Por Juan Ignacio Novak

"Ya sabéis que dentro de dos días es la Pascua; y el Hijo del hombre va a ser entregado para ser crucificado". Evangelio según San Mateo 26. 1-2.

Para los católicos, la Pasión de Cristo es el núcleo de la fe. En ese punto donde el dolor se hace redención, el arte encontró, a lo largo de los siglos, una fuente inagotable de sentido. El crítico santafesino Jorge Taverna Irigoyen lo explicó muy bien en una columna de 1976, en las páginas de El Litoral.

"Es la Pasión el gran capítulo, la hoja mayor que arranca vivientes naturalezas del pincel de los artistas, del martillo y el cincel. Pareciera que dentro de esa Cruz centralizadora de anunciaciones, natividades, crucifixiones y ascensiones cupieran todos los talentos y todas las búsquedas cual si fuera un agua inagotable para calmar la sed del hombre creador".

"Ecce homo". Foto: Museo Städel

Ese "agua inagotable" recorre la historia del arte occidental con una persistencia que es conmovedora. Desde las primeras representaciones medievales hasta las reinterpretaciones contemporáneas, el drama de Jesús es como una especie de "matriz simbólica" que trasciende todas las épocas.

"Lo cierto es que el drama de la Pasión, uno de los más intensos, desgarrantes y sublimes de la vida de Cristo, ha recibido la luz y la monumentalidad de innumerables artistas de relieve y de artesanos anónimos, ansiosos todos de purificar la consistencia material de los actores y sus escenas, para convertirlos en imágenes de efecto", insistía Taverna.

En ese recorrido, pocas miradas resultan tan perturbadoras y fascinantes como la de El Bosco, el pintor del siglo XV famoso por sus escenas religiosas llenas de símbolos, monstruos y visiones del pecado y el infierno.

"Cristo con la Cruz a cuestas". Foto: Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

También conocido como Hieronymus Bosch, El Bosco vivió entre finales del siglo XV y comienzos del XVI, en un contexto de tensiones religiosas, supersticiones populares y un imaginario colectivo fuertemente simbólico.

Lejos de la representación clásica y armónica del Renacimiento italiano, su obra se adentra en un universo donde lo sagrado convive con lo grotesco. Algunos lo consideran una suerte de protosurrealista.

Miguel Calvo Santos señala que "su temática fue casi exclusivamente religiosa, pero se interesó sobre todo por la debilidad humana, y bebió básicamente de la cultura popular".

Museo de Historia del Arte de Viena

En su obra, sigue Calvo Santos, "refranes, dichos, supersticiones, costumbres y leyendas de su tierra fueron una mina para él y casi siempre impregnó sus pinturas de un burlesco sentido del humor, que en ocasiones rozaba la crueldad".

Ese ir y venir entre lo divino y lo humano sirve para entender cómo El Bosco abordó la Pasión. Nunca se dejó llevar por el relato idealizado. Un poco a la manera en que Mel Gibson lo haría muchos siglos después en el cine, usó el episodio bíblico como espejo deformante de la condición humana.

En las representaciones de la Pasión, El Bosco rompe con la serenidad. Sus escenas están pobladas de rostros distorsionados, gestos exacerbados y personajes que parecen emerger de una pesadilla moral.

"La Coronación de espinas de Cristo" de El Bosco. Foto: National Gallery de Londres

Es cómo afirmó Fulwood Lampkin: "El Bosco es uno de los pintores más enigmáticos de la Historia del Arte. Verdadero surrealismo medieval con obras llenas de figuras con diferentes simbolismos e interpretaciones".

Ese "surrealismo medieval" se manifiesta en sus obras donde la figura de Cristo aparece rodeada por una multitud grotesca que encarna el pecado, la violencia y la irracionalidad. La Pasión deja de ser un relato sagrado para ser alegoría de la humanidad caída. La multitud que rodea a Cristo es una representación simbólica de los vicios humanos.

En el citado texto, Taverna da una idea de cómo leer este tipo de obras. "En un simbolismo cuya severidad plástica muchas veces cobra el valor de documento, de concreto equilibrio entre el análisis anatómico y la trascendencia expresiva, el impulso vital de la forma y del color se han transustanciado en esa etereidad que progresa desde la fe hasta el éxtasis".

En El Bosco, esa "transustanciación" toma una forma inquietante. No hay idealización del cuerpo ni armonía, hay deformidad y dramatismo. Pero es en esa ruptura donde aparece una nueva forma de espiritualidad.

"Crucifixión con donante". Foto: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica

La Pasión, como dice Taverna, se enmarca en una continuidad histórica. "Desde la Última Cena, la oración en el Monte de los Olivos, Jesús ante Pilatos y el diálogo con los Apóstoles, pasando por todas las otras escenas del Calvario hasta la Resurrección, la historia del arte revela una continuidad conmovedora de obras que superan la voluntad del tiempo".

El Bosco se inscribe en esa tradición, pero al mismo tiempo la subvierte. Su mirada no consuela, cómo ocurre en otros artistas. Más bien interpela. No propone una fe serena, sino una muy distinta atravesada por el conflicto y la duda. Un mensaje potente para nuestro tiempo.

(Por Agustín Aranda) - Una propuesta que combina cultura, identidad local y transporte urbano comenzó a tomar forma en Rosario. La iniciativa, impulsada por la concejala Alicia Pino junto a la taxista Bárbara Berlande, plantea transformar taxis en “galerías de arte móviles” mediante intervenciones artísticas en distintas partes de los vehículos.

La idea apunta a revalorizar el servicio de taxis en un contexto de fuerte competencia con aplicaciones de transporte, a partir de una experiencia distinta para pasajeros y conductores. Las intervenciones podrían realizarse a través de ploteos o técnicas directas sobre sectores específicos de las unidades, como puertas traseras y baúles, sin afectar la identificación reglamentaria.

En diálogo con este medio, Berlande, titular de taxis desde hace 5 años, explicó el origen de la propuesta: “Está funcionando en Buenos Aires muy bien y una amiga que trabaja allá me compartió esa experiencia. Pensé en aplicarlo acá en Rosario, donde tenemos muchos artistas y elementos de la cultura que pueden ser una oportunidad para cambiar la imagen del taxi en tiempos donde hay mucha competencia con las aplicaciones de viajes ilegales”.

Las intervenciones podrían realizarse a través de ploteos o técnicas directas sobre sectores específicos de las unidades.

“Por otro lado -prosiguió-, puede ser un estímulo para la cultura local que muestre lo que hacen y fomente el turismo de cara a los Suramericanos”.

La iniciativa de Berlande propone intervenir sólo una parte de los vehículos (baúl y puertas traseras), lo que permitiría una implementación gradual y opcional.

“Es difícil competir con la parte económica de las aplicaciones y creo que de esta forma, sólo con intervenir parte del coche, empezamos a cambiar la imagen del taxi y la que se tiene del taxista. En vez de subirse y tener una conversación sobre lo mal que está todo, podés, estimulado por la imagen del ploteo, habilitar otra conversación”, dijo la taxista.

El modelo de trabajo contempla además una instancia previa de intercambio entre el artista y el taxista. A partir de esas reuniones surgiría el diseño final, adaptado a los intereses, la historia y los gustos del conductor.

“Así también genera pertenencia. Podés tener un diseño de María Elena Walsh y, en vez de subirte a compartir comentarios al azar o conversaciones difíciles, podés meterte con algo distinto. Es otra energía”, explicó Berlande.

Uno de los ejes centrales del proyecto es la visibilización de artistas rosarinos y la construcción de relatos vinculados a la identidad de la ciudad. En ese marco, la iniciativa se proyecta también como una herramienta para potenciar el turismo, especialmente en la antesala de los Juegos Suramericanos 2026.

Foto: Gentileza

Además de las intervenciones en los vehículos, prevé presentaciones públicas de los taxis intervenidos, en jornadas culturales y turísticas al aire libre, con el objetivo de generar un circuito que conecte arte, espacio público y movilidad urbana.

Durante el tratamiento de la propuesta se mencionó como antecedente una experiencia similar en la ciudad de Buenos Aires, donde el ploteo de taxis es financiado por el gobierno local y su aplicación es voluntaria.

En Rosario, se planteó que el Departamento Ejecutivo Municipal podría definir criterios para la selección de las obras, así como los lineamientos generales de implementación, garantizando que las intervenciones convivan con la normativa vigente y eventuales publicidades.

"Le diré que frente al desaparecido en tanto éste como tal, es una incógnita, mientras sea desaparecido no puede tener tratamiento especial, porque no tiene entidad. No está muerto ni vivo...está desaparecido". Jorge Rafael Videla, 1979.

(Por Juan Ignacio Novak) - A 50 años del golpe de Estado de 1976, pensar en las artes plásticas es también hacer referencia a conceptos como memoria, denuncia y resistencia. En efecto, entre finales de los 60 y el regreso de la democracia, el arte local fue un lenguaje cifrado: metáforas, símbolos, escenas cotidianas que escondían críticas a la represión, la censura y la desaparición forzada de personas.

Durante los años de violencia política, represión, censura y exilio, la producción artística se convirtió en un "agente de denuncia y resistencia". La metáfora visual permitió decir lo que no podía decirse de manera directa.

Muchos artistas debieron irse, otros fueron censurados, perseguidos o silenciados. Sin embargo, las obras producidas muestran cómo los artistas experimentaron con la materialidad, los símbolos y las formas para testimoniar una época dura.

A continuación, cinco piezas que permiten reconstruir esa memoria colectiva. La fuente principal es un material desarrollado por el mencionado Museo, que se titula "Violencia Arte y Memoria. Artes visuales en la Argentina" (1966-1983).

Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires

Para el pintor Héctor Giuffré, la pintura permite acceder a una realidad que subyace a la percepción sensible. En "Figura sentada", presenta una escena aparentemente cotidiana: un hombre lee el diario rodeado de objetos comunes.

Pero la obra transmite una atmósfera opresiva. El teléfono no tiene disco para marcar, símbolo de incomunicación y encierro. En el diario se lee una frase incompleta: "retorno […] ofrenda de paz", en alusión a la frustrada esperanza tras el regreso de Perón en 1973 y la violencia política que siguió.

El retratado era un abogado defensor de presos políticos. Giuffré mantuvo su identidad en secreto para protegerlo y recién la reveló con la vuelta de la democracia. La escena cotidiana escondía, en realidad, una fuerte carga política.

Como explicó la historiadora María José Herrera, se trataba de "una escena cotidiana, sin acción, en la que el artista codificó una serie de informaciones que al momento de presentarse la obra en 1976 lo hubieran vuelto sospechoso de apoyar actividades subversivas".

Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires

En 1976, Carlos Alonso tenía prevista la muestra "Imagen del hombre actual", pero el golpe militar impidió su inauguración y lo empujó al exilio. La instalación recién pudo reconstruirse en 2019 siguiendo sus indicaciones originales.

La obra sumerge al espectador en una imagen del horror, con figuras humanas mezcladas con reses colgadas, equiparando el cuerpo humano con la carne animal, símbolo de la vulnerabilidad frente al poder y la violencia.

Un busto que da la espalda y una figura sentada en un sillón sugieren la indiferencia de quienes ejercían el poder frente a la muerte y la desaparición de personas. La obra no muestra la violencia de forma directa, pero la hace sentir de manera física.

Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires

Mientras Argentina celebraba el Mundial de Fútbol de 1978 y la televisión mostraba un país festivo, la artista Diana Dowek pintaba alambrados, encierros y prohibiciones.

Su tríptico "Argentina '78" es una metáfora del encierro y la represión. Utiliza alambre real sobre el lienzo y combina pintura que imita la parte posterior de la tela, generando un juego visual que engaña al espectador.

La obra denuncia la violencia institucionalizada y la desaparición de personas en un momento en que el país intentaba mostrar una imagen de normalidad ante el mundo. El tercer panel, con el alambre abierto, sugiere una esperanza.

Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires

Hacia 1980, Antonio Berni recurrió a la iconografía cristiana para eludir la censura. En "Magdalena", el artista traslada el mito bíblico a un departamento urbano oscuro y marginal.

Una mujer llora frente a una cruz bañada en sangre. En el suelo, la ropa del caído es el único testimonio de la violencia que hubo antes. No hay cuerpo por el cual llorar, está la ausencia.

Esa ausencia es la metáfora más poderosa de la dictadura: el desaparecido como figura sin cuerpo, sin tumba y sin despedida. Berni logra representar, desde el arte, uno de los conceptos más terribles de la historia argentina.

Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires

En 1981, el fotógrafo Eduardo Longoni tomó una imagen que en su momento no pudo ser publicada porque no tenía los elementos informativos básicos: no se veía el orador ni el lugar del acto.

Sin embargo, la fotografía muestra a un centenar de militares mirando hacia un superior, formando una marea humana uniforme. Con el tiempo, la imagen se convirtió en un símbolo visual de la dictadura.

La crítica Verónica Tell señaló que la fotografía fue exhibida en 1983 en la Muestra de Periodismo Gráfico Argentino y desde entonces se transformó en un símbolo contra la dictadura, reproducido cientos de veces.

La fotografía demuestra que el fotoperiodismo también fue una herramienta de documentación y denuncia, incluso cuando la censura impedía la publicación inmediata.

A medio siglo del golpe de Estado de 1976, estas obras siguen funcionando como soportes simbólicos de un tiempo en el que el Estado de derecho fue vulnerado y la violencia se volvió sistemática. En el Día de la Memoria, sirven para recordar.

Con sus instalaciones totalmente renovadas, el Cultural Fontanarrosa (San Martín 1080) pone en marcha el 2026, ofreciendo distintas alternativas culturales para disfrutar durante el verano. La transformación del Fontanarrosa, afirmó su postura de referente cultural y su papel vinculado al arte, la tecnología y la música.

Con una nueva programación, este espacio funciona de lunes a viernes, de 10 a 19 y los sábados, de 13 a 19. Allí, el público podrá disfrutar de un ambiente climatizado, wifi gratis, puesto de hidratación y sanitarios a disposición. Al mismo tiempo, podrá utilizarse la planta baja para juntarse con amigas y amigos, leer, escribir, ensayar, refrescarse o simplemente descansar.

Sin embargo, también se invita a vivir un verano en el Fontanarrosa a través de las siguientes actividades:

POV: talleres de verano

A partir del lunes 12 de enero estará abierta la inscripción a los nuevos talleres del programa POV, una plataforma abierta al intercambio de experiencias y aprendizajes que tendrá su versión especial durante el verano. Entre las distintas actividades gratuitas, que comenzarán a dictarse la primera semana de febrero, se destacan:

El cupo máximo para cada propuesta es de 20 personas. Las inscripciones se realizan a partir del lunes 12 de enero únicamente mediante los formularios online.

Dos jornadas a puro Shippear

El exitoso ciclo que reúne a bandas y artistas en la Plaza Montenegro vuelve con una destacada programación de verano. El viernes 16 de enero a las 20, será el turno de la música hip hop con los shows de Varoner y Sol Sainz. Luego, el viernes 23, en el mismo horario la escena indie local tendrá protagonismo con las presentaciones de Narciso, Thiago & Nay y Djs Lara Bond & Anto Lillini.

Cabe señalar que en la previa del viernes 16, desde las 18, funcionarán el espacio skateboarding + Feria por Switch-X. Además, en la planta baja se presenta la muestra ‘El amor esta semana’, un proyecto artístico-curatorial de las artistas rosarinas Majo Badra y Virginia Molinari, que recopila material sobre el amor. Se trata de una obra en constante construcción que explora el amor desde lo personal y colectivo, usando imágenes y videos, y que se materializa en presentaciones públicas de diferentes formatos. La gastronomía estará a cargo del Mercado del Centro.

Finalmente, el jueves 22 a las 19 se proyectarán algunos episodios del documental ‘El futuro (im)posible’, de Martín Haas y Antonio Balseiro. Luego, se llevará adelante un conversatorio abierto sobre el futuro que se desea construir en Rosario, integrando miradas sociales en un conversatorio plural, participativo y horizontal.

La propuesta está coorganizada junto a Rizoma Co-Lab. Toda la programación del Cultural Fontanarrosa puede consultarse en: rosario.gob.ar.

Venado Tuerto se preparó para cerrar el año con una agenda cultural intensa y diversa, que se desarrollará entre este viernes 26 y el domingo 28 de diciembre, combinando música en vivo, encuentros artísticos, ferias, celebraciones comunitarias y propuestas pensadas para disfrutar en familia. Con actividades distribuidas en distintos barrios y espacios públicos, el último fin de semana del año vuelve a poner en valor el rol de la cultura como punto de encuentro.

La agenda comienza este viernes 26, a las 18.30, con la ceremonia de apertura en la cancha de césped sintético del CEF, ubicada en Eterovich 610, en un acto que marca simbólicamente el inicio de las actividades culturales de fin de año.

Más tarde, a las 20, el cruce de San Martín y Maipú será escenario del P&H Festival, una propuesta que reunirá música y público en pleno centro de la ciudad. La primera jornada cerrará a las 21 con el show de Isa Ibañez Live en 1927 Multiespacio (Casey 435), consolidando una noche atravesada por la música y la participación juvenil.

El sábado 27 la actividad comienza temprano. Desde las 14, el Centro Cultural Ypacaraí, en Chaco y Calle 37, albergará el 3º Encuentro de Artistas Emergentes, una propuesta orientada a visibilizar producciones locales y regionales en distintas disciplinas.

Por la tarde, a las 18, Alvear y Belgrano será el punto de encuentro para el Gran Cierre de Año Gato Eterno, una celebración que convoca a vecinos y vecinas con una impronta festiva y comunitaria.

La noche continuará a las 20.30 con la Peña Entre Amigos, en Plaza Italia, reafirmando el espíritu popular y participativo de la jornada, y tendrá su broche final a las 22 con el show de Abril Olivera & Julieta Rada en 1927 Multiespacio, uno de los espectáculos más esperados del fin de semana.

El domingo 28 estará marcado por las actividades al aire libre. Desde las 9 hasta las 12.30 se desarrollará “Venite al Parque”, especial fin de año, en el Parque Municipal, con propuestas recreativas y culturales pensadas para toda la familia.

Al mediodía, a las 12, el Centro Cultural Ypacaraí volverá a ser sede del 3º Encuentro de Artistas Emergentes, dando continuidad a la muestra iniciada el día anterior.

El cierre de la agenda está previsto para las 18.30 en el Velódromo Municipal, dentro del predio del Parque Municipal, con el sorteo del programa Nuestro Terreno 5, una actividad institucional que reunirá una vez más a numerosas familias y pondrá el broche final a un fin de semana cargado de propuestas.

Con una agenda extendida, variada y descentralizada, Venado Tuerto despide el año apostando a la cultura como espacio de encuentro, celebración y participación, reafirmando el valor de las actividades públicas y gratuitas para fortalecer el tejido social de la ciudad.

El Gobierno de Santa Fe, a través del Ministerio de Cultura, abrió la convocatoria a bailarinas y bailarines para la conformación de la Delegación Oficial que representará a la provincia en el 66º Festival Nacional del Folclore de Cosquín. El cuerpo de danza estará conformado por 40 artistas, que formarán parte de una propuesta que, a través de la música y la danza, explorará la figura y el legado del Brigadier General Estanislao López. La inscripción, que ya lleva más de 250 inscriptos, estará abierta hasta el martes 30 de septiembre.

Con el objetivo de asegurar igualdad de oportunidades y transparencia en el proceso de selección para artistas de todo el territorio provincial, la convocatoria diagramada por el Ministerio de Cultura estará destinada a bailarinas y bailarines. Las personas seleccionadas recibirán una asignación estímulo (por única vez) que será establecida por el Jurado interviniente, y que podrá ascender a un monto desde $500.000 (pesos quinientos mil) hasta $1.500.000 (pesos un millón quinientos mil). La asignación, destinada a cubrir el rol artístico, variará según las necesidades logísticas para la participación en los ensayos requeridos en el corriente año, debiendo respetar igual asignación para los seleccionados de la misma localidad. Los gastos de traslado, alojamiento y las comidas que sean necesarias cubrir para la actuación en la localidad de Cosquín, estarán a cargo del Ministerio de Cultura.

La Provincia de Santa Fe llegará a la edición 2026 del Festival de Cosquín con una propuesta artística que explorará la figura y el legado del Brigadier General Estanislao López, en coincidencia con el 240º aniversario de su nacimiento. La figura histórica del Brigadier se convierte en el centro de una narrativa escénica impactante. El espectáculo mostrará la riqueza cultural e histórica de la provincia, a través de un repertorio musical y coreográfico que celebra el pasado, honra a los próceres y, al mismo tiempo, muestra la vitalidad cultural de Santa Fe.

Para conocer las bases y completar el formulario de inscripción ingresar a https://www.santafecultura.gob.ar/

(Por Juan Ignacio Novak) - El 9 de septiembre de 1997, Buenos Aires despidió a uno de los artistas plásticos más radicales y combativos del siglo XX en Argentina. Su nombre era Ricardo Carpani.

A 28 años de su muerte, su obra (con seguidores y detractores) no deja a nadie indiferente. Es una iconografía que está viva. Esto es porque Carpani comprendió a la pintura como territorio de lucha y denuncia.

Nacido en Tigre en 1930, su vida fue un tránsito entre exilios, búsquedas y un compromiso que nunca abandonó la dimensión social del arte. Dejó el Derecho para ir a la pintura en París en 1950 y, al regresar a la Argentina, se formó junto a Emilio Pettoruti, a quien aludimos con frecuencia en esta sección.

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Su primera exposición fue en 1957 en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, y poco después fundó junto a otros artistas el Movimiento Espartaco, referencia del arte militante argentino.

Nunca suavizó la realidad. Pintó trabajadores, pobres, desocupados y cuerpos macizos, como tallados en piedra, símbolos de una Argentina atravesada por la desigualdad.

El crítico Rafael Squirru escribió en La Nación, en 1998: "Carpani fue un hombre de ideas firmes y coherentes, materializadas en una militancia que también lo llevó a publicar dos libros: 'La política del arte' y 'Arte y militancia'".

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"Si Carpani alcanzó la grandeza, eso no se debe a sus creencias sino a cómo fue capaz de plasmarlas, dentro de un estilo impecable, que no tuvo reparos en apoyar en su admirado Miguel Angel", agregó.

Para Julio Flores, en "Los fundamentos de Ricardo Carpani", el artista "consideraba su obra como una herramienta para el cambio, y como tal no le preocupaba la autoría o la firma sino su efectividad y circulación. En ese sentido, pensaba que la firma no era el nombre puesto al pie de la imagen sino el modo en que ésta estaba resuelta".

El exilio lo llevó en los años 70 a Madrid y más tarde a recorrer Europa, Cuba, México y Ecuador. Pero tras la restauración democrática volvió en 1984 a la Argentina, decidido a recuperar la trama con los trabajadores.

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Como analizó Ignacio Soneira en el Museo de la Cárcova: "Carpani volvió luego de 10 años de exilio, con la intención de integrarse a los movimientos de trabajadores organizados que habían protagonizado las décadas del sesenta y setenta en el país, y que él había representado incansablemente en sus afiches, murales y pinturas".

"Pero a su regreso, como manifestaría en distintas entrevistas, encontró una clase obrera disciplinada en los largos años de hierro de la dictadura cívico-militar".

Fue entonces cuando Carpani creó sus cuadros de "porteños" vestidos de gris, perdidos en selvas tropicales. Como títulos de sus telas, preguntas: "¿Dónde está la parada del 60?" o "¿Qué hace un tipo como yo en un lugar como este?".

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El trabajo de Carpani no se volvió rancio tras su muerte en 1997. Como escribió Gaspar Grieco en la UNSAM: "Lo que diferencia a Carpani de otros artistas militantes de los 70 es su vigencia".

"El rostro desencajado de Evita, la mirada del general Perón y la expresión aguerrida de esos hombres de cuerpos macizos hoy decoran banderas, pancartas, murales y hasta la piel de jóvenes militantes que se identifican con sus imágenes".

No mucho antes de su muerte, pintó un monumental retrato del Che Guevara, hoy emplazado en la Plaza de la Cooperación de Rosario: una iniciativa que era síntesis de su vida, donde el arte se funde con la historia política.

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La memoria del pintor también quedó plasmada en el documental "Carpani: vida y obra", dirigido por Jerónimo Carranza y Doris Carpani. Estrenada en 2009, la película ofrece un recorrido que trasciende la cronología de su trabajo.

El filme exhibe su estilo pictórico y su lucha ideológica, con testimonios de Roberto "Tito" Cossa, Pino Solanas, Luis Felipe Noé, Rafael Squirru, Teresa Parodi, Fernando Birri y Pedro Orgambide, entre otros.

Se trata de un documento audiovisual imprescindible para comprender por qué Carpani fue un creador de símbolos que aún se reproducen en la memoria política argentina.

Fundación Arte de las Américas

En tiempos de nuevas crisis y desigualdades, su pintura recupera fuerza. Como si aquellas manos enormes y esos torsos pétreos siguieran empujando la historia argentina.

(Por Juan Ignacio Novak) - Desde el interior del Vaticano, "La Escuela de Atenas" de Rafael Sanzio ilumina al mundo como lo que realmente es: una obra central del Renacimiento y, tal vez, el mayor logro de su creador. Que falleció un día como hoy, 6 de abril, del año 1520.

Pintada entre los años 1509 y 1511, es una pintura al fresco que emerge como símbolo de la unión del arte, la filosofía y la ciencia. Una representación perfecta del espíritu característico de la época.

Museos Vaticanos

En efecto, el Renacimiento italiano fue un período de profunda transformación cultural y artística. Rafael Sanzio, formado en los talleres de Perugino, se convirtió en uno de los artistas más sobresalientes de esa etapa.

Oriol Vidal recuerda que "al servicio de los papas Julio II y León X, Rafael pintó varios cuadros y decoró numerosas estancias del Palacio Apostólico, la residencia de los papas en el Vaticano. Ellos fueron sus mecenas más importantes".

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"La Escuela de Atenas" fue encargada por Julio II para decorar la Estancia della Segnatura, destinada a ser su biblioteca privada. Hoy, forma parte de las "Estancias de Rafael" en el Palacio Apostólico del Vaticano.

Hay consenso respecto a su condición de obra maestra. Es que Rafael pudo representar la filosofía de modo dinámico: la perspectiva genera una sensación de profundidad y armonía.

Museos Vaticanos

La pintura combina los ideales clásicos con el espíritu renacentista y se destaca en ella el equilibrio característico del clasicismo.

Miguel Calvo Santos la menciona como "uno de los frescos más conocidos de la historia del arte y quizás la obra más ambiciosa de Rafael".

En la mirada del especialista, alcanza tal estatus debido a que el artista "quiso representar nada menos que los orígenes del pensamiento occidental, que como todos sabemos nació en la Antigua Grecia".

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Regina Sienra coincide al apuntar que "ambientada en una inmensa ilusión arquitectónica pintada por Rafael, es una obra maestra que representa visualmente un concepto intelectual".

"Rafael utilizó agrupaciones de figuras para presentar una lección compleja sobre la historia de la filosofía y las diferentes creencias que desarrollaron los grandes filósofos griegos", agrega.

Museos Vaticanos

La obra representa a filósofos como Platón y Aristóteles, rodeados por otros pensadores. Además, Rafael incluyó retratos de artistas contemporáneos, como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.

"Filósofos, matemáticos, geógrafos. Rafael Sanzio representó en su obra maestra a los pensadores más reputados de toda la Antigüedad", señala al respecto Alex Sala.

Museos Vaticanos

El estilo es característico del Alto Renacimiento, con un interés particular en la armonía y la perspectiva. Su impacto en artistas posteriores fue significativo: sirvió de guía para representar el conocimiento y la sabiduría del ser humano.

El Museo Internacional de Arte (MIA) de Venado Tuerto festeja este martes 25 de marzo su octavo aniversario con una propuesta que marcará un nuevo hito en su crecimiento institucional y cultural: la inauguración de la Galería de Arte del MIA, un espacio exclusivo donde artistas de la región podrán exponer y comercializar sus obras de manera permanente.

El acto inaugural tendrá lugar a las 19 horas en la sede del museo, ubicada en Casey 340, y estará abierto a todo el público.

“Invitamos a toda la comunidad a ser parte de este momento tan especial para el museo y para nuestros artistas”, expresaron desde la organización del MIA.

La nueva galería ofrecerá obras de diversas disciplinas como dibujo, pintura, calado en papel, escultura, fotografía, grabado, serigrafía y mosaiquismo, reflejando la pluralidad de lenguajes que nutren el arte contemporáneo de la región.

Con la apertura de la galería, el MIA refuerza su compromiso con la producción artística de Venado Tuerto y alrededores, brindando un ámbito de visibilidad y valorización sostenida para sus creadores. En esta primera etapa, la galería contará con trabajos de más de 30 artistas que integran el núcleo estable del museo:

Carlos Conti, Laura Lorenzini, Mauro Calderone, Alejandro Esnoz, Mónica Coda, Angélica Rochon, Beatriz Naninni, Claudio Priotti, Mara Nauwelaerts, Jorge Adrián Rocha, Alejandra Có, Fabrina Miretto, Carina Origlia, Oscar Poliotto, Martín Viola, Ana Canelo, Antonela Poliotto, José Luis Castells, Gabriel Carlini, Jeremías Poliotto, Alejandra Peralta, Javier Capobianco, Andrea Teppaz, Gabriela Larrea, Sandra Faelis, Nadia Menegossi, María Elena Molina Biole, María Solana Flamini, Jorgelina Galligani Pioli, Ana Carena y Sergio Straffela.

El anuncio llega además en un momento de intensa actividad para el MIA: en febrero se inauguró la primera muestra del año, y actualmente se está desarrollando la segunda exposición, que también puede visitarse en las instalaciones del museo.

Con estos eventos, el MIA ratifica su rol como dinamizador de la escena artística local y regional, y se proyecta hacia el futuro con propuestas que vinculan identidad, talento y comunidad.

(Por Ignacio Andrés Amarillo) - Con algunos cambios en la grilla de los artistas de apertura, la segunda jornada del Lollapalooza Argentina 2025 comenzó bajo un cielo nublado. “Yo soy Juan López, estamos tocando un disco del que pronto van a estar hablando”, se anunció el primer artista de la jornada, en actitud jugada cuando se sacó el buzo y abajo tenía la remera irónica sobre “La ruta del dinero K” (que en realidad ensalza los logros de los gobiernos kirchneristas). Se presentó en formato trío, con él mismo en voz, guitarra y teclado, más Maxi Manzur en batería y Agucho en bajo y teclado, “todos negros de Córdoba”. “Primo” subió la intensidad (de su letra sale el título del disco, “Culiado”), con Ill Quentin de la RipGang como invitado. Cerró con “Intoxicado”, dedicada a Buenos Aires cuando se siente agobiado.

Lollapalooza 2025: el cordobés Juan López presentó las canciones de “Culiado”, su último álbum: un título muy de su provincia. Foto: Gentileza Alive Coverage

Luego fue el turno de Juana Aguirre, con su especie de synth-pop gótico, con voces procesadas (en vivo y en pista), beats electrónicos, arpegiadores y colchones de teclas. El vestuario negro y las pantallas en blanco y negro reforzaron el efecto. Se fue anunciando "Anónimo", su álbum de próxima salida.

Lollapalooza 2025: Con una voz dotada para el soul, Luz Gaggi coquetea con los estilos urbanos y los ritmos latinos. Foto: Gentileza Alive Coverage

Mientras la sugestiva Soulfía se contoneaba junto a sus bailarinas en el Perry’s, la ascendente Luz Gaggi (soporte de Paul McCartney en su primer show del año pasado) salió a comerse el Flow Stage, ya con público propio. Con una voz dotada para el soul, y una creciente confianza sobre las tablas (confesó que parte de esa seguridad es impostada) coquetea con los estilos urbanos y la entonación ibérica que muchas artistas del rubro incorporan (especialmente en “Nunca”, que podría estar en el repertorio de Bebe); o los ritmos latinos como en la abolerada “Valentino”. Se despidió con “El farsante”, “Animales" y “Ángeles griegos”.Bal

Lollapalooza 2025: los colombianos Balthazar Aguirre y Johanna Mercuriana, integrantes de Balthvs junto a Santiago Lizcano. Foto: Gentileza @Lady_miru

En el Arternative, a esa hora era el turno de Balthvs, banda colombiana formada por Balthazar Aguirre (guitarra, voz, de look santaniano), Johanna Mercuriana (bajo, voz, una especie de Björk latina en kimono fucsia) y Santiago Lizcano (batería, voz, en camisa estilo Los Espíritus). Su búsqueda incluye extensos pasajes instrumentales, con la base siguiendo el viaje de la guitarra; combinado con pasajes cantados a dúo, especialmente entre los dos primeros.

Lucila Storino, Juana Inés Gallardo y Ramiro Pampin de Dum Chica se volvieron comidilla de las redes por su alusión a Javier Milei en la pantalla. Foto: Gentileza Alive Coverage

El Samsung Stage retomó con Dum Chica, unión de la performática cantante Lucila Storino (blusa blanca y shortcito) y los bajos distorsionados de Juana Inés Gallardo (musculosa y falda), acompañadas la batería de Ramiro Pampin. Su look, su sonido y su mensaje (la bandera del Orgullo apareció cada tanto en la pantalla) las ubican en una misma constelación con Bikini Kill o Veruca Salt, también su minimalismo las acerca a The White Stripes o Royal Blood.

Un Milei de banda presidencial, colmillos y cuernos (cuya cabeza terminó explotando) ilustró el desenfreno de “Terremoto” (“Hace mucho que no lo tocábamos”. Se fueron entre sirenas, la banda sonora de estos tiempos, dejando el momento políticamente viral de jornada (y opacando la remera del cordobés).

Los españoles de Arde Bogotá s reconocen influenciados por Héroes del Silencio: el cantante Antonio García no puede (ni quiere) ocultar su linaje bunburiano. Foto: Gentileza Alive Coverage

Mientras la venezolana Elena Rose estaba terminado su set en el Perry’s Stage, y en el Alternative se subía el británico-grecochipriota Artemas, en el Flow hizo lo propio Arde Bogotá: una banda de Cartagena, pero no de la de Colombia sino la de Murcia, en España. Se reconocen influenciados por bandas como Arctic Monkeys, Foo Fighters y Héroes del Silencio: el cantante Antonio García no puede (ni quiere) ocultar su linaje bunburiano (vocal y actitudinal). Arrancaron con “Antiaéreo” y la coreable “Qué vida tan dura”. Ha dado un respiro el sol, para que venga la lluvia, y podamos disfrutar del viento y el campo”, afirmó el vocalista, antes de presentar “Flores de venganza”.

Siguieron con “Cariño” y “Exoplaneta”, para arribar a “La Torre Picasso”: directamente podría haber sido escrita por los Héroes (“Voy a subir a lo alto / Levantaré tus brazos / Y gritaremos juntos ‘Hay que parar el mundo’”), reflejado en la performance escénica de García. Presentó “una historia de amor, distinta a ‘Exoplaneta’, porque termina bien”: ‘Virtud y castigo”. Destacó las devoluciones que reciben de “La salvación”, a la que describió como esencial (“Tiene que haber una salida para tanto dolor”).

Se despidieron con “Abajo”, que es bastante para arriba. Pero tras presentar a staff y músicos (Dani Sánchez en guitarra, Pepe Esteban en bajo y José Ángel Mercader en batería y percusión), les quedó resto para “Los perros” (algo así como un feat de Enrique con los Monkeys), mientras las gotas que prometían hacerse lluvia se retiraron.

Elijah Hewson, cantante y segunda guitarra de Ios irlandeses Inhaler. Foto: Gentileza Alive Coverage

Sonó un disco nada que ver hasta que salieron los Inhaler y fueron derecho a “Eddie in the Darkness” y “When It Breaks”, encabezados por la voz de Elijah Hewson y la guitarra de Josh Jenkinson. “Little Things” trajo el uptempo del indie brit.

Hola Buenos Aires, ¿qué tal?, dijo el bajista Robert Keating en castellano, antes de presentar al baterista Ryan McMahon y bajar unos BPM en “Who’s Your Money On? (Plastic House)”. “Están muy caliente” (sic), dijo Hewson, ante una audiencia femenina que les cantaba el nombre de la banda.

Con “X-Ray” ganaron en dramatismo. Sonido del Hammond de Louis Lambert (tecladista en gira), la guitarra acústica de Jenkinson y la eléctrica de media caja del cantante (con un Elvis impreso en la correa) pintaron otro clima para “My King Will Be Kind”. Volvieron a acelerar en “Dublin in Ecstasy”, con melodías cantabiles en la primera guitarra. Cambiaron guitarras, y una pista llamó a “Love Will Get You There”, montada en un bajo machacón.

Tomaron el tramo final con “Billy (Yeah Yeah Yeah)” e “It Won’t Always Be Like This”, que tuvo su ronda de pogo amigable. Hewson destacó que es la primera vez aquí, y que es lindo conocer un nuevo país, para luego pasar a la marchosa “Your House”. “¿La pasaron bien? Los veo más tarde”, saludó antes de “My Honest Face”.

La etérea María Zardoya, la cantante de origen portorriqueño de The Marías, banda que fundó con el baterista Josh Conway. Foto: Gentileza Andie Borie

María Zardoya se movió sutil y etérea por el escenario, tanto como su voz ligera y algo aniñada, en vestido y choker negro a juego con el azabache de su pelo. Ella le pone el nombre a The Marías, proyecto del que es copropietaria con el baterista Josh Conway. Tras la intro “Hamptons” saludó en castellano (es de origen boricua) para “Real Life”, seguida por “Only in My Dreams” y “Run Your Mouth”. Ahí vino un enganchado entre “Ruthless”, “Lovefool” (su hit más trascendente) y “Care for You”, con un solo de trompeta de Gabe Steiner mientras la muchacha caminó la pasarela.

Esta canción es de nuestro álbum nuevo, que se llama “Submarine: presentó “Lejos de ti” (cantada en castellano) seguida por “Otro atardecer”, un feat con Bad Bunny en español, con una estructura de las rimas en estilo “latino internacional”, pero interpretada con la impronta del grupo. “La próxima canción es de nuestro primer álbum, ‘Cinema’. Los quiero un montón: es nuestra primera vez en Buenos Aires y nos ha encantado”. El tema fue “Love You Anyway”, con un pasaje a cargo de Jesse Perlman (con escarbadiente en la boca) en la guitarra, mientras caían unas chispas líquidas al tiempo que salía el sol.

Esta canción es nueva”: cantó “Heavy” sentada en la escalera, antes de arrancar otra, caminata felina, sostenida por Edward James en los teclados. Pasó “Ay no puedo”, y Conway metió un bocadillo en “Back to Me”. Lo hizo de nuevo en “Vicious Sensitive Robot” con ella contorsionando. “Olé olé olé, Mari, Mari”, fue la respuesta confiazuda.

“Canten esta conmigo si la saben”, dijo al colgarse la guitarra (Strato blanca, más a juego con su piel que con su vestuario). Se trató de “No One Noticed” con el bajista Doron Zounes haciendo su parte en un teclado. María cerró con una vuelta en castellano, para recibir otra aclamación. En “Paranoia” fue seguida por las cámaras, que la aman, mientras Perlman exprimía literalmente su instrumento. Una secuencia electrónica envolvió a la voz en “Hush” (casi masticando el “forget about it”), abierta luego a la banda, coros incluidos, hasta que Josh hizo un nuevo interludio vocal.

“Esta es la última canción” anunció Zardoya, antes de abordar Cariño, una letra bilingüe que podrían grabar con Mon Laferte o Ximena Sariñana.

Wos trajo sus rimas con contenido, su energía en el escenario, y se reencontró en vivo con su productor Evlay. Foto: Gentileza Alive Coverage

Valentín Oliva, el hijo orgulloso (y enojado) de la clase media, el “Wosito” (no le digan así, por favor) salió a hacer valer sus credenciales en un buen lugar en la grilla. Lo hizo con “Descartable”, en un diálogo con la cámara, mostrando los dientes: con pantalón de cuero y remera gris. La banda peló como siempre, con la guitarrista Ivanna “Chipi” Rud sin sus rodetes, copando el espacio junto al solista y bajista Natasha Iurcovich; la sorpresa fue la incorporación de Evlay (Facundo Yalve, productor y cocreador de muchas de las canciones) en la otra guitarra. Articularon con “7/8”, y la audiencia coreo Wosito, Wosito (no la entendieron).

“Niño gordo flaco” arrancó con los teclados vintage de Fran Azorai, subiendo la energía del segmento. “Gracias por este recibimiento, vamos a darle nomás”, dijo el vocero generacional antes “Luz delito”, con el baterista Tomás Sainz y Natasha al comando, Oliva saltando de manera simiesca y rematando la canción con un beatbox.

Subieron la apuesta con “Morfeo” (“El hastío de amoldarnos a los hábitos / Que dictamina el juez colectivo de lo válido”) La cámara en mano buscó sus ojos claros (este es otro angelado al que la cámara ama) en “Que se haga tarde”. Volvió al centro del escenario para Canguro, un manifiesto político con sus dos caras: la de la gente de bien y la de los ciudadanos de a pie (una síntesis de consignas para pancartas).

“A ver si me acompañan en esta, y se sentó para la mundialista “Arrancármelo”, con Yalve en la guitarra, como en 2022, y Sainz al piano. El segmento se prolongó en “Alma dinamita”: “Me gusta todo lo que sos y un poco más / El barrio queda sin luz cuando no estás / Las caras cambian todas cuando vos llegás / La noche te sigue mientras vos girás”.

Arribaron al tradicional duelo de beatbox y batería, en el que Wos propone un ritmo y Sainz lo agarra al vuelo. “¿Están para una improvisación? Un poquito de freestyle para seguir en esa”, propuso después, y se enzarzó en unas rimas, donde contó: “Llevo media vida improvisando”. Hubo arranque acústico para “Culpa, rabiosa pero contenida en las formas latinoamericanas, con Ricardo Mollo cantando desde las pantallas y solo final de Evlay.

“Los veo agitados, pero si a alguno le quedo una mala energía para sacar hágalo con este track. Sacalo nomás": así llamó a Púrpura, otra explosión de energía arriba y abajo del escenario, con solo final de Rud. Una base funk desde el teclado vintage dio comienzo a “Cambiando la piel”, en el que metió un nuevo freestyle antes del final. Se despidió con “La cochería”, con solo de Chipi y Natasha buscando complicidad con ella y con el jefe para la celebración.

Sepultura versión 2025: Paulo Jr., Derrick Green, el joven Greyson Nekrutman y Andreas Kisser. Foto: Gentileza Alive Coverage

La cantante pop Tate McRae tenía la continuidad en los tablados principales, pero como aperitivo de Tool, la producción programó otro número pesado en serio antes: los históricos Sepultura, que llegaron al tercer escenario con “Refuse/Resist”, el tema de cuya letra salió el título de ese gran álbum que es “Chaos A.D.”: thrash a dos velocidades, desde hace mucho en la voz del enorme (no es metáfora) Derrick Green. Se fueron a otra de la época “Territory”, espesa en la guitarra de Andreas Kisser y el bajo de Paulo Jr., los dos miembros fundadores que quedan. En “Kairos”, Paulo dobló las guturales de Green, que en short y musculosa parece más un deportista que una celebridad del metal.

Sonido de berimbau y ojos de hombre-serpiente en las visuales precedieron a “Attitude”, con el juvenil baterista mostrando sus capacidades en los diferentes segmentos (completada la identidad tribal con rostros amazónicos pintados en las imágenes. “¿Cómo están, Buenos Aires? Thanks to having us. Obrigado”, dijo el afroamericano en tres idiomas, antes de presentar “Means to an End”, enloqueciendo a un público que agitó con remeras de Almafuerte, entre otras.

Andreas agradeció poder festejar los 40 años de la historia de la banda en Argentina, un país importante para la misma. “¿Están listos para la vieja escuela del thrash metal? Hagan el mosh pit. Del 87, del disco ‘Schizophrenia’: ‘Escape to the Void’”, anticipó, antes de “pudrirla” (con furioso solo propio, y viejos afiches de fondo. “Este tema que vamos a tocar es del álbum del 94 ‘Chaos A.D.’, donde empezamos a meter más de música brasileña en la percusión se llama ‘Kaiowas’”, y llegó con Kisser en guitarra de nylon, el cantante en percusión y un guitarrista invitado, para terminar tocando todos percusión, junto a otros invitados.

Volvieron a la electricidad con “Dead Embryonic Cells”. El clima cambió con “Agony of Defeat”, con Kisser abriendo con arpegios sobre una base de teclados, y Derrick explorando una voz más limpia por momentos. “Lo que quiero que hagan por mí es fucking levantarse”, dijo el moreno, largando “Arise”, canción emblema del legendario álbum homónimo

“¿Una más? Preguntó el morocho”, habilitando al juvenil baterista Greyson Nekrutman para su solo. La bandera de Brasil con el logo de Sepultura sobre el círculo azul copó el fondo para “Ratamahatta”, cantando en portugués. “Sepultura do Brasil” dijo el estadounidense (ya aquerenciado en el país vecino) para cantar “Roots Bloody Roots” como lo hizo en el Monsters of Rock del 99 (de lo último que grabó Max Cavalera con la formación), con Andreas metiendo wah wah en su último solo de la noche. Terminó así el reencuentro del púbico argentino con la banda más grande del rock brasileño (algo que reconocía Herbert Vianna de Paralamas).

James Maynard Keenan de Tool, en uno de los pocos momentos en que se dejó ver plenamente. Foto: Gentileza Alive Coverage

En su apertura de propuestas, el festival programó a La K’onga en el Perry’s a la misma hora que Tool, como para que no digan que no había opciones.

La cosa abrió con la intro grabrada “Third Eye”; con visuales de estética industrial y escultural pasó “Stinkfist”, con un Maynard James Keenan que canta escondido en la penumbra, al lado de la batería del virtuoso baterista Danny Carey; sin cámaras que lo amplifiquen (apenas se recortaba su cresta contra la pantalla de fondo). Breckinridge Haggerty, el diseñador de los espectáculos de luz y de vídeo de la banda, explica que los espacios oscuros resultantes en escena “son... para Maynard. Muchas canciones son un viaje especial para él... y se siente más cómodo entre sombras”.

La química de la banda se basa en la exploración rítmica, con métricas irregulares, con gran trabajo de la batería ampliada con pads electrónicos que brindan sonidos de percusión. Sobre eso, los otros instrumentos construyen riffs y bases que permiten una fluctuación entre armonías tonales y modales, incluyendo a la voz, atravesada por efectos como un instrumento más.

Maynard inició su propio “Olé olé”, para que la gente haga entrar en la métrica “Tu-ul, Tu-ul” (más tarde sonaría “Yo soy de Tu-ul, es un sentimiento, no puedo parar”). En “The Pot” hubo luz para los pasajes instrumentales, especialmente para los que van al frente: el guitarrista Adam Jones (también supervisor visual de la banda), y el bajista Justin Chancellor.

Un cráneo dorado cruzó por los leds, ganando carne en su regreso, mientras batería construía beat étnico percusivo junto al bajo. Como al rostro, la guitarra y la voz vistieron esa base para redondear “Fear Inoculum”, con la voz súper procesada y un destacado solo de guitarra”

Maynard habló como por un megáfono y se lo pudo ver un poco más en “Rosetta Stoned” que sumó “Lost Keys” como intro, con distorsión en el bajo, seguido por “Pneuma”; Carey largó en la marimba para que el bajo abra uno de los riffs irregulares que fueron marca registrada del grupo y copiada por otros: “The Grudge”. Jones fue a los sintes antes de su solo.

Después de “Jambi” un arpegio persistente dio paso a “Invincible”. Ustedes son increíbles por recibirnos así. Volveremos”, dijo Keenan antes de “Vicarious”. Fue al frente por única vez a hacer una reverencia, pero rápidamente dejó a los otros saludando.

Shawn Mendes recorrió diversos géneros, desde el R&B a canciones íntimas en clave folk. Foto: Gentileza Cata Almada

El show de drones, similar al de la jornada que anterior, sirvió como transición de ese periplo sonoro al show de Shawn Mendes, que arrancó gritos desde el vamos con un “Te amo mucho”, por ejemplo (una de sus muletillas de simpatía). Empezó con “There’s Nothing Holdin’ Me Back”, con pirotecnia coincidiendo en el agudo final. Pasó por Wonder, haciendo cantar a las chicas, y honró sus raíces latinas en “Treat You Better”, un hit entrador en el que pudo todo su poder de seducción, pasado a la guitarra eléctrica. Bajó un cambio con “Monster”, para pasar al R&B en falsete de “Lost in Japan”, de nuevo con la acústica.

“¿Como están? Es in placer tocar un tema de mi nuevo álbum”: fue “Isn’t That Enough”, a cuatro guitarras, viola, batería pequeña/percusión y coros, un momento íntimo, que continuó en Heart of Gold, "una de mis favoritas", en el mismo formato de grupo folk, pero terminando en la batería grande y tocando más fuerte. Redobló el entusiasmo del público con “Señorita”, que escribió y grabó junto a Camila Cabello, y “Ruin”, que en otra época hubiera sido “un lento chapable”: allí recorrió la pasarela y luego bajó a la valla para saludar de cerca y recibir una bandera argentina, que se puso sobre los hombros (nueva ovación).

Ante un nuevo momento tranquilo, se coló desde el Alternative el show del también estadounidense Teddy Swims, que daba su batalla bien arriba, de poncho y sombrero.

Shawn no se amilanó y encaró la emocional “Never Be Alone”, sobre el redoble de la batería. Hubo nueva subida con fuegos artificiales en “Mercy”, que terminó muy arriba. Un video con jóvenes y niños (uno con camiseta de Messi, todo pensado) en diferentes lugares preparo el camino para “Youth”. “La música es el lenguaje universal, es lindo. Canten conmigo”, pidió.

"Hace poco aprendí una canción argentina", sostuvo, y encaró una versión libre de “Gracias a la vida” de Violeta Parra, quizás porque escuchó la versión de Mercedes Sosa (en Chile se lo van a observar). Finalizado el set de Swims del otro lado, se pudo disfrutar plenamente de la rendición de Mendes a guitarra y voz de “Stitches”. Sumando a la banda, pero manteniendo la vibra, abordó “It’ll Be Okay”, rematando a toda orquesta, literalmente; con el solista de nuevo en la valla, en otro baño de masas.

Un beat electrónico trajo “If I Can’t Have You”, otro de sus éxitos, ya bajo el regreso de la lluvia, y unos fuegos artificiales. Pero la lista seguía con “Why Why Why”, en plan country. Sentado en el piano Rhodes, arrancó “In My Blood”, pasando después a la guitarra para agrandarla con los demás músicos: acompañaron la pirotecnia intensa y la lluvia de papelitos, para dar un cierre grande, mientras Shawn secaba envuelto en la bandera.

Ante el pronóstico, la organización comunicó la suspensión del set del DJ alemán (nacido en la URSS) Zedd, y solicitó desalojar el predio. Queda mirar el pronóstico y apuñalar cruces de sal para ver si la tercera jornada se desarrolla con normalidad.

El Museo Internacional de Arte (MIA) de Venado Tuerto inauguró el último jueves su segunda muestra de 2025 con cinco exposiciones individuales de artistas locales y una colectiva de creadores internacionales. 

Las obras se exhibirán hasta el 29 de abril en el Museo que funciona en el Espacio Cultural Rotario, Casey 340, siempre con ingreso libre y gratuito. Y se puede visitar los martes, jueves y domingos de 18 a 21.30, y los sábados de 10 a 12.30. 

Las exposiciones se distribuyen en diferentes salas del museo, ofreciendo una variedad de técnicas y estilos:

Sala 1: "Corazonada" (Papel calado) - Ana Lucía Carena 

Sala 2: "Eslabones del diálogo" (Dibujo) - Jorge Rocha

Hall del 1° Piso: "Mujer… es" (Mosaico contemporáneo) - Solana Flamini

Sala 3: "De alta" (Pintura) - Mónica Coda

Sala 4: "Surrealismo urbano" (Fotografía) - Jeremías Poliotto

Sala 5: Exposición colectiva de Video Arte con artistas extranjeros.

El Museo Internacional de Arte (MIA) de Venado Tuerto continúa con su calendario de exposiciones para 2025 y este jueves 20 de marzo, a las 19, dará inicio a su segunda muestra del año. 

En esta oportunidad, la propuesta reúne el talento de cinco artistas de la ciudad en exhibiciones individuales y suma una muestra colectiva con exponentes internacionales del video arte.

Las obras estarán disponibles hasta el 29 de abril en el Museo que funciona en el Espacio Cultural Rotario, ubicado en Casey 340. Los horarios de visita serán martes, jueves y domingos de 18 a 21.30, y sábados de 10 a 12.30. 

Como es tradición en el museo, el acceso será libre y gratuito para todo el público.

Esta iniciativa sigue la línea de la primera muestra del año, inaugurada el pasado 4 de febrero, en la que también se destacaron creadores locales y artistas internacionales.

Las exposiciones estarán distribuidas en diferentes salas del museo, ofreciendo una variedad de técnicas y estilos:

Con esta propuesta, el Museo Internacional de Arte de Venado Tuerto reafirma su compromiso con la difusión del arte en sus múltiples expresiones, brindando un espacio de encuentro entre artistas y espectadores.

El viernes 14 de febrero, desde las 19 y hasta la medianoche, tendrá lugar la edición verano de Noche de Museos Abiertos. La iniciativa, que se suma este año a las actividades que la Municipalidad lleva adelante para celebrar el tricentenario de la ciudad, ofrece circuitos nocturnos para recorrer museos y espacios culturales, con una amplia variedad de propuestas y la oportunidad de disfrutar de muestras, música, gastronomía e inauguraciones que, en el marco de San Valentín, invitan a enamorarse de Rosario.

Noche de Museos Abiertos propone redescubrir la ciudad invitando a ciudadanas y ciudadanos a explorar el patrimonio cultural bajo una nueva luz, brindando una experiencia especial a las y los visitantes.

"El amor en sus múltiples formas" será el eje de esta edición, que busca inspirar miradas y abrir caminos para que cada persona que participe encuentre su propia forma de expresarlo y vivirlo. También para que cada espacio elabore, exponga, produzca y convoque a pensar el amor desde su patrimonio o líneas de investigación y acción.

Rosario es un lugar que enamora en cada rincón, por lo que será una noche para contar lo que se ama, compartirlo y enamorarse más de sus calles, sus parques, sus museos, sus artistas, así como de sus historias, gestos, símbolos y costumbres que conectan generaciones. Esa noche, la ciudad se convertirá en un espacio para habitar el amor desde el arte, la cultura y el cuerpo y disfrutar todo eso que la hace única.

La programación se puede consultar en rosario.gob.ar

Quienes recorran los diferentes espacios recibirán el mapa-pasaporte para sellar y recordar los espacios visitados en la Noche de Museos Abiertos. Foto: Silvina La Calamita

Un tatuaje puede ser un homenaje a lo que se ama, un símbolo a la identidad, a los recuerdos y deseos o una declaración de lo que se quiere preservar y llevar para siempre. Como parte de la experiencia de esta Noche de Museos Abiertos, Mel Romero y Natalia Díaz, dos profesionales del 'Ciclo de tatuadoras', harán tatuajes en vivo en el Museo Castagnino.

Asimismo, y para que nadie se quede con las ganas, también se podrán hacer tatuajes temporales en todos los museos participantes.

En esta edición participan museos y espacios culturales municipales, provinciales y privados de la ciudad que se distribuyen en tres circuitos:

Quienes recorran los diferentes espacios recibirán el mapa-pasaporte para sellar y recordar los espacios visitados en la Noche de Museos Abiertos. Foto: Silvina La Calamita

Museo Municipal Juan B. Castagnino (Av. Pellegrini 2202),

Casa Vanzo Wernicke (Cochabamba 2010),

Museo Cementerio El Salvador (Ovidio Lagos 1840),

Museo de la Ciudad Wladimir Mikielievich (Bv. Oroño 2300),

Museo Histórico Provincial de Rosario Dr. Julio Marc (Av. del Museo S/N),

Museo del Deporte Santafesino (Ayacucho 4800).

Complejo Astronómico Municipal (Av. Diario La Capital 1602),

Monumento Histórico Nacional a la Bandera (Santa Fe 581),

Casa del artista plástico (Av. Belgrano y Sargento Cabral),

Centro de Expresiones Contemporáneas (Paseo de las Artes y el río Paraná),

Centro Cultural Parque de España (Sarmiento y el río Paraná),

Casa del Tango (Av. Illia 1750),

Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (macro, Estanislao López 2250),

Estación Embarcaderos (Vélez Sarsfield 164),

Acuario del Río Paraná (Av. Eduardo Carrasco S/N)

Quienes recorran los diferentes espacios recibirán el mapa-pasaporte para sellar y recordar los espacios visitados en la Noche de Museos Abiertos. Foto: Silvina La Calamita

Museo de Arte Decorativo Firma y Odilo Estévez (Santa Fe 748),

Cultural Fontanarrosa (San Martín 1080),

Museo de la Memoria (Córdoba 2019),

Sociedad Filantrópica Unión (Laprida 1027),

Museo de la Democracia (Sarmiento 702),

Espacio Cultural Universitario (San Martín 750),

Museo Diario La Capital (Sarmiento 763),

Bolsa de Comercio (Córdoba 1402),

Biblioteca Argentina (Pasaje Álvarez 1550),

Espacio Multicultural San Cristóbal (Italia 646),

Museo Provincial de Ciencias Naturales Dr. Ángel Gallardo (San Lorenzo 1949),

Casa de Gobierno Provincia de Santa Fe (Santa Fe 1950),

La Favorita (Córdoba 1101).

Cada uno de las y los interesados podrá armar su propio recorrido y descubrir las propuestas de los museos y espacios de arte usando el sistema Mi bici, tu bici, que será sin costo para quienes participen en esta actividad.

Quienes recorran los diferentes espacios recibirán el mapa-pasaporte para sellar y recordar los espacios visitados en Noche de Museos Abiertos que en esta edición será producido por la ilustradora Ligia Rossi.

Dos de los cantantes más esperados y destacados en el primer día del Cosquín Rock 2024 utilizaron un momento de su show para expresarse políticamente y en contra del gobierno de Javier Milei.

La cantante pop Lali Espósito y el rapero Dillom fueron tendencia este sábado por la noche en redes sociales por sus dichos.

En medio su show, Lali señaló: ''Esta fiesta que somos los argentinos, ese amor que nos tenemos y le tenemos a nuestra cultura, nadie nos lo va a sacar y depende de nosotros defenderlo.'' y dedicó su siguiente canción a “las malas personas y los antipatria”. En su canción “¿Quiénes son?” cambió la letra y expresó: “Que si fumo, que si vivo, que si digo, que si bebo, que si vivo del Estado”.

Se refirió así a las críticas constantes que recibe de Milei y de sus seguidores respecto de que supuestamente cobró dinero del Estado por sus actuaciones.

Dillom, en tanto, cantó una versión de la canción “Sr. Cobranza” de Las Manos de Filippi popularizada por Bersuit Vergarabat y cambió el verso “Norma Plá a Cavallo lo tiene que matar” por “A Caputo en la plaza lo tienen que matar” en referencia al ministro de Economía, Luis Caputo.

Previamente, Milei había puesto en duda la financiación del festival, a lo que el productor José Palazzo respondió: “Querido sr presidente, hace 24 años empresarios privados, con entradas y marcas privadas y esfuerzos personales lo realizamos. Además se realiza en Paraguay, Uruguay, Chile, México, EE.UU y España. Acá los artistas están en libertad, quédese tranquilo”.

Este sábado 10 de febrero, el Gobierno de Venado Tuerto ofrecerá una alternativa diferente a los vecinos, con la “Noche de Bares”, que incluye a 11 espacios gastronómicos del centro de la ciudad.

Esta propuesta impulsada por la Secretaría de Desarrollo Productivo, con el respaldo del resto de las áreas municipales, incluirá cortes de calles y ampliaciones de veredas para mayor comodidad de los visitantes.

La actividad dará comienzo a las 18, y también incluirá la participación de artistas itinerantes, que irán recorriendo los distintos bares que se sumaron a esta movida que busca ofrecer a los venadenses una alternativa más para disfrutar de la ciudad en vacaciones.

En esta ocasión participarán de la “Noche de Bares” los espacios “El Refugio” (Pueyrredón 510), “Tesla” (Moreno y 9 de Julio), “Compinche” (Marconi y San Martín), “Henry Cook” (San Martín 722), “Pipa” (Maipú y San Martín), “Gato Eterno” (Alvear 809), “1927 Multiespacio” (Casey 435), “El Botánico” (Mitre 946), “Cayetano” (Pellegrini y Moreno) y “Beer House” (Iturraspe 107).

Por Lucía Dozo

Listocalisto se define como “una editorial dedicada a los libros ilustrados para grandes lectores”. Su catálogo está integrado por colecciones literarias de diversos géneros –como poesía y narrativa– y también por obras en las que están presentes la fotografía y el arte. En diálogo con este medio, sus creadoras nos cuentan cómo surgió la editorial, cuál es su actual conformación como cooperativa y los proyectos de edición actuales y futuros. Se puede acceder a más información a través de http://www.listocalisto.com.ar.

-¿Cuándo y con qué propósitos nace Listocalisto?

-Listocalisto nació con la idea de crear un espacio de circulación para autores, ilustradores y artistas de Rosario. Desde una perspectiva local y muy micro, y por fuera de las grandes instituciones formadoras y articuladoras de políticas culturales como la universidad, la municipalidad o la provincia, es muy difícil entrar en los circuitos de circulación del libro, publicar, hacer de eso una actividad que entendés como un trabajo. La idea desde el principio fue construir un espacio con un discurso propio, desde el principio nos planteamos un horizonte largo. Sin embargo, el arranque fue paulatino, con un crecimiento en ondas concéntricas. El esfuerzo mayor fue el de sostener y el de explorar el campo de posibilidades, hacer de esta fábrica de libros un lugar que nos alojara y nos pusiera en diálogo con otras personas con sueños similares. Tanto es así que, al día de hoy, siete años después, hemos publicado a más de 30 autores e ilustradores y es muchísima más la gente que se pone en contacto porque quiere publicar. Además, autores con cierta trayectoria también nos han ofrecido sus trabajos y eso lo sentimos como un aval, como una legitimación, un gran acompañamiento, porque son personas que apuestan por nuestra editorial y confían en que vamos a saber cuidar sus obras.

-Actualmente es una cooperativa y se sumaron nuevos miembros. ¿Pueden contarnos algo más sobre esta nueva etapa?

-Formalizar nuestra asociación y convertirnos en cooperativa es una más de esas ondas concéntricas que mencionaba más arriba. Es una renovación de energía, también, de incluir nuevas miradas y de sumar voluntades para crecer. Ser una cooperativa, además, nos va a permitir participar de otras esferas. Desde el inicio entendimos que la cosa venía por acá y si lo hacemos recién ahora es porque desde el Estado se dieron las regulaciones que permiten ahora conformar una cooperativa de menos de seis socios.

-Como editorial participan activamente de ferias. ¿Qué balance hacen sobre esta modalidad de dar a conocer los libros y de comercializarlos?

-La participación en ferias fue desde el inicio el principal modo de que los lectores conozcan y entren en contacto con nuestros libros. Ante todo, las ferias son ámbitos de puesta en contacto directo con los lectores y, en ese sentido, espacios privilegiados para las editoriales pequeñas, porque allí la gente sabe que va a encontrar propuestas nuevas, diferentes, que, aunque lleguen a las librerías, tal como también es nuestro caso, a veces se pierden entre una gran montaña de libros.

Y aunque las ferias no están funcionando tan bien como hace un tiempo (y esto está en consonancia evidentemente con la retracción económica), no obstante, sigue siendo importante estar presentes porque la gente igual las recorre, las aprovecha y, eventualmente, compra (porque le gusta, porque tiene que hacer un regalo).

En lo que respecta a los libros ilustrados infantiles, que en nuestro caso conforman gran parte de nuestro catálogo, las ferias son una instancia de venta muy importante porque, aun cuando los libros infantiles han sido tocados más que otras publicaciones por la crisis del papel y el aumento de los costos de producción, siguen siendo más baratos que un juguete, con lo cual sigue siendo interesante, también por esta razón, regalar un libro.

En relación con esto también hay que decir que para las editoriales pequeñas como la nuestra, con un alto índice de trabajo a pulmón, es fundamental entrar en la cadena comercial. Es lo que garantiza la continuidad de la editorial y este pedido (“¡compren nuestros libros!”), que parece tan rastrero, tan materialista, es en realidad lo que abre la posibilidad de encontrar libros que hablen de nosotros, de nuestro río, de nuestras calles, de nuestro modo de estar en el mundo… Hemos participado con asiduidad de toda feria de libros a la que nos convocan: feria de las peatonales, feria de Ciudad de los Niños, Feria del Libro de Rosario, feria de la facultad de Humanidades y Artes de la UNR, entre otras.

-¿Estuvieron presentes en la reciente edición de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires?

-Hemos estado presentes en de la mano de instituciones más grandes que nos albergan: el INAES (desde que somos cooperativa), el stand de la provincia de Santa Fe, que todos los años lleva las publicaciones de toda la provincia, y de la Librería del Docente, que es una iniciativa de la Cámara Argentina del Libro, una propuesta muy específica que funciona solo un fin de semana en el marco de la feria.

-¿Cuáles son las últimas publicaciones y los próximos proyectos de edición?

-El año pasado publicamos cinco títulos que ampliaron el espectro de edades a los que apunta nuestro catálogo: Púmbate. Siete travesías para nacer (Ornela Sabbatini y Lucrecia Sabadotto, con ilustraciones de Alina Calzadilla), un libro-juego para la primera infancia; Cuaderno de artista (Andrea Ocampo y Silvina Maroni), con propuestas de escritura para chicos y chicas de todas las edades; Cani en París (Mónica Discépola y Angelina Pedemonte), un libro de la saga de las Historias del Cani, para los más chiquitos, que viene con audiolibro en español y en francés; Te traje tulipanes. Tautogramas (Susana Rinesi y Silvina Maroni), un libro de relatos/poemas que juegan con el principio del tautograma (textos cuyas palabras empiezan todas con la misma letra), también para jóvenes lectores, y Postales de un mapa imposible (Javier Núñez y Jorgelina Giménez), un libro de relatos sobre Rosario, sus calles, su mapa imaginario, para lectores entrenados, jóvenes y adultos.

Para 2023 tenemos varios títulos en la cocina: un libro de poemas que Pablo Ramos dedicó a su hijita Antonia, un cuento de Patricia Suárez, otro de Agustín Alzari y otro de Federico Tinivella, una novela de Mónica Discépola, la continuidad de nuestra serie de Caleidociclos y otro libro de cuentos de Susana Rinesi. En todos los casos seguimos con nuestra premisa editorial de hacer libros ilustrados, en esta ocasión por Velia Dig.

A horas de que se dispute un nuevo amistoso de la Selección Argentina de fútbol en el marco de la fecha FIFA de marzo, trascendió la que sería la lista de artistas que se presentarán en el evento.

Se trata de la continuación de la extensa celebración por el título obtenido en el Mundial de Qatar 2022, la cual tuvo un emocionante episodio en el Más Monumental.

El encuentro iniciará nuevamente a las 20:30 horas y contará con la transmisión de TV Pública y TyC Sports.

Para el show previo, durante y post, se presentará la siguiente lista de artistas:

En lo que respecta a las estrofas del Himno Nacional Argentina, serán entonadas por Los Manseros Santiagueños, Héctor Garnica y Las Mullieris.

La ciudad de Santiago del Estero se prepara desde este lunes para recibir a la Selección Argentina con la instalación de un vallado a lo largo de los ocho kilómetros que separan el aeropuerto local del hotel en el que se hospedará el plantel Campeón del Mundo.

Unos 3.500 efectivos policiales estarán afectados a todo el operativo de seguridad, según indicó el comisario Luis Montenegro, de la Dirección General de Seguridad de la policía de Santiago del Estero.

Los efectivos policiales estarán a cargo de la seguridad tanto en la tarde-noche de este lunes, cuando se espera el arribo de la “Scaloneta”, como en la jornada de mañana, para controlar los accesos al Estadio Único “Madre de Ciudades”, y también en el hotel, el Fórum y los traslados de la Selección.

El funcionario policial explicó que a las 18 comenzará el operativo de lo que será la llegada de Lionel Messi y todo el plantel, que tienen previsto arribar al aeropuerto local a partir de las 20.30, procedentes de Paraguay, tras un viaje relámpago para recibir el homenaje de la Conmebol en la previa del sorteo de la Copa Libertadores de América.

Según lo previsto, los jugadores y el cuerpo técnico del seleccionado argentino que encabeza Lionel Scaloni serán recibidos en el aeropuerto por las autoridades provinciales, para luego subir a un colectivo descapotable para iniciar una caravana hasta el hotel Hilton, en el centro de la capital de Santiago del Estero.

“Ya se vallaron los ocho kilómetros que comprende ese recorrido”, aseguró el comisario Montenegro, quien destacó la intención de que “la gente que quiera acercarse a saludar a la Selección lo haga con la seguridad necesaria y los cuidados pertinentes”.

También detalló que el control en el Estadio Único constará de cinco troncales vallados: uno de ellos será el control de la entrada para evitar los tickets falsos; luego habrá otro para la requisa, seguidamente el de Tribuna Segura y finalmente se podrá ingresar al estadio, en donde a las 20.30 comenzará el partido organizado por la AFA.

Por su parte, la Municipalidad de la capital santiagueña participará del operativo con los agentes viales, quienes colaborarán con el desvío del tránsito pesado y demás vehículos en el trayecto que hará la “Scaloneta”, según indicaron desde el organismo comunal.

El Gobierno de Venado Tuerto, a través de la Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural, convoca a los artistas jóvenes de la ciudad a integrar el Registro Cultural Joven 2023, que tiene como objetivo generar una red de artistas emergentes de distintas disciplinas.

La convocatoria es para bandas, solistas, músicos y cantantes (de todos los géneros) y grupos de baile o teatro, quienes conformarán una base de datos y así podrán actuar en distintos eventos organizados por el Gobierno municipal, pero también participar de un programa de capacitación que se lanzará próximamente sobre cuestiones de producción artística y administración.

El único requisito es tener hasta 35 años inclusive y en el caso de las bandas híbridas deberán estar conformadas hasta en un 75% por jóvenes dentro de ese rango etario.

“Es una oportunidad para que estos artistas puedan crecer, incluyendo aquellos que están dando sus primeros pasos. Al mismo tiempo, estamos motivando el crecimiento cultural de la ciudad”, enfatizó el director de Juventudes, Joni Martínez, a cargo de la convocatoria.

Los interesados deberán completar un formulario en el link Juventudes de la página web oficial (venadotuerto. gob.ar). Si bien el registro permanecerá abierto en el año para su actualización permanente, se estableció un primer corte organizativo el 28 de febrero.

La Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural de la Municipalidad, área que lidera Miriam Carabajal, ha generado un movimiento inusual en Venado Tuerto, basada en dos ejes que provocaron un cambio sustancial en el paisaje: la nocturnidad y el uso de espacio no convencionales. Nuestros Patios Susurran, en su versión clásica y la dedicada a las infancias; la conmemoración del Día de los Derechos de los Niños (en este caso fue toda una semana); la celebración del Día del Juego, son algunos de los ejemplos sobre el trabajo que se viene haciendo desde el inicio de la gestión y potenciado en este último tiempo con las aperturas que se fueron dando en el marco de la pandemia.

“Nosotros venimos trabajando en la utilización de espacios no convencionales para las propuestas artísticas, es decir, poder aprovechar otros escenarios que no son los que comúnmente uno imagina para este tipo de actividades. Este concepto quedó demostrado con Nuestros Patios Susurran, donde cualquier lugar podía convertirse en un escenario: una esquina, un rincón de una plaza, una calle, siempre con la intervención del Estado que garantiza la seguridad y el cuidado para cada apuesta. Con esto lo que hacemos es sumar espacios de expresión”, manifestó Carabajal.

A este concepto geográfico se le sumó otro, que está relacionado con los tiempos del día para disfrutar y así surge la posibilidad de aprovechar la nocturnidad. “La idea es romper con el pensamiento de que el derecho a la nocturnidad está en determinados lugares o ambientes, y para un público específico. Lo que buscamos es que la noche también sea un momento seguro, amable, hospitalario, predispuesto, para generar propuestas artísticas”, destacó la funcionaria, añadiendo que el desarrollo de este concepto estuvo acompañado con una importante política que lleva adelante el intendente Leonel Chiarella, relacionado a la recuperación, iluminación y mejora de las plazas y espacios públicos.

Para Carabajal, “ocupando o habitando los espacios, hacemos con el tiempo que sean más seguros”, porque la gente se los termina apropiando y aprovechando, los niños pueden disfrutar hasta más tarde y se genera un movimiento que espanta cualquier intención de un mal uso.

“Nuestros Patios Susurran” nació como una alternativa para ir regresando, lentamente, a la presencialidad en los espectáculos. Con propuestas acotadas, artistas de diferentes disciplinas fueron recorriendo la ciudad ante un público reducido y distanciado. “En aquel inicio entregábamos invitaciones personalizadas a los vecinos de dos cuadras a la redonda”, recuerda la secretaria de Territorialidad y Desarrollo Cultural.

El siguiente paso fue hacer Patios exclusivos para las infancias, con actividades en los barrios y en distintos horarios, incluso por la noche, como fue “La observación de la Luna” con telescopios en el Parque de la Niñez, o el de plaza Sarmiento que fue multitudinario.

“Es un programa que ya la gente se lo apropió y lo espera cada fin de semana”, consideró Carabajal. Por eso “vamos a continuar, buscando espacios más abiertos y amplios, que no quita que podamos también volver a alguna esquina. También vamos a hacer algunos Patios nocturnos para infancias, Patios para los jóvenes, Patios con exhibiciones, Patios con homenajes, cada fin de semana con un evento de estas características, siempre sosteniendo la idea de que sea una construcción colectiva”.

Por otro lado, Carabajal destacó que desde el inicio de la gestión “venimos hablando con el intendente para ir viendo e identificando los distintos destinatarios para la organización de las actividades. Ahí fue que coincidimos en que no había propuestas estables para las infancias, que tuvieran una continuidad, por ello decidimos reversionar esta idea de los Patios”.

Y fue increíble reacción de la gente, que incluso queda demostrada en los números, ya que en la primera edición se repartieron 80 pasaportes y en los últimos ya superaron los 200, permitiendo que se potenciara. “Descubrimos que había gente que nos seguía, hasta nos enviaban fotos de los pasaportes contando que fueron a todos los Patios, es decir que la gente circulaba por cada uno de ellos, por más itinerantes que lo planteáramos”.

Esta adhesión de los chicos fue una gran motivación para la organización de las actividades en el marco de la conmemoración del Día Mundial de los Derechos de los Niños, con una marcha de las infancias que “hasta a nosotros nos sorprendió”. A su vez, ya se tiene en agenda otros proyectos, como la intervención de espacios con una mirada de infancias y el trabajo que realizarán con Unicef a través Municipios Unidos por la Niñez y la Adolescencia (MUNA).

Por último, la funcionaria adelantó que también están trabajando en actividades pensadas con otro destinatario: adolescentes y jóvenes.

Las actividades que desarrolla el Municipio tienen como pilar a los artistas, quienes se sienten valorados, respetados y cuidados por el gobierno local al momento de ser contratados, proporcionando todo lo necesario para que el show salga de la mejor manera, además de la atención que reciben.

Para el artista no sólo se trata de una posibilidad de trabajo concreta, sino también poder mostrarse y generar vínculos que los lleven a potenciar o incrementar su labor, ya sea con otros organismos públicos, como en ámbitos privados.

La jueza federal con competencia electoral María Servini hizo lugar a un recurso de amparo que suspende hasta después de las elecciones la entrega de un bono de 15.000 pesos ofrecido por el ministerio de Cultura a los artistas. Este es el tercer caso de una medida judicial contra alguna forma de clientelismo, después de que la propia jueza Servini prohibiera repartir 5000 pesos a los jóvenes para que los gasten en actividades culturales y el juez federal Juan Esteban Maqueda prohibiera al gobernador de San Luis, Alberto Rodriguez Saá, la entrega de dinero en efectivo por unos 85 millones de pesos y le impidiera pagar nuevos planes sociales y entregar de microcréditos por unos 1250 millones de pesos, así como dar subsidios a los asalariados estatales. La decisión de Servini de hoy se inició por la presentación de Santiago Alberdi, como apoderado del Pro, que denunció la violación del Código Electoral por la entrega de estos fondos, cuando vencieron los plazos legales previstos para el otorgamiento de ese dinero. Se corresponde a la quinta cuota del Programa Cultura Solidaria establecida mediante Resolución N° 1561/21 del Ministerio de Cultura a cargo de Tristán Bauer. El 25 de octubre se publicó en el Boletín Oficial la resolución que dispone ese pago llamado “Apoyo Extraordinario Cultura Solidaria” por 15.000 pesos para artistas y trabajadores de la cultura incluidos en una nómina de beneficiarios que figuran en las resoluciones ministeriales 210/21 y 476/21. Este programa de reparto de plata empezó en marzo, cuando el Covid-19 afectaba la actividad cultural, pero las cuotas 4ta y 5ta no estaban prevista inicialmente y se pretenden pagarlas a pesar de que se levantaron las restricciones para actividades culturales. El denunciante del Pro dijo que esto hace evidente la “intencionalidad política enderezada a captar el voto” que revelan estos pagos. Dijo además que los partidos no tienen “estos elementos propios de los gobiernos de turno, violando el principio de igualdad del proceso electoral”.

La jueza recordó que durante la campaña la publicidad no podrá tener “elementos que promuevan o desincentiven expresamente la captación del sufragio” y que está prohibido desde 25 días antes de las elecciones “el lanzamiento o promoción de planes, proyectos o programas de alcance colectivo y, en general, la realización de todo acto de gobierno que pueda promover la captación del sufragio”. La publicación de la resolución para el pago de la cuota 5ta del programa se realizó el 25 de octubre, es decir “dentro del período de prohibición establecida”. Dijo la jueza que “estas situaciones podrían significar una violación a los derechos establecidos por la normativa vigente”. “Con el fin de evitar cualquier situación que pudiera atentar contra el derecho a elegir libremente, corresponde disponer una orden de restricción” al ministro Tristán Bauer para que nos disponga de esos fondos hasta después de las elecciones. La jueza Servini había tomado una medida similar el 21 de octubre pasado cuando prohibió hasta después de las elecciones al Ministerio de Cultura la implementación del programa ‘Más Cultura Joven’, que prevé el pago de 5000 pesos para jovenes para gastar en actividades culturales. Los beneficiarios eran jovenes de entre 18 y 24 años para la compra de entradas para espectáculos, libros y actividades recreativas relacionadas con el arte. La jueza hizo lugar a una medida cautelar pedida por dirigentes de Juntos por el Cambio, que denunciaron la utilización de fondos públicos con fines electorales.