Por Diego Budassi

En la mañana de este martes falleció un símbolo de la cultura firmatense, el artista plástico Norberto Luppi.

El afamado pintor tenía 88 años e indudablemente dejó un vacío enorme, ya sea por su calidad artística como persona entrañable.

Luppi nació en Firmat en 1936 y se formó en pintura con el profesor José Roig. Realizó viajes por el mundo exponiendo su obra en más de treinta países de América, Europa y Oriente. En 1978 la Fragata ARA Libertad llevó a bordo una muestra de sus obras. En 1980 cumpliendo una especial invitación del Ministerio de Marina del Brasil, pintó temas marinos de dicho país. 

En 1982 fue declarado Huésped de Honor y distinguido con la Llave de Oro de la ciudad de Yokohama, Japón. 

En el 94 fue invitado por la Xunta de Galicia, España para pintar el paisaje gallego. Sus obras fueron expuestas en Tokio, Yokohama, Manila, Hong Kong, Bangkok, Esmirna, Estambul, Jeddah Arabia Saudita, Rijeka Yugoslavia, Atenas, México, Oslo, Copenhague, Kiel, Basilea, Zúrich, Le Havre, Toulón, Amsterdam, Madrid, Barcelona, Castellón de la Plana, Montilla, Roma, Venecia, Nápoles, San Juan de Puerto Rico, Funchal, Madeira, Málaga y Santa Cruz de Tenerife, Canarias. 

Obtuvo en 1995 el Gran Premio de Honor en el Salón de Pintores Marinistas de Argentina, en 2001 Premio al Mérito Artístico la Cámara de Senadores de Santa Fe, en 2004 Premio Polenzani del Mundo en Rovigo de Venecia, Italia. En 2004 fue declarado Ciudadano Ilustre de Firmat. 

Se fue uno de los emblemas firmatenses, pintor de sólidos conocimientos de diseño, composición, equilibrio y de manejo del color. Sus pinceladas certeras hablan de un clasicismo sano y hasta contemporáneo. Un hombre de bien, con un talento indescriptible y la humildad de los grandes de verdad. 

En el mes de la amistad, la artista uruguaya Ago Páez Vilaró estará presente en la localidad de Chovet. Llega al pueblo en el marco de una visita por distintos puntos de Santa Fe como Firmat, Venado Tuerto, Funes y Rosario, donde expone sus pinturas y esculturas.

Según confirmaron desde la Comuna de Chovet, el lunes 8 brindará seminarios para niños, adolescentes y adultos, en el Taller de Silvana. Y el martes 9 de julio, a partir de las 9:30 horas, participará de una pintada de murales (en el tapial de la familia Ruiz Massa), acompañada por Carina Beltrame, artista y docente, e integrantes del Taller de Silvana. 

Para esta actividad, invitan a participar a toda la comunidad con sus pinceladas. “Voy a estar dando algunas charlas que están ligadas al arte, el camino del espíritu está siempre ligado al arte”, contó Páez Vilaró al medio uruguayo Onmedia.uy. También compartirá su experiencia y la de su padre, Carlos Páez Vilaró, en la creación de mandalas y expondrá sus vivencias en los días que de la búsqueda de su hermando en Los Andes, historia que inspiró la película “La Sociedad de la nieve”.

Conexión con lo espiritual

Desde pequeña, Agó siguió los pasos de su padre, a quien considera su gran maestro en el arte y también en la vida, y de él aprendió a “a seguir el sol” y conectar con su significado. Se define como la “pionera del trabajo con mandalas en Uruguay”. 

La artista plástica dedicó su vida a descubrir el lenguaje del espíritu a través de diferentes formas, y a lo largo de los años absorbió las enseñanzas de numerosos artistas, logrando desarrollar técnicas que le permitieron crear un estilo único, reconocido especialmente por su trabajo con los círculos, mandalas y soles.

Cronograma de visita 

6 julio, Arroyo Seco; 8 y 9, Firmat, Chovet y Venado Tuerto; 10, Museo Estévez, Rosario; 13, Funes.

Don

Magdalena Sofía Páez Rodríguez, más conocida como Agó Páez Vilaró, es una artista plástica uruguaya, hija de Madelón Rodríguez Gómez y del pintor Carlos Páez Vilaró. Con una infancia atípica, desde muy niña tuvo contacto con el arte y de seis hermanos ella fue la elegida por el destino para seguir con el camino que su padre había iniciado.

“Mi casa era un enorme atelier, con una mesa gigante llena de pinceles, colores, tijeras y papeles; desde que nací compartí ese espacio con mi padre, por lo que el arte desde muy niña ya era parte de mi vida” aseguró Agó Páez Vilaró. “Siempre sentí que yo era artista, nunca me lo pregunté ni me transformé, desde joven adopté el ambiente que tenía a mi alrededor” recalcó.

La artista que se destaca por ser pintora, ceramista, escultora, muralista, escritora y constructora; asegura que desde su experiencia un artista nace con ese don “en mi caso, yo siento que nací con una sensibilidad especial que me permitió darme cuenta, sentir y ver un mundo que de repente otros no ven”, continuó “cuando vos tenés una sensibilidad especial desde tu nacimiento, de repente, vas caminando y ves una pequeña flor que te conmueve, gracias esa sensibilidad puedes observar detalles de esa flor que para otros están ocultos”.

La artista nacida en Montevideo, desde joven pudo darse cuenta que su entorno era poco común dentro del círculo de sus amigos y compañeros de clases “cuando iba a las casas de mis compañeros del liceo, me daba cuenta que la vida de ellos era bien diferentes a la mía, porque el convivir con un artista tan libre y creativo como era mi padre, él hacía del mundo un lugar totalmente diferente para mí” aseguró la creadora de muchos murales que adornan las calles de Uruguay y el mundo.

En cuanto a las técnicas para desarrollar su don de artista en varios estilos, asegura que eso se lo debe a su padre “al tener mi padre como maestro de vida, él construyó, escribió y realizó esculturas y gracias a ese ejemplo yo también me animé. Yo nunca aprendí a escribir, sin embargo, escribí cuatro libros, entonces, se te hace más fácil cuando no tienes miedo y animarse”.

El destacado artista plástico y docente Claudio Priotti presentará en la Casa Museo Cayetano Silva (Maipú 966) su muestra “La Divina Comedia”, basada en la inmortal obra de Dante Alighieri. La inauguración será el viernes 28 de junio, a las 19.30, con presentación a cargo de la psicoanalista Beatriz Nannini.

El “poema del Dante” en la mirada de Priotti se exhibirá en 35 piezas (pinturas, dibujos y grabados), conformando una serie que se expondrá en el Ministero dell'Istruzione e del Mérito de Roma en 2025.

“Hilos de letras hilvanando siglos, danzan con imágenes oníricas actuales, lejanas, despiadadas al ojo que mira, o alegóricas de lugares casi celestiales. El viaje al que nos invita Claudio Priotti es hacia el interior de nosotros. Es un viaje íntimo. (…) Claudio es audaz, sin saberlo o sabiéndolo a medias, como Dante, cruza umbrales, no tiene miedo a dejarse llevar por su saber hacer con la representación y con lo no representable. Nos enseña dónde hay que poner el ojo”, reseña Nannini sobre el autor y su obra.

Con entrada libre y gratuita, la muestra podrá visitarse hasta el viernes 5 de julio en los siguientes días y horarios: lunes a viernes de 9 a 12 y de 17 a 20, y sábados y domingos de 17 a 20.

Organiza: Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural.

Por Diego Budassi

Días atrás, el artista plástico Abel Gentiletti inauguró la muestra “Al interior del interior” en el Espacio Cultural Fraternita de la ciudad de Rosario.  Con el apoyo de la prestigiosa Curadora y referente de Fraternita, Marisa Chazarreta, el pintor nativo de Villada pero adoptado hace décadas por Firmat, expuso un total de 28 obras recibiendo muy buenas devoluciones por parte de los especialistas en la materia. Más de 50 personas estuvieron presentes en la apertura, entre ellos críticos de arte y también participaron representantes de la Casa del Artista Plástico de Rosario. 

Sobre su exposición en “Cuna de la Bandera”, Abel Gentiletti, expresó: “Expusimos 28 obras, todos con la temática de campos de nuestra zona y campos de España. Todos lugares conocidos y pisados, donde uno sintió las sensaciones de los aromas, los colores, las luces, las sombras, las formas, así que con todo eso uno se explayó en el tema”.

Respecto de las devoluciones, el artista plástico quedó muy satisfecho con las muy buenas críticas de sus cuadros y además destacó la presencia de las representantes de la casa del Artista de Rosario. “Quedaron muy contentas, tanto la Presidenta como la Secretaria, y ahora quieren venir a Firmat a hacer una visita guiada para recorrer los lugares que yo he pintado y además para recorrer los lugares emblemáticos de la ciudad. También quieren quedarse una tarde a pintar. Vamos a hacer una linda movida y algo hermoso va a salir seguro. Lo bueno es esto, mostrarse y que las puertas se vayan abriendo. Hace tantos años que estoy en esto y cada día se abren puertas nuevas”.

La muestra continuará abierta hasta el 12 de abril en el espacio cultural de calle Moreno 1056. “Es un lugar hermoso, muy lindo, hace 9 años que los organizadores están armando las muestras y la mía es la primera de este año”, concluyó Gentiletti. 

La artista plástica de Chovet, Betiana Bradas, abrirá las puertas de su muestra “Sintopía” en Capital Federal. Será el próximo viernes 29 de septiembre en la Galería 1+1=3, Marcelo T. de Alvear 1449, 2º piso, a las 19 horas. 

Con Luciana García Belbey como curadora, este nuevo trabajo reúne un conjunto de obras pertenecientes a la serie “Portales” de Betiana Bradas, a partir de una selección de esculturas geométricas, y pinturas de mediano y gran formato con el característico lenguaje de la artista que fusiona con gran destreza la abstracción gestual y la geometría pura. 

En éstas si bien predomina una paleta neutra de colores grises, blancos y negros, en algunas obras emergen vibrantes tonos de color amarillo. En los lienzos, igualmente, el verdadero protagonista es el dibujo.

“Cuando dibuja, para Bradas el mundo se detiene, se abstrae de lo que la rodea y su mano fluye casi automáticamente por el papel. Algunos bocetos aparecen prácticamente idénticos, sobre todo en sus esculturas, en otros casos solo rescata un fragmento que se expande por el lienzo. Sus diseños combinan con gran pericia líneas moduladas de distinto grosor, serpenteantes y orgánicas, pero también rectas que surcan con precisión quirúrgica la tela. Esos dibujos se transforman en patrones que saltan de una obra en otra, y aparecen repetidamente como una huella de la propia interioridad de la artista. Uno de los dibujos que aparece con mayor frecuencia recuerda las membranas negras de las a las de las mariposas”, describe en detalle Barbey. 

Hace ya varios años, Bradas encontró su propio método de trabajo, construye todas sus obras a través de una pormenorizada superposición de capas con distintos motivos, densidades y texturas. Para la artista estos “sustratos” tienen que ver con las distintas etapas de la vida, con lo que uno deja atrás para avanzar sin que eso se olvide o se pierda. 

“Quedan en nosotros como los cimientos de un edificio, que aunque no sean visibles son fundamentales para que todo sedesarrolle, crezca, o mute. Generalmente, la capa más profunda y primigenia es una estructura geométrica. La adopción de la geometría se relaciona con su formación como diseñadora gráfica, de allí que la Bauhaus sea uno de los movimientos de vanguardia más apreciados por la artista, al igual que la potente obra de Carmen Herrera o de labrasileña Lygia Clark”, resaltó la curadora. 

Agrega que dentro de las tendencias líricas y coloristas, son una referencia importante artistas como Kandinsky y Paul Klee; también Miró yMatisse. Al ver una importante retrospectiva en Estados Unidos, la artista quedó absolutamente deslumbrada con la producción del mítico Frank Stella", ponderó.  

En cuanto a la paleta, Bradas privilegia el blanco y el negro, dado que para ella remiten de manera simbólica a los contrastes y los opuestos que atraviesan nuestra vida, los momentos de vicisitudes o las difíciles decisiones que muchas veces debemos tomar para avanzar. “El amarillo asimismo, es un color con una fuerte carga emotiva para la artista, se vinculan a las puertas y portadas de lugares emblemáticos de su infancia por lo que remiten inexorable a recuerdos ligados a su padre”, amplia. 

“Precisamente en su serie previa emprendió un recóndito camino de autoconocimiento, conectó con experiencias sumamente movilizantes de su vida pasada, pero tuvo la valentía de capitalizarlo para crear una de sus series más significativas. Es por ello que ‘Portales’ puede considerarse como una continuación de ‘Profundo’, su serie anterior”. 

“En este sentido -continúa la curadora-, para la propia artista, ‘Portales’ es la serie que más cabalmente la representa, con la que se identifica con mayor nivel de contundencia hasta el momento. En ella confluyen con gran armonía elementos propios del diseño gráfico, sus dibujos que son casi como una huella dactilar; junto a la abstracción lírica y gestual y la geometría. Con esta serie la artista siente que finalmente encontró su propia impronta, que logró, luego de muchos años de búsqueda, desarrollar un lenguaje propio y único”, resalta. 

Definiciones 

Sintopía es una palabra que fusiona síntesis y utopía. Puede entenderse como un lugar de confluencia, de unión en un mismo espacio y tiempo. Un lugar donde no hay barreras ni límites. Mientras que la utopía representa lo inalcanzable y marca un límite entre lo real y lo imaginado, entre lo tangible y lo deseado. 

La Sintopía es un lugar de encuentro e intercambio donde todo puede suceder. La obra de Bradas es un lugar de confluencia, un encuentro de múltiples espacios y tiempos. Conviven en armonía el aquí y ahora, también su historia personal, e igualmente son un portal hacia otro tiempo y dimensión que están aún por venir.

Sobre la artistaBetiana Bradas, artista nacida el 10 de junio de 1976 en Rosario, Argentina, es una creadora multidisciplinaria cuya obra abarca pintura, fotografía y escultura. Comenzó su formación artística temprano y continuó aprendiendo de destacados artistas nacionales e internacionales. 

A lo largo de su vida, ha participado en cursos y talleres tanto en Argentina como en el extranjero, incluyendo programas de arte contemporáneo en instituciones como Sotheby's y Christie's, en Nueva York; Introducción a la Curaduría del Arte, en Berlín; como también Dirección de Arte en Buenos Aires.

Estudió bellas artes en la Universidad Nacional de Rosario, y culminó sus estudios recibiéndose en diseño gráfico y marketing. 

Su trabajo ha sido exhibido en numerosas ciudades alrededor del mundo, incluyendo Miami, Nueva York, Dubai, Venecia, Madrid, Amsterdam, Oxford, entre otras. Ha recibido premios y reconocimientos, como "The new best Artist"en Miami River Art Fair, EE.UU; y “Artista Destacada” en su pueblo natal, Chovet, Argentina. 

Sus obras se encuentran en colecciones importantes como el Museo de la Memoria de Rosario y el Museo de las Américas de Miami. Betiana Bradas es conocida por su versatilidad y su búsqueda constante de conocimiento en el mundo del arte.

Mauro Calderone es un artista que siempre está en movimiento, en la búsqueda de nuevas formas de expresión, porque sabe que en sus manos tiene una herramienta de comunicación importante. La realidad social, sobre todo local, son ejes centrales de sus trabajos en la actualidad, aunque eso “no sea lo que más vende”. Incluso se encuentra trabajando en una gran escultura que recuerda y homenajea a Clemente Arona, un joven venadense asesinado hace más de dos décadas en medio de una persecución policial.

Su primer acercamiento con la pintura fue en la niñez, al igual que lo hacen muchos chicos, era “lo que me gustaba”, recuerda. Sin embargo tuvo un paréntesis de varios años hasta que, por una situación fortuita, “en el 2009, 2010, me acerqué al Taller de Angélica Rochon y fue ahí que empecé a experimentar, desde otro lugar, el arte; retomé eso que había dejado en un momento, es decir que me volví a conectar con algo que no debí haber dejado”, expresó en diálogo con Sur24, considerando que los motivos por los cuales se alejó de las artes plásticas fueron la falta de posibilidades para potenciar ese gusto en la escuela primaria y la asistencia a una escuela técnica en el secundario (El Industrial), donde si bien había actividades humanísticas, era fuera de las propuestas curriculares; “era como oculto, porque existían el arte, la música y otros códigos no formales”, puntualizó.

Tras los primeros años en el Taller de Rochon, Calderone comenzó un proceso de formación con diferentes docentes, entre los que destaca a Oscar Poliotto. Además realizó varios seminarios con artistas y maestros de renombre a nivel nacional. “Esto hace que uno vaya encontrando un lenguaje, un código de comunicación propio. En mi caso es más desde el dibujo y la fusión con la pintura, que en definitiva es una sola cosa, una imagen visual; aunque para llegar a eso tuve que atravesar todo un proceso, que incluso queda evidenciado con el recorrido de mis obras desde el inicio hasta la actualidad.

Todo artista tiene baches en su carrera, momentos donde la inspiración no llega y las obras no salen. Para Calderone, la actualidad, atravesada por la pandemia, le ha puesto un freno a su dinámica con la pintura. “La pandemia no me generó motivación para pintar, sino todo lo contrario, me llenó de angustias. Es más, dejé de dibujar y pintar y me puse a hacer esculturas, como la obra que homenajea a Clemente Arona, a 20 años de su fallecimiento, que hice en la primera ola. Esa era una especie de deuda moral que tenía, como parte de la sociedad, con su mamá”, señaló. Se trata de un rostro, de grandes dimensiones, hecho con metales, y que será emplazado en un espacio público local, en el sector lindero a la Casa del Bicentenario, sobre calle 2 de Abril.

Actualmente también está trabajando en una técnica que lleva muchísimos años, como es pasar las esculturas a bronce. “Estoy haciendo los primeros experimentos en pequeñas piezas y viendo si lo puedo fundir en mi propio taller. Es todo un proceso de investigación y búsqueda para poder ir hacia atrás en las técnicas, incluso me interesa mucho más que lo digital o moderno, aunque no lo descarto”, comentó. Y añadió: “Este interés no es sólo por la estética o por la eternidad del bronce, sino rescatar algo que se hacía hace muchos años, que no se pierda. Además hoy es muy difícil sorprender con imágenes, que en un momento fue mi objetivo con la pintura, porque la era digital y sobre todo las redes sociales generan una superproducción de imágenes”.

“Hubo algunos trabajos que tenían un perfil más comercial, abordando temáticas como la música. Pero no quería estar atado a eso, porque ya que tenía que subsistir de otra cosa, preferí dejar al arte en un lugar de experimentación, alejándome de lo comercial, saliendo de una línea que en mi caso era de mayor confort y metiéndome en lugares más densos, en cuestiones sociales, temas existenciales, del ser humano, es decir, obras pesadas que muy pocos colgarían en el living de su casa”, exclamó.

“El artista es artista todo el día, es su forma de vivir”, afirmó Calderone, quien asegura que sumergirse en el mundo del arte le ha permitido ver la vida de otra manera, con otros colores, con otra luz y contraste. “Cuando te metés en el arte podés vivir mejor y lo utilizás al momento de elegir una cortina o el color de una puerta o al arreglar el jardín de tu casa. Te empiezan a interesar cosas que por el apuro y la situación particular te llevaban a vivir una vida sin belleza”, resaltó.

Hay artistas cuyos objetivos son grandilocuentes, llegar a exponer en galerías internacionales (en la mayoría con dinero se logra) o ser conocidos fuera de los límites de su ciudad. Para Mauro Calderone, lo principal es tener el reconocimiento local, por eso la obra en homenaje a Clemente Arona, por eso un mural cuando se cumplieron los 30 años de la apertura de Galpón del Arte, e incluso participó del movimiento MIA que tenía como principal fin contar con un espacio dedicado a la exposición artística (por ese entonces se propuso el viejo Hospital para que se convierta en una galería o museo de arte). “Soy una persona que valora lo local, poder tener un vínculo con los venadenses”, disparó.

“Hay artistas en Venado que son buenísimos y sería muy interesante que la gente los pudiera ver, que los chicos tengan acceso a obras de Angélica Rochon, Roberto Alfaro, Oscar Poliotto, Conti, Raies, Ethna de Caramella”, enumeró.

Uno de los momentos más lindos de la carrera de Mauro Calderone (tiene varios) fue cuando le regaló una obra suya a Luis Alberto Spinetta. “Fue en el principio de mi carrera, cuando estaba haciendo una serie de imágenes de músicos. Y como siempre fui un gran admirador de la música del Flaco, decidí, en uno de sus últimos shows, en la ciudad de Rosario, comunicarme con Jota Morelli con la idea de que Spinetta lo firmara, o al menos mostrarle lo que hacía, pero se lo terminé regalando. No sé qué habrá sido de ese cuadro, pero me quedó la foto y el abrazo”, concluyó.

Para conocer más sobre el artista pueden ingresar a su página web: www.maurocalderone.com o su facebook: Mauro Calderone Arte

NOTA PUBLICADA EN LA EDICIÓN IMPRESA DE SUR24 DEL LUNES 13 DE SEPTIEMBRE.