pérez", que llegó con 13 nominaciones, pero solo se llevó dos premios.

"En nombre del cine brasileño, estoy tan honrado de recibir esto en este grupo de cineastas extraordinarios", expresó un emocionado Salles.

Mikey Madison sorprendió al llevarse el premio a Mejor Actriz, venciendo a la favorita Demi Moore (La sustancia).

Mikey Madison con su premio. Crédito: Reuters.

Kieran Culkin se quedó con la estatuilla como Mejor Actor de Reparto por A Real Pain. Crédito: Reuters

Zoe Saldaña obtuvo el Oscar a Mejor Actriz de Reparto por Emilia Pérez, convirtiéndose en la primera estadounidense de origen dominicano en ganar un Premio de la Academia.

Zoe Saldana ganó por Emilia Pérez. Crédito: Reuters.

"Mi abuela llegó a este país en 1961. Soy hija de inmigrantes con sueños y dignidad, y sé que no seré la última", declaró Saldaña.

La ceremonia comenzó con un número musical de Ariana Grande y Cynthia Erivo, quienes interpretaron clásicos como "Somewhere Over the Rainbow" y "Defying Gravity".

El evento también incluyó un homenaje al agente 007 y a los bomberos de Los Ángeles, que combatieron los incendios forestales en enero.

Morgan Freeman recordó al recienmente fallecido Gene Hackman. Crédito: Reuters.

El segmento In Memoriam, presentado por Morgan Freeman, recordó a Gene Hackman, hallado sin vida junto a su esposa esta semana, y a Quincy Jones, en un tributo liderado por Queen Latifah.

Con estos resultados, "Anora" se coronó como la gran ganadora de la noche, mientras que Brasil celebró su primera estatuilla, marcando un hito en la historia del cine latinoamericano.

(Por Juan Ignacio Novak) - “Filmame esto, Néstor”. La frase pertenece a la actriz Érica Rivas y está incluida en una de las historias de la película “Relatos salvajes”. Describe cómo una novia descubre, la noche de su casamiento, que su flamante marido le ha sido infiel con una compañera de trabajo que, encima, está en ese momento en el salón. Toma entonces una decisión drástica que incluye arruinar varias cosas: en el corto plazo, la fiesta en la cual es protagonista y, a largo plazo, la vida de su pareja. Es una buena síntesis de lo que representa la película de Damián Szifrón: una “explosión”, término que se vuelve literal en un momento. Es lo que establece el vínculo argumental entre las historias que integran la trama, ya que los personajes son llevados a un límite que no tiene vuelta atrás.

El regreso de “Relatos salvajes” a los cines, previsto para el 22 de agosto, ofrece una oportunidad para redescubrir en pantalla grande una película que estableció un parámetro difícil de superar para la cinematografía argentina. No sólo por la cantidad de público que se volcó a las salas para verla, más de cuatro millones, sino porque fue capaz de asimilar el estado de crispación en el cual vivía la sociedad argentina al momento del estreno. Pocas veces una película argentina (tal vez “Tiempo de revancha” de 1981 sea un buen antecedente, en la etapa final de la dictadura militar) logró analizar con tanta nitidez la coyuntura, sin por eso quedar “vieja” al poco tiempo.

K&S Films, El Deseo, Telefé, INCAA

La premisa central de “Relatos salvajes” gira en torno a cómo se puede desatar el caos en la vida cotidiana. Szifrón aborda, en este sentido, temas universales como la desesperación, la injusticia, la corrupción y la frustración personal, todos tratados con un agudo sentido del humor y una crítica mordaz. En palabras del director, “lo que intentamos es exponer cómo lo cotidiano puede volverse extraordinario y cómo las personas reaccionan cuando se enfrentan a situaciones límite”.

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Uno de los aspectos destacados de la película es su capacidad para ejercer una crítica social incisiva con un sentido del humor que resalta las fallas y absurdos de la sociedad, creando así un espejo en el cual los espectadores pueden verse reflejados y cuestionar sus propias percepciones sobre la moralidad y la justicia. En este sentido, la más lograda de las historias es la del ingeniero Bombita, interpretado por Ricardo Darín. La decisión que toma es moralmente reprochable, pero tiene, imposible evitar el lugar común, algo de justicia poética.

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La película muestra personajes que, enfrentados a injusticias o situaciones extremas, pierden el control y toman decisiones que desbordan la racionalidad. Ese desbordamiento emocional es la fuerza impulsora en cada relato, revelando las grietas en el orden social y personal. Otro tema central es la injusticia y la corrupción. Szifrón analiza cómo los sistemas establecidos (desde la familia en adelante) pueden fallar a las personas y cómo estas fallas llevan a reacciones desproporcionadas. La frustración de los individuos parece señalar el director, no es algo que se tenga que tomar a la ligera.

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El regreso de esta película a los cines es una buena oportunidad para que nuevos espectadores la descubran y puedan ver cómo las tensiones sociales que describe siguen presentes, en una coyuntura diferente. En este sentido, no ha perdido un ápice de vigencia pese a la década transcurrida, ya que por razones diferentes a las de entonces, el país sigue siendo una caldera en constante ebullición.

Por Juan Ignacio Novak

Este jueves 8 de febrero llega a las pantallas de los cines argentinos “Ferrari”, la película dirigida por el cineasta Michael Mann, que pone en el centro de la escena a Enzo Ferrari, el fundador de la Scuderia Ferrari y uno de los pilares del automovilismo mundial en el siglo pasado. Enzo no solo fue un pionero en el ámbito del automovilismo y la industria automotriz, sino también un visionario cuya influencia trascendió con creces las pistas de carreras.

Fundada en 1929, la Scuderia Ferrari pasó a ser un sinónimo de excelencia y prestigio en el universo de la Fórmula 1 y de las competencias automovilísticas en general, acumulando numerosos títulos y victorias a lo largo de los años. Los argentinos Juan Manuel Fangio y Carlos Reutemann, por ejemplo, fueron pilotos de ese equipo.

El largometraje de Mann está ambientado en 1957, año crucial en la vida de don Enzo y tiene como protagonistas a Adam Driver y Penélope Cruz. Aborda tres meses intensos y decisivos en los cuales tuvo que enfrentar una grave crisis empresarial que puso en jaque la estabilidad de su compañía. Además, revela aspectos íntimos y complejos de la vida personal de Ferrari, incluyendo una segunda familia mantenida en secreto y las tensiones resultantes.

La trama se desarrolla en medio de la presión financiera para aumentar la productividad de la fábrica automotriz, lo que desafía los principios fundamentales de Enzo sobre la producción exclusiva de automóviles de carrera. Mientras tanto, la obsesión de sus pilotos por ganar la peligrosa carrera de 1000 millas a través de Italia, la Mille Miglia, suma tensión y drama a la historia.

El film no elude los momentos personales más oscuros de Ferrari: la pérdida de su hijo Dino, que falleció muy joven por una enfermedad, y el reconocimiento público de un hijo nacido fuera del matrimonio. Estos eventos, combinados con las presiones del mundo de las carreras y los desafíos empresariales, configuran un retrato complejo del magnate del automovilismo.

Un cineasta particular

El cine de Michael Mann, quien presenta este film con 81 años recién cumplidos, tiene una serie de características que, por su ambición, lo conectan en varios puntos con la personalidad puntillosa de Enzo Ferrari. Mann es conocido por su estilo visual que crea atmósferas de volatilidad, lo cual suele ir en sintonía con sus personajes, siempre al límite. Basta recordar a los personajes de “Heat” (sobre todo el policía que interpreta Al Pacino) “Collateral” (con un Tom Cruise irreconocible como un asesino) y “Miami Vice”. Todos se mueven en un entorno urbano que parece tan inestable como ellos.

Las historias de Mann suelen ser complejas y llenas de matices, con personajes multidimensionales cuyas motivaciones no siempre son del todo claras. Esta profundidad atrajo con frecuencia a un público que busca más que simple entretenimiento en el cine. “Enemigos públicos” es un claro ejemplo: Mann se apega al género de gángster, pero al mismo tiempo lo trasciende al complejizar a sus criaturas. ¿Cuáles son los buenos y cuáles los malos? parece preguntarse.

A su vez, Mann presta gran atención al detalle en la fotografía y la dirección de arte de sus películas, lo que lo ayuda a crear mundos visuales muy realistas. Lo demostró cuando dejó de lado su lugar de confort (la ciudad) y buscó entornos naturales para rodar “El último de los mohicanos”, una de las mejores películas de aventuras de los ‘90.

La tendencia de este director a analizar en sus trabajos temas universales (identidad, moralidad, lealtad, violencia, poder, justicia y deseo de éxito) hace que encontrarlo al frente de un material tan atractivo como la historia de Ferrari conlleve la aparición de expectativas favorables.

Las críticas, hasta el momento, fueron divididas. La frase de David Rooney en The Hollywood Reporter lo sintetiza bien: “es poco probable que 'Ferrari' pase a la historia como una película canónica de Mann, ya que carece del estilo brillante de sus mejores trabajos. Pero los fans del cine de alta intensidad del director no quedarán sin recompensa”. Habrá que esperar el paso por las salas para ver la sentencia del público argentino. Pero el tándem Ferrari-Mann merece una oportunidad.

Esta mañana el Gobierno Nacional anunció a través del Boletín Oficial la reanudación de “actividades en cines, teatros y salas de espectáculos de centros culturales” para las zonas del país que se encuentran en “alto riesgo” epidemiológico y sanitario y en situación de “alarma”.

La decisión, con firma del jefe de Gabinete, Santiago Cafiero; y la ministra de Salud, Carla Vizzotti, establece que “en las salas de teatros y de espectáculos se permite un 50% de aforo, sin expendio de bebidas y comidas, y en los cines se permite un 30 por ciento de aforo, con expendio de golosinas y bebidas, el que podrá ser aumentado conforme la situación epidemiológica y de conformidad con los protocolos vigentes”.

Además, se especifica que las personas afectadas al desarrollo de esas actividades deberán portar el Certificado Único Habilitante para Circulación-Emergencia Covid-19, en tanto el público que deba circular fuera de los horarios permitidos por cada jurisdicción por asistir a un espectáculo podrá “acreditar su condición con los tickets de acceso”.

Sin embargo, desde el Ministerio de Cultura de la provincia de Santa Fe se informó esta mañana que las salas de cine y teatro seguirán cerradas toda la semana, incluyendo sábado y domingo próximos. “No se habilitarán teatros ni cines antes de que se habiliten las escuelas. La semana próxima habrá nuevas conversaciones”, señaló el funcionario a medios rosarinos, a la espera de la evolución de la curva epidemiológica.

Altos referentes de la Casa Gris admitieron este mediodía en la ciudad capital que “sería una contradicción la apertura de lugares de espectáculo mientras las escuelas siguen sin clases presenciales”.