(Por Ignacio Amarillo) - Hoy, 29 de enero de 2026, el tango cumple una fecha mayor: el centenario del nacimiento de Roberto “Polaco” Goyeneche, una de las voces más personales, audaces y emotivas que dio la música argentina. A cien años de aquel chico de Saavedra que fue colectivero, taxista y mecánico antes de convertirse en cantor, su figura vuelve al centro de la escena con una serie de homenajes encabezados por Sony Music, sello que resguarda buena parte de su obra fundamental.

Nacido en 1926 en el barrio porteño de Saavedra, Goyeneche construyó una biografía de película: de manejar un colectivo de la línea 19 a convertirse en ídolo popular; de ser la voz rítmica y afinada de grandes orquestas a revolucionar el modo de decir el tango con un fraseo lleno de rubatos, silencios expresivos y una intensidad dramática inconfundible.

Apodado “El Polaco” por su cabello claro, fue un habitué de cafés y cabarés de la Buenos Aires nocturna, hincha fiel de Platense y símbolo de una bohemia que convivía, sin contradicciones, con un rigor profesional absoluto. Dueño de un registro de barítono y de una capacidad interpretativa fuera de serie, es considerado por críticos y músicos como uno de los cantores más grandes en la historia del género.

Su carrera despegó en los años 40, pero el gran salto llegó en 1952, cuando Horacio Salgán lo convocó a su orquesta. Allí comenzó a perfilarse un cantor distinto, con una musicalidad refinada y una forma de frasear que ya insinuaba su futura revolución.

En 1956 se integró a la orquesta de Aníbal Troilo, relación artística y afectiva decisiva. Con “Pichuco” grabó 26 temas y terminó de moldear ese decir arrabalero, conversado y profundamente humano que lo haría inconfundible. A comienzos de los 60, alentado por el propio Troilo, inició su etapa solista, donde su estilo se volvió aún más libre y expresivo.

En esos años trabajó con directores como Armando Pontier, Ernesto Baffa, Osvaldo Berlingieri y, de manera muy especial, Raúl Garello, figura clave en su consolidación como cantor solista. Más adelante llegarían sus hitos con Atilio Stampone, con versiones definitivas de obras como “Naranjo en flor”, “Maquillaje” y “Chau, no va más”.

También tuvo la audacia de grabar en 1969 “Balada para un loco” y “Chiquilín de Bachín” de Piazzolla y Ferrer, en pleno escándalo por la renovación del tango. Años después, en 1982, volvería a unirse a Astor Piazzolla en los recordados conciertos del Teatro Regina, registrados en vivo.

En los 80, aun con problemas de salud, Goyeneche siguió grabando y presentándose en vivo. Su figura fue redescubierta por nuevas generaciones, incluidos músicos del rock argentino, que vieron en él a un artista visceral y moderno. Participó en películas clave del cine nacional como “El exilio de Gardel” y “Sur”, bajo la dirección de Pino Solanas.

Discos como “El Polaco por dentro” (1985), con arreglos de Carlos Franzetti y un repertorio que iba de María Elena Walsh a Discépolo, mostraron su apertura estética. Él mismo lo consideraba uno de los mejores trabajos de su carrera.

Falleció el 27 de agosto de 1994, a los 68 años, pero su leyenda no dejó de crecer: calles, monumentos, una tribuna en la cancha de Platense y hasta canciones como “Garganta con arena” de Cacho Castaña mantienen viva su memoria.

En este año del centenario, Sony Music -heredera del catálogo RCA Victor donde Goyeneche dejó registros esenciales- impulsa una serie de acciones para redimensionar su figura y acercarla a nuevas generaciones.

El acontecimiento central será la reedición en vinilo de “¿Te acordás, Polaco?”, el álbum de 1971 junto a la orquesta de Aníbal Troilo. Considerado por muchos especialistas como uno de los puntos culminantes del tango, el disco vuelve 55 años después en su formato original.

La reedición respetará la portada, la contratapa y el orden de los temas tal como salieron en su edición original, y sumará nuevos textos con material sobre la trastienda del álbum, su contexto histórico y un análisis de su trascendencia artística.

Ese trabajo fue la continuación de un vínculo renovado entre Troilo y Goyeneche que había tenido un anticipo en 1968. En este LP redoblaron la apuesta, grabando tangos clásicos que la orquesta ya había inmortalizado con otras voces -como “Sur”, “Barrio de tango” o “Toda mi vida”-, pero que en la garganta del Polaco adquirieron una dimensión expresiva distinta, más introspectiva y dramática.

A lo largo de 2026, Sony también publicará en redes sociales una serie de videos temáticos dedicados a analizar los álbumes fundamentales de su etapa solista. Allí se pondrá el foco en títulos clave como: “Mensaje de tango” (1968), junto a la Orquesta Típica Porteña de Raúl Garello; “Personalidad y tango” (1974), con Atilio Stampone; “Piazzolla-Goyeneche en vivo” (1982); y “El Polaco por dentro” (1985).

Estos contenidos buscarán contextualizar cada disco, su repertorio y el momento artístico que atravesaba el cantor, funcionando como una guía para oyentes jóvenes y también como material de valor para los seguidores de toda la vida.

Las celebraciones se apoyan además en el trabajo de recuperación digital que Sony realizó en 2024, cuando puso en plataformas 20 álbumes completos de la etapa solista de Goyeneche (1967-1985), respetando el orden original, las tapas y sin agregar bonus tracks. Esa colección permite hoy recorrer de manera cronológica la evolución de su estilo, desde el cantor todavía ligado a la tradición orquestal hasta el intérprete libre, casi confesional, de sus últimos años.

A cien años de su nacimiento, Roberto Goyeneche sigue sonando actual. Su manera de decir el tango -quebrada, íntima, al borde del susurro o del desgarro- rompió moldes y abrió un camino que todavía hoy influye a cantores de todos los géneros.

El homenaje de Sony no es solo un ejercicio de memoria: es una invitación a volver a escuchar a un artista que hizo del fraseo una forma de verdad. Porque si algo dejó el Polaco, más allá de los discos y los mitos de la noche porteña, fue una forma irrepetible de contar la vida en tres minutos de tango.

El Museo Internacional de Arte (MIA) de Venado Tuerto presenta una mega muestra de la artista de renombre nacional, Mirta Narosky, titulada "Fragmentos que Respiran". 

La inauguración de la exposición será este viernes 17 de octubre, a las 20, en el museo ubicado en Casey 340. 

Esta propuesta artística invita a los asistentes a sumergirse en un universo sensorial, donde la geometría, el color y la emoción se entrelazan en una vibrante expresión de vida y arte.

En la ocasión, se le entregará un presente a la artista de parte de la Municipalidad de Venado Tuerto y de Cooperación Seguros, en el marco del 99° aniversario de la compañía. 

La distinción se enmarca dentro de los esfuerzos por apoyar al Museo de Arte MIA con el objetivo de promover la cultura local, nacional e internacional.

La muestra, que estará abierta de manera gratuita y libre al público, podrá visitarse en los siguientes horarios: martes, jueves y domingo, de 18 a 20.30, y los sábados de 10 a 12.30.

Según palabras de la autora, la exposición busca "reconectar con los fragmentos que componen la realidad, a veces rotos, otras veces fusionados, pero siempre respirando". Cada una de las obras exhibidas ofrece un profundo recorrido sensorial, invitando a los visitantes a un diálogo visual íntimo, donde las formas y los colores parecen cobrar vida propia. Las composiciones abstractas exploran temas como la percepción, las emociones humanas y la conexión con el entorno.

El evento contará con la presencia de autoridades locales, artistas y miembros de la comunidad cultural, quienes celebrarán el talento de Mirta Narosky y su aporte al arte contemporáneo argentino. 

Mirta Narosky nació en el seno de una familia atípica, donde su padre, ornitólogo, ecologista y escritor, y su madre, fundadora y directora de la Escuela de Bellas Artes de Lanús, fueron fuentes constantes de inspiración. Su hogar en Adrogué, un caserón con un patio andaluz y pavos reales sueltos en el jardín, fue un punto de encuentro para intelectuales que debatían sobre filosofía, arte y cuestiones sociales.

Desde pequeña, Narosky se destacó en el ámbito artístico, obteniendo premios de poesía y pintura a nivel nacional e internacional. Estimulada por sus padres, quienes apoyaron su talento y sensibilidad, ingresó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Plata, donde egresó en 1985 como Profesora Superior y en 1987 presentó su tesis obteniendo el título de Licenciada en Artes Plásticas.

A lo largo de su carrera, participó en exposiciones colectivas y realizó muestras individuales en varios países. Ha sido premiada en múltiples ocasiones, aunque no participa activamente en los certámenes. Su obra ha sido donada a diversas causas benéficas y ha pintado murales a lo largo del país. Además, ha ofrecido conferencias, pintado en vivo y formado a nuevas generaciones de artistas en su taller.

En el Parnaso del rock, hay figuras que brillan con luz propia, pero pocas alcanzan la magnitud de una estrella fugaz que, aun extinguida, sigue iluminando el firmamento. Hoy, 5 de septiembre de 2025, se cumplen 79 años del nacimiento de Farrokh Bulsara, el hombre que el mundo conocería como Freddie Mercury. Su vida fue un estallido de talento, teatralidad y una búsqueda incansable de la perfección artística.

Nacido en 1946 en Stone Town, Zanzíbar (hoy Tanzania), Freddie no solo fue el carismático líder de Queen, sino también un compositor y pianista de genio superlativo. Su voz, con un rango de cuatro octavas, podía pasar de la delicadeza más sutil a la potencia más desgarradora, convirtiéndose en el instrumento principal de canciones que marcaron a fuego la historia de la música.

Si hay una pieza que resume la complejidad y audacia de Mercury, es "Bohemian Rhapsody". Lanzada en 1975, esta canción de casi seis minutos desafió las convenciones de la radio de la época. Con su estructura operística, la fusión de rock, balada y ópera, y un solo de guitarra icónico de Brian May, la obra es un testimonio del atrevimiento de un artista que se negaba a encajar en moldes preestablecidos.

El tema no solo catapultó a Queen al estrellato mundial, sino que también demostró que la música popular podía ser un terreno para la experimentación artística sin límites.

La corona y la capa distintivas de Freddie Mercury. Reuters/Susannah Ireland

La carrera de Freddie Mercury fue un constante acto de transformación. Desde los glamorosos atuendos de los años 70 hasta las icónicas chaquetas de cuero y chalecos de la década de los 80, su estilo era tan mutable como su música. Pero más allá de la estética, Freddie fue un pionero en la performance en vivo.

Sus conciertos no eran solo recitales, eran experiencias totales, donde la conexión con el público era casi mística. Su manejo del escenario en el Live Aid de 1985, considerado una de las mejores actuaciones en vivo de la historia, es la prueba irrefutable de un artista en la cima de sus poderes.

La obra de Mercury sigue viva en cada generación que descubre la magia de Queen. Peter Roshler/ Reuters

Freddie Mercury nunca ocultó su bisexualidad, aunque tampoco la usó como bandera. Sin embargo, en una época menos tolerante, su figura se convirtió en un faro para muchos, demostrando que la autenticidad y el talento podían derribar cualquier barrera. Su legado trasciende el rock, convirtiéndolo en un ícono de la cultura pop y un símbolo de la lucha contra el estigma.

El 24 de noviembre de 1991, el mundo despidió a su estrella, pero el mito de Freddie Mercury no hizo más que crecer. Su obra sigue viva en cada generación que descubre la magia de Queen. Canciones como "Don't Stop Me Now", "We Will Rock You", "Somebody to Love" y "I Want to Break Free" son himnos universales que resuenan en estadios, fiestas y la vida cotidiana.

Su vida, marcada por la brillantez artística y una batalla final contra el VIH, es un recordatorio de que el arte, en su forma más pura, es inmortal.

(Por Juan Ignacio Novak) - "Nacido en un malvón, le hicieron el pañal, con media hoja de Clarín. Su barrio de latón, le dio para jugar los cuentos de una fea caperucita rea. Juanito que es rabón, que es bueno como el pan, a veces come su bondad".

El poeta Horacio Ferrer construyó esos versos, a los que puso música Astor Piazzolla, inspirado en Juanito Laguna, personaje creado por Antonio Berni.

¿Quién fue Berni? Una de las figuras centrales del arte argentino y latinoamericano del siglo XX. Alguien que sintetizó una permanente búsqueda de nuevas técnicas con la preocupación por las problemáticas sociales.

"Jacinto y sus canicas " serigrafía de 1961. Foto: Colección Santa Fe Arte

A 120 años de su nacimiento, la ciudad de Rosario le rinde homenaje a través de "Berni Infinito", una exposición que reúne piezas representativas e inéditas del artista.

La muestra, de acceso libre y gratuito, abrirá el 28 de marzo en el Museo Castagnino. Incluirá intervenciones, instalaciones y actividades interactivas para las infancias.

Curada por Cecilia Rabossi, "Berni Infinito" presenta una selección de 49 obras pertenecientes a colecciones públicas y privadas de toda la Argentina, que abarca distintos períodos de producción del artista.

Berni, nacido en Rosario en 1905, comenzó su formación artística en su ciudad natal y obtuvo una beca para estudiar en Europa, donde se impregnó de las vanguardias artísticas del momento.

"Niño con gorro de papel", óleo. Foto: Colección Santa Fe Arte

A su regreso a la Argentina, volcó estas influencias en una estética personal que unía el realismo social con el experimentalismo técnico.

"Luego de una decisiva estadía europea en la que frecuentó las innovaciones de las vanguardias, las tendencias del retorno al orden y las grandes tradiciones figurativas de Occidente, Antonio Berni regresó a Rosario a fines de 1931", escribió Guillermo Fantoni.

"Si bien siguió transitando las experiencias surrealistas que había cultivado durante el último tramo de su permanencia en París, rápidamente se encaminó hacia un nuevo realismo que se diferenciaba tanto de los precedentes decimonónicos como del realismo socialista", agregó.

Colección Castagnino+macro

Su serie "Juanito Laguna" y "Ramona Montiel" es una de las más valoradas del arte argentino. Con una técnica mixta (collage y grabado), Berni retrató la vida de los sectores más humildes, denunciando las condiciones de pobreza y exclusión.

Juanito, según información que consta en la página del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) es el hijo de un trabajador obrero, peón de la industria metalúrgica que vive en el barrio ubicado en el bañado de Flores.

Ramona, en tanto, es una joven de barrio que vive en el corazón de Buenos Aires. Según la misma fuente, vive agobiada por su trabajo de costurera y “seducida por los lujos y los esplendores, así como por las falsas promesas de ‘una vida mejor’, se vuelve prostituta.

Colección Castagnino+macro

Una parte de la muestra es "Manifestación", reinterpretación contemporánea de la obra de Berni realizada por el colectivo Mondongo, integrado por Juliana Laffitte y Manuel Mendanha.

En 1934, Berni pintó sobre arpillera "Manifestación", relacionada con el descontento social de la Argentina en plena crisis económica mundial.

Un siglo más tarde, Mondongo retoma esa pieza con una reinterpretación propia, replicando su formato pero utilizando materiales y símbolos contemporáneos, generando así un diálogo entre pasado y presente.

Fuera del museo, la exposición se expande al espacio público con "Los manifestantes", una serie de esculturas en fibra de vidrio realizadas por el artista Nicolás Panasiuk.

Télam

Inspiradas en la relectura de Mondongo sobre la obra de Berni, estas figuras tridimensionales permiten una interacción con el público y trasladan a los personajes del lienzo al mundo real.

La muestra también cuenta con una video-instalación inmersiva creada por Pez Cine y dirigida por Federico Actis.

Basada en el libro "Berni entre el surrealismo y Siqueiros" de Guillermo Fantoni, este documental recorre los años formativos del artista, desde su participación en salones hasta la obtención de la beca del Jockey Club de Rosario en 1925.

La proyección reconstruye su estancia en Europa, su regreso en 1931 y su rol en la creación de la Mutualidad de Artistas Plásticos en 1934, un hito en la organización de los artistas locales.

"Berni Infinito" es un tributo al maestro rosarino y una oportunidad para reflexionar sobre la vigencia de su obra y su incidencia en el arte contemporáneo.

Es la posibilidad de revisar a un artista que, como señala el portal del Museo Nacional de Bellas Artes, "unió sus intereses plásticos a su postura ideológica, cuestiones presentes en el carácter polí­tico y social de su producción".

(Por Juan Ignacio Novak) - Benjamín Franklin Rawson fue un artista clave en el desarrollo del arte argentino del siglo XIX. Nacido en San Juan, se dedicó a la pintura histórica, a la ejecución de retratos y en menor medida a las escenas costumbristas.

Su obra pictórica es un eco de la historia, las costumbres y los paisajes de su época. En este sentido, fue un talentoso testigo visual de una Argentina en formación, que reflejó personajes y acontecimientos que marcaron el destino de la nación.

"La cometa". Foto: Museo Castagnino + Macro

Como señala Virginia Agote: "la pintura de género histórico fue resuelta por Rawson manejando los diferentes niveles de alegoría y verosimilitud, como eficiente artefacto de comunicación de contenidos socio-políticos".

La formación de Rawson estuvo direccionada por la corriente academicista europea, predominante en la enseñanza artística de la época.

"Retrato de Juan Ramón Burzaco". Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

Sus maestros fueron Fernando García del Molino y luego en Santiago de Chile Raymond Quinsac Monvoisin, "ya integrado al círculo formado alrededor de Domingo Faustino Sarmiento", según indica Roberto Amigo.

Nora Campbell recuerda que el futuro pintor "fue alumno de Sarmiento en cultura general". Y agrega que el prócer observó sus condiciones vocacionales pictóricas y supo alentarlas.

"Retrato de Sarmiento". Foto: Museo Histórico Sarmiento

Rawson se especializó en retratos, sobre todo al óleo, de personalidades de la política y la sociedad argentina. En ellos, mostró tanto la apariencia de los modelos, como detalles de su personalidad y estatus social.

Políticos, militares y figuras de la cultura fueron inmortalizados por su pincel. Estos trabajos -según la mencionada Virginia Agote- van mucho más allá de la simple imagen representativa.

"Retrato de Eduardo Lahitte Uribelarrea". Foto: Museo Nacional de Bellas Artes

"Sugieren los sutiles modos de relación entre los miembros de las familias retratadas, el valor de la mirada en tanto comunicación puramente visual, las descripciones de objetos como portadores simbólicos de época, clase, sensibilidad", asegura la especialista.

Vanesa Téllez destaca su capacidad para "mostrar el mundo sobre un lienzo y en colores, sacar tantas emociones apeñuscadas y prestárselas para siempre a sus personajes".

"Asesinato de Maza". Foto: Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo

Otra vertiente significativa de la obra de Rawson son las escenas históricas. Representó episodios del devenir argentino con la premisa de exaltar el heroísmo y el sacrificio de sus protagonistas. Estas pinturas colaboraron en la construcción de una memoria visual de la nación en ciernes.

"Tomó de la historia contemporánea el material necesario para muchas de sus composiciones, como ‘El paso de los Andes’ y ‘La despedida del recluta de la Guerra del Paraguay’", señala al respecto el portal Arte de la Argentina.

"Retrato de la niña de la familia Sánchez". Foto: Museo Rawson

Paisaje y vida cotidiana también ocuparon parte de su producción. Sus pinturas de San Juan permiten observar la arquitectura colonial, las costumbres locales y los paisajes áridos de la región.

Alberto Sánchez Maratta sostiene en este sentido que Rawson, "desde su modesta provincia construyó algunos espacios sin otro recurso que la visualidad, imágenes que nos vienen a interpelar en la sala silenciosa del museo".

"Retrato de la familia de Cirilo Sarmiento". Foto: Museo Rawson

Entre las obras más destacadas del autor se puede mencionar el "Retrato de Domingo Faustino Sarmiento". En esta pintura, Rawson fue capaz de mostrar la determinación y la inteligencia del futuro presidente de los argentinos.

Otro trabajo en enorme gravitación es el "Retrato de Cirilo Sarmiento y su familia", óleo sobre tela de 1845. El cuadro incluye cuatro figuras: los adultos sentados en sillas, según el uso de ese tiempo y los niños están de pie junto a ellos.

"Repartiendo pan en la Cordillera". Foto: Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo

También son dignos de admiración su "Autorretrato", de 1838, "Repartiendo pan en la Cordillera", "Asesinato de Maza" y "La huida del malón". Entre las escenas costumbristas, es de destacar "La cometa".

El "Retrato de Eduardo Lahitte Uribelarrea", propiedad del Museo Nacional de Bellas Artes, lo ubica como un artista solicitado para los retratos de niños "en clara competencia con los fotográficos", según Roberto Amigo.

"El escobero". Foto: Colección particular Horacio Porcel y señora

Rawson falleció un día como hoy, 14 de marzo, de 1871. Sus pinturas forman parte de colecciones públicas y privadas, y son valoradas por su calidad artística y por su relevancia histórica.

"Escena de costumbres". Foto: Colección Jorge Castillo

Como indica Catalina Valdes Echenique, la obra de Rawson "articula varios ejes a la vez: un eje temporal que va del periodo colonial al republicano y uno geopolítico, que vincula por un lado a ambos costados de los Andes meridionales y por otro, a la provincia de San Juan con Buenos Aires. Se propone por ello como un interesante caso de convivencia de estilos y referencias artísticas".

(Por Juan Ignacio Novak) - "Cada mañana cuando me levanto experimento una exquisita alegría: la alegría de ser Salvador Dalí. Y entonces me pregunto entusiasmado '¿Qué cosas maravillosas logrará hoy este Salvador Dalí?'"

Pasaron más de 36 años desde la muerte de Dalí, en enero de 1989. Sin embargo, los que aman el arte se valen de su nombre para hablar de "provocación", "delirio" o, directamente, de "genialidad".

Diaphana Distribution

Cada aproximación a su figura, compleja, inasible, parece confirmar la misma premisa, obvia a estas alturas: Dalí fue más que un artista, una "construcción artística" en sí misma.

Con su bigote llamativo y su afán de exhibirse a la manera de un pavo real, fue alguien que, mucho antes de las aparición de las redes sociales, pudo atisbar la noción de "influencer".

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El 20 de marzo se producirá el estreno en Argentina de "Daaaaaalí!". Es una película que lo retrata desde la mirada de una joven periodista francesa (Anaïs Demoustier), que encara con el pintor un documental que nunca llega a realizarse.

El film reabre el enigma. ¿Cómo interpretar a Dalí en el siglo XXI? ¿Qué hay detrás de su teatralidad y sus extravagancias? ¿Hasta qué punto su arte sigue siendo una transgresión?

Dalí no creó el surrealismo, ese movimiento basado en lo irracional y onírico. Lo llevó sin embargo a un nivel de maestría visual con escasos precedentes.

Si André Breton veía en lo surrealista una pulsión poética, Dalí lo convirtió en una técnica depurada, basada en escenarios ilusorios, donde el tiempo se licúa y las figuras se retuercen en una pesadilla lúcida.

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Desde "La persistencia de la memoria", con sus relojes derretidos, hasta "El sueño", con esa cara sostenida por muletas, su obra busca desentrañar los mecanismos de la mente humana.

Su método ("paranoico-crítico"), buscaba vínculos absurdos entre elementos dispares. Él mismo afirmó: "Deme dos horas al día de actividad y seguiré las otras veintidós en sueños".

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En "Construcción blanda con judías hervidas", por ejemplo, un cuerpo deforme y retorcido anticipa el horror de la Guerra Civil Española con una crudeza premonitoria.

Dalí fue un artista en el sentido más radical. Sus trabajos no pueden separarse del personaje: paseaba hormigas en el bolsillo, hablaba de sí mismo en tercera persona (como Diego Maradona) y diseñaba muebles con labios de Mae West.

Todo estaba calculado. "Para comprar mis cuadros hay que ser criminalmente rico como los norteamericanos", dijo una vez.

"Construcción blanda con judías hervidas". Foto: Museo de Arte de Filadelfia

Esa teatralidad lo enfrentó con los surrealistas ortodoxos quienes lo cuestionaron por mercantilista. Dalí se proclamó "más surrealista que el surrealismo" y siguió su camino.

"La modestia no es mi especialidad. Dalí solo es bueno porque el resto de pintores son muy malos", afirmó en su arrogancia.

Más tarde, se adentró en la física cuántica, el misticismo y el catolicismo. Obras como "Corpus Hypercubus", con Cristo crucificado en un hipercubo flotante, muestran esa arista.

"Corpus Hypercubus". Foto: Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

Más allá de su desaparición física, Dalí no murió en 1989. Sigue vivo en la moda, en la publicidad, en el cine. Su estética influenció a artistas como el recientemente fallecido David Lynch y a diseñadores como Alexander McQueen.

Su rostro, de ojos siempre desorbitados, es un ícono pop igual de potente que los de Andy Warhol y Marilyn Monroe. Presente en grafitis, remeras y series como "La casa de papel".

"La persistencia de la memoria". Foto: Moma

La pregunta es: ¿qué más nos queda por descubrir en Dalí? ¿Cómo reinterpretarlo sin caer en el cliché del genio excéntrico? ¿Cómo revisar su obra bajo el prisma de las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías?

"Daaaaaalí!" permite ver al pintor más humano y fragmentado. No es la caricatura de siempre, sino un personaje que se jugó a su propia inmortalidad y que, tal vez, lo haya logrado.

"Yo soy en todo lo contrario de las fábulas. Especialmente de la del lobo y el cordero. Cuando amenazo con un proyecto se me cree por absurdo que sea", dijo.

"El sueño". Foto: Colección particular

En definitiva, Dalí no necesita ser redescubierto porque nunca estuvo oculto. Su obra está ahí, esperando ser descifrada por nuevas generaciones que quieran entrar en su laberinto. A riesgo de no poder (o no querer) salir de allí.

(Por Juan Ignacio Novak) - Cada 14 de febrero, el mundo celebra el amor a través de lo que se conoce popularmente como el día de San Valentín. Que fue, desde siempre, uno de los grandes motores del arte.

Inspiración de poetas, músicos, pintores y escultores, el sentimiento romántico tuvo en las artes un ámbito donde plasmar pasiones arrebatadoras, encuentros furtivos y promesas de amor eterno.

En esta fecha, cabe aludir a cinco obras maestras que celebran el amor romántico en sus múltiples facetas. También son una muestra de cómo la forma de representar el amor cambió a través de las épocas y las costumbres.

Esta pintura es un ícono del modernismo vienés y representa el amor en su forma pura y sensual. Los amantes están envueltos en un abrazo íntimo, rodeados por patrones dorados que dan idea de opulencia.

Para la especialista Emilia Bolaño: “es un ejemplo claro de 'periodo dorado' de Klimt, inspirado en los mosaicos bizantinos que habían impresionado al artista en su viaje a Rávena”.

Österreichische Galerie Belvedere

Alex Sala, en un artículo publicado por la revista National Geographic, escribió que la obra “es la culminación del particular y rompedor estilo artístico de Klimt, que se caracteriza por sus personajes lánguidos”.

Para Sala, esa era “una característica combinación de las dos y las tres dimensiones y el uso de materiales como el oro, que recuerda a las imágenes bizantinas”.

Esta obra, que se adscribe al movimiento surrealista, presenta a una pareja con los rostros cubiertos por telas húmedas, lo cual genera misterio a imposibilidad en el contacto físico. Representa el dolor o la prohibición en un amor invisible.

Museo de Arte Moderno de Nueva York

Miguel Calvo Santos: “Magritte también vuelve a uno de sus rasgos recurrentes: los velos húmedos aluden al suicidio de su madre, ahogada en un río. En la mente de un artista de 13 años quedó la imagen de la ropa húmeda tapándole la cara a su progenitora”.

Esta obra del rococó remite al amor clandestino y a la sensualidad propia de ese período. La escena, íntima, muestra a una pareja en un instante de pasión contenida: el joven amante, en un movimiento ágil, le roba un beso a su amada, quien parece atrapada entre la cautela y la entrega.

Los gestos de los personajes sugieren un juego de seducción típico de la literatura y la pintura libertina del siglo XVIII. Más allá del erotismo velado, la composición refleja la frivolidad y el hedonismo de la aristocracia previa a la Revolución Francesa.

Museo del Hermitage, San Petersburgo

Verónica Gómez en “La cámara del arte”, menciona que “los innumerables grabados de obras de Fragonard realizados y distribuidos por París poco después de la terminación de los originales, popularizaron en Francia ‘El beso robado’, aunque fuera más discreto que otras obras anteriores.

Creada por Egon Schiele hace casi un siglo, esta pintura expresionista muestra un momento de pasión física entre dos seres humanos.

La pose alude a “El beso” de Klimt mencionada anteriormente, pintada una década antes. Es que Schiele admiraba a su colega y lo había estudiado mucho.

Österreichische Galerie Belvedere

Miguel Calvo Santos: “El estilo expresionista de Schiele está intacto. La sábana blanca está revuelta y sobre ella retozan dos figuras que se funden en una”.

“El punto de vista es desde arriba y hay un gran dinamismo (cabellos ondulantes, inestabilidad, composición diagonal…). La mujer incluso hace uno de los característicos gestos con la mano de Schiele”, agrega Calvo Santos.

La temática de los amantes entrelazados es frecuente en la obra de Chagall, desde 1915. En relación a esta obra, que se conserva en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Kate Kangaslahti, señala que dentro de su repertorio de temas, la idea del amor extasiado ocupó un lugar preponderante.

Museo Nacional de Bellas Artes

“La apuesta permanente por el amor como una emoción triunfante frente a los obstáculos de la vida fue explicada por él mismo: ‘a pesar de todos los problemas de nuestro mundo, en mi corazón nunca abandoné el amor en que fui criado o la esperanza del hombre en el amor’”, agrega.

(Por Juan Ignacio Novak) - El pintor Antonio Alice dejó constancia de momentos históricos. Pero también fue capaz de dar cuenta, en sus obras pictóricas, de los detalles de un país en pleno proceso de formación. Nacido en Buenos Aires en 1886, atrajo la atención del maestro Decoroso Bonifanti cuando tenía doce años. Bonifanti, que había llegado a la Argentina para trabajar en un mural en el Hotel de Inmigrantes, era un reconocido maestro de artistas.

Por lo cual este encuentro fue el inicio de la formación de Alice, que culminaría con una beca para estudiar en Europa, donde absorbió las influencias de la Real Academia de Turín y ganó la Medalla de Oro en 1905.

En su retorno a Argentina, en 1910, empezó a moldear de a poco su reputación como un “pintor de historia”. Su primera obra en este género, titulada “La Muerte de Güemes”, fue premiada con la Medalla de Oro en el Certamen Internacional del Centenario. El propio Alice indicó “exploremos en la historia; busquemos en su venera inagotable motivos para nuestras creaciones. Por intermedio del arte, contribuyamos a difundir la historia de la argentinidad y daremos con ello un sano ejemplo de amor a la patria”.

Uno de los bocetos del trabajo.

Raúl Santana sostiene que “Alice -como todo gran artista- fue hombre de grandes debates interiores; testigo del nacimiento de un siglo que venía a convulsionar la ‘gran aldea’ con su incorporación de lo novedoso que exigía cada vez más al arte esas transformaciones que sólo pueden realizarse cuando el artista que acepta semejante reto, es capaz de vaciarse de sus anteriores articulaciones para facilitar otras, nuestro artista -a pesar de estar en posesión de todas las herramientas- no quiso modificar su propia temporalidad”.

“Es decir que Alice, más que el ‘hombre interesante’ orientado a las transformaciones estéticas del que nos habla Kierkegaard -que sería el que puede realizar aquella tarea del constante vaciamiento cuyo máximo exponente sería Picasso- fue un hombre fiel a sus convicciones, lo que le impidió adoptar esas transformaciones que la época le exigía”, agrega el especialista.

Bocetos que quedaron de aquel tiempo.

En las décadas siguientes, daría forma a una obra monumental: “Los Constituyentes del 53”. Este proyecto titánico le insumió doce años de meticuloso trabajo, desde 1922 hasta 1934. “En la meditación, la soledad y el desinterés, me encerré para realizar un ideal patriótico largamente soñado, y en cuya tarea empleé el espacio de doce años”, recordó una vez el propio artista.

Inspirado por un viaje a Santa Fe, donde el Congreso Constituyente de 1853 había sentado las bases de la República Argentina, enfrentó desafíos técnicos e históricos para poder alcanzar su meta. La demolición del Cabildo de Santa Fe, el edificio original donde se llevó a cabo la histórica sesión, presentó un obstáculo. Sin embargo, suplió esta limitación a través de una investigación que incluyó estudios de documentos gráficos y objetos de la época.

Bocetos que quedaron de aquel tiempo.

Cada uno de los pequeños detalles en “Los Constituyentes del 53” es una muestra del estudio preciso que realizó Alice y de su compromiso con la autenticidad. Desde la iluminación de las velas, que arrojan sombras sobre los rostros de los constituyentes, hasta la precisión histórica respecto a la vestimenta y a los muebles de la época, la obra “respira” verdad histórica. Cada figura, cada gesto y cada mirada son muestras de la intensidad del momento histórico al que se hace referencia, que fue crucial para el país.

Los bocetos preparatorios, muestran la planificación y la búsqueda de la perfección que caracterizó a Alice en cada etapa de su proceso creativo. Son más de cincuenta, al óleo, tinta y grafito, de retratos, gestos y manos. Inclusive, Alice bocetó al óleo el recinto de la Cámara de Diputados con la obra ubicada en el panel para la que fue pensada. “El observador tiene la impresión de estar espiando toda la escena por la mirilla de una cerradura, como si fuese un intruso que no puede esperar la resolución de la Asamblea”, señala un texto difundido en 2013 por el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, que conserva tales bocetos.

“Los Constituyentes del 53” va más allá de lo artístico: es un testimonio de la identidad nacional argentina. Adquirida por el Congreso Nacional en 1942, sigue siendo un símbolo tangible de la historia republicana, desde su ubicación en el Salón de los Pasos Perdidos de la Cámara de Diputados de la Nación.

José Galante, el cantautor venadense que participó de la primera instancia de Got Talent Argentina, emitido por Telefe, y que había pasado a la siguiente ronda del certamen con el “sí” de los cuatro jurados, cosechando buenas críticas hacia su performance, quedó eliminado por decisión de los mismos jueces, sin tener la posibilidad de presentarse a defender el logro obtenido. 

En el primer programa difundido por el canal, en el inicio de la actual etapa de cuartos de final, se mostró como Florencia Peña, Emir Abdul, La Joaqui y Abel Pintos eligieron a los participantes que competirán en estas instancias, ya que había 300 en competencia de los que solo, según dicen los jurados en el video, debían quedar 140. 

Entre los muchos que quedaron en el camino está José Galante. Sin embargo, pese al malestar por no haber podido defender su actuación tras a haber sido elegido por los cuatro jurados, el artista destaca la llegada de Got Talent a su vida como un ‘sacudón’ para despertar viejas pasiones un tanto relegadas e ir por más. 

En dialogo con Sur24, Galante puso en palabras sus sensaciones luego de lo ocurrido, mostrándose, por sobre todas las cosas, “agradecido a toda la gente de la región; a los amigos de Venado Tuerto y a las autoridades locales; la demostración de afecto y de apoyo que recibí fue inmenso. Si bien acá en Venado muchos ya me conocían, yo creo que Got Talent llegó para que más gente me conozca. Hoy cualquier presentación en algún lugar donde nunca haya ido se hace más fácil con el video de mi participación en el programa”.

“No quiero caer en la queja burda, porque no me manejo así y nunca fue mi manera”, lanzó el ex participante, agregando que “Got Talent vino a pegarme un sacudón y a despertar cosas que estaban dormidas en mí; cosas de mi carrera que si no hubiese sido por la adrenalina que generó Got Talent no hubiera arrancado nuevamente, lo cual agradezco también, porque uno a veces se pone en piloto automático, se acostumbra a ir siempre a un bar, al otro y no busca más allá. Estamos trabajando canciones nuevas con un productor de primer nivel y se vienen cosas lindas gracias a esto”. 

Sin embargo, el quedar eliminado sin tener el derecho a mostrar su preparación y sin poder defender lo hecho en aquel primer programa, es un sabor amargo, uno pendiente sin poder cumplir por decisión de otros. 

“Creo que tanto yo como muchos otros artistas teníamos la chance de volver a defender lo que fue nuestra primera participación, porque así lo habían decidido. Uno se prepara para esa participación, hace lo que tiene que hacer, se perfecciona y un llamado telefónico tira todo por la borda, diciéndote que el jurado decidió que vos no vas a estar”, dijo el artista, reflexionando: ¿Con que bases? ¿Con las que ya vimos todos?”.

Galante afirmó además que no hubo otro contacto con él y que lo único que los jueces tuvieron para evaluar fue lo que se vio en televisión. “No es que me hicieron otro casting puertas adentro y decidieron que no iba a estar, es lo que vieron todos. Tengo cuatro “sí”, ninguna “x”; si bien mi performance no fue exacta, todo lo que me dijeron para mejorar lo trabaje. Tenía chances de, al menos ser competitivo, y de repente un llamado diciéndote eso refleja que evidentemente no pasa por el talento, y sin desmerecer a mis colegas que están hoy, pero evidentemente pasa por otro lado”.

“Pensé que al ser un formato mundial iba a tener ciertas cuestiones que lo iban a diferenciar mucho de otros eventos similares, pero evidentemente sigue los mismos patrones que todos los concursos a nivel nacional”, criticó, subrayando: “Me dijeron cuáles eran mis problemas y mis partes flacas a mejorar, me preparé con una vocal coach de nivel internacional como es Romina Brizueña, que está en Buenos Aires, con quien invertimos tiempo y dinero y trabajamos específicamente en cuestiones que me habían marcado, pero queda en nada”.

Consultado por el contrato de vinculación con la productora del programa para dar consentimiento de la participación en dicho certamen, Galante afirmó que “hay un contrato, y yo lo respeté desde un principio, no difundiendo cuestiones del programa y demás, aunque no tengo una copia, porque te lo hacen firmar en el momento, cuando uno está con toda la adrenalina, palpando el sueño del pibe de salir en televisión. Seguramente ese contrato decía que esta instancia iba a ser así, pero no cambia nada; estando ahí, a un minuto de subir al escenario, todos lo firman”.

 “Se vienen un montón de cosas hermosas, y que la gente este atenta a nuestras redes, que no nos deje de acompañar por no estar en un programa. Los que me conocen saben que soy un inquieto y los que me conocieron a través de Got Talent sigan nuestras redes y sigan sumandos, porque uno trabaja con mucha dignidad y respeto por esta pasión".

Para conocer más del trabajo de Galante: 

https://youtube.com/user/contactojosegalante

www.instagram.com/josemgalante

www.facebook.com/josegalanteii 

La cantante irlandesa Sinead O’Connor murió a la edad de 56 años, según informan medios del Reino Unido. Su causa de muerte aún no se ha revelado.

La artista alcanzó fama mundial con su balada Nothing Compares 2 U en 1990, una de las canciones más destacadas de la década.

En un comunicado, la familia de O’Connor dijo: “Es con gran tristeza que anunciamos el fallecimiento de nuestra amada Sinéad. Su familia y amigos están devastados y han solicitado privacidad en este momento tan difícil”.

O’Connor había escrito en su página de Facebook a principios de este mes que se había mudado a Londres después de 23 años y estaba terminando un álbum que se lanzará el próximo año. También compartió planes para hacer una gira por Australia y Nueva Zelanda en 2024, y en Europa, Estados Unidos y otros territorios en 2025.

Durante más de 30 años, la cantante trató de sobrevivir bajo la mirada pública. Un descomunal talento para cantar, escándalos, problemas personales y tragedias la atravesaron.

El año pasado, su nombre volvió a los diarios tras el suicidio de su hijo Shane de 17 años. Otra desgracia, otro golpe devastador. A los pocos días fue internada porque sus allegados temían que intentara, una vez más, quitarse la vida.

En su último Tweet, O’Connor publicó una foto de Shane y dijo: “Desde entonces, vivo como una criatura nocturna no muerta. Fue el amor de mi vida, la lámpara de mi alma”.

Este 2 de junio no fue un día más para María Becerra, ya que alcanzó nuevamente el podio como la artista más escuchada en Argentina, de acuerdo al ránking que hace la plataforma Spotify.

“La nena de Argentina”, como ella misma se hace llamar se encuentra en la cresta de la ola luego de una serie de intervenciones.

Por un lado, con la presentación de “Te cura”, parte de la banda sonora de Rápidos y Furiosos 10, la nueva película de la saga. Precisamente, la artista argentina viajó a Estados Unidos y se reunió con el elenco encabezado por Vin Diesel.

Por otro, la salida de “Los del espacio”, la canción producida por Big One que dura 5 minutos y 38 segundos. Apenas dos horas tras la publicación del tema, el video llegó a acumular más de 48 mil reproducciones en Youtube.

“‘Los del espacio’ no volvieron, nunca nos fuimos”, escribió en sus redes sociales Enzo Sauthier, mejor conocido como FMK, un par de días atrás. Así, anunció el regreso del conjunto musical formado por las figuras más destacadas de la movida musical urbana actual quienes, además, son amigos y dieron los primeros pasos de sus carreras casi en simultáneo. Ellos son FMK, Tiago PZK, Duki, Emilia Mernes, Lit Killah, Rusherking y María Becerra.

Un año y medio tras el escándalo que provocó su separación, Becerra y Rusherking volvieron a reencontrarse, esta vez para grabar un tema y filmar un videoclip junto a los demás integrante de Los del espacio, el grupo musical que reúne a algunos de los nombres más destacados de la movida musical urbana nacional.

La nueva canción, publicada el jueves 1 de junio, ubicó entre las tendencias de Twitter a la agrupación, pero también a Rusherking quien, en su parte del tema, le habría tirado una serie de indirectas a su expareja.

Sin embargo, uno de los aspectos más comentados fueron los versos del joven oriundo de Santiago del Estero. Durante su parte, entonó: “Donde hubo fuego, cenizas quedan”. Dicha frase fue rápidamente asociada a su relación con “la nena de Argentina”.

Sumado a esto, los fans detectaron que, en el video musical, el artista cantó llevándose una zapatilla a la oreja como si fuese un teléfono, paso de baile que Becerra incluyó en la coreografía de “Ojalá”, la canción que le habría dedicado a él después de la infidelidad y que se volvió tendencia en TikTok.

Estos dos “palitos” hacia la cantante de “Qué más pues?” llegan justo después de que Rusherking, a semanas de anunciar el final de su relación de diez meses con Eugenia “la China” Suárez, volviera a seguir a su exnovia en Instagram, accionar que no pasó desapercibido para sus miles de fans y que fue interpretado como un intento de acercamiento.

Cabe destacar que, una vez separados, Rusherking comenzó una relación con la ex Casi Ángeles (luego se separó), mientras María Becerra se puso de novia con el músico Julián Reininger, más conocido como Rei, con quien sigue en pareja actualmente.

Nacho de Gran Hermano reveló que tuvo intenciones de conquistar a María Becerra, la artista del momento. La confesión la dijo en Fuera de Joda, el programa de streaming que Nacho lleva adelante junto a Julieta Poggio, Daniela Celis y Lucila “La Tora” Villar.

“¿No les pasó de cuando entraron a la casa saber que quizás estaban en el chat de algún famoso tirándole onda?”, preguntó La Tora. Ahí, Julieta confirmó que le escribía sin parar a Emilia Mernes, su ídola. “Perra, diosa, divina. Una vergüenza”, confesó entre risas.

Pero sin dudas fue Nacho el que causó revuelo con su confesión: “Me pasó que cuando salí de la casa y no lo sabe nadie, en 2016 o 2017 le contesté una storie a María Becerra diciéndole ‘sos hermosa’. Fue realmente hace mucho”, aseguró.

Y agregó: “Hace poco nos invitaron a la avant premiere de la película en donde ella estaba (Rápidos y furiosos) y la pasamos genial. Subí una historia, la mencioné y cuando entré al chat vi ese mensaje. Dije ‘¡no!’, y agarré y lo borré a la mierda”.

Por Gonzalo Zentner

El mural en tributo a Lionel Messi ha sido completado casi a la mitad. En los últimos días se comenzó a ver la tercera, la Copa del Mundo que Argentina conquistó en el Mundial de Fútbol Qatar 2022.

Los trabajos que comenzaron a mediados de marzo avanzan a buen ritmo sobre la pared oeste del edificio CAM 100, ubicado en la intersección de la avenida Alem con calle Las Heras.

La figura de Messi, las tres estrellas en la camiseta de la Selección Argentina, un niño que admira a su ídolo y otras ornamentaciones ya son visibles para el público. Pero ojo, el diseño no está terminado.

Según el propio artista, el trabajo está por la mitad, en un 50%. Consultado por El Litoral, Cobre explicó que está haciendo “blocking” para encontrar el color y forma dentro de la mural.

El proceso del artista continúa con lo que él denominó como la “cuarta franja”. Con esta etapa, estima completar la mitad del mural.

Al mismo tiempo, aclaró el muralista que lo que hizo hasta el momento fue trabajar con soplete y pintura . Posteriormente, vienen los aerosoles para lograr el hiperrealismo, la técnica que caracteriza a Cobre.

Al completarse la etapa mencionada, aparecerán más detalles en el diseño de la camiseta, la copa y el propio Messi que ahora sólo presenta tonos marrones, sin reflejos.

Resta entonces develar el misterio de esa especie de reloj ubicado entre Messi y el niño, lugar donde están pensadas sorpresas no reveladas por el autor de la obra.

“Hay muchos mensajes ocultos”, reconoció sin dar demasiadas pistas. Además, alertó que no es la única novedad escondida en el mural por lo que quedará para el público descubrir de qué se tratan.

La pintura tendrá 75 metros de alto por 40 mts, donde está la parte más ancha; según comentó el encargado del diseño a El Litoral.

Para el proyecto se usará trigonometría de color con los primarios, rojo amarillo y azul. Por su tamaño se utilizarán unos 600 litros de pintura (20 latas de 30 litros) para la base y unos 1000 aerosoles.

Según el diario francés L’Equipe, El Inter de Miami y el Barcelona estarían llevando a cabo una estrategia para hacerse con los servicios del capitán de la Selección argentina , Lionel Messi, una vez finalice su contrato con el Paris Saint Germain a finales de junio.

La supuesta estrategia consistiría en que Messi firmaría un contrato con el Inter de Miami, club de Estados Unidos y que es presidido por David Beckham, y sería cedido a préstamo de seis a 18 meses al Barcelona, por lo que el astro argentino tendría su regreso a la institución blaugrana después de dos años.

Esto le permitiría a Messi seguir compitiendo en el alto nivel europeo, al menos, hasta la realización de la Copa América 2024 que se llevará a cabo en Estados Unidos, para ya quedarse en el cuadro que milita en la Major League Soccer (MLS).

Hace unos días, el entrenador del Barcelona, Xavi Hernández, tuvo algunas declaraciones contradictorias sobre el regreso de Messi al conjunto catalán, cuando expresó que su vuelta “dependía solo de él”, aunque los hinchas y los jugadores querían su retorno para un segundo ciclo.

No obstante, en diálogo con un medio televisivo español, aseguró que la llegada de Messi al Barcelona está hecha “en un 99 por ciento” y que “no tenía dudas de que desde el punto de vista futbolístico, le llegaba volver”.

La destrucción de la estatua homenaje al bombero voluntario, que estaba enclavada en plaza San Martín, sigue generando indignación en toda la población, principalmente por lo que significaba: el reconocimiento a una institución y a los hombres y mujeres que la componen, quienes siempre están al servicio de la comunidad. Hoy, desde diferentes sectores, ya piensan en su reconstrucción o en la confección de un nuevo monumento.

La autora de esta obra fue la artista y escultora Nadia Menegosi, actualmente radicada en la ciudad de Merlo, provincia de San Luis, quien trabajó durante un año en esta estructura que finalmente se inauguró en el año 2017.

La artista junto a la escultura en el día de la inauguración, 3 de mayo del 2017. Foto: Gentileza TengoFotos.

Al enterarse de lo sucedido, contó en diálogo con A pesar de Todo (LT29) que “me dolió por lo que representa, el significado que tiene, que es para los bomberos”. Y agregó: “Estoy segura que no fue en contra de esta institución, de la escultura, sino una necesidad que tienen algunos de dañar cosas de los demás o de todos como es un monumento. De todos modos me parece una falta de respeto total”.

Consultada sobre la posibilidad de restauración, respondió: “Por las fotos, creo que es difícil que se pueda recuperar esta obra, porque lo que más se deterioró fue la parte que la sostiene. Me gustaría verla e intentar levantarla para llevarla a un taller”, reconoció. A su vez, se mostró predispuesta a desarrollar una nueva obra.

Destrozaron el Monumento al Bombero Voluntario en plaza San Martín

La escultora recordó que la estatua le llevó un año de trabajo aproximadamente. “La idea surge de los propios bomberos, de querer tener un espacio donde poder hacer sus homenajes. Desde hacía muchos años venían con ese deseo hasta que el proyecto empezó a tomar forma para convertirse en una realidad”, rememoró.

En primer momento se convocó a Raúl Bertolini para que se haga cargo de la obra. Sin embargo, estaba atravesando una enfermedad y enfocado en el último monumento que hizo (el de Cayetano Alberto Silva, emplazado en Sarmiendo y Juan B. Justo). “El propio Bertolini propuso que sea yo la que me encargue de la obra, incluso me llamó y tuvimos varios encuentros previos. Luego el Municipio me pide que la haga”, completó.

La artista recordó que le escultura cuenta en su interior con una estructura, “el alma”, como se le llama, de hierro de construcción, recubierta de cemento, arena y arcilla, que es lo que permitía ser moldeada. Además tenía un agregado de extralatex para que solidifique mejor.

“Es una estructura firme, difícilmente podía caerse sola. Incluso por lo que se ve en las fotos, se nota que fue golpeada, empujada o alguien se colgó”, planteó, considerando que si tres personas o más se subían a la espalda del bombero podía ceder.

“Si tres personas o más se subían a la espalda del bombero, podía ceder”, expresó Menegosi. Foto: Gentileza FM Dale!

Menegozzi recordó que esta escultura fue vandalizada en otras oportunidades. “Yo la restauré dos veces en lugares donde no se puede romper sola, como el sombrero o la cara. Era lógico que se subían, se colgaban o le tiraban piedras como en alguna oportunidad me mencionó el placero cuando me veía restaurándola”. Algo similar ocurrió con otros monumentos de plaza San Martín, como otra obra en madera que hizo Nadia y que representa la fuerza de la mujer (denominada Encantadora de Vuelos), el Venadito y hasta las letras corpóreas que sufrieron roturas y pintadas.

(Por Ana Inés Dobal) – Conocer y dar a conocer a los valores locales, es una materia pendiente para la sociedad de estos efímeros y veloces tiempos. Rufino cuenta con exponentes destacados a todo nivel y en esta oportunidad conocemos a Iris Noemí Bertello.

“Nací en Rufino en 1948, o sea, hace 74 años”, expresó sin titubeos para empezar, esta mujer de ojos claros y enormes, color esmeralda, que ni desde su silenciosa esencia, ni desde su arte sutil, logra pasar desapercibida a la mirada.

“Ser artista en Rufino (no sé cómo sería en otro lugar) es estar muy solo, pero solo acompañado por tu propia creatividad, y eso es más que suficiente para mí”, destaca Iris, revelando sus pasos andados y a poco de abrir las puertas de un taller donde mostrar y crear en contacto con amigos gustosos de su arte y compañía.

“Mi lugar se llama L’atelier y es para poder hacer y vender (si se puede) lo que produzco día a día, y estando en contacto con quienes gusten compartir conmigo y mi arte”, expresó sobre su espacio creativo ubicado en el centro de la ciudad -Av. Cobo 758- , y agregó: “El lugar es para pintar y reunirme con gente a la que le gusta estar conmigo y con el arte”.

“Siempre soñé con estar en un lugar como éste -mi taller- y ahora creo que no es suficiente… siempre estoy abierta a otras opciones, que no estén ligadas solo a las artes plásticas”, manifestó con plasticidad.

Hace poco tiempo fue invitada por el Jardín de Infantes Nucleado N° 50 a realizar una participación con alguna técnica artística, y lo hizo gozosa de nutrirse y compartir con las infancias, unas pinceladas entre los niños de la ciudad y en contacto con otros exponentes.

Entre sus obras se destaca siempre la impronta femenina y la femineidad en toda su infinitud, “cuando me expreso, no copio en forma realista, no me interesa, mis obras surgen de manchas, texturas o líneas que me sugieren formas -casi siempre femeninas- y a eso le añado expresión, trato de que la belleza prime, no me atrae lo grotesco, creo en el amor y la belleza”.

Los materiales que utiliza para sus creaciones son acrílicos preferentemente, aunque últimamente hace dibujos de tamaño más pequeño y, si le gustan mucho, los transforma en gigantografías.

Bertello: “Mis obras surgen de manchas, texturas o líneas que me sugieren formas -casi siempre femeninas- y a eso le añado expresión, trato de que la belleza prime, no me atrae lo grotesco, creo en el amor y la belleza”.

“Por el momento me atrae mucho viajar, con todo lo que eso significa, y se ve en las obras, que siempre se enriquecen. El mensaje que quiero dejar a los que les guste el quehacer artístico es que no lo abandonen, estoy convencida de que es una posibilidad de salvar al mundo de la alienación”, sentenció con certeza profunda para finalizar, convencida: “Los sentimientos, el amor y la belleza se mezclan y salen como un grito para hacernos despertar. Creo que eso es todo lo que puedo decir. No me gusta hablar, porque prefiero pintar”.

Así culminó la entrevista, fiel a su esencia, como siempre, y dando cuenta del amor al arte que la expande sin necesidad de abogar a las palabras, enriqueciendo a Rufino con su producción y sabiduría manifiesta en este lenguaje de belleza y singularidad, que nos hace tan únicos, y que siempre es valioso descubrir.

[vc_row][vc_column][vc_column_text]La artista venadense Luciana Canavagh, se encuentra en pleno proceso de elaboración de lo que será su próxima muestra. Bajo el nombre de “Todo cuerpo merece ser celebrado”, se prepara para llevar a todos los rincones posibles su nuevo trabajo donde el mensaje principal es comenzar a amar el “envase” que nos contiene.

Conocida como “Pintora de humanos”, contó a Sur 24 que apunta a analizar el cuerpo como “mi vehículo, mi patria, mi contenedor” porque “me gusta pensar que somos como Kogi Kabuto tripulando a Mazinger, esa chispita de vida que habita todo este coso lleno de cablecitos y perfecciones, emociones y lágrimas. Y caca, claro”.

En el 2020, en plena pandemia mundial de COVID-19, Luciana tuvo una historia particular. Las restricciones, cierres y confinamientos, casi que la “obligaron” a quedarse en Los Alpes italianos, en Locasca, Valle de Antrona. Terminó conviviendo durante mucho tiempo con una familia de amigos en un pueblo de once habitantes. Allí, siendo la pobladora número 12, en el reino de la naturaleza, surgió “Ogni corpo merita essere celebrato”, la consigna que inspira esta muestra.

Cavanagh, anticipó que habrá una selección de fotografías con textos y canciones que invitan a “viajar y repensarse”, desde la “hermosura, de ser, el yo soy, habitantes de un cuerpo” que merece ser “acariciado, encendido en colores y creatividad, como nuestros ancestros”. Estas pinturas corporales van a estar inspiradas en múltiples fuentes, fotografiadas para hacer de lo efímero algo tangible a través de un código QR y con la implementación de auriculares, un viaje visual y sonoro para celebrar nuestro cuerpo.

“Desde los pictos, a los selknam, a los cherokees y los shipibos. Pintados para el ritual, la guerra, la transmutación, para tomar valentía, para el paso al más allá”, ejemplificó.  

El arte salva  

Sobre su presente laboral, admite que “creo que estoy en el medio de mi carrera”, en una etapa que le gusta mucho. “Ya no sufro las inseguridades que tenía antes. Ya no me preocupa si va a gustar o no mi trabajo, si está bien hecho. Me interesa que llegue el mensaje positivo con respecto a la vida y la humanidad. Creo como dice Don Juan a Castaneda, ‘todo es cuestión de cambiar de perspectiva, el punto de anclaje’”.

Desde hace un tiempo comparte la experiencia de la pintura corporal en Círculos de Mujeres, organizados por su amiga Mariana Mina, en el islote Los Benitos, sobre el Río Paraná, en Rosario. El taller se llama “Cuerpo pintado, cuerpo sagrado”.

“La propuesta combina la información acerca de cómo nuestros ancestros se pintaban para ceremonias y rituales, una meditación para comenzar a amar este vehículo llamado cuerpo, el juego de pintarnos entre todas y la fotografía del cuerpo desnudo e intervenido”.

Asegura que esa experiencia, es “increíble” desde su perspectiva porque “cuando hay un grupo amoroso, que sostenga, las cosas más hermosas pueden acontecer”, valoró. Entiende que “todavía me falta llegar a más lugares y personas”, como por ejemplo hacer una gira por el país con esta muestra en la que está trabajando.

Evolución en Europa

“Laboralmente siento que evolucioné de aquella pintora de hace unos años. Estuve en Europa estudiando, trabajando (previo a la pandemia) y adquirí mucho conocimiento y experiencias. Los viajes enriquecieron mucho mi imaginación y mis pinceles. Aprendí de distintas personas y lugares históricos (hasta se cruzó a Alejandro Jodorowsky en Paris). Realicé body paitings en lugares que no me hubiera imaginado antes, como la nieve o el verano alpino”.

Y agregó: “En estos últimos tiempos aprendí italiano y estuve compartiendo talleres de maquillaje y cuidados orgánicos de la piel en los Alpes, pegado a Suiza, ‘parlando’ todo en italiano. Sigo siendo aprendiz, me encanta, los desafíos de una lengua nueva, de una palabra desconocida. Por eso espero que la vida me siga sorprendiendo con toda su magia”.

Finalmente, reflexionó: “Espero llegar a terminar mi muestra para este año. También estoy trabajando en un libro que está en proceso de diseño y luego edición, un proyecto que me tomó su buen tiempo. Seguiré pintando seguramente hasta el último minuto del año. El arte salva, lo afirmo, porque a mi me salvó y me lleno de buena energía y amor”.

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/6″][/vc_column][vc_column width=”2/3″][vc_gallery type=”flexslider_slide” interval=”3″ images=”55228,55227,55226,55225,55222,55221,55220,55219,55218″ img_size=”full”][/vc_column][vc_column width=”1/6″][/vc_column][/vc_row]

La cantante italiana Raffaella Carrà , fallecida este lunes a los 78 años, fue recordada durante toda la jornada en los más diversos portales del mundo por su brillante carrera artística, que comenzó desde muy joven en Europa, y desde 1978, también se proyectó en América, donde obtuvo un éxito descomunal desde su primer desembarco.

En ese debut asistió al programa chileno Sábado Gigante y realizó numerosos conciertos en estadios y teatros. La histeria de los fans fue tal que Carrà debía salir a la calle siempre con varios guardaespaldas.

También a fines de los ’70 visitó, en una de sus tantas giras por Argentina, la provincia de Santa Fe. Y el miércoles 17 de octubre de 1979 se presentó en la ciudad capital ante unas 8 mil personas en la cancha de fútbol del Club Atlético Unión. El Litoral cubrió aquel acontecimiento y al día siguiente contó que la mujer cambió 16 modelos de vestidos y completaba el escenario con nueve bailarines.

“Apenas bastó un instante para que ese raro magnetismo, esa simpatía y esa gracia desbordante que distingue a Raffaella Carrà  atrapara al público. Durante una hora y quince minutos, la intérprete cantó, bailó, se contorsionó junto a sus compañeros”, detalló la crónica del diario referente de la ciudad capital.

Unos días después, a fines de octubre del ’79, la diva brindó un espectáculo artístico de alto nivel -muchos venadenses aún lo recuerdan a pesar de los 42 años transcurridos- en el Parque Español, ante unas 2 mil personas que corearon todos sus hits y aclamaron a la estrella italiana, por entonces en la cresta de la ola, no solo por sus masivas presentaciones ante el público, sino también por la notable venta de discos que batía todos los récords.

El semanario venadense La Ciudad reflejó el lunes siguiente la crónica del show de unos 70 minutos de duración, destacando el aspecto artístico, en lo musical, lo escenográfico y lo coreográfico, aunque incluyendo algunas críticas a la estrella y sus promotores ante la terminante negativa a brindar entrevistas a la prensa, más allá de una nota telefónica con la radio. También el cronista del citado semanario consideró escaso el acompañamiento del público en función de la fuerte inversión del Club Talleres para la organización de un espectáculo de relieve internacional.

Las imágenes utilizadas corresponden a copias escaneadas del semanario La Ciudad (30/10/79) disponibles en el Archivo Histórico Digital (www.archivohistoricovenado.com.ar)

Por Ana Inés Dobal

“Mi arte está influenciado por el cómic japonés, que recibe el nombre de manga, aunque con una cuota de estilo libre”, así describe su trabajo la joven rufinense especializada en el cómic nipón. Evidentemente la interconectividad en la que muchos niños han crecido, se manifiesta hoy, en adultos que son ejemplo de esa interculturalidad manifiesta en infinidad de formas, cercanía y mixtura que antes de la llegada de internet, hubieran sido la expresión de una película de ciencia ficción.

Desde muy pequeña Florencia se sintió atraída por las caricaturas, le gustaban mucho los Looney Tunes, las Tortugas Ninja y la película del Rey León. Tiene presente el recuerdo de haber expresado en un trabajito del jardín de infantes de “qué quieres ser cuando seas grande” que quería ser veterinaria o dibujante. A partir de ahí, sus recuerdos más presentes de aprendizaje en relación al dibujo fueron con su abuelo paterno, Fortunato Palacios.

Dibujar cómics es como cualquier arte, describe, es una rama del dibujo, que al mismo tiempo, tiene subdivisiones: el manga, el cómic americano, la caricatura, etc. Existen tantos géneros de cómic, como géneros de música. Por eso es que cada una de estas partes, tienen sus características propias, sus grados de dificultad, sus técnicas, etc.

“No considero a ninguna mejor que otra, ni a ninguna más fácil que otra; si bien es cierto que algunas tienen un grado de complejidad mayor en el dibujo, como en el caso del cómic americano, no es para nada fácil pensar en una idea en 4 viñetas o menos, que haga reír a la gente como en el caso de las tiras cómicas. Por eso siempre respeto a cada una de estas disciplinas, y admiro sus diferentes grados de complejidad, y aunque no me especialice en ellas, me gusta mucho aprender de sus técnicas y características”, profundizo la joven artista distinguiendo y valorando cada tipo.

El manga es la historieta que se ve luego en formato de anime. En Japón el término se emplea para los cómics en general, mientras que aquí se utiliza para denominar al estilo de cómics netamente nipón. Desde la década de los ’80 comenzó a tener mucha fuerza en occidente, y se considera a Osamu Tezuka (Astroboy – Kimba el león Blanco) el padre del manga moderno. Hoy es uno de los géneros más elegidos por los jóvenes para crear cómics, y si bien el anime tuvo una fuerte presencia en Argentina en los ’90, desde la época de pandemia y confinamiento, ha vuelto a tener un fuerte impacto en los más jóvenes y los niños.

“Escogí el manga por una cuestión visual y narrativa”, exclamó la ilustradora rufinense. “Empecé haciendo cómics de manera oficial en enero de 2018, con un cómic que actualmente sigo publicando llamado “Pazuzu”. Hice dos capítulos piloto para ver la respuesta de la gente, y me pidieron más de la historia, por eso es que continúo trabajando en él, con 19 capítulos hasta la fecha. Hoy, para mí Pazuzu es sólo una evidencia de mi evolución; si comparamos los capítulos se ve una evolución grande a nivel narrativo y gráfico en los 3 años en lo que llevo trabajando en él, por lo que no lo tomo como algo profesional, sino como una historia a la que le tengo afecto y a la que quiero terminar por una cuestión personal, pero no lo considero como un trabajo profesional”, detalló Florencia en relación a su camino y producción artística.

“Mis papás trabajaban mucho en aquella época, y yo me quedaba en casa de mis abuelos. Y mi abuelo siempre hizo foco en mis dibujos; en aquel tiempo para mí no era más que un juego, un pasar tiempo juntos. Pero de adulta, comprendí que jugando, me estaba enseñando a observar, a emplear técnicas, a imaginar”, compartió Flor sobre su infancia y agregó: “Mi abuelo me contaba cuentos y me pedía que se los dibuje, me hacía observar los árboles, los objetos en relación a otros, me pedía que dibuje de memoria animales, y que también haga retratos de él y mi abuela. De adulta también me cuentan, que mi abuelo era un gran dibujante y artista, cosa que desconocía cuando era pequeña. Perdí a mi abuelo cuando tenía 7 años, pero seguí dibujando casi a diario. A mis 12 años había creado mi primera historia, con un universo, personajes, y una historia que escribí en 8 o 9 cuadernos escolares, pero que nunca salió de esos cuadernos”.

Inspirada durante su pre adolescencia en Jamie Hewlett (Tank Girl – Gorillaz) y Jhonen Vasquez (Invasor Zim – Johnny the Homicidal Maniac), Florencia fue creciendo y ganando destreza y conocimiento en relaciona los diferentes estilos y ganando también un estilo propio bien definido. “En mi actual estilo de dibujo aún se ven sus influencias a pesar de estar direccionado al manga. A medida que me convertí en adolescente, Inio Asano (Oyasumi Punpun – Solanin) y Masashi Kishimoto (Naruto) fueron mis influencias más fuertes”, comentó la joven artista.

Destaca que tuvo la suerte de conocer al ilustrador Oscar Arcuri residente de Rufino y oriundo de Buenos Aires, quien la introdujo al mundo de los cómics, con conceptos que hasta ese momento ella desconocía (no tenía pc ni podía acceder a la información tan rápido como hoy). “Me ayudó a aprender algunas técnicas muy nuevas para mí en ese momento. Hasta hoy a pesar de estar en diferentes ciudades, mantenemos contacto y una relación de maestro-alumno muy sólida. En ese tiempo elegí dedicarme al estudio y la práctica del manga, con libros, ejercicios y conociendo a otros chicos con los mismos intereses que yo, siempre algo nuevo nos enseñan las nuevas personas”.

Flor tuvo el interés de estudiar varias carreras: Bellas Artes, Filosofía, Pedagogía, Historia, pero termino abandonándolas a todas ya que cuando llegaba a tercer año la invadían sentimientos encontrados y no era lo que de verdad quería. En sus propias palabras: “Veía el estudiar una carrera universitaria como una pérdida de tiempo, no era lo que me haría feliz, incluso teniendo que poner en juego el factor laboral y económico. Me sentía vacía si no podía dibujar, y terminé dejando todo para tener ese tiempo para dibujar, a la par de los diferentes trabajos que tuve en aquella época”.

– “En 2018 gano una convocatoria en la revista Usaka de México con un Oneshot (historia a…historia autoconclusiva) y le abrió las puertas para en 2020 comenzar una serialización de una historia llamada “Girasol Nocturno” de 3 tomos que continúa publicándose hasta la fecha”.

– “En 2019 obtuve una mención honorífica con otro Oneshot en la revista Kokoro! De México, y a finales del mismo año, con otra historia, una mención y publicación en la revista Patito Black de México”.

– “En el año 2020 gano el 1er y el 3er lugar en la convocatoria anual de la Crack Bang Boom, reconocida convención de carácter nacional e internacional que se celebra en Rosario”.

– “En la actualidad me encuentra desarrollando un cómic con un autor de Guatemala, estando a cargo del guion y la supervisión, y mi colega de las ilustraciones”.

Además de expandirse de manera sostenida desde sus inicios a nivel artístico y de modo marcadamente comprometido, flor florece a través de sus publicaciones y trabajos tras frontera en un camino que no parece tener punto de llegada. Es una persona tranquila, segura y muy fuertemente plantada en sus elecciones y deseos, y eso, evidentemente, ha guiado su destino de crecimiento hasta aquí. La joven artista brinda sus saberes a la comunidad de Rufino trabajando en el dispositivo Envión y en el espacio holístico Ser y Crecer de la ciudad, dictando clases de dibujo.

“A la hora de hacer manga, tanto para proyectos profesionales como cuando dicto las clases a mis alumnos, busco que quede plasmada siempre la cuestión de los sueños, de las metas personales. Nunca tuve los elementos para trabajar en un cómic, hasta hace unos años, no contaba con PC ni tableta de dibujo y eso siempre me hizo sentir limitada”, contó, “pero me decidí a intentarlo de modo tradicional y con lo que conseguí en donde vivo y funciono: Hojas A4, lápices comunes, fibrones escolares y yendo a librerías a escanear el trabajo. Comprendí entonces que a veces son excusas las que nos ponemos antes de intentarlo para después sacar conclusiones”.

“Por eso me gusta estimular los deseos de otros a seguir sus sueños. Toda mi vida mantuve y mantengo la premisa de que no sólo hemos venido a la vida a cumplir expectativas culturales o sociales, tengo por filosofía lo esencial de no abandonar lo que nos apasiona y lo que nos hace felices, independientemente de la corriente o disciplina que nos llame. El dibujo me ha dado mucho, colegas, experiencias, amigos de muchos lugares del mundo, y también el aprendizaje de la disciplina, del esfuerzo, de la dedicación”, reflexionó Palacios y concluyó: “Mi meta es seguir creciendo, seguir aprendiendo y expandiendo mis conocimientos. Día a día estudio algo relacionado al arte del cómic, o aprendo de colegas, o sumo algo a mi trabajo. Si bien el cómic en la era digital no tiene fuerte repercusión, el ambiente ha crecido en los últimos tiempos. La mayoría de la gente de mi ciudad desconoce mi trabajo, pero la verdad eso no me genera molestia, siento que hago esto por amor a la disciplina, no tanto por reconocimiento”.

Visibilizar el trabajo dedicado y admirable de grandes artistas que crecen silenciosos en la intimidad de sus computadoras o en la inmensidad de las redes sociales, resulta imperioso. Reconocer y valorar a personas que siguen sus sueños, reconocen sus dones y se atreven a dedicarse incansables a aprender y crecer en el marco de comunidades pequeñas, es parte de la tarea de comunicación que “nos hace falta, que nos hace bien”.

Krapodina y sus burbujas. Foto: Dante Cusumano

Gretel Folmer es actriz, payasa y comediante. Con sus personajes ha logrado recorrer cada uno de los escenarios de Venado Tuerto y gran parte de la región divirtiendo a grandes y chicos. Sin embargo, al igual que a muchos artistas que viven de su profesión, la pandemia por Civid-19 la afectó, los llenó de incertidumbre y obligó a tener que reinventarse para poder seguir adelante. Mientras espera poder volver a los escenarios, sigue buscando diferentes alternativas para poder seguir robando sonrisas, porque considera que “hoy es más necesario hacer reír”.

“Estos tiempos se atraviesan con mucha incertidumbre. Yo soy una persona que vive del arte, no tengo otro ingreso, por eso todo este tiempo fue muy complicado, como lo fue también para muchos de mis compañeros. Incluso siempre siguiendo y prestando atención a las medidas restrictivas que se iban tomando para ver qué se puede y qué no. También estoy todo el tiempo tratando de reinventarme, probando cosas nuevas, sobre todo en tiempos de pandemia, aunque muchas veces las ideas se van terminando”, comentó en diálogo con Sur24.

El año pasado, cuando arrancó la pandemia, Gretel se tomó como un desafío tratar de entretener, por eso “hacía un vivo casi todos los días a través de Instagram. Me di cuenta que era muy necesario, que la gente necesitaba esa distracción, por eso me lo había tomado como un compromiso con la gente. Lo hice por bastante tiempo hasta que me cayó la ficha a mí de que venía para largo el tema con los temores lógicos del momento”, relató. Y añadió: “La angustia misma no me dejó seguir, fui haciendo estos vivo cada vez más espaciados”.

A su vez Gretel empezó a incursionar en los saludos personalizados a través de videos. “Me puse a grabar videos por cualquier motivo, cumpleaños, aniversarios, con distintos personajes, aunque la que más salió fue Krapodina para los chicos. Ahí tuve otros desafíos, como por ejemplo aprender a editar videos”, contó.

Cuando las aperturas comenzaron a llegar, comenzó con las serenatas personalizadas, donde las personas recibían un pedacito de arte desde la ventana. “Hice burbujas, visitas de La Olga para el día de la madre para mujeres que estaban aisladas o guardadas. Eso estuvo buenísimo”, recordó.

El Covid también golpeó fuertemente a Gretel y su familia, porque en el mes de septiembre falleció su hermana, Estefanía a raíz de esta enfermedad. Esta dolorosa situación “cambió mi año completamente, había comenzado con mucha energía y con ganas de hacer reír”, cuenta, porque durante un tiempo su constante sonrisa se desdibujó y no “pude seguir haciendo cosas ni para mí ni para otros”. Los videos divertidos se convirtieron en publicaciones que llamaban a la reflexión de la ciudadanía y el pedido de cuidarse y cuidar a los demás.

Stella y Susana. Foto: Gentileza

“Hoy es más necesario hacer reir”, afirma la artista, aunque reconoce que “es probable que sea más difícil”, no sólo por la pandemia, sino porque “hay temas que los humoristas en general nos hemos tenido que replantear y me parece perfecto que sea así, sobre todo en lo referido al género, violencia, bullying u otras cosas que antes nos hacían reír y que ahora no. Esto nos invita a pensarnos más, que está bueno pero es un ejercicio que no estábamos acostumbrados a hacer”.

“Cuando se abrieron las salas culturales y empezamos a hacer las primeras funciones con público veíamos que la gente se reía muy fácil, tenía muchas ganas de reírse y nos agradecía mucho. Estas son las cosas que no hacen extrañar tanto los escenarios, ese ida y vuelta que uno tiene con la gente. En particular también extraño la comunión con Ivana Strenitz, mi compañera, con quien, aparte de trabajar, nos divertimos y jugamos mucho en escena, logrando un momento mágico con la gente”, indicó.

Artista tiempo completo

Gretel es terapista ocupacional, trabajó un tiempo en consultorio hasta que se dio cuenta que requería de herramientas para trabajar con niños. Eso la llevó al teatro, dando sus primeros pasos con Andrea Soldini, Horacio “Ñoti” Martínez y Sapicán Malatesta como profesores. “Me di cuenta que me gustaba mucho trabajar con niños, por eso en la primera gran inundación en Santa Fe armé un número de clown para llevar a los comedores”, recordó. Durante un tiempo ejerció las dos profesiones hasta que “dejé el consultorio para dedicarme a la actividad artística y me especialicé en eso primero como payasa y luego como comediante”.

La Olga. Foto: Pablo Salinas.

Para Gretel, el personaje que contiene la esencia de su persona es Krapodina (una payasa que hace maravillas con burbujas), que “soy yo puesta bajo la lupa, porque el clown hace ese trabajo, bucea hacia las profundidades de cada uno hasta llegar a lo que cada uno es. Potencia el payaso que todos llevamos dentro”, asegura.

Asimismo agregó que “otro personaje que yo quiero mucho es La Olga (una sexagenaria vecina de barrio) porque va en todos lados, siempre tiene algo para decir. Con la Stella (toda una vedette que habla todo el tiempo de sexo) lo que me pasa es que tengo mucha empatía con las mujeres, dice lo que muchas piensan y no se animan. Por eso son como los tres personajes con los que más trabajo”.

Al momento de elegir entre dos de sus propuestas -el sexo o las burbujas, Stella o Krapodina- respondió: “Me gusta rodearme de niños, porque son una fuente inagotable de magia y milagro. La infancia me parece un mundo fascinante. Por otro lado, el tema del sexo me he dado cuenta que hay una necesidad de abordarlo, porque el humor permite decir cosas que de otro modo no lo haríamos”.