La salud de Charly García volvió a generar atención en las últimas horas luego de que se confirmara que fue operado en una clínica de la Ciudad de Buenos Aires. Aunque en un primer momento hubo incertidumbre, desde su entorno llevaron tranquilidad al asegurar que se trató de un procedimiento previsto y sin complicaciones.

El histórico referente del rock nacional fue intervenido en el Instituto Argentino del Diagnóstico y Tratamiento (IADT), donde permanece internado en proceso de recuperación. Según trascendió, la cirugía consistió en una nefrectomía parcial, un procedimiento en el que se extirpa una parte del riñón.

De acuerdo con la información difundida por su entorno y replicada por distintos medios, la intervención estaba programada con anticipación, por lo que no respondió a una situación de urgencia médica.

El propio representante del artista fue quien se encargó de llevar calma ante las primeras versiones que circularon. “Salió todo bien”, fue el mensaje que se transmitió tras la operación, confirmando que el procedimiento se desarrolló según lo previsto.

Luego de la cirugía, el músico quedó internado en una habitación común, bajo control médico, mientras continúa con su recuperación.

En algunos reportes también se indicó que el artista atraviesa un proceso postoperatorio con seguimiento clínico, como es habitual en este tipo de intervenciones, y que su evolución es favorable.

La noticia generó repercusión inmediata tanto en el ámbito artístico como entre sus seguidores, en parte por el hermetismo inicial y por los antecedentes de salud del músico, que en los últimos años ha atravesado distintos cuadros médicos e internaciones.

La intervención volvió a poner en foco el estado de salud de Charly García, una figura central de la música argentina que en los últimos años mantuvo un perfil más reservado en cuanto a su actividad pública.

Si bien en esta ocasión se trató de una operación programada, su historial médico reciente explica la rápida preocupación que generó la noticia. El artista ha atravesado distintas internaciones y tratamientos, lo que llevó a que cualquier novedad sobre su salud tenga un fuerte impacto mediático y emocional.

En ese contexto, la comunicación de su entorno resultó clave para evitar especulaciones. Desde el primer momento se insistió en que la intervención no era de urgencia y que el músico se encontraba estable, lo que permitió llevar tranquilidad a sus seguidores.

La nefrectomía parcial, el procedimiento al que fue sometido, suele indicarse ante la presencia de lesiones o nódulos en el riñón y permite preservar el resto del órgano.

Este tipo de cirugía requiere controles posteriores y seguimiento médico, aunque en muchos casos los pacientes evolucionan favorablemente cuando la intervención se realiza en forma planificada, como ocurrió en este caso.

Por el momento, no se informó una fecha de alta médica, aunque las primeras señales sobre su evolución son positivas. El músico permanece bajo observación, acompañado por su círculo cercano y el equipo médico que supervisa su recuperación.

(Por Ignacio Amarillo) - El segundo y último día del festival anual que se celebra en el Aeródromo de Santa María de Punilla comenzó bajo un sol picante, y para las 14:30 ya había cuatro escenarios activos: Wanda Jael mostraba su propuesta de hip hop con tintes ibéricos (hubo alguna cita a “Toma que toma” de Conchi Cortés) en el Escenario Paraguay; Sofía Mora ganaba el escenario Norte con su color pop/R&B; Renzo Leali disparaba hard rock en el escenario Montaña (incluyendo un medley con “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin; y el dúo Ainda presentaba su propuesta cancionera en el Escenario Sur.

Por cuestiones técnicas, Gauchos of the Pampas empezó antes que Beats Modernos, el homenaje a Charly García encabezado por allegados como Fabián “Zorrito” Von Quintiero, Fernando Samalea y Rosario Ortega, con el guitarrista de Páez, Dizzy Espeche.

Arrancaron con una versión “arriba” de “Canción para mi muerte”, seguida por “No voy en tren”, con imágenes del bicolor en... una estación de trenes. Mientras Blair (Julieta Aylén Ordorica) iniciaba su set en el Norte, el Zorrito convocó a León Gieco para “Los Salieris de Charly”, con un García-Mozart en las visuales, junto a fotos de ambos próceres juntos.

Aprovechando al rosquinense encararon una suya off topic: “Pensar en nada”, que le valió su propio “olé, olé”. "Vamos con este himno de Charly", dijo León, antes de encarar “El fantasma de Canterville”, en versión funky. “Saludos de Charly, nos está mirando”, contó Gieco. “Es la última: estaríamos cantando todo el día las canciones de Charly, son las más lindas del mundo”. El joven tecladista Joaco Burgos arrancó “Yo no quiero volverme tan loco”, a dúo con el santafesino.

Beats Modernos homenajeó a Charly García con invitados. Crédito: Gentileza En Vivo Producciones.

Mientras, Blair ya recorría la valla saludando a sus fans, en el final de su segmento, antes de colgarse la guitarra para “Nunca lo vas a entender”.

En el Escenario Sorpresa salieron los juveniles Golden Floyd con su tributo a Pink Floyd, centrada en canciones de The Wall como “Good Bye Blue Sky”, “The Thin Ice y “Another Brick in the Wall” partes 1 y 2, en la versión de Roger Waters solista: con el solo a lo David Gilmour y un segundo solo. También hicieron “Comfortably Numb”; el retraso montañés les sumó algún público.

Pero finalmente la cosa se acomodó en la ladera, y Gustavo Cordera pisó el mismo entarimado que Bersuit un día después. De musculosa y tiradores, salió al frente de la banda que comparte con su esposa, Stella Céspedes (hermana de Pepe).

Gustavo Cordera repasó clásicos ante una ladera colmada. Crédito: Gentileza En Vivo Producciones.

Comenzó con “Soy rock”, una declaración de principios: “Quiero vivir siendo rock / conmigo y en soledad / cuando hacia adentro me voy / a buscar sinceridad. Siguió en ese plan con “Soy mi soberano”: “Soy como nadie, soy diferente / Yo soy mi Dios, mi referente”.

Dio un volantazo hacia “El viento trae una copla”, de sus tiempos de Bersuit, con el recitado de su hija Yanela Cordera Céspedes (que se perdió por bajo volumen de ese micrófono). El segmento siguió con “Perro amor explota” y su espíritu tanguero.

Paralelamente, los mendocinos de Gauchito Club ya estaban haciendo lo suyo, como así también Juanse con su homenaje a Pappo, con canciones como “Sucio y desprolijo”.

“Estuve esperando este momento desde hace muchos años. Les quería traer una sorpresa”, contó Cordera, en lo que también sería “un regalo a José Palazzo”: Oski Righi y Alberto Verenzuela, ex guitarristas de Bersuit, se sumaron para “Yo tomo”. “¿Quieren más? ¿Se la aguantan de verdad?”, preguntó el Pelado, antes de “Se viene”.

Dedicada a la Mona Giménez siguieron con “Devolvé la bolsa”, himno de vicios y cuarteto. Luego vinieron las fotos y los saludos finales.

Mientras, Juanse estaba con su propio repertorio, largando el "Rock del gato": tema utilizado por el presidente en sus últimas performances artísticas. Siguió con la estirpe paranoica de “Cowboy” y “La nave”. “Nos están diciendo que nos vayamos. Explicale al muerto que organizó esto que es rock and roll, men”, se enojó Juanse, antes de montarse a “Ruta 66”, clásico de Bobby Troup versionado en castellano por Norberto Aníbal Napolitano: fue su momento de tirarse al público y darse un baño de masas.

En el Montaña, frente a nubes bajas que tapaban la cima de la ídem, Juanchi Baleirón entonaba “Runaway” al frente de Los Pericos, seguida con el clásico “Nada que perder” (la de la chala), con solo del también Persa Santi Castellani en trombón.

Luego de “Jamaica Reggae”, el referente anunció “Amor bonsai”, nuevo tema del próximo álbum “Inmortal”, con El Plan de la Mariposa desde un video (estaban en zona para el convite presencial, pero tenían que prepararse para su propio show). Siguieron con “Waitin’”, en el comienzo de una llovizna finita, y “Pupilas lejanas”.

De ahí salieron a “Inmortal”, la que le da nombre al disco, con el mexicano Sabino saliendo desde la pantalla. Juanchi dejó el instrumento para “Eu vi chegar”: “Son el mejor público del mundo, no tiene que venir un gringo a decirlo”.

“Atenta a esta que es un quilombo” fue la presentación de “Home Sweet Home”. Volvió a la guitarra para la rockera “Casi nunca lo ves”, que fue la despedida.

Lo dicho: El Plan salió en el Sur apenas terminaron los Pericos, lo hicieron con “Túnel de la vida”, llevados metódicamente por el violín de Santiago y la guitarra de Valentín, en la voz de Sebastián respondida por las líneas de Camila (el quinto Andersen es el tecladista y acordeonista Máximo); en el extremo opuesto, Bandalos Chinos convocaba a los propios.

El Plan de la Mariposa conectó folk y épica en el Sur. Crédito: Gentileza En Vivo Producciones.

El baterista Julián Ropero, parte de la familia ampliada, introdujo el beat de Mar argentino, con el frontman caminando la pasarela y el hada danesa flotando sobre el escenario

“Estamos muy agradecidos de que nos hayan invitado, la primera vez que vinimos fue hace diez años. Bien ahí. Es por ahí”, dijo el rubio vocalista, aludiendo a que se venía la canción así titulada, con los hermanos cantando abrazados y el toque celta en el violín.

Andrés Nör desde el bajo le dio cadencia a “Oro de abeja”. La dedicatoria de “El ángel del 152” fue para alguien a quien Seba conoció en un colectivo, uno de los tantos que apuestan a cambiar el mundo desde su lugar, con Valentín en segunda guitarra: “¿Cuántos habrá que se callan / y adentro piensan lo mismo? / ¿Es la distancia a la mano? / ¿O la razón de andar vivo?”.

“Incandescente” habló de quienes no están (“las despedidas son por un rato”) pero sin tristeza, bien arriba, con Valentín y Santiago (también a cargo del solo) atacando la melodía, y Seba y Camila entregados al frenesí de la danza.

La valkiria necochense tomó la voz líder para “Abrazame”, con su tempo contenido de rock alternativo anglo. De ahí se fueron a la intro electrónica que antecede al violín y al acordeón irlandeses de “Un mal delito entre confiar o morir”, con caballos corriendo en las visuales.

Goyo Degano se lamentaba con “Demasiado” y levantaba con “Departamento” en el Norte. Pero ameritaba la excursión al Paraguay para recibir la visita de Devendra Banhart, estadounidense de madre venezolana, a solas con su guitarra de cuerdas de nylon en sus manos tatuadas y su voz sutil (parte de un universo en el que están James Taylor y Caetano Veloso): un remanso en medio del intenso festival (o un error de curaduría, según se mire).

Devendra Banhart ofreció un show íntimo y acústico. Crédito: Gentileza En Vivo Producciones.

Hablante de perfecto castellano, agregó “pibes” y “guachines” y sus variaciones. Dijo que siempre amó a Atahualpa Yupanqui, “que tuvo el pelo negro hasta que murió”, y que “está enterrado aquí cerca”.

“Brindo a todo lo que quiero dar / a todo lo que está a punto de empezar, cantó en “Brindo”, seguida por “Carolina”. Tomó la eléctrica, una Fender Jazzmaster, y tocó fragmentos de pedidos como “Mi negrita”, “Foolin’” o “Santa Maria De Feira”.

Recorrió “Good Time Charlie” y “Baby”: “Estás dando / Ochenta mil millones de años de risas / Un mundo completamente nuevo para vivir / Pero este es real, este es real”. “Este es el único lugar donde no quiero ser reencarnado como una vaca”, reflexionó; en “Sad Lady” incluyó una pista de acompañamiento en el solo.

“Carmensita” se puso centroamericana, entre los graves y los falsetes: “Mi amor envuelto en tu corazón / no lo sueltes por favor / somos elefantes, serpientes semejantes / tomando agua ardiente en el sol”.

Dedicó a Bob Weir de The Grateful Dead, recientemente fallecido, una experiencia electrónica con samples en una mesa de DJ.

Fito Páez estaba ya al frente de su banda, de sacó y pollera blancos, para sacudir con “Folis Verghet”, apoyado en los vientos. Vamos a cantar hoy, aseguró, y activó “11 y 6” dirigiendo los coros desde la pasarela.

Dijo que alucina cuando vienen los gringos y hablan del público: yo lo disfruto hace 50 años. Es así”. Llegó el turno de “Tu vida, mi vida” (“Todas las palabras son ingrávidas palabras / y todo el universo se conecta a nuestro amor”) secundado por Emme en los coros.

“Me siento orgulloso de ser un pequeño eslabón en la cadena de la música argentina” le valió un “olé Vergeta”. Invocó a músicos de diferentes lugares y tiempos (José María Contursi, Isaco Abitbol, etc.) para dedicarles Tumbas de la gloria desde el piano. Se calzó unas gafas espejadas que reflejaron las teclas y el cielo semidespejado de la tarde, mientras comenzaba el beat de “El amor después del amor”.

“Tenemos el orgullo de tener a una de las mejores cantantes del mundo: Mariela Vitale en los coros”, celebró el rosarino, dejándole el cierre de la canción. Tomó un megáfono para el recitado circense que abre “Circo Beat”, reemplazando a Gena Rowlands por Fabi Cantilo en la letra, y fluido solo de Juani Agüero en la guitarra.

Siguió con “Brillante sobre el mic”, antes de “Sale el sol”, de su reciente álbum “Novela”. En ese momento arrancó en el extremo opuesto el show de Divididos, su primer Cosquín Rock con disco nuevo en 15 años. Pero Mollo, Arnedo y Ciavarella, luego de la flamante “Aliados en un viaje”, la siguieron con canciones históricas como “Cajita musical”, “La ñapi de mamá”, “Tanto anteojo” y “¿Qué tal?”, con un espacio para el slap del Cóndor acoplado a las síncopas de un Catriel descalzo del lado del hi-hat.

A esa altura Páez redobló la apuesta con “Ciudad de pobres corazones” y “A rodar la vida”, con un solo de guitarra que siguió las líneas marcadas por Ariel Rot hace más de tres décadas. El cierre fue con “Mariposa Teknicolor”, dejándole a la multitud los estribillos de un hit de cancha.

En ese instante los Divididos viajaron a años mozos (de dos tercios: Ciavarella ni estaba en los planes) con “La rubia tarada” de Sumo. Luego de una rabiosa rendición de “Salir a comprar”, “Sábado” se montó sobre un bajo “untable” de Diego, y un Catriel casi como al descuido, subiendo en intensidad para que Ricardo diga el “Besame, besame, besame” como un grito de guerra. “¿Se bancan una más, nueva? Sé que en estas circunstancias no es fácil escuchar canciones nuevas”. Así pasó “Revienta el Mi mayor”.

Anunció “Una chacarera a la nuestra: rockera”: fueron a “Huelga de amores” con Diego en la guitarra (a fin de cuentas, es el heredero de Mario Arnedo Gallo). La detonación rockera volvió con “Haciendo cosas raras”, de la que salieron a “Sucio y desprolijo” (segunda vez en el día en ese escenario) y “Crua Chan”. El tramo final pasó por “Paisano de Hurlingham”, “Rasputín” cruzado con “Hey Jude”, “El 38” y “Ala delta”.

A esa hora ya estaban sobre el Montaña los colombianos de Morat, con canciones románticas y radiales. Pero en el Paraguay Marky Ramone’s Blitkrieg estaba tocando “Beat on the Brat” y “Sheena is a Punk Rocker”, canciones de la agrupación de la que es uno de los pocos sobrevivientes, y el más antiguo.

Marky Ramone desató punk clásico en el Paraguay. Crédito: Gentileza En Vivo Producciones.

Contando cuatro como en los viejos tiempos, pasaron clásicos como “Now I Wanna Sniff Some Glue” o “Rockaway Beach” (“la única canción playera de Nueva York”, pensaba Joey emulando a los Beach Boys). “¿Bailamos o qué? Bailemos, qué hostia”, espetó el ibérico Iñaki “Pela” Urbizu (“el Joey” de la formación, sin el pie de micro) antes de “Let’s Dance”. El baterista está hoy acompañado por Marcelo Gallo (“el Johnny”) y Martín Sauan (“el Dee Dee”): lo más parecido a The Ramones que Marky podría conseguir.

Recorrieron “Surfin’ Bird”, “Judy Is a Punk”, “I Wanna Be Your Boyfriend”, “The KKK Took my Baby Away” (con su mitología sobre la disputa del corazón de Linda Danielli), “I Wanna Be Sedated” y “Chinese Rock” (cover del nunca bien ponderado “End of the Century”). También “California Sun” (tema surf apropiado por los neoyorquinos) y “Pinhead”, con el grito de “Gabba Gabba Hey!”, sin el marcianito del cartel.

Fueron a “Cretin Hop” y “Rock ‘n’ Roll High School”, primera banda sonora de los flequilludos. En el cierre pasaron por “What a Wonderful World”: la canción popularizada por Louis Armstrong, incluida en el segundo disco solista (póstumo) de Joey como una despedida optimista.

La última explosión fue con “Blitzkrieg Bop”, antes de que un saludo seco del prócer indicara el final del viaje en el tiempo.

De vuelta fuera de la burbuja, los Airbag estaban en el Escenario Norte, igual el año pasado. Pasaron por “Nunca lo olvides”, con un solo “slashero” de Patricio Sardelli. Llegó luego un solo virtuoso que pasó a una relectura a lo Joe Satriani de “Adiós Nonino”, inagotable obra de Astor Piazzolla.

Airbag volvió a encender el Norte con solos y épica. Crédito: Gentileza En Vivo Producciones.

De ahí rumbeó para la exitosa “Cae el sol”: Pato invitó a olvidarse de todo y enviarle un mensaje a los que veían por televisión: de frente a la cámara, con el público detrás encendiendo los celulares, demostró su manejo escénico.

“Apocalipsis confort” tuvo su solo a lo Walter Giardino entre llamaradas, y más tarde sería el turno del Himno Nacional Argentino.

Pero Mateo Palacios Corazzina (aka Trueno) cantó envido desde su tarima, al frente de una banda potente, rapeándole a la cámara en mano que lo siguió por las tablas en “Fresh” (antes habían pasado “Grandmaster”, “BZRP Freestyle Sessions, Vol. 6”, “Fuck el Police”, “Rain III” y “Feel Me??”.

Un recitado grabado, reflexionando sobre la historia de nuestro continente, anticipó “Tierra Zanta”. Pero salió León Gieco para compartir con Trueno una versión acotada de “Cinco siglos igual”. Ahí León cantó lo que, en el original, hacia Víctor Heredia, con el pibe rimando sobre congas y cajón peruano; con la letra en las pantallas para que nadie se quede afuera. “El Bob Dylan argentino” se llevó la segunda ovación del día, esta vez ante más gente. Con ritmos de bossa y Milo J en la pantalla pasó “Gil”, seguida por “Argentina”.

KMI420 y Pedro Peligro (padre de Mateo) se sumaron para “The Roof Is on Fire” y “Tranky Funky”: el Trueno más suburbano y la banda en plenitud. El groove siguió en “Ohh Baby”, con bola de espejos en la proyección. De ahí pasó a la bolichera “Cuando el bajo suena”, con sus propias llamaradas en el borde.

Imágenes de violencia policial de tiempos recientes en las pantallas recibieron a las palabras del “Martín Fierro (“los hermanos sean unidos…”) para que los tres MCs embistan con “Violento”. El cabeza de compañía se quedó en cuero para la última, “Dance Crip”, con su apelación a la Comuna 4 y su cita a “Rapper’s Delight”.

Mientras Las Pastillas del Abuelo ganaban el espacio central, Agarrate Catalina convirtió el Sorpresa en un tablado de Carnaval. Pero no necesariamente festivo: pasaron por “La violencia”, su celebrado cuplé sobre la exclusión y la crueldad del sistema.

Agarrate Catalina transformó el Sorpresa en tablado carnavalero. Crédito: Gentileza En Vivo Producciones.

Yamandú Cardozo invitó a El Plan de la Mariposa para una reinterpretación de “Es por ahí”. “¿Podemos hacer una más?”, preguntó Sebastián. “No sé van a librar tan fácil, chiquilines”, fue la respuesta de Yamandú. Así encararon “El riesgo”, con la murga en los estribillos y las voces primas doblando los contrapuntos de Camila.

Para cerrar el set sumaron a... León Gieco, nuevamente ovacionado. Eligieron “Pensar en nada” (segunda tocada en la jornada). El referente de la Catalina destacó el aporte del Ministerio de Cultura de Uruguay, que aportó para que puedan estar en el festival (lo que demuestra que exportar expresiones culturales siempre es un buen negocio).

En el Paraguay, por donde pasó David Ellefson, ex guitarrista de Megadeth (estaba apuntado para la hora de Trueno, pero arrancó más tarde), a esa hora hacía lo suyo CTM, Claudio “Tano” Marciello, histórico violero de Almafuerte, presentando su nuevo disco y repasando la discografía de este proyecto personal, compartido con su hija Melina. También hubo lugar para “Toro y pampa”, clásico de la banda que compartió con Ricardo Iorio.

Pero ya era turno de Ysy A y su propuesta de tango trap, en una formación en la que revistan Hernán “Cucuza” Castiello en voz, su hijo Mateo Kastiello (con K) en guitarra y la enorme Noelia Sinkunas en el piano, pasando por una relectura de “¿Cuál?”. Ysy (Alejo Nahuel Acosta Migliarin) volvió solo sobre el escenario, a pura pista, empezando por la electrónica “Ganas” y el trap denso de “De repente”.

Ysy A fusionó tango y trap en su set. Crédito: Gentileza En Vivo Producciones.

A la misma hora, Guasones apostaba por el rock clásico en el lado contrario, con canciones como “Infierno Blanco” o “Reyes de la noche”, su mayor hit, en la garganta del incombustible Facundo Soto, acompañado por compañeros de siempre como Maximiliano Timczyszyn en guitarra (de sombrero vaquero) y Damián “Starsky” Celedón en batería. Empezaron a cerrar con el clima etéreo de “La flaca Pili y el negro Tomás”, para irse con el potente desamor de “Gracias”.

Con Peces Raros, recibiendo nuevamente gotas sueltas desde el cielo, empezó la transición para cerrar desde el Montaña con electrónica. Minutos después, cuando Mauricio “Junior” Lescano salió a cerrar el rocanrol con Caras Extrañas y Louta cerraba... una cosa totalmente diferente, se largó un chaparrón con tormenta eléctrica que aceleró la partida de algunos.

Quienes se quedaron pudieron disfrutar los ritmos del DJ bonaerense Mariano Mellino (que fue soporte de Oasis) y el británico Franky Wah. Antes estuvo la chance de pasar por el Paraguay a bailar con El Club de la Serpiente: una fiesta de música disco, funk y pop que se afianza en Buenos Aires.

Así se despidió una nueva edición del festival musical serrano, en un proceso de búsqueda para que la identidad de siempre se haga carne con nuevos tiempos y culturas.

El reconocido músico argentino Fito Páez volvió a estar en el centro de la polémica luego de realizar declaraciones críticas sobre ciertas expresiones del feminismo actual.

Durante una entrevista con la periodista Julia Mengolini, el artista expresó su incomodidad con lo que considera una contradicción entre el discurso de algunas manifestantes y el consumo de productos culturales con mensajes misóginos o hipersexualizados.

En el diálogo, Mengolini recordó una frase suya de años anteriores, donde cuestionaba el contenido de la música comercial: “¿Cómo puede ser que todo indique que muevan el culo?” En respuesta, Páez insistió en su idea: “Si van a bailar eso, sobre todo las chicas colegas, sepan que piden una cosa y después bailan otra”.

Lejos de renegar de la libertad artística, el autor de El amor después del amor aclaró que cada persona puede bailar lo que desee. Sin embargo, advirtió sobre las consecuencias simbólicas de consumir música con letras explícitas y misóginas.

“Podés bailar Prince, Charly García o lo que quieras. Pero si decidís bailar eso, que te van a perrear y garchar toda la noche, es problema tuyo. Después, cuando vayas a defender tus derechos al Congreso, no me pidas que te apoye”, agregó, provocando reacciones divididas en redes sociales.

El músico reflexionó sobre feminismo y cultura. Foto: Reuters.

Estas declaraciones abrieron nuevamente el debate sobre la coherencia entre las luchas sociales y las elecciones culturales, especialmente en el contexto de géneros como el reguetón, el trap o ciertas expresiones del pop masivo que reproducen estereotipos machistas.

Páez también criticó la falta de contenido simbólico en algunos espacios del feminismo actual. “Los movimientos que no generan estéticas, manifiestos u obras están flojos de papeles”, expresó, reforzando su visión de que toda lucha social necesita nutrirse también desde el arte, la creatividad y el pensamiento crítico.

En esa línea, el músico evocó una escena del cineasta alemán Werner Fassbinder. Según contó, un grupo de feministas se le acercó en la Alemania de los años 70 para pedirle su firma en apoyo a una causa. Él leyó el texto y decidió no firmar, considerando que esas demandas no se vinculaban con los conflictos estructurales que vivía la sociedad en ese momento.

El artista criticó la incoherencia de quienes consumen canciones con letras explícitas. Foto: REUTERS.

Páez cerró su argumento con una reflexión más amplia: “La pelea es entre los que tienen y los que no. Hasta que no unan las peleas, no me va a interesar”. Para el artista, es necesario construir movimientos sociales con una perspectiva integradora, que no fragmenten las luchas ni pierdan de vista los verdaderos ejes de desigualdad.

Cada 11 de mayo se conmemora en la Argentina el Día del Himno Nacional, una de las máximas expresiones patrióticas del país. Esta fecha recuerda la aprobación oficial de la marcha patriótica por parte de la Asamblea del Año XIII, en 1813. Compuesto por Vicente López y Planes (letra) y Blas Parera (música), el Himno Nacional Argentino ha sido desde entonces un símbolo de unidad, lucha y soberanía.

El contexto en el que nació el himno era el de un país en plena lucha por su independencia del dominio español. La Asamblea General Constituyente encargó la creación de una canción patriótica que pudiera representar los ideales revolucionarios. El 11 de mayo de 1813, se aprobó como "Marcha Patriótica", aunque fue conocida posteriormente como "Canción Patriótica Nacional" y finalmente como "Himno Nacional Argentino".

Lo que muchos desconocen es que la versión original del himno era considerablemente más extensa que la que se canta en actos oficiales hoy en día. Contaba con más de 20 versos y un tono marcadamente anti-español, acorde al fervor revolucionario de la época. Las estrofas hacían alusión directa a la lucha contra el dominio español, incluyendo referencias como:

"Españoles, en vano intentáisoponer resistencia a la libertad.Vuestros tronos ya caen a pedazos,y los pueblos reclaman su igualdad."

Con el paso del tiempo y tras la consolidación de la independencia, esos fragmentos dejaron de tener sentido práctico o diplomático. Por eso, en 1900, por decreto del presidente Julio Argentino Roca, se estableció una versión reducida y neutral, sin las estrofas más combativas, para que sea interpretada en actos oficiales y escolares. Esa es la versión que todos conocemos hoy, con una duración de aproximadamente tres minutos.

Blas Parera, el autor de la música, era un compositor catalán radicado en Buenos Aires. Su partitura original ha sido interpretada y adaptada en diversas formas a lo largo de los años, incluso por orquestas sinfónicas internacionales. El Himno Nacional Argentino fue también uno de los primeros himnos en ser grabado en disco, a comienzos del siglo XX, y su versión instrumental es obligatoria en emisiones televisivas y radiales a la medianoche.

Más allá de su uso institucional, el himno argentino ha atravesado géneros y generaciones. Ha sido interpretado por reconocidos artistas como Charly García, Mercedes Sosa, y Fito Páez, que han sabido imprimirle su sello personal, respetando siempre su esencia.

Además, en eventos deportivos internacionales, como los Juegos Olímpicos o los mundiales de fútbol, entonarlo se convierte en un acto de orgullo nacional, cargado de emoción colectiva.

Este 11 de mayo, en escuelas, plazas y edificios públicos de todo el país, se recordará la importancia de nuestro Himno Nacional como símbolo de libertad, unidad e identidad. Más allá de la música y la letra, es un legado que invita a reflexionar sobre la historia, los valores fundacionales de la Nación y el compromiso con el presente y el futuro.

(Por Juan Ignacio Novak) - En un reciente video gestado para su canal titulado “Te lo resumo así nomás” (del cual el autor de estas líneas es un ferviente seguidor), el youtuber platense Jorge Pinarello sugirió que 1984 fue uno de los mejores años para el cine en toda la historia. Sus argumentos son sólidos: ese año nacieron algunos íconos de la cultura pop que marcaron las décadas siguientes: “Terminator”, “Karate Kid” y “Pesadilla”. Sin embargo, la obra que se quedó con el Oscar y que se ganó el respeto de público y crítica no tuvo que ver con robots, karatecas o asesinos seriales, sino con una rivalidad entre músicos. Fue “Amadeus”, de Milos Forman, estrenada hace justo 40 años, el 19 de septiembre de 1984.

The Saul Zaentz Company, Orion Pictures

“Amadeus” está basada en la obra teatral de Peter Shaffer, que mezcla realidad y ficción para contar la vida de Wolfgang Amadeus Mozart desde la perspectiva de Antonio Salieri. Según la “leyenda” en la que se basa Shaffer, este último odiaba a Mozart por su capacidad para expresar “la voz de Dios” a través de sus composiciones. La película, propuesta como un extenso flashback, es la narración de Salieri respecto de sus esfuerzos para arruinar la carrera del joven Mozart cuando éste amenaza dejarlo en un segundo plano.

The Saul Zaentz Company, Orion Pictures

Tom Hulce, en el papel de Mozart, ofrece una interpretación exuberante y traviesa, en contraste con la interpretación contenida de F. Murray Abraham como Salieri. Esta dinámica marca el tono de la película, donde la brillantez de uno subraya la mediocridad del otro. Muchos cuestionaron a Forman por presentar a Mozart como una especie de rockstar adelantado a su tiempo, pero esto cuadra perfectamente con el film. Como señala el crítico JKL, “Hulce hace cabriolas y se pavonea como si fuese consciente, de un modo anacrónico, de la estupidez de sus ropas con sus volantes y sus pelucas de colores”. Para que se entienda mejor: es como si fuese una especie de Charly García en medio de una corte europea del siglo XVIII.

The Saul Zaentz Company, Orion Pictures

Pablo Planovsky, en un artículo sobre la película escrito en 2023 para el diario La Nación, señala que “en la reimaginación de Mozart como un enfant terrible, Forman testeó a Kenneth Branagh y Mick Jagger para encarnar a esta versión punk rock del histórico compositor. El rol se lo quedó Tom Hulce, que trabajó en una risa estridente que Salieri interpretaba como otra burla de Dios. Según Hulce, la idea era que, al escuchar la risa, los espectadores pensaran que esa persona brillante era ‘de una inteligencia subnormal’”.

Forman, conocido por sus cualidades para dirigir dramas complejos como “Atrapado sin salida”, logró una representación visualmente espléndida, un festín para los sentidos. La dirección artística, los elaborados decorados y los trajes elaborados muestran el esplendor de la época. Eligió filmar la película en Praga, en lugar de Viena, con el objetivo de aprovechar la arquitectura y los emplazamientos históricos de la ciudad. Al respecto, vale la pena ver el documental que refleja el proceso de producción del film. Todavía eran tiempos de Guerra Fría (faltaba un lustro para la caída del Muro de Berlín y la caída de la Unión Soviética) de modo que la vigilancia del gobierno checo fue constante. Además, los teatros utilizados fueron iluminados con velas, para reforzar la sensación de época.

The Saul Zaentz Company, Orion Pictures

Más allá de los actores y la trama, lo que sobresale en “Amadeus” es la banda sonora, que tiene como insumo principal las composiciones de Mozart, que figuran entre las creaciones más maravillosas de la historia. Al respecto, vale la pena recordar una confesión de sir Neville Marriner, quien dirigió a la orquesta que grabó las versiones que están en la película. “Recuerdo un silencio sepulcral durante los extensos títulos de crédito al final de la película, en los que sonaba el Concierto para piano número 20, de Mozart. Me pareció increíble, pues la gente esperó hasta el final y aplaudió como si se tratase de un concierto”.

The Saul Zaentz Company, Orion Pictures

En definitiva, al elegir mostrar a Mozart como un genio incomprendido, irreverente y a veces pueril, Forman (como antes Shaffer) se animó a romper con las representaciones más formales de los grandes compositores, otorgándole a la figura histórica una dimensión humana, casi contemporánea. Es esa atemporalidad la que abre a la fascinación de nuevas generaciones y hace que “Amadeus” se mantenga como una obra maestra que, lejos de envejecer, se ganó un lugar indiscutible en el panteón de los grandes clásicos del cine.

La gran exponente del rock nacional Hilda Lizarazu junto al director musical, arreglador y productor del proyecto, Lito Vitale, llegan a Venado Tuerto el próximo viernes 12 de julio, a las 20.30, al Centro Cultural Municipal para presentar el disco “Hilda canta a Charly”.

La referente de Man Ray actuará en la ciudad en el marco de una gira nacional que se encuentra realizando para promocionar el flamante disco con once canciones donde recorre los diferentes períodos musicales de Charly García, desde su perspectiva de colaboradora, vocalista y compañera de escenario durante muchos años. 

Así es como aparecen versiones de temas de Sui Generis (Rasguña las piedras), La Máquina de Hacer Pájaros (Cómo mata el viento norte), Serú Girán (La grasa de las capitales, Desarma y sangra) y su carrera solista (Los dinosaurios, Bancate ese defecto, Nos siguen pegando abajo, Raros peinados nuevos, La canción del indeciso, Chipi chipi y La máquina de ser feliz).

Con producción ejecutiva de Ave Fénix Discos y editado por Díscola Discos, este trabajo cuenta con la participación de músicos invitados como Federico Melioli, Luciano Vitale, Julia Di Paolo, Clara Lodi y el ensamble “La Orquestita”, con Víctor Carrión (flauta y saxo), Irene Cadario (violín), Paula Pomeraniec (cello) y Emiliano Álvarez (clarinete).

Entradas en venta en la boletería del Cultural o por la plataforma ticketway.com.ar.

Invita la Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural.

Sorpresa entre los fanáticos del rock nacional ante un inesperado show íntimo, en un reconocido hotel de la ciudad de Buenos Aires con la presencia de Charly García.

Entre los seguidores del mítico cantante y compositor, hubo quienes filmaron segmentos de la presentación y los compartieron en redes sociales.

Uno de los temas en los que participó Charly fue en "Yendo de la cama al living", el éxito que García lanzó en los inicios de la década de 1980.

Cabe remarcar que esa canción forma parte del disco homónimo que salió a la venta en 1982. Se trató del primer álbum de estudio en solitario del músico que por entonces tenía 30 años, y grabó el material en agosto de 1982, durante el último año de la última dictadura.

En el álbum hay invitados estelares como Luis Alberto Spinetta, Pedro Aznar y León Gieco, quien debió usar un seudónimo por temas de exclusividad.

El otro fragmento filmado fue una parte de Cerca de la Revolución, otro de los himnos del rock nacional que engendró el propio Charly.

Ese tema fue lanzado como tema N.º 9 del álbum Piano bar, que salió a la venta en 1984, considerado una de sus obras cumbre y el mejor tema de la historia del rock argentino.​

Sobre el final de abril se conoció que García finalmente llegó a un acuerdo con una firma discográfica para lanzar un nuevo disco.

El músico firmó contrato con una importante discográfica para la publicación de "La lógica del escorpión", el álbum en el que el genial músico está trabajando los últimos años.

El disco ya está grabado en su totalidad y será el primer material nuevo del Bicolor desde Random.

Se supo que el vínculo se estampó en la tarde del jueves en el mítico departamento de Coronel Díaz y Santa Fe.

Charly estuvo acompañado por su novia Mecha Iñigo, su representante Guillermo Tato Vega y sus abogados. Por el lado de compañía estuvieron el director Damián Amato, Nacho Soler, Enrique Dordoni y Sergio Ponfil.

Luego de escuchar el disco completo se procedió al trámite para que en unos meses esté disponible tanto en vinilo como en las diferentes plataformas digitales.

Todavía no hay fecha estipulada para los respectivos lanzamientos. Lo que sí trascendió es que el vinilo tendrá una edición limitada, con un llamativo arte realizado por la diseñadora Renata Schussheim.

Todos los presentes en la reunión coincidieron que el disco es un “auténtico García”, con todos los matices y pinceladas del genial músico, que a los 72 años sumará un nuevo material a su catálogo.

Charly viene trabajando en este disco desde la pandemia. Las sesiones de grabación se entremezclaron con diferentes episodios que atravesó por su delicado cuadro de salud, pero nunca perdió de vista el objetivo de publicar sus nuevas canciones.

A finales del año pasado, un mensaje en redes de José Palazzo sacudió a los fans del músico y a la comunidad artística en general. “Listo disco de García. A ver si las disqueras le meten pata que el jefe cocinó todo”, escribió el productor,

La ciudad de Nueva York inauguró hace unos días en el cruce de las calles Walker St. y Cortlandt Alley, la “Esquina Charly García” (Charly García Corner), en homenaje al 40º aniversario del lanzamiento del álbum “Clics modernos” y en el lugar exacto donde fue tomada la icónica imagen que constituye el arte de tapa del disco.

A unos cuantos kilómetros de distancia, en la ciudad de Firmat, el artista Ariel Bertolotti Paez también se sumó a este homenaje, pero meses antes. La obra, culminada en junio de este año, se puede apreciar sobre una pared del edificio lindero al Hospital “General San Martín”, sobre calle 25 de Mayo, entre Santa Fe y Remedios de Escalada.

En sus redes, a modo de recuerdo y archivo familiar para su hijo Dante, escribió: “Esto que pinté es (entre otras cosas) porque el disco de Charly García, ‘Clics Modernos’ cumple 40 años, cómo yo, tu padre. Además, que la tapa del disco da con todo para hacerlo en una pared, ese álbum y el momento en que salió representan muchas cosas (ojalá te interese y leas y escuches)”. 

Entre los detalles, contó: “Primero iba a recrear solo la imagen de la tapa y listo. Después me fui un poco por las ramas, agregando representaciones de lo que vendrían a ser personas, escritos y firuletes que tuvieron que ver con el álbum, la gira y demás”.

La particularidad de su trabajo es que fue autogestivo: “Cómo me da cosa pedirle a alguien puntual que me pague por algo que nadie me pidió, se me ocurrió hacerlo a la gorra, como alguien que canta, actúa, etcétera. Y por ahí hacer algún mango. La diferencia que esta gorra es virtual, mediante las redes virtuales y cualquiera puede contribuir con lo que tenga ganas, si es que tiene ganas y algo de guita, obviamente”. 

Bertolotti Paez, remarcó -siempre refiriéndose a Dante-, que lo más “importante cada vez que hago algo (por suerte) todavía tengo gente que me apoya”, agradeciendo luego a su familia y a una innumerable cantidad de personas que colaboraron en esta iniciativa. 

“Dante, un deseo. Ojalá banques los trapos. Los tuyos, de tu familia y amigos, y no seas fanatiquito de ninguna otra cuestión. ¿Por qué no te lo escribo en un papel? Probablemente acá dure más”, cerró

Clásico y vigente

Clics modernos fue el segundo álbum de estudio de Charly García, publicado el 5 de noviembre de 1983 por la compañía SG Discos. Contó con la participación de Pedro Aznar, además de sesionistas como el famoso guitarrista Larry Carlton, el baterista Casey Scheverrell y el saxofonista Doug Norwine.

El técnico de grabación fue un joven Joe Blaney, luego de gran prestigio por sus trabajos con Keith Richards y Prince. El estudio fue el mítico Electric Lady, fundado por Jimi Hendrix en los años '60.

La lista de canciones incluye hits como No me dejan salir (Estoy verde), Nos siguen pegando abajo, No soy un extraño y Los dinosaurios. El innovador sonido del disco cambió la estética del rock argentino, con el uso de baterías electrónicas y un aire pop que en un principio fue muy criticado por prensa y público, hasta que fue revalorizado unos meses después.

La idea original de la foto de tapa era escribir con aerosol la frase "Nuevos trapos" en una pared, porque así se iba a llamar el disco. Pero apenas Charly García y Uberto Sagramoso (el fotógrafo) vieron la silueta negra pintada por el canadiense Richard Hambleton,  decidieron que el argentino se sentara al piso para hacer un retrato.

Como anécdota, después resultó que al lado de la silueta alguien había escrito las palabras “Modern Clix”, así que Charly de inmediato cambió el título del álbum y lo bautizó Clics modernos.

La Ciudad de Nueva York inauguró este lunes, en el cruce de las calles Walker St. y Cortlandt Alley, la “Esquina Charly García” (Charly García Corner), en homenaje al 40º aniversario del lanzamiento del álbum Clics modernos y en el lugar exacto donde fue tomada la icónica imagen que constituye el arte de tapa del disco.

De la ceremonia participaron el embajador en Estados Unidos, Jorge Argüello; el cónsul General en Nueva York, Santiago Villalba; los comisionados de Transporte y de Asuntos Internacionales de la Ciudad de Nueva York, Ydanis Rodríguez y Edward Mermelstein; el impulsor creativo del proyecto, Mariano Cabrera; y la hermana del músico, Josi García Moreno.

Luego de los discursos de las autoridades, realizaron un concierto en vivo en la calle algunos de los músicos que formaron parte de las bandas de Charly en diferentes momentos de su carrera, como Hilda Lizarazu, Fabián Zorrito Von Quintiero, Fernando Samalea, Alfi Martins, Kiuge Hayashida y Toño Silva, quienes interpretaron cuatro temas de Clics Modernos, editado en 1983.

Para finalizar la actividad, se develó una placa recordatoria en la pared donde Charly se tomó la foto de tapa, y el característico cartel verde de las calles de Nueva York con el nombre de “Charly García Corner”.

El momento que desvelan la placa.

En su alocución, el embajador Argüello destacó que “es un gran orgullo para todos los argentinos que esta icónica esquina de Nueva York se llame a partir de ahora ‘Charly García Corner’. Agradecemos a las autoridades por el apoyo recibido y al alcalde Adams especialmente por la elocuente proclama en la que destaca a Charly como compositor, artista, instrumentista y cantante; homenajeamos así a un genio que ya es un ícono del rock nacional y mundial, además de una figura que está en el corazón de los argentinos”.

Asimismo, las autoridades presentes de la Ciudad entregaron una Proclama firmada por el Alcalde Eric Adams que designa al 6 de noviembre de 2023 como “Día de Charly García en la ciudad de Nueva York” y destaca que “la fenomenal oferta cultural de Nueva York ha atraído durante mucho tiempo a artistas talentosos de todo el mundo. Entre ellos se destaca Charly García, un aclamado compositor, multiinstrumentista, cantante y compositor argentino”.

La placa en honor a Charly García.

La Proclama considera, asimismo, que “Clics Modernos se destacó por sus canciones de rock bailable con elementos de New Wave, así como por sus letras con metáforas sobre los conflictos políticos y sociales del pasado de Argentina. Tiene nueve temas, entre ellos los memorables temas "Los Dinosaurios" y "No soy un Extraño". Y que “en honor a su importancia para el pueblo de Argentina y la historia de la música, hoy se develará una placa conmemorativa en el sitio donde se inmortalizó la portada del álbum, nombrando este lugar en Cortlandt Adley y Walker Street como "Charly García Corner". La Proclama concluye sosteniendo que “Clics Modernos y este talentoso músico continuarán inspirando a nuestra vibrante comunidad argentina y a personas de todos los orígenes en los años venideros”.

La iniciativa, llevada adelante por el Consulado Argentino en Nueva York y que contó con el apoyo de la Dirección de Asuntos Culturales de la Cancillería Argentina, tiene como objetivo brindarle reconocimiento internacional a una obra maestra de uno de los artistas argentinos más influyentes del rock nacional y latinoamericano.

Con una publicación en su cuenta de Instagram donde se lee: "¡Ya en casa ! Gracias a todos por preocuparse. SNM (Say No More)", el músico y compositor Charly García decidió informar la noticia del regreso al hogar tras el chequeo médico que se le practicó desde el sábado pasado en una clínica del barrio porteño de Recoleta.

Una publicación compartida de Charly García (@charlygarcia)

La noticia de que el mentor de los grupos Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Girán estaba internado en el Instituto de Diagnóstico y Tratamiento, generó un revuelo mediático que desde el entorno del artista desactivaron rápidamente por tratarse de un control de rutina.

Sin embargo, como la noticia siguió circulando y la salud del músico, de 71 años, atraviesa tiempos de fragilidad, el anuncio público de la vuelta a casa es una buena nueva que confirmó la especie sobre los estudios programados.

Con gran marco de público, se presentó en la noche del sábado el espectáculo “Charly Coral”, un homenaje a Charly García celebrando su extensa obra musical a través de 12 temas que recorren distintas épocas, como Sui Generis, Serú Girán o su etapa solista.

Sobre el escenario de un Centro Cultural que contó con gran marco de público, el Coro La Voce del Verdi ofreció una actuación impecable, con músicos invitados y la participación especial del Ballet Estable Municipal.

Coro La Voce del Verdi, con 35 coreutas en escena.

A los 35 coreutas dirigidos por el maestro Rubén Colo Márquez, se sumaron Darío Striglio en batería, Rodrigo Guirin en bajo, Massimo Pasquini en teclados y Pablo Coria en guitarra eléctrica.

“Buscamos canciones de Charly donde haya arreglos corales y así armamos el repertorio, pero no queríamos que sea solo con el coro, por eso convocamos a la danza con el Ballet Estable (dirigido por Fernando Mattoso), las artes visuales y una banda en vivo de cuatro grandes músicos que embellecen los arreglos corales”, puntualizó Márquez.

Un gran marco de público participó del evento en el Centro Cultural.

Este espectáculo se había estrenado a sala llena en dos noches de mayo en el Teatro Verdi, aceptando la formación coral la propuesta de la Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural de ofrecerlo nuevamente en la sala mayor de la ciudad y con entrada libre y gratuita.

Fabiana Cantilo dio a conocer recientemente los motivos que la llevaron a dejar su relación con Charly García en los años ’80 para iniciar una nueva con Fito Páez.

Las declaraciones de la cantante surgieron a raíz del lanzamiento de la serie documental “El amor después del amor”, que relata los comienzos del músico en la industria musical y su romance, el cual se produjo después de su vínculo con García.

La controversia se desató cuando un medio publicó una nota con supuestas citas literales de Cantilo, lo que generó sorpresa y enojo en la artista, ya que asegura que las declaraciones son falsas.

El guiño a Venado Tuerto en la serie sobre Fito Páez

“Pude ser la mina de Charly, pero el pelotudo no me eligió. Salí con Fito porque Charly no me dio bola. Él era una figura y nosotros éramos unos pibes que queríamos llamar la atención del ídolo”, decía la supuesta declaración, que obtuvo la inmediata respuesta de Cantilo en Twitter: “¿Queeee?”.

Queeee? pic.twitter.com/EdlScNlVpb

— Fabiana Cantilo (@FabianaCantilo) May 20, 2023

“Ya vamos a aclarar esta estupidez que están diciendo y lo van a levantar de todos lados: mentira que estuve con Fito porque Charly no me dio bola, ¡mentira!”, explicó en un video.

“Yo lo elegí a Fito, ¿entienden? No voy a dar más declaraciones, esa pelotudez que están diciendo que corroboren la fuente porque es mentira. Quiero avisarles que mucho de lo que hay en esas noticias son mentiras, especialmente los títulos. De ninguna manera yo estuve con Fito porque Charly no me dio bola, Charly me re daba bola, yo lo dejé por Fito”, agregó.

“Se puede retractar o dejar de hablar boludeces de la gente que no conoce. Una cosa es una cosa y otra cosa es otra cosa”, expresó la artista sobre la persona que redactó la nota.

Aclaro … pic.twitter.com/OxgJfbpAIB

— Fabiana Cantilo (@FabianaCantilo) May 20, 2023

“Digo esto porque odio las mentiras y la prensa amarillista es la base de todas las mentiras juntas, para vender la historia te clavan…Y yo no estoy acostumbrada a eso, así que no voy a mirar más”, aseguró.

Y continuó: “Estaba al pedo, tenía una hora al pedo mirando el puto Google, las putas noticias, tengan cuidado. Como decía Luis (Alberto Spinetta): ‘Leamos libros’… o de última mirate una buena serie. Hablan como si yo estuviera dando una declaración, quién habrá sido el pelotudo, me he encontrado con cada boludo a lo largo de mi vida”.

Odio las mentiras pic.twitter.com/W7VdTa2Nvc

— Fabiana Cantilo (@FabianaCantilo) May 20, 2023

“Los periodistas tienen mucho poder, es verdad, y si no es un buen periodista hace lo contrario, ofende al artista y el artista es un ser de Dios, ¿se entiende?”, cerró.

Finalmente llegó a Netflix “El amor después del amor”, una esperada serie biográfica que recorre 30 años de la historia personal y de la carrera profesional de Fito Páez. El músico rosarino es encarnado en su infancia y adultez por Gaspar Offenhenden e Iván Hochman, para repasar tanto sus inicios en la música como su vida en general, hasta verlo brillar como una de las figuras más importantes del rock nacional.

En el segundo capítulo, cuando Fito comienza a sumarse a los primeros ensayos con la banda de Charly García en la década de los 80, se da una situación particular que tiene que ver con Venado Tuerto. Allí aparece en escena un personaje con remera de Vox Dei que dice ser oriundo del sur santafesino.

Pero no es casual. Según pudimos averiguar, el actor en cámara hace referencia al venadense Alejandro Avalis, amigo y asistente histórico de Fito. Llegó a Buenos Aires en los primeros ochenta y empezó a trabajar haciendo sonido, formó parte de la gira de Clics modernos, de Charly García, y ya no cambió de profesión, ni se separó de Fito.

Desde siempre. Avalis junto a un joven Fito

Un alto en el ensayo

La referencia a Venado Tuerto, se da en un alto en los ensayos previa gira de Charly y al debut de Fito en su banda. El diálogo se da por las alusiones reiteradas al “interior del país” que Charly hace para nombrar a Páez, incluso lo trata de “pajuerano” en varias oportunidades, lo que motiva el cruce posterior.

En la actualidad. Alejandro Avalis, Fito Páez y Gaston Baremberg (baterista de Fito)

Actores

Andy Chango como Charly García, Julián Kartun en la piel de Luis Alberto Spinetta y Joaquín Baglietto ficcionando a su propio padre, Juan Carlos Baglietto, son algunos de los intérpretes que también participan de la producción de ocho episodios, junto a las actrices Micaela Riera y Daryna Butryk en los roles de Fabiana Cantilo y Cecilia Roth, entre más.

(Por Juan Manuel Speerli) – Oscurece en Villa Cañás, al sonido de la calle lo alimentan -o contaminan- los autos y las motos. Pasa uno a todo volumen escuchando música de la que se escucha ahora e instantáneamente Rano Sarbach dice a Sur24: “No se escucha el cencerro (NdR: hace mención al instrumento de percusión que produce sonido gracias a su propia vibración y se toca con un palo). ¿Cómo pueden escuchar a ese volumen?” Y se responde solo: “Bueno… si fuera AC/DC yo también lo haría. No hay que renegar”.

Rano Sarbach, “ese músico que todos los músicos quisiéramos ser”, como lo elogió una vez Andrés Calamaro, vino a Villa Cañás a visitar a su familia, vino a su casa, hasta volver donde actualmente reside y trabaja: Pollensa, una localidad del norte de Mallorca, ese lugar soñado de las Islas Baleares, rodeadas por el mar Mediterráneo. “Hasta octubre me contrató una empresa de entretenimientos por seis meses. Fueron 120 shows y me ofrecieron seis más para trabajar en las Islas Canarias, pero dije que no. Quiero ver crecer a mis hijos”, dice.

Rano, además de ser un reconocido y virtuoso guitarrista, es padre de dos hijos nacidos en Haití, que llegaron a su vida en 2012, dos años después de aquel terremoto feroz que castigó duramente al país centroamericano. Gama (13) y Belo (15) conviven con él en una finca donde pasa sus días entre la naturaleza y su estudio de grabación. “Me tomo todo con mucha calma, no estoy detrás de ganar mucho dinero… así me siento millonario”. Cuando habla de sus hijos le brillan los ojos, que parecen cambiar de color según el tiempo. “Son buenos para todo. Tocan, hacen deporte y tienen un espíritu muy creativo. Se incentivan solos y yo no los pongo a practicar para que sean buenos, porque creo que hay muchos niños que son buenos -tocando, por ejemplo-, pero nos los veo felices”, relata Rano, que supo zapar con Gustavo Cerati, quien le dijo de grabar alguna vez un disco de guitarras y, sobre todo, con Charly García, con el que tiene una anécdota que siempre recuerda, porque era Charly el que la revivía cuando se encontraban: “Fue en Madrid, en el año 1994, me invitó a pasar por el hotel donde estaba alojado -El Emperador-. Subimos a la pileta del último piso, rodeados de mujeres muy lindas, pedimos unas hamburguesas, lo miro y le digo: ‘¡Carlitos, somo’ feliz!’ El título del tema de Random (NdR: 13° disco de estudio de Charly grabado en 2017), La máquina de ser feliz, se lo atribuyo atrevidamente a ese momento que vivimos en Madrid, porque cada vez que nos encontramos, Charly me decía: ‘¿Somo’ feliz?’ Sin querer arrogarme ninguna cosa mágica, siento que es una frase que le hizo muy bien en su vida”.

Rano Sarbach: “Me tomo todo con mucha calma, no estoy detrás de ganar mucho dinero… así me siento millonario”.

“Escucharlo tocar la guitarra es un instante sorprendente y sensible. La guitarra representa la singularidad humana y Rano representa la guitarra como pocos”, continuaba la cita de Calamaro hacia este músico cañaseño que, si bien hoy vive tranquilo en una isla “llena de mar transparente”, reconoce que en diez años va a volver a la casa de sus padres o quizás a Colonia (Uruguay), donde tiene un terreno. El mar también parece ser una palabra que repite con admiración, de hecho, antes de su llegada a Argentina, estuvo navegando por el océano Atlántico en un crucero como músico invitado. “Fueron ochos días partiendo de la Isla de Madeira, donde nació Cristiano Ronaldo, hasta Río de Janeiro”.

Es sabido que Rano es un hombre viajado, de mundo, una característica que tienen esos músicos que acompañan -sideman-, una suerte de condición necesaria para estar donde desean estar porque, al fin de cuentas, “a los buenos músicos lo único que les importa es que guste su música”. En este sentido, sabe que vivió una época de gloria del rock y cuando escucha bandas actuales, siente que ya las escuchó antes en Led Zeppelin, por ejemplo. “Lo que les gusta a los pibes ya no es rock. Mi hijo mayor escuchaba Zeppelin y ahora pone a Trueno o Bizarrap en el auto. Pero, ojo, que hay algunos temas que me gustan, ¡eh! Me parece que está bueno que haya cambios, tampoco puede ser rock toda la vida, porque nunca fue música clásica ni tango toda la vida”. 

Sobre el cierre de la nota, como si fueran los últimos acordes de una canción, Rano responde a la consulta sobre la escena nacional. Durante la entrevista mencionó al pianista Leo Sujatovich, un apellido que gente joven puede reconocer en la voz de su hijo Mateo, el Ruso, el líder de Conociendo Rusia. “Me gusta lo que hace Mateo. Cuando él tenía 15 años, su padre Leo me pidió que le diera clases de guitarra. Y ahí está, ¡siendo el nuevo Fito, je!”

Vino y música

A su pasión por la música, los amigos, las juntadas de antes y las de ahora en su visita a Villa Cañás -en la casa de su hermana Ana; con Charly, su cuñado; y Horacio, el Cabezón-, Rano convive con su amor por el vino, que junto al enólogo y rockero Marcelo Pelleriti lo llevó a crear dos etiquetas: Black Dog y Estrella del Camino, nombres de sendas canciones de Led Zeppelin y Deep Purple. También juntos compartieron el Wine Rock, un festival que nació en la Bodega Monteviejo, en medio del Valle de Uco, Mendoza, donde Pelleriti es el enólogo oficial.

“Un día se me fue / Ese día yo volví a reír / Y la felicidad / No existe en soledad /La máquina no puede dar”, reza una estrofa de La máquina de ser feliz, un mensaje sincero sobre la magia de la felicidad, esa que sintieron Charly (García) y Rano en la pileta de Madrid.

“Rano realmente es un guitarrista mágico, un músico mágico. La sola posibilidad de que la magia sea ilusoria, que no exista, lo hace, a él y a la música, mucho más interesante y verdadero. Importante y valioso”, el final de esa frase de Andrés Calamaro oficia como el summum de un solo de guitarra, que se prende fuego para llegar al corazón de quien lo escucha. Al fin y al cabo, persiguiendo el mismo objetivo que todas las pasiones del ser humano: hacer y ser felices.

Charly García, Gustavo Cerati, Vitico, Andrés Ciro Martínez, Memphis La Blusera, Gloria Gaynor, Suéter, Los Twist, Sandra Mihanovich, Guillermo Vadalá, Javier Malossetti, Jota Morelli, entre otros.

[vc_row][vc_column][vc_column_text](Por Hernani Natale / Télam) – Serú Girán, una de las bandas más grandes que dio el rock argentino a lo largo de su historia, daba sus últimos conciertos hace 40 años, en el porteño Estadio Obras, en una serie de shows que quedarían registrados en el disco en vivo “No llores por mí, Argentina”.

Los recitales del 6 y 7 de marzo de 1982 fueron presentados como la despedida temporaria de Pedro Aznar, quien hacia finales del año anterior había sorprendido a Charly García, David Lebón y Oscar Moro, sus compañeros de banda, con el anuncio de que se iba a Estados Unidos para estudiar en la prestigiosa escuela de música de Berklee.

Sin embargo, el cimbronazo interno que provocó esta sorpresiva decisión derivó en que la banda ingresara en un estado de incertidumbre sobre su futuro -que para ese momento se presentaba como promisorio, con la firme intención de proyectarse a nivel internacional-, que desembocó en su definitiva solución.

Con cuatro brillantes discos editados (“Serú Girán”, de 1978; “La grasa de las capitales”, de 1979; “Bicicleta”, de 1980; y “Peperina”, de 1981), el grupo se había posicionado como el más importante de la escena local y ya había grabado algunas versiones de muchas de sus conocidas canciones en inglés para poder continuar su crecimiento en el mercado sajón.

Pero esa ambición fue justamente el detonante para que su ascendente andar se detuviera. Ocurre que, en ese contexto, Serú había actuado el año anterior en un festival internacional de jazz que se llevó a cabo en Río de Janeiro, oportunidad en la que un joven Aznar aprovechó para mostrarle material que había grabado en un estadio casero a la estrella estadounidense el jazz-rock Pat Metheny.

Las buenas devoluciones que obtuvo de parte del brillante guitarrista le dieron ánimo al bajista de Serú para perfeccionarse, por lo que decidió emigrar al país del norte para realizar estudios avanzados y finalmente unirse a la banda de Metheny.

Así, el exitoso combo argentino encaró algunos compromisos de verano que ya había pre-acordado, como su participación en el Festival de La Falda -en una recordada edición marcada por la intolerancia del público con las nuevas expresiones musicales- y una gira por la Costa.

Finalmente, se anunciaron los shows en Obras con la excusa de despedir a Aznar e ingresar en un impasse hasta definir cómo continuar. Entre otras alternativas, puertas adentro, se barajaron reemplazarlo por el uruguayo Beto Satragni o buscar un guitarrista y que Lebón tocara el bajo, hasta que finalmente se cayó en la cuenta que cualquier enroque no iba a ser una empresa sencilla por las virtudes interpretativas del joven músico.

En los conciertos en Obras, Serú Girán repasó canciones de sus cuatro discos y mostró muchas composiciones que comenzaban a perfilarse como material para un futuro álbum, como el caso de “No llores por mí, Argentina”, “Yo no quiero volverme tan loco” y “Oh, Dios ¿qué puedo hacer?”, estas últimas incluidas finalmente en los discos solistas “Yendo de la cama al living”, de Charly, y “El tiempo es veloz”, de Lebón, respectivamente.

Los shows fueron registrados por el ingeniero Gustavo Gauvry y, meses más tarde, se publicó un disco en vivo, con numerosos retoques en estudio, que llevó el nombre de la primera de las nuevas canciones mencionadas y resultó el epitafio del grupo.

Precisamente, ese tema y una versión de “Popotitos”, con algunos cambios improvisados en su letra, como el recordado pedido cantado de Charly para que el iluminador Miguel Quaranta bajara la intensidad de las luces, fueron las únicas novedades en el álbum.

Con motivo de este aniversario, en las redes sociales de la banda se anunció la inminente publicación de un documental con un anticipo en donde se puede escuchar el testimonio de Gauvry y audios de esos conciertos.

Entre otras cosas, allí aparece el cántico del público que decía “Pedro no se va” y una entrada distinta a la conocida en el disco de “No llores por mí, Argentina”, con una introducción de batería y bajo para luego dar paso al famoso fraseo de guitarra.

“Hay mucho material que se perdió y hay mucho material que existe y que nunca salió a la luz”, revela allí el ingeniero de sonido al recordar esas jornadas.

Y agrega: “Es como que antes las ediciones se cuidaban, a mi gusto, demasiado. Yo creo que está bueno sacar grandes discos pero también sacar grabaciones en vivo, discos que no suenen tan bien inclusive. El público está muy ávido, por eso existe la piratería, que le da al público lo que los músicos no le querían dar”.

El futuro de Serú tras la partida de Aznar se definió en los hechos al poco tiempo: tanto Charly como Lebón iban a comenzar a trabajar en los respectivos discos que pondrían en marcha de manera definitiva sus carreras solistas, en tanto que Moro conformó un dúo con Satragni que dejó como saldo un excelente registro de 1983.

Como si hubiera quedado alguna duda para el público, la revelación llegaría cuando en el Festival de la Solidaridad Latinoamericana, el show benéfico realizado en plena Guerra de Malvinas, en mayo de 1982, apenas iban a participar Charly y Lebón en nombre de Serú.

“Serú Girán es un grupo que cambia y hoy es la última vez que vamos a tocar así, pero las canciones no van a morir para nada. Quédense tranquilos”, se escucha decir a Charly a su público en el anticipo del documental anunciado en las redes del grupo. El tiempo le dio la razón.

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(Por Romina Grosso/Telam) – Genial, polémico, lúcido y, en muchos pasajes de su trayectoria, adelantado a su época, Charly García, el hombre de oído absoluto que siempre supo reinventarse, marcó la historia del rock argentino y devino en un pilar de la cultura nacional a partir de una obra rica e influyente.

Charly trasladó al plano local la figura del “rockstar”, con algunos escándalos públicos incluidos, y su sensibilidad musical lo llevó a crear un estilo único que le permitió atravesar diferentes etapas –que van desde el rock progresivo al rock sinfónico, las influencias de la new wave y el uso de máquinas, el folk y sus conocimientos de la música clásica volcados a la canción-, sin perder la identidad.

Ya sea al frente de populares bandas como Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Girán, o en su brillante etapa solista, sostuvo esta actitud con una obra capaz de conciliar alta calidad y popularidad.

Muchas de sus canciones se erigieron en clásicas bandas de sonido de distintos momentos de la historia reciente, tal como ocurre con “Aprendizaje”, “Canción para mi muerte”, “Películas”, “Peperina”, “No llores por mí, Argentina”, “Los Dinosaurios”, “No bombardeen Buenos Aires”, “No me dejan salir”, “Demoliendo hoteles”, “No voy en tren” y “Filosofía barata y zapatos de goma”, entre tantos otros.

También registró una versión del “Himno Nacional Argentino”, en 1990, que desató polémica pero, con el paso del tiempo, se convirtió en número puesto en muchos actos institucionales.

Nacido el 23 de octubre de 1951 en una familia de buen pasar económico en el barrio porteño de Caballito bajo el nombre de Carlos Alberto García Moreno, inició sus estudios musicales a los cuatro años en el Conservatorio Thibaud Piazzini, donde recibió una rigurosa educación artística que le permitió aprender a tocar de manera prematura obras de Bach, Mozart y Chopin, entre otros clásicos.

Su vida cambiaría, según sus propias palabras, cuando descubrió la música de The Beatles, la banda de la que dijo que “había inventado la juventud”, y decidió darle rienda suelta a su reprimido impulso de componer música.

Con Nito Mestre, su compañero de la secundaria Dámaso Centeno, formó Sui Generis, donde desplegó, hasta su separación en 1975 con entonces inéditos recitales multitudinarios en el estadio Luna Park, una obra viva hasta el día de hoy.

La segunda mitad de los ’70 mostró a un García más cercano al rock progresivo, el cual asumió de manera magnífica, uso de Mellotron mediante, en La Máquina de Hacer Pájaros y, más tarde, en Serú Girán, formación en la que también brillaban David Lebón, Oscar Moro y un joven Pedro Aznar.

Este período se caracterizó además por la capacidad de Charly para contar el oscurantismo al que la dictadura cívico-militar había sometido a la Argentina, sobre todo a partir de canciones como “No te dejes desanimar” de La Máquina y “Canción de Alicia en el país”, de Serú.

En “Peperina”, de 1981, el último disco de estudio de Serú Girán, García anticipó lo que vendría en su etapa solista. Trabajos como “Yendo de la cama al living” y fundamentalmente “Clics Modernos”, marcaron el ingreso del rock argentino a la modernidad, con influencias de la new wave y el uso de máquinas.

En 1984, Charly editó “Piano Bar”, un disco en donde regresa a un sonido más rockero, sobre todo a partir del recurso de volver a grabar con una banda estable (integrada, entre otros, por un joven Fito Páez). “Demoliendo hoteles”, “Cerca de la revolución” y “Raros peinados nuevos” son algunos de los temas destacados de este gran trabajo.

Tras un frustrado proyecto de disco conjunto con Luis Alberto Spinetta del que apenas sobrevivió el icónico “Rezo por vos” y el lanzamiento de “Tango”, un disco con Pedro Aznar con una fuerte presencia electrónica, en 1987 editó “Parte de la religión”, donde sintetiza su gusto por las innovaciones tecnológicas y la energía de una banda tocando en vivo. Las publicaciones de “Como conseguir chicas” y “Filosofía barata y zapatos de goma, dieron paso al fallido aunque redituable regreso de Serú Girán, hasta que en julio de 1994 grabó “La hija de la lágrima”, su séptimo disco de estudio presentado como una ópera-rock que contempló piezas instrumentales, canciones memorables como “Víctima”, otras pegadizas como “La sal no sala” y “Chipi-chipi” y un concepto sonoro que marcó el rumbo de lo que vendría.

En medio de una producción caótica y dispar (que incluyó “Estaba en llamas cuando me acosté”, un “Unplugged” para la cadena MTV, “Say no more”, “El aguante” y dos discos en vivo: “Demasiado ego” y “Charly & Charly”, que registró un recital privado para el entonces presidente Carlos Menem), compartió con su amada amiga Mercedes Sosa el excepcional “Alta fidelidad” (1997).

Tras un recital gratuito compartido, el nuevo siglo lo encontró arrojándose desde el noveno piso de un hotel mendocino a una pileta de natación tras una febril noche, reponiendo la dupla con Nito Mestre (a partir de “Sinfonía para adolescentes”) y publicando discos como “Influencia” y “Rock and roll yo”, hasta una crisis psiquiátrica y por adicciones de la que fue rescatado por Ramón “Palito” Ortega.

El lento regreso a la actividad incluyó la salida de “Kill Gil”, la puesta “Líneas Paralelas (Artificio imposible)” en el Teatro Colón y un nuevo disco, “Random”, lanzado en febrero de 2017, además de esporádicos recitales titulados “La Torre de Tesla” en los teatros Coliseo y Gran Rex y el estadio Luna Park que agotaron localidades y funcionaron como postales de una vida artística genial que se celebra y se recrea y a la que le sumará -al menos- un disco más que está prácticamente terminado.

Carlos Alberto García, mejor conocido como Charly García, cumple 70 años este sábado y habrá una serie de homenajes para reconocer a uno de los artistas más influyentes en la Argentina.

El evento principal se lleva a cabo este mismo sábado en el Centro Cultural Kirchner y será una jornada especial donde se dedicarán obras al músico. Habrá diferentes tipos de espectáculos y participarán distintos artistas.

El Auditorio Nacional será el principal centro de la celebración con grandes invitados. La propuesta se dividirá en cuatro bloques temáticos que también contarán con la transmisión vía streaming.

Seguí el homenaje en vivo:

De la nómina de artistas invitados se destacan: Zorrito Von Quintiero, Fernando Samalea, María Eva Albistur, Fernando Kabusacki, David Lebón, Julieta Venegas, Celeste Carballo, Rosario Ortega, Juan Ingaramo, Emmanuel Horvilleur, Pablo Guyot, Alfredo Toth, Raúl Porchetto, Nahuel Pennisi, Andy Chango, Alejandro Medina, Lola Medina, Julia Zenko, Richard Coleman, Christian Basso, Benito Cerati, Florencia Crocci, Cucuza Castiello, El Zar, Brenda Asnicar, Mavi Díaz, Lito Epumer, Sara Hebe, Lito Epumer, El principe idiota, Leo García, Alina Gandini, María Rosa Yorio, Guido Spina, Erica Di Salvo, Ulises Di Salvo, Mariano Otero, Santiago Vázquez, Joaquín Levinton, Leandro Lopatín, Hilda Lizarazu y Fernando Ruíz Díaz, entre muchos otros.

Además de la participación de músicos para realizar el homenaje en el Auditorio Nacional, se llevará a cabo la presentación de Trip, una experiencia sobre Charly García. Se realizará en La Cúpula del Centro Cultural Kirchner.

La propuesta es una experiencia que cuenta la vida del músico a través de fotografías y música, que contará con la participación especial de la artista visual Nora Lezano, la cantante Lidia Borda y el pianista Daniel Godfrid. Habrá cuatro presentaciones: 19, 19.40, 20.20 y 21 horas.

[vc_row][vc_column][vc_column_text]El productor José Palazzo, mentor del Cosquín Rock, anunció por medio de su cuenta de Twitter que este viernes sale el disco que testimonia el último recital de Pappo en ese festival cordobés.

“Qué felicidad, viernes sale esta perla … Pappo en @CosquinRock 2005, con una súper banda y algunos invitados como Charly García”, escribió Palazzo sobre un video musicalizado con el tema “Ella es un ángel” y en el que repasa el arte de tapa interno del CD en cuestión.

La placa da cuenta de la actuación del guitarrista, compositor y cantante el 5 de febrero de 2005 donde, además, compartió con García una versión de “Sucio y desprolijo” que se conoció en marzo pasado.

La formación de Pappo’s Blues esa noche fue con Don Vilanova (guitarra), Yulie Ruth (bajo), “Bolsa” González (batería), Luis Robinson (armónica) y Nico Raffetta (teclados).

Pappo nació el 10 de marzo de 1950 y a lo largo de su vida integró bandas como Los Abuelos de la Nada y Los Gatos, entre otras, pero fue de la mano del blues rock, con Pappo´s Blues, y del heavy metal, con Riff, que consolidó su carrera.

El guitarrista murió el 25 de febrero de 2005, a los 54 años, en un accidente de tránsito en la localidad bonaerense de Luján.

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