Por Ignacio Andrés Amarillo

La escena artística contemporánea argentina se encuentra en un momento de efervescencia creativa, con artistas plásticos que desafían fronteras convencionales y exploran nuevas formas de expresión. A continuación, presentamos a algunos de los nombres más destacados que están marcando tendencia y dejando su huella en el panorama artístico internacional.

Reconocido por sus instalaciones monumentales y efímeras, Villar Rojas crea obras que desafían la escala y la percepción del espacio. Utilizando materiales orgánicos y artificiales, sus instalaciones invitan al espectador a reflexionar sobre la relación entre el hombre y la naturaleza, la historia y el tiempo. Sus trabajos se han exhibido en prestigiosas instituciones como el MoMA de Nueva York y la Bienal de Venecia.

Es conocida por su enfoque crítico y satírico sobre la cultura contemporánea, especialmente en relación con las redes sociales y la identidad digital. A través de fotografías, videos y performances, Ulman examina las construcciones sociales y las expectativas de género en la era de la hiperconexión. Su obra ha sido ampliamente aclamada y ha sido exhibida en importantes galerías y museos de todo el mundo.

Con una formación en arquitectura, Saraceno fusiona arte, ciencia y ecología en sus instalaciones a gran escala. Sus obras flotantes y esculturas aéreas exploran las posibilidades de una arquitectura sustentable y la interconexión entre los seres humanos y el medio ambiente. Saraceno ha colaborado con científicos y organizaciones medioambientales, y su trabajo se ha exhibido en museos como el Guggenheim de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Este dúo artístico se centra en la exploración de fenómenos naturales y culturales a través de una variedad de medios, incluyendo la fotografía, el video y la escultura. Su obra más conocida, “Campo del Cielo, el meteorito y el futuro de la humanidad”, investiga la caída de un meteorito en Argentina y sus implicaciones históricas y cosmológicas. Su enfoque interdisciplinario y su meticulosa investigación los han establecido como figuras destacadas en la escena artística contemporánea.

Telleria se caracteriza por su enfoque experimental y su uso innovador de materiales. A través de esculturas, instalaciones y performances, explora temas como la memoria, la identidad y el paisaje urbano. Su obra, a menudo efímera y en constante evolución, desafía las convenciones artísticas y invita al espectador a participar activamente en la experiencia artística.

Con una estética influenciada por el arte pop y la cultura popular, Terán crea obras vibrantes y provocativas que abordan temas sociales y políticos contemporáneos. Sus pinturas y esculturas, llenas de color y energía, ofrecen una crítica mordaz de la sociedad de consumo y la cultura de la celebridad. Terán ha ganado reconocimiento por su habilidad para combinar lo visualmente atractivo con lo conceptualmente profundo.

Es conocido por su enfoque minimalista y su uso de materiales simples y cotidianos. A través de esculturas, instalaciones y obras en papel, explora la relación entre la forma, el espacio y el espectador. Su trabajo, a menudo sutil y reflexivo, invita a la contemplación y a una experiencia estética íntima y personal.

Es una artista multidisciplinaria cuyo trabajo abarca la escultura, la instalación y el arte público. Con una estética poética y delicada, explora temas como la memoria, la identidad y la relación entre el individuo y el entorno urbano. Su obra se caracteriza por su sensibilidad y su capacidad para crear conexiones emocionales con el espectador.

Con una paleta de colores vibrantes y una estética geométrica y abstracta, Graciela Hasper crea pinturas y esculturas que celebran la alegría y la vitalidad del color. Su obra, influenciada por el arte concreto y la abstracción geométrica, es un reflejo de su exploración constante de la forma, el color y el espacio. Hasper ha ganado reconocimiento internacional por su habilidad para crear obras visuales impactantes y emocionalmente resonantes.

Es conocida por su compromiso político y su enfoque en la representación de la historia y la identidad argentina. A través de pinturas, grabados y murales, aborda temas como la lucha social, la memoria colectiva y la resistencia. Su obra, a menudo figurativa y narrativa, ofrece una reflexión profunda sobre la historia reciente de Argentina y su impacto en la sociedad contemporánea.

Es una artista visual cuyo trabajo se centra en la exploración de la percepción y la representación del espacio. A través de dibujos, pinturas y esculturas, examina las interacciones entre el cuerpo humano, el entorno arquitectónico y el paisaje natural. Su obra se caracteriza por su sensibilidad poética y su capacidad para crear experiencias visuales inmersivas y envolventes.

En conclusión, la escena artística plástica argentina contemporánea está marcada por la diversidad, la innovación y el compromiso con la exploración de nuevas formas de expresión y representación. Estos artistas, con sus distintivos enfoques y visiones, están contribuyendo significativamente a enriquecer el panorama artístico internacional y a establecer a Argentina como un centro vibrante de creatividad y experimentación.

(Por Juan Ignacio Novak) – La Semana Santa es la fiesta cristiana más importante del año, dado que recuerda los últimos momentos de Jesucristo en la Tierra. Durante esos días, se rememora su pasión, muerte y resurrección. Incluye su llegada a Jerusalén, su procesamiento, su muerte, su enterramiento y su posterior Resurrección, la columna vertebral de la fe católica. A lo largo de los siglos posteriores, fueron muchísimos los artistas plásticos que hallaron en estos hechos, narrados en la Biblia, inspiración para crear obras que hoy forman parte imprescindible del patrimonio cultural de la humanidad. Y que posibilitan al espectador prácticamente reconstruir ante sus ojos la pasión, muerte y resurrección de Cristo de una manera tan vívida como la que propuso Mel Gibson en su famosa película del año 2004. En las líneas que siguen, recordamos algunas de las producciones más representativas.

“Entrada en Jerusalén”, de Giotto di Bondone: En los relatos de los cuatro evangelios canónicos, la entrada triunfal de Jesús en Jerusalén se lleva a cabo en los días previos a la última cena y es el hecho que marca el comienzo de su pasión. Giotto refleja en su obra la esperanza y alegría con que los judíos reciben a Cristo, a lomos de un burro, acompañado por sus discípulos. La pintura se encuentra en la capilla Scrovegni.

“La última cena”, de Leonardo Da Vinci (ver imagen principal): Así se conoce a la comida final que, según los Evangelios, Jesús compartió con sus apóstoles en Jerusalén antes de su crucifixión. Leonardo Da Vinci la trasladó a su pintura mural más famosa, entre 1495 y 1498. Fue por un encargo de Ludovico Sforza para el refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia. Y recrea la cena a partir del relato de San Juan. Ernst Gombrich afirmó que en esta obra Leonardo “no temió hacer las correcciones de dibujo necesarias para dotarla de total naturalismo y verosimilitud”

“La coronación de espinas”, de Anton Van Dyck: Los evangelios señalan que, durante la pasión de Jesús, los soldados romanos le colocaron una corona trenzada con espinos para humillarlo y provocarle dolor. Esta imagen utilizó el pintor y grabador flamenco para su obra. Según consta en la página web del Museo del Prado, fue realizada por Van Dyck “en su periodo juvenil, cuando demuestra una gran influencia de la pintura veneciana. Así, la figura de Jesús está directamente inspirada en un modelo de Tiziano. La composición, con Cristo en el eje, deriva del aprendizaje del pintor con Rubens, así como los recursos de claroscuro, que éste empleó en las primeras décadas del siglo XVII”.

“Crucifixión” o “Corpus hypercubus”, de Salvador Dalí: El pintor español se encontró con un dibujo de San Juan de la Cruz y, en un sueño, vio la imagen de Cristo crucificado, pero sin heridas, sin clavos, sin dolor. Así -según consta en historia-arte.com- Dalí abordó “su propia versión de Cristo Crucificado, donde sobre un fondo negro, aparece Jesús sin los atributos de la pasión”. Utilizó la técnica del óleo sobre lienzo y la obra se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

“La Piedad”, de Miguel Ángel: es una obra escultórica muy conocida, que representa la escena mencionada en los evangelios de la Virgen María sosteniendo el cuerpo de Jesús después de su crucifixión. La premisa del autor es representar el dolor de María. “El grupo escultórico forma un triángulo equilátero sobre una base elíptica, que otorga equilibrio y estabilidad a la imagen. Es notable la influencia neoplatónica sobre el escultor, que da como resultado el idealismo renacentista que hace que la belleza predomine sobre el sufrimiento”, indica el sitio historia-arte.com.

“Santo Entierro”, de Caravaggio: Los evangelios señalan que “José, tomando el cuerpo de Jesús, lo envolvió en una sábana limpia, lo puso en el sepulcro nuevo que se había excavado en una roca, rodó una piedra grande a la entrada del sepulcro y se marchó. María Magdalena y la otra María se quedaron allí sentadas enfrente del sepulcro”. El pintor italiano Caravaggio realizó una de sus obras maestras inspirado en ese punto de la pasión de Cristo. Es un óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 300 centímetros de alto por 203 de ancho. Se conserva en la Ciudad del Vaticano.

“Resurrección de Cristo”, de Tintoretto: “¿Por qué buscáis entre los muertos al que está vivo? No está aquí, ha resucitado. Recordad que él os habló de esto cuando aún estaba en Galilea. Ya os dijo entonces que el Hijo del hombre tenía que ser entregado en manos de pecadores y que iban a crucificarlo, pero que resucitaría al tercer día”. El momento de la resurrección del Señor es el punto de partida para una de las grandes obras de Tintoretto. “El lienzo está protagonizado por la monumental figura de Cristo resucitado, portando la banderola en su mano izquierda, dejando ver su atlético cuerpo desnudo, a excepción del rojizo paño que le cubre la entrepierna”, señala el sitio artehistoria.com.

“Venado Muestra” convocó para esta experiencia a Ximena Colombres (taller), Alejandro Merola, Mara Nauwelaerts (taller de pintura y mosaiquismo), Laura Lorenzini (Taller “Lo de Laura”), Claudio Priotti (Centro de Artes Visuales), Alejandra Co (Taller de Arte “La Vanguardia”), María Elena Molina Biolé (Taller de Cerámica y Vitrofusión ArteMix), Mónica Coda (Casa Taller), la Asociación Artistas Venadenses (coordinada por Soledad Sarrías y Rossana Münger) y Marta Inés Etcheverry (Galería de Arte “Mi Quimera”). Todos ellos con diferentes estilos y estéticas, pero donde la comunidad pudo apreciar e identificar los espacios de enseñanza y exhibición de las artes plásticas.

“En lugar de ser una muestra itinerante, pensamos en el Patio Casey como lugar central de la ciudad para armar allí un planteo escenográfico. Contamos con mucho público de diferentes edades, así que el saldo es muy positivo”, comentó la secretaria de Territorialidad y Desarrollo Cultural, Miriam Carabajal.

Este sábado 20 y domingo 21 de noviembre, de 19 a 22.30, en el Patio Casey Shopping Center se llevará adelante “Venado Muestra”, donde expondrán sus obras destacados artistas plásticos de la ciudad.

Miriam Carabajal, secretaria de Territorialidad y Desarrollo Cultural

Al respecto, la secretaria de Desarrollo Cultural y Territorialidad, Miriam Carabajal, informó que “Venado Muestra es una propuesta para que la comunidad identifique cuáles son los espacios de enseñanza y exhibición de artes plásticas. Lo novedoso esta vez es que en lugar de ser una muestra itinerante, la unificamos en el Patio Casey, que es un lugar central de la ciudad”.

“Venado Muestra” concentrará obras de diez artistas locales que estarán exhibiendo sus producciones. Los convocados son Ximena Colombres, Alejandro Merola, Mara Nauwelaerts, Laura Lorenzini, Claudio Priotti, Alejandra Co, María Elena Molina Biolé, Mónica Coda, la Asociación Artistas Venadenses (coordinada por Soledad Sarrías y Rossana Münger) y Marta Inés Etcheverry.

La Municipalidad de Firmat a través de la Subsecretaría de Cultura y Educación invita a artistas plásticos de la ciudad a sumarse al “Mural Mi Cultura”, situado en la pared exterior de la Sala Cultural “Intendente Cardinali”, sobre calle Buenos Aires.

Luego de su restauración llegó el momento de la intervención artística. Si bien sobre el Mural se pintará un solo boceto, la propuesta contará con 3 etapas y los interesados podrán sumarse, previa inscripción, a cualquiera de ellas.

Con el objetivo de lograr poner en valor el significado y la importancia de la cultura de Firmat a través de la apropiación del espacio público, la actividad invita a presentar proyectos figurativos que identifiquen la actividad cultural, la identidad local, el imaginario colectivo y el patrimonio histórico y cultural de nuestra ciudad.

La participación será gratuita y no existen requisitos excluyentes, quedando a cargo de la Municipalidad de Firmat los gastos para la realización del mural.

– Primera etapa “Recepción de proyectos de imagen mural”: Los interesados deberán presentar un boceto con un dibujo y pintura de aplicación sobre dicho muro.

Las propuestas deberán ser diseñadas para un mural de tamaño real de once metros con ochenta centímetros (11,80 mt.) de ancho y siete metros con cincuenta centímetros (7,50 mt.) de alto. La técnica a utilizar será pintura latex y/o sintético al agua sobre fondo gris preexistente con la coordinación del muralista Lisandro Urteaga.

Se recibirán proyectos hasta el 15 de octubre en la Oficina de Cultura (Centro Cultural de Firmat, San Martín y Corrientes), de lunes a viernes, de 8 a 12 hs.

– Segunda etapa “Reunión de puesta en común de ideas y selección de un boceto final”: Se compartirán las propuestas recibidas en una puesta en común con todos los participantes y la Subsecretaría de Cultura Municipal, para elegir una sola imagen que reúna o defina las propuestas según los siguientes criterios:

• Pertinencia temática en relación con el eje propuesto.

• Composición y calidad técnica.

• Originalidad e innovación de la propuesta.

La reunión se llevará a cabo el miércoles 20 de octubre de 2021 en el Auditorio del Centro Cultural Municipal.

– Tercera etapa “Organización del trabajo mural”: La pintura mural se desarrollará durante el mes de Noviembre de 2021 por sectores, en altura, en zona baja, para planos de color, para detalles según destreza técnica y posibilidades de cada participante.

Para esta etapa es necesario tener un conocimiento previo de la técnica pintura mural, dibujo o pintura, o intención de aprender.

Para mayor información de la propuesta “Mural Mi Cultura”, invitamos a comunicarse por WhatsApp al 3465 597307.