(Por Juan Ignacio Novak) - Hoy se celebra el Día de la Constitución Nacional, en conmemoración de la aprobación de tal documento, que se produjo en Santa Fe en 1853. Efeméride adecuada para revisar los pilares de la nación: la democracia, la educación pública y la identidad cultural forjada como crisol de razas.

En ese contexto, cabe evocar unas palabras de Jorge Taverna Irigoyen, publicadas en El Litoral el 30 de abril de 1978. Se refieren a la dimensión cultural de una obra vinculada estrechamente con la Carta Magna, que se titula "Los Constituyentes de 1853", del pintor Antonio Alice.

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El cuadro, de dimensiones monumentales (5,40 por 3,60 metros), fue durante años considerado el mayor óleo de caballete del país. Pero su escala va mucho más allá y se hunde en el terreno de lo simbólico.

Igual que Eugène Delacroix, que trabajó sobre la identidad francesa en "La libertad guiando al pueblo" y Goya trató de indagar un hecho traumático español en "El tres de mayo de 1808", Alice intenta dejar constancia del día en que la Argentina comienza a pensarse como Estado moderno.

Alice en su atelier. Foto: Archivo

Para José León Pagano, se trata de "una proeza de largo respiro", una definición que Taverna recuperó en 1978 para subrayar la profundidad conceptual y técnica del artista. No hay improvisación, sino disciplina, estudio y una vocación épica por representar lo fundacional.

El análisis de Jorge Taverna Irigoyen se detiene en la composición, realizada de una manera casi quirúrgica. La escena nocturna, presidida por el general Ferré, sentado de espaldas, organiza un espacio donde palabra y gesto adquieren un peso histórico.

Los congresales, distribuidos en una arquitectura de cuerpos y miradas, escuchan al orador que domina la escena. En el fondo, la figura del doctor Seguí emerge como un eje visual que ordena la perspectiva.

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Pero lo que verdaderamente fascina al crítico de El Litoral es la atmósfera. "Una tonalidad dorada, con acentos rojos, verdes y violáceos", que ilumina y dramatiza.

Uno de los aspectos que subraya Taverna es el método de trabajo de Alice. Para pintar la escena, el artista reconstruyó el Cabildo de Santa Fe en un diorama: muebles, vestimentas, disposición espacial.

Esa acción, reflejo de una personalidad meticulosa, da idea de una concepción del arte como herramienta de memoria. No se trata de pintar el pasado, sino de hacerlo verosímil, tangible, casi habitable para las nuevas generaciones.

Boceto de "Los Constituyentes del 53". Foto: Museo Rosa Galisteo

En ese sentido, la obra se inscribe en una tradición de pintura histórica que en Argentina buscó fijar imágenes fundacionales, pero lo hace con una exigencia plástica que la distingue. La "severidad del montaje", como la define Taverna, supone rigor.

Cada 1 de mayo, cuando se conmemora la sanción de la Constitución Nacional de 1853, el foco suele estar en lo jurídico o lo político. Sin embargo, la lectura de Taverna Irigoyen propone otra mirada, que es la cultural.

Porque la Nación no se construye solamente en base a leyes, sino también a través de imágenes. Y en ese mapa simbólico, la obra de Antonio Alice ocupa un lugar central.

Autorretrato de Alice. Foto: Museo Sívori

Hay algo en Los Constituyentes de 1853 que resiste el paso del tiempo. Su ambición, su profundidad o, como sugiere Taverna Irigoyen, esa "hondura testimonial" que convierte al cuadro en algo más que una representación.

La Casa de la Cultura de Mar Azul ( dependiente de la Municipalidad de Villa Gesell) será escenario este lunes 9 de febrero de una doble propuesta artística a cargo de la poeta, investigadora y artista visual venadense Moni Muñoz, titulada “Mujeres que dialogan con el mar”, la cual ya fue presentada en la ciudad de Venado Tuerto. 

Se trata de una instalación sensible y participativa que pone en diálogo al mar y a las mujeres como territorios de memoria, identidad y transformación.

La instalación reúne pinturas, fotografías, objetos y palabras que se interceptan, confluyen y también se distancian, componiendo una narrativa abierta, en la que el público tiene un rol activo. La obra invita a quienes la visiten a sumar dibujos y escritos, convirtiéndose en coautores de un relato en permanente construcción.“De sus conversaciones solo tendremos algunos momentos. Aquello que falta lo lleva el viento hasta los ojos y oídos de les espectadores, que serán quienes podrán reponer las palabras”, propone la invitación, apelando a la sensibilidad y a la participación directa.

La apertura de la instalación será a las 18, con entrada libre y gratuita, bajo la modalidad a la gorra y con inscripción previa.Más tarde, a las 19, se desarrollará el Laboratorio “Mujeres que dialogan con el mar”, un taller vivencial para personas adultas, también coordinado por Muñoz. Allí, cada participante creará su propio relato a través de un libro de artista, combinando escritura, imagen y collage, en un espacio de exploración personal y colectiva.Para participar del taller está abierta un inscripción previa vía WhatsApp al 11 5497 2009. 

A poco más de un mes de su apertura oficial, Estación Rosario 300 ya fue visitada por más de 10.000 personas, consolidándose como una de las propuestas culturales y turísticas más atractivas del legado del Tricentenario de Rosario. La experiencia inmersiva ubicada en un espacio especialmente acondicionado del renovado Galpón 17 (Estévez Boero al 600) continúa abierta durante todo diciembre, de viernes a domingos de 17 a 21, y seguirá funcionando en enero, también de viernes a domingo pero de 18 a 21, invitando a rosarinas, rosarinos y visitantes a sumarse a este viaje único por la historia de la ciudad.

Estación Rosario 300 combina tecnología 4D E-Motion, arte e historia para recrear el devenir de Rosario a través de un recorrido sensorial e innovador. Se trata de un simulador que, mediante imágenes, sonidos y efectos especiales como vibraciones, viento y aromas, permite atravesar monumentos, edificios emblemáticos, muelles, vías férreas y paisajes urbanos que forman parte de la identidad rosarina.

Las entradas para visitar la muestra inmersiva se podrán adquirir a través del sitio web de la Municipalidad de Rosario o mediante Munibot (341 544-0147), con un sistema de turnos digitales que permite elegir día y horario. Las funciones se realizan cada 15 minutos y tienen un costo para el público general es de $5.000, mientras que jubilados y menores de 13 años abonan $3.000. Las niñas y niños menores de 4 años que no ocupen asiento y las personas con certificado de discapacidad ingresan de manera gratuita.

Con una gran convocatoria desde su inauguración y más de 10.000 visitantes en su primer mes, Estación Rosario 300 se reafirma como una propuesta imperdible para disfrutar en diciembre y durante las vacaciones de enero, y como un nuevo punto de interés para quienes visitan la Cuna de la Bandera.

Estación Rosario 300 propone revivir los momentos más emblemáticos de la ciudad a bordo de un tren que atraviesa el tiempo: desde sus orígenes como puerto ribereño hasta su consolidación como una metrópoli moderna y pujante. La experiencia tiene una duración aproximada de 25 minutos, con capacidad para 34 personas por grupo, y es apta para todas las edades, con el objetivo de fortalecer el sentido de pertenencia y la identidad local.

La atracción está organizada en tres espacios ambientados como una antigua estación de tren, con andén, relojes y bancos que recrean el clima ferroviario:

En caso de que el evento deba cancelarse o reprogramarse por motivos climáticos, técnicos o de fuerza mayor, la información será comunicada a través de los canales oficiales. Las entradas conservarán su validez o podrán solicitar el reembolso de las mismas. En caso de que la persona no asista al día y horario de su entrada, la función no podrá reprogramarse.

El pasado domingo, el Hall Central Municipal de Firmat fue escenario de una velada muy especial, en la que Amigos del Arte y su histórico piano Steinway fueron declarados Patrimonio de la Ciudad, en el marco del 19° aniversario de la Comisión Municipal de Defensa del Patrimonio Histórico Cultural.

La jornada reunió música, historia y emoción, con las presentaciones de Domingo Carrobé, Sonia Luraschi, César Vera, Diego Zabala y Carlos Cejas, y la inauguración de una muestra del artista Sergio Passerini, que sumó el lenguaje de las artes visuales a la celebración.

La iniciativa contó con el acompañamiento del intendente Leonel Maximino; la presidenta del Concejo, Griselda Valdecasa; funcionarios municipales, concejales; la presidenta de Amigos del Arte, Graciela Cáceres; la presidenta de la Comisión Municipal de Defensa del Patrimonio Histórico Cultural, Cristina Salas, y un gran marco de público que disfrutó de la propuesta.

El icónico fresco de Miguel Ángel, "El Juicio Final", que adorna la pared principal de la Capilla Sixtina, será sometido a un mantenimiento extraordinario a partir de enero de 2026. Los trabajos, que se extenderán por tres meses, son necesarios para preservar esta obra maestra del Renacimiento frente al desgaste causado por el incesante flujo de visitantes.

Esta intervención, anunciada por el director del Laboratorio de Restauración de los Museos Vaticanos, Paolo Violini, permitirá un examen exhaustivo del fresco, complementando las labores de conservación habituales.

Según explicó Paolo Violini a los medios del Vaticano, la restauración forma parte de un ambicioso plan que comenzará con la finalización de las obras en la sala "Fuego en el Borgo" y continuará con la restauración completa de las "Estancias de Rafael". A partir de enero de 2026, el equipo se enfocará en "El Juicio Final".

"Deberíamos terminar en marzo, para poder despejar el muro antes del inicio de la Semana Santa", afirmó Violini. Para reducir el tiempo de trabajo y minimizar la interrupción para los visitantes, se instalarán andamios que cubrirán toda la pared, permitiendo que un equipo de hasta 12 restauradores trabaje simultáneamente.

Los trabajos son necesarios para preservar esta obra frente al desgaste por el flujo de visitantes. REUTERS/Remo Casilli

Pintado entre 1536 y 1541 por encargo del papa Clemente VII y finalizado bajo el pontificado de Pablo III, "El Juicio Final" es un fresco de gran magnitud que muestra una visión apocalíptica con cerca de 400 figuras.

La composición, con su poderoso dramatismo y figuras musculosas, representó un quiebre con el arte renacentista clásico y generó controversia en su época debido a la audaz desnudez de sus personajes.

La figura central es la de Cristo, representado como un juez implacable, rodeado de santos y mártires. A su derecha se encuentran los elegidos ascendiendo al cielo, mientras que a su izquierda, los condenados son arrojados al infierno.

Esta restauración continuará con el legado de proteger este tesoro cultural para las futuras generaciones. Vaticano

A lo largo de los siglos, el fresco ha sido objeto de debates y restauraciones. A fines del siglo XVI, el pintor Daniele da Volterra, por orden de la Iglesia, cubrió parcialmente las figuras más expuestas, lo que le valió el apodo de "il Braghettone" (el pintor de los calzones).

La intervención más significativa fue la realizada entre 1990 y 1994, que devolvió a la obra sus colores originales y la liberó de la suciedad acumulada. La nueva restauración de 2026 continuará con el legado de proteger este tesoro cultural para las futuras generaciones.

Graciela Pacheco de Balbastro

Una palabra es imán de la otra, dijo Julia Kristeva. Y ocurre frecuentemente con la lectura de un libro, que despierta ecos de lejanas memorias que creíamos perdidas. Eso me ocurrió leyendo "El italiano", novela de Arturo Pérez Reverte. El protagonista es veneciano y tiene "ojos del color de la hierba húmeda". Dice el autor: el verde de los ojos glaucos, "glaucopis", como los de Atenea (1). En la mitología griega, se creía que las personas poseedoras de ojos verdes eran poderosas. Posteriormente, en el medioevo europeo, se tenía el convencimiento que las personas con ojos verdes tenían capacidades sobrenaturales.

Tal vez por ello Pérez Reverte describe a Teseo Lombardo con ojos verdes, porque para cumplir con las hazañas que relata, debía tener poderoso dominio de su cuerpo, de su destreza, de su templanza y lograr el hundimiento de tantas embarcaciones inglesas en las adyacencias de Gibraltar, como ocurrió en la realidad, pues este es el trabajo de cuarenta años de investigación del autor: "Los ojos verdes nos han fascinado desde hace mucho tiempo con su impactante y misterioso encanto. A lo largo de la historia, los ojos verdes han estado rodeados de mitos y leyendas que acrecientan su enigmática reputación. En diversas culturas, suelen asociarse con un sentido de misterio y magia" (2).

Pero no solo Pérez Reverte se apoya en ese especial color de ojos. Tanto en la literatura como en la música, los ojos verdes parecen ¡Cotizar en Bolsa! Ya sabíamos que Circe, la hechicera, tenía ojos verdes y que (¿Por maga o por hermosa?) podía transformar a los hombres en cerdos y enamorar a Ulises. En la Cantiga de mediados del siglo XIII, el trovador portugués João García de Guilhade, confiesa: "(...) Os olhos verdes que eu vi/me fazen ora andar assi" ("Los ojos verdes que vi/ me hacen andar así").

En "La Celestina", Melibea es la joven que Calisto describe con "Los ojos verdes, rasgados; las pestañas, largas; las cejas, delgadas (...)" (3). Ojos verdes que los llevan al desastrado fin, empujados por la vieja alcahueta Celestina. Un estudio acerca de la belleza de Melibea, dice que "los ojos verdes son raros (...), son ojos verdaderamente exóticos, y por ello bellísimos, inolvidables para aquellos que hayan tenido la suerte de cruzar con ellos la mirada" (4).

En el corpus del Cancionero General que adquirió la Hispanic Society of America figura un tomo en cuyo lomo se lee "Poesías del Siglo XVI", donde hay unos fragmentos bellísimos que dicen: "¡Ay, ojuelos verdes!/ ¡Ay, los mis ojuelos!/ ¡Ay, hagan los cielos/ Que de mi te acuerdes!"/ Ay, ojuelos verdes,/ ay, los mis ojuelos" (5). Y el compilador acuña en sus comentarios que "The Spaniards, with good reason, consider this colour of the eye as beautiful, and celebrate it in a song; as, for example, in the well-known..." (5 bis).

Miguel de Cervantes Saavedra, admirador de esa otra obra cumbre que fue la tragicomedia "La Celestina", bautizó como Dulcinea (todo parecido es intencional) a la rústica Aldonza Lorenzo quien, al igual que Melibea, tenía ojos verdes: "los de Dulcinea deben ser de verdes esmeraldas, rasgados" (¡Todo parecido es intencional!) (6). Igualmente Gustavo Adolfo Bécquer se encariñó con los ojos verdes. Así, para consolar a una niña que los tenía, pero que por raros a ella no le gustaban, le dedicó la Rima XII, aquella que dice: "Porque son, niña, tus ojos/ verdes como el mar te quejas:/ verdes los tienen las náyades,/ verdes los tuvo Minerva/(...) El verde es gala y ornato/ del bosque en la primavera/ Entre sus siete colores/ brillante el iris lo ostenta. Las esmeraldas son verdes (...)" (7).

En el caso de la cultura española el verde es color litúrgico, pero también el de la virtud de la esperanza. Por eso los ojos verdes estaban arraigados en la psique española como exponentes de la hermosura de quien los poseía. Pero ojo, por seductores pueden llevar al extravío. Lo dijo el propio Bécquer en su cuento "Los ojos verdes" (8), cuando el "yo escritor" relata: "Creo que he visto unos ojos como los que he pintado en esta leyenda. No sé si en sueños, pero yo los he visto. (...) Eran, luminosos, transparentes, como las gotas de la lluvia que se resbalan sobre las hojas de los árboles después de una tempestad de verano".

Pero no sólo en Europa ese extraño poder del color verde, hace escribir a dramaturgos y poetas, Salvador Díaz Mirón (9), el poeta mexicano, de rodillas implora por la atención de unos "Ojos Verdes": "Ojos que nunca me veis,/ por recelo o por decoro,/ ojos de esmeralda y oro (...). // Ojos en que reverbera/ la estrella crepuscular,/ ojos verdes como el mar,/ como el mar por la ribera (...) Ojos color de esperanza// (...) Ojos con aspecto de hojas/ empapadas de rocío". Comparaciones todas ellas que hacen "pendant" con los "ojos del color de la hierba húmeda", como describe Pérez Reverte a Teseo Lombardo.

¡Todas las comparaciones nos recuerdan a un palimpsesto! Gustave Flaubert, con su personaje Madame Bovary, hizo correr ríos de tinta y celuloide. Y uno de los temas de discusión es si siendo el escritor más exigente y cuidadoso en el arte de escribir,... ¿se equivocó al retratar a Emma y el color de sus ojos? ¡Ojos negros que no eran negros! ¡Y que resultaron verdes después!

Pero entonces Julian Barnes viene en nuestro auxilio, para dilucidar en definitiva de qué color eran los ojos de Emma Bovary y describir de la siguiente manera a la mujer en la que se basó Flaubert: "No era guapa, más bien bajita, … y en sus ojos, de color incierto, verdes, grises o azules según la luz, había siempre una expresión suplicante". Vladimir Nabokov, en sus clases supo decir que los ojos de Madame Bobary "tenían algo así como capas sucesivas de colores" (es que Flaubert sabía lo que hacía).

Otro de los raros encantos que tienen los ojos verdes es que responden como pocos a la magia de la luz: "De acuerdo a un estudio publicado por la Corporation Impulse de Los Ángeles, el color de ojos verdes es el único que puede variar tanto de acuerdo al estado del tiempo, como al estado anímico. Van desde azules, grises, a verdes más intensos" (10). Se cree que las personas de ojos verdes suelen ser más sensibles emocionalmente. En 1952, Mirtha Legrand filmó "La de los ojos color del tiempo" (11), película basada en la novela "Lil, la de los ojos color del tiempo" de Guy de Chantepleure (12).

Rubén Darío también anduvo muy ocupado con los ojos de Atenea, la de ojos verdes y los de La Sirena. En ese poema, Darío la describe con "unos ojos glaucos, de un color de ensueño,/ que brillan como el agua en el sol". Antonio Machado en el poema "Olivo del camino" al cantarle loas a este árbol casi sagrado, dice: "Al borde del camino que blanquea,/ guarde tus verdes ramas, viejo olivo,/ la diosa de ojos glaucos, Atenea".

Francisco Madariaga, "Coco" Madariaga, desde su Corrientes "porá" supo encontrar "Una nativa de ojos verdes", la que nos describe así: "(...) una mirada de llamarada verde me arrebató,/ y una herida como nenúfar entre las piernas de una extraña muchacha,/ que -a veces- se pintaba la pasionaria de sus ojos verdes (...)". Y así se podría seguir enumerando los ejemplos literarios, en los que si la dama era hermosa, la engalanan esos ojos verdes que enamoran.

Pero alejados de la literatura, y ya en nuestra caótica historia nacional, hay otros ojos glaukós que llevan a la muerte a un héroe. Fueron los de Damasita Boedo, amante de Juan Lavalle en su última noche. De esta bella salteña, unos dicen que sus ojos eran azules y otros dicen que eran verdes, como los de color de esperanza en la huída hacia el norte del general Lavalle. ¿Azules o verdes? Ya hemos visto qué cambiantes son, de acuerdo a la luz que llegue al iris.

En la música también abundan las citas a este color de ojos. En "Che papusa, oí" pue de escucharse: "Milonguerita linda, papusa y breva,/ con ojos picarescos de pippermint,/ de parla afranchutada, pinta maleva/ y boca pecadora color carmín". A estos ojos color de la menta se los tengo que agradecer a Fernando Sorrentino, que me brindó el dato. Y ya en nuestro aquí y ahora, Trudy Pocoví nos trajo "Esos profundos ojos verdes y otras historias escabrosas". Hasta acá, lo escrito pertenece al mundo literario, pero realmente basta un solo ejemplo para comprobar el poder que tienen unos penetrantes y bellísimos ojos verdes.

¿Quién no vio y admiró la impactante fotografía de la "niña afgana"? Esos ojos verdes le posibilitaron a Steve McCurry conseguir la Medalla de Oro Robert Capa por el reportaje fotográfico sobre la guerra de Afganistán, ya que "Niña afgana" salió en la portada de la edición de junio de 1985 de National Geographic. En aquel momento Sharbat Gula (por entonces de 12 años), sin saberlo, se convertiría en la refugiada más famosa del mundo. Sharbat consiguió el asilo del gobierno italiano, luego de que los talibanes nuevamente tomaran el poder en Afganistán. Pero gracias a todo esto, logró que su pedido de asilo a Italia prosperase y que en forma aérea la rescataran, casi treinta años después. ¡Todo dicho! ¿Verdad?

¡Ah don Arturo Pérez Reverte! ¡No me ha hecho fácil este rudo oficio de ser lector, que me ha mandado de cabeza a revisar toda la bibliografía (¡Y más!) de mis años del profesorado en Letras! También me ayudó a sacudir irreverentes telarañas. Gracias por ello. Y si llegase a leer lo aquí escrito,... ¿quisiera hacerme la "gauchada" de avisarme si he estado totalmente equivocada en pensar que usted sabía en qué se metía con los ojos verdes? Porque no creo que haya sido por casualidad.

(1) "El Italiano", de Arturo Pérez Reverte. Alfaguara, 2021, página 272.

(2) "El fascinante mundo de los ojos verdes". Página web de Debby Burk Optical.

(3) "La Tragicomedia de Calisto y Melibea", de Fernando de Rojas, conocida como "La Celestina". Este fragmento se encuentra en el Acto I.

(4) "Los ojos verdes rasgados de Melibea. Su retrato en el marco europeo".

(5) En el Cancionero General. Apéndice número 317.

(5 bis ) "Los españoles, con buenas razones, consideran bello este color de los ojos y lo celebran en una canción; como, por ejemplo, en la conocida (...)".

(6) En "El Quijote", el protagionista hablando con Sancho, en el capítulo XI de la segunda parte.

(7) "Los ojos verdes rasgados de Melibea. Su retrato en el marco europeo".

(8) Gustavo Adolfo Bécquer, cuento "Los ojos verdes", del libro "Rimas y Leyendas".

(9) Salvador Díaz Mirón, "Ojos verdes". Esta versión fue incluida en 1874 en la antología "El Parnaso Mexicano".

(10) Sergio G. Colautti: "A doscientos años del nacimiento de Gustave Flaubert. No eran negros los ojos negros de Madame Bovary"

(11) "Qué significa tener el don especial de ojos color del tiempo"

(12) "Ojos que cambian de color según el estado del tiempo,... ¿mito o realidad?" En Meterored.com.

El reconocido músico argentino Fito Páez volvió a estar en el centro de la polémica luego de realizar declaraciones críticas sobre ciertas expresiones del feminismo actual.

Durante una entrevista con la periodista Julia Mengolini, el artista expresó su incomodidad con lo que considera una contradicción entre el discurso de algunas manifestantes y el consumo de productos culturales con mensajes misóginos o hipersexualizados.

En el diálogo, Mengolini recordó una frase suya de años anteriores, donde cuestionaba el contenido de la música comercial: “¿Cómo puede ser que todo indique que muevan el culo?” En respuesta, Páez insistió en su idea: “Si van a bailar eso, sobre todo las chicas colegas, sepan que piden una cosa y después bailan otra”.

Lejos de renegar de la libertad artística, el autor de El amor después del amor aclaró que cada persona puede bailar lo que desee. Sin embargo, advirtió sobre las consecuencias simbólicas de consumir música con letras explícitas y misóginas.

“Podés bailar Prince, Charly García o lo que quieras. Pero si decidís bailar eso, que te van a perrear y garchar toda la noche, es problema tuyo. Después, cuando vayas a defender tus derechos al Congreso, no me pidas que te apoye”, agregó, provocando reacciones divididas en redes sociales.

El músico reflexionó sobre feminismo y cultura. Foto: Reuters.

Estas declaraciones abrieron nuevamente el debate sobre la coherencia entre las luchas sociales y las elecciones culturales, especialmente en el contexto de géneros como el reguetón, el trap o ciertas expresiones del pop masivo que reproducen estereotipos machistas.

Páez también criticó la falta de contenido simbólico en algunos espacios del feminismo actual. “Los movimientos que no generan estéticas, manifiestos u obras están flojos de papeles”, expresó, reforzando su visión de que toda lucha social necesita nutrirse también desde el arte, la creatividad y el pensamiento crítico.

En esa línea, el músico evocó una escena del cineasta alemán Werner Fassbinder. Según contó, un grupo de feministas se le acercó en la Alemania de los años 70 para pedirle su firma en apoyo a una causa. Él leyó el texto y decidió no firmar, considerando que esas demandas no se vinculaban con los conflictos estructurales que vivía la sociedad en ese momento.

El artista criticó la incoherencia de quienes consumen canciones con letras explícitas. Foto: REUTERS.

Páez cerró su argumento con una reflexión más amplia: “La pelea es entre los que tienen y los que no. Hasta que no unan las peleas, no me va a interesar”. Para el artista, es necesario construir movimientos sociales con una perspectiva integradora, que no fragmenten las luchas ni pierdan de vista los verdaderos ejes de desigualdad.

En el marco del 123° aniversario de su fundación, la ciudad de Villa Cañás se prepara para conmemorar su historia y cultura con una muestra artística que reúne el talento y la memoria de su gente.

La exposición, organizada por la Dirección de Cultura de la Municipalidad, será inaugurada el próximo sábado 17 de mayo a las 18 horas, en el Centro Cultural Municipal. Vecinos y vecinas están invitados a disfrutar de una selección de objetos, poesías, fotografías, dibujos, maquetas, esculturas y piezas de cerámica, todos inspirados en los rincones y paisajes emblemáticos de Villa Cañás.

Un homenaje a la identidad cañaseña

La muestra busca reflejar, a través del arte, la esencia de la ciudad y el afecto de sus habitantes por su historia, sus espacios y su gente. El evento contará con la presencia destacada de la artista Susana Barucca, quien será la invitada especial de la jornada.

Esta propuesta se inscribe dentro de una serie de actividades culturales impulsadas por el municipio para celebrar un nuevo aniversario de la localidad santafesina, poniendo en valor el patrimonio simbólico y artístico que define a Villa Cañás.

Este sábado 9, desde las 18.30, se desarrollará un taller de escritura titulado  “Escribamos la Conversación”. Se trata de la segunda parte de la instalación “Mujeres que dialogan con el mar”, organizado por un grupo de personas, encabezado por la poeta venadenses Mónica Muñoz.

En esta ocasión se realizará un taller de escritura a partir del Libro de Artista que forma parte de dicha instalación y que se entregará a los asistentes para profundizar y/o generar nuevos diálogos. 

“Escribamos la Conversación” en su praxis reunirá diferentes estrategias que puedan generar modos de conversación.La cita artística es en la sede del Colegio de Psicólogos de Venado Tuerto, Pueyrredón 517.La actividad no está arancelada y pueden hacer su consulta al: Whatsapp 3462 417890 o al mail monimunoz60@gmail.com 

La poeta y artista visual venadense Mónica Muñoz presentó en septiembre "Mujeres que dialogan con el mar", una instalación artística en la que pinturas, fotografías y palabras se interceptan, confluyen o distancian componiendo un diálogo fecundo."Son interpretaciones del mundo que se entrelazan y proponen una espacialidad diferente. Arman una narrativa en la que el mar espuma las palabras y las mujeres charlan confiadas”, describe la artista sobre su próxima muestra.“De sus conversaciones solo tendremos algunos momentos. Aquello que falta lo lleva el viento hasta los ojos y oídos de les espectadores que serán quienes podrán reponer las palabras, escribiendo o dibujando con los diferentes elementos que se les ofrecerán en la ocasión”, interpela la invitación, que llama a acercarse a disfrutar de esta propuesta.Moni Muñoz, poeta, investigadora y artista visual nos propone hacer un click con aquellos motivos que pese a ser archiconocidos y reflejados, no dejan de decir nuevas cosas cada vez. Como el mar. Y las mujeres.“Una de las maravillas que nos ofrece el arte, en cualquiera de sus modalidades, es generar y fortalecer los vínculos, hacer lazos. Lazos que arman una trama solidaria que anima y posibilita más vida. Lazos que en tiempos de crisis se vuelven una imprescindible malla de contención para los corazones doloridos. Hace años que voy detrás de esta idea: más arte más vida”, introduce Moni sobre su agradecimiento para lograr esta nueva obra. “Somos un colectivo de ocasión que se ensambló maravillosamente. Cada cuál desde su saber hacer arte aportó y agrandó la idea.  Hace varios meses que estamos trabajando y ahora, ya próximos a la apertura, quiero agradecerle a todes: Agustín Vera Candiotti, Tahiel Ferreyra, integrantes de la delegación del Colegio de Psicólogas y Psicólogos de Venado Tuerto, La Marquería, A3 Diseños gráficos.  Y por supuesto, a este medio gráfico por acompañar y difundir todas las creaciones artísticas”, completó la artista veadense.

El pintor firmatense y uno de los embajadores culturales que tiene la ciudad, Norberto Luppi, expondrá sus trabajos desde este miércoles 17 de julio en la Sala “Quo Vadis”, de Barcelona.

“La obra pictórica del artista argentino es un regalo para los ojos y un solaz para el espíritu”, destaca la invitación para la apertura de la muestra de este emblemático restaurante del barrio del Raval.

El reconocido artista firmatense, de extensa trayectoria, y embajador de la ciudad y de la provincia gracias a sus obras, nació en la ciudad en 1936.

Recibió sus primeras nociones sobre la composición por parte de su abuelo materno -músico- que formó la primera banda orquestal de Firmat. En 1962 realizó su primera exhibición individual en la Galería Renon, de la ciudad de Rosario. En 1969 expuso en la Galería Argentina de Buenos Aires. Fue invitado por el Embajador argentino en Japón, a participar de una exposición realizada en Yokohama, y expuso también en Tokio y Manila. En 1975 y 1978 sus obras dieron la vuelta al mundo, a bordo de la Fragata Libertad. También realizó exposiciones en Italia, España, Tel Aviv- Israel, Valparaíso-Chile, Paraguay, Bolivia, Méjico y Panamá. Recibió un reconocimiento por parte de la Cámara de Diputados de la Santa Fe, y entre sus premios figuran: el Gran Premio de Honor en el Salón de Pintores de 1995, Mención a la Pintura de la zona del Véneto, Italia, y Premio Pollesami en el 2004. (Museo Marítimo de Ushuaia)

En 2004, mediante la Ordenanza Nº 1182, El Concejo Municipal de Firmat otorgó al pintor la distinción de Ciudadano Ilustre de la ciudad de Firmat, “en honor a sus valores humanos y a su dilatada y destacada carrera artística, orgullo de toda la ciudad”, destaca el texto de la norma.

En mayo de 2013, su nombre quedaría instaurado por Ordenanza al Centro Cultural Municipal “en reconocimiento a su trayectoria y destacada carrera artística”.

En el mes de la amistad, la artista uruguaya Ago Páez Vilaró estará presente en la localidad de Chovet. Llega al pueblo en el marco de una visita por distintos puntos de Santa Fe como Firmat, Venado Tuerto, Funes y Rosario, donde expone sus pinturas y esculturas.

Según confirmaron desde la Comuna de Chovet, el lunes 8 brindará seminarios para niños, adolescentes y adultos, en el Taller de Silvana. Y el martes 9 de julio, a partir de las 9:30 horas, participará de una pintada de murales (en el tapial de la familia Ruiz Massa), acompañada por Carina Beltrame, artista y docente, e integrantes del Taller de Silvana. 

Para esta actividad, invitan a participar a toda la comunidad con sus pinceladas. “Voy a estar dando algunas charlas que están ligadas al arte, el camino del espíritu está siempre ligado al arte”, contó Páez Vilaró al medio uruguayo Onmedia.uy. También compartirá su experiencia y la de su padre, Carlos Páez Vilaró, en la creación de mandalas y expondrá sus vivencias en los días que de la búsqueda de su hermando en Los Andes, historia que inspiró la película “La Sociedad de la nieve”.

Conexión con lo espiritual

Desde pequeña, Agó siguió los pasos de su padre, a quien considera su gran maestro en el arte y también en la vida, y de él aprendió a “a seguir el sol” y conectar con su significado. Se define como la “pionera del trabajo con mandalas en Uruguay”. 

La artista plástica dedicó su vida a descubrir el lenguaje del espíritu a través de diferentes formas, y a lo largo de los años absorbió las enseñanzas de numerosos artistas, logrando desarrollar técnicas que le permitieron crear un estilo único, reconocido especialmente por su trabajo con los círculos, mandalas y soles.

Cronograma de visita 

6 julio, Arroyo Seco; 8 y 9, Firmat, Chovet y Venado Tuerto; 10, Museo Estévez, Rosario; 13, Funes.

Don

Magdalena Sofía Páez Rodríguez, más conocida como Agó Páez Vilaró, es una artista plástica uruguaya, hija de Madelón Rodríguez Gómez y del pintor Carlos Páez Vilaró. Con una infancia atípica, desde muy niña tuvo contacto con el arte y de seis hermanos ella fue la elegida por el destino para seguir con el camino que su padre había iniciado.

“Mi casa era un enorme atelier, con una mesa gigante llena de pinceles, colores, tijeras y papeles; desde que nací compartí ese espacio con mi padre, por lo que el arte desde muy niña ya era parte de mi vida” aseguró Agó Páez Vilaró. “Siempre sentí que yo era artista, nunca me lo pregunté ni me transformé, desde joven adopté el ambiente que tenía a mi alrededor” recalcó.

La artista que se destaca por ser pintora, ceramista, escultora, muralista, escritora y constructora; asegura que desde su experiencia un artista nace con ese don “en mi caso, yo siento que nací con una sensibilidad especial que me permitió darme cuenta, sentir y ver un mundo que de repente otros no ven”, continuó “cuando vos tenés una sensibilidad especial desde tu nacimiento, de repente, vas caminando y ves una pequeña flor que te conmueve, gracias esa sensibilidad puedes observar detalles de esa flor que para otros están ocultos”.

La artista nacida en Montevideo, desde joven pudo darse cuenta que su entorno era poco común dentro del círculo de sus amigos y compañeros de clases “cuando iba a las casas de mis compañeros del liceo, me daba cuenta que la vida de ellos era bien diferentes a la mía, porque el convivir con un artista tan libre y creativo como era mi padre, él hacía del mundo un lugar totalmente diferente para mí” aseguró la creadora de muchos murales que adornan las calles de Uruguay y el mundo.

En cuanto a las técnicas para desarrollar su don de artista en varios estilos, asegura que eso se lo debe a su padre “al tener mi padre como maestro de vida, él construyó, escribió y realizó esculturas y gracias a ese ejemplo yo también me animé. Yo nunca aprendí a escribir, sin embargo, escribí cuatro libros, entonces, se te hace más fácil cuando no tienes miedo y animarse”.

Ana Inés Dobal

Con el objetivo de unir la patria a través del arte, Mariela y Jorge comparten en equipo el proyecto que fusiona arte y kilómetros sobre los mapas de nuestro país. “En el 2016 creamos una colección de cuadros, que es una visita guiada por los paisajes de Argentina a través de la mirada abstracta de Mariela C. Trimboli. Desde ese año expusimos esta colección Argentina Abstracta, en diferentes provincias y hoy vivimos viajando en una Kombi Volkswagen de 1983 y recorrimos 10.000 km en la Provincia de Buenos Aires”, explicaron en primera persona durante su visita a la ciudad.

Las pinturas de Argentina Abstracta transitaron los patios de la escuela de jornada completa 6031, las del Colegio Superior 50 y se dieron cita también en las instalaciones del gremio Amsafe, entre otros puntos de interés, para permitir la visita a quienes lo deseen.

Proyectos itinerantes hay muchos en nuestro país y el mundo, pero si algo no cambia de estas visitas en movimiento es lo que dejan sembrado en las personas. Mariela y Jorge son dos artistas que recorren el país en una Volkswagen Kombi y que tienen el sueño de conectar la Antártida con Alaska, a través de su mirada particular.

Con un espíritu diferente al que la comunidad está acostumbrada, historias de vida y viaje que no tienen fin y la particularidad compartida de creer y perseguir sueños posibles, Argentina Abstracta es otro éxito por estar siendo.

En este sentido Mariela sumó: "Esto es vivir y trabajar viajando, algo que nos permite disfrutar más los lugares desde adentro. En 2016 empecé a crear una colección de cuadros que es una visita guiada a los paisajes de nuestro país a través del arte", manifestó Mariela en referencia a los motivos de su visita y agrego:

"Con mi compañero Jorge, empezamos a viajar ida y vuelta y soñamos con hacerlo de manera más permanente. El sueño comenzó en 2018 y en 2023 arrancó este nuevo estilo de vida con el proyecto que ya teníamos.

“Yo estudié en la escuela Base Aérea vicecomodoro Marambio en Buenos Aires y siempre me involucré con la Antártida, por eso el sueño de viajar con la muestra como proyecto federal. Está todo el país representado aquí, soñamos con unir Alaska con la Antártida", señaló Jorge confiado.

En relación al vehículo, la artista contó que "lo compramos a fines de 2021, era bordó y lo pintamos de blanco para que combinara con la estética. Recreamos una postal, porque nuestro logo es una estampilla abstracta de Argentina. Hicimos una revisión mecánica, de chapa y la pusimos a punto para comenzar a escribir esta historia".

Esperamos tener reportes de esta argentina artística cuando los paisajes sean los blancos paisajes de Alaska y la aventura significado asomando arte, anécdotas y aventuras.

Las redes sociales del emprendimiento son: instagram @argentinaabstracta; Facebook y YouTube: Argentina Abstracta.

(Por Juan Ignacio Novak) - Pedro Pablo Rubens nació el 28 de junio de 1577 y falleció el 30 de mayo de 1640. Fue un pintor barroco flamenco que trascendió en el tiempo por su estilo exuberante, donde priman el movimiento y la sensualidad. Trabajó con retratos, paisajes, escenas mitológicas y religiosas, así como alegorías históricas. Es considerado uno de los principales exponentes del barroco, estilo marcado por la teatralidad y el dramatismo. Un aspecto que se valora de sus trabajos es la vitalidad que logró imprimirles, hasta tal punto que sus técnicas de manejo de la luz influyeron en la pintura posterior.

A diferencia de otros artistas plásticos, Rubens fue muy conocido durante su vida. Trabajó en varias cortes europeas, como España, Francia e Inglaterra, y sus obras fueron admiradas por artistas de toda Europa, incluso por su contemporáneo Diego Velázquez. Parte de ese reconocimiento se debe a sus grandes composiciones, que no solo eran modélicas en términos técnicos, sino también narrativas visuales que combinaban sabiamente historia, política y arte.

"Autorretrato". Foto: Royal Collection

Entre los datos sobre Rubens que figuran en el portal de la Galería Uffizi de Florencia, se hace hincapié en que Rubens, además de dirigir un gran estudio en Amberes, popular entre la nobleza y los coleccionistas de arte de toda Europa, “fue un erudito humanista de los clásicos, coleccionista de arte y diplomático, un caballero del rey Felipe IV de España y de Carlos I de Inglaterra”.

Parte de la explicación del reconocimiento que tuvo este pintor en vida se encuentra en un texto de la página web del Museo del Prado: “El éxito que disfrutó Rubens se debe tanto a la capacidad de su arte para expresar la nostalgia que sentían sus contemporáneos por la Antigüedad como a su habilidad para ofrecer a sus coetáneos una imagen engrandecida de sí mismos, en un momento en el que los fundamentos de la cultura europea se estaban poniendo en duda”.

"Autorretrato con su esposa Isabella Brant". Foto: Alte Pinakothek

Sofía Vargas, en My Modern Art, señala un aspecto central del estilo de Rubens, relacionado con su representación de los desnudos femeninos, populares en el arte barroco: “Rubens es especialmente conocido por la forma en que representaba a las mujeres, prefiriendo pintar figuras voluptuosas. Este estilo fue muy popular en la época y dio lugar a términos como ‘rubenesco’ para describir los desnudos femeninos de figura completa. El estilo expresivo de Rubens también se aplicó a sus pinturas de hombres, aunque de forma opuesta. Sus sujetos masculinos son representados como figuras grandes y musculosas en poses dinámicas y retorcidas que recuerdan a los personajes de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina”.

A continuación, un repaso por cinco obras maestras de Rubens que sintetizan su estilo y sus temáticas predilectas:

“La adoración de los Reyes Magos”: describe la visita de los Reyes Magos al recién nacido Jesús. Representa la habilidad de Rubens para combinar influencias italianas con la tradición flamenca. Un texto del Museo del Prado señala lo siguiente respecto a esta obra: “iconográficamente representa el momento en el que los tres reyes, acompañados por un gran cortejo, presentan sus regalos al niño Jesús. Este, en brazos de su madre, parece juguetear con el incienso que le presenta Gaspar, arrodillado ante él. La escena se sitúa al exterior, con una referencia al pesebre en la parte izquierda, transformado en una arquitectura clásica. Los ropajes de los reyes, con capas bordadas de rico colorido y gran riqueza, como los adornos de piedras preciosas y joyas de Baltasar, y el número de acompañantes, muestran el lujo de este cortejo”.

"Adoración de los Reyes Magos". Foto: Museo del Prado

“El juicio de Paris”: esta pintura, que Rubens hizo hacia el final de su vida, está centrada en el mito griego en el cual Paris (el príncipe troyano que raptó a Helena) tiene que elegir a la diosa más hermosa. Es un ejemplo claro de la maestría del pintor para la representación del cuerpo humano. También muestra sensualidad y resume su capacidad para representar historias mitológicas. “El tema del Juicio de Paris fue utilizado por Rubens en varias ocasiones, permitiéndole deleitarse con el ideal de belleza femenina y también considerar las consecuencias del amor y la pasión. Esta versión está basada en un diseño para un aguamanil diseñado por el artista. En el dibujo, la escena es más alargada y con más figuras tanto a la derecha como a la izquierda. En la pintura decidió centrarse más en las tres mujeres desnudas, cuyos cuerpos se construyen mediante líneas sinuosas, creando posturas exageradas”, indica un texto sobre esta obra del mencionado Museo del Prado.

"El juicio de Paris". Foto: Museo del Prado

“Las tres gracias”: En esta obra, que nuevamente aborda temáticas mitológicas, Rubens pinta sus figuras con una riqueza de texturas y pone el acento en la belleza corporal femenina. La representación de Aglaya, Talia y Eufrósine, una vez más, pone de manifiesto su devoción por la figura humana y su talento para representar la piel con enorme sensualidad. Emilia Bolaño, en un artículo publicado por Historia/Arte, señala que “las tres gracias destacan por la ampulosidad de sus contornos. Rubens era un verdadero maestro en representar las carnes, que parecen vivas y palpitantes. Están rodeadas de una naturaleza igual de exuberante poblada de numerosos elementos simbólicos vinculados al amor, la fecundidad y el deseo”.

"Las tres gracias". Foto: Museo del Prado

“El descendimiento de la cruz”: muestra a Cristo cuando es bajado de la cruz y es una obra en la cual sobresale la intensidad emocional. Se trata de la tabla central de un tríptico, conservado en la Catedral de Amberes, realizado en óleo sobre tabla y que se completa con las tablas de la Visitación de la Virgen y la Presentación de Jesús en el Templo. Laura Cabrera Guerrero indica al respecto: “Rubens, puro barroco y teatralidad, crea una pintura llamativa por su colorido, que genera una sensación de corporeidad entre los personajes”.

"El descendimiento de la Cruz". Foto: Catedral de Amberes, Amberes (Bélgica)

“El rapto de las hijas de Leucipo”: es una pintura que representa el mito del rapto de Febe e Hilaíra, las hijas de Leucipo, por los gemelos Cástor y Pólux. Pone de relieve la capacidad de Rubens para elaborar composiciones complejas, plagadas de acción. En este caso, el acento está puesto en el dramatismo y la violencia de la escena recreada. Todo es movimiento, no hay atisbo de quietud. Las crónicas señalan que el pintor halló su fuente de inspiración en unas estatuas emplazadas en el Quirinal de Roma y en un grupo escultórico ejecutado por Juan de Bolonia en Florencia.

“El rapto de las hijas de Leucipo”. Foto: Alte Pinakothek de Múnich

Por Juan Ignacio Novak

El arte, en todas sus variantes, es una herramienta útil para conocer mejor la realidad y reflexionar sobre ella para establecer diagnósticos más atinados. En el caso puntual de la pintura argentina, el trabajador siempre ocupó un protagonismo. Sus luchas, reivindicaciones, esfuerzos, sufrimientos, pesares y alegrías cotidianas fueron motivo de inspiración para artistas de distintas épocas y movimientos.

En una fecha emblemática como el Día del Trabajador, que se celebra hoy, adentrarse en este terreno permite actualizar discusiones que están vigentes en pleno siglo XXI. Desde las pinceladas precisas de Lino Enea Spilimbergo hasta la mirada comprometida de Ernesto de la Cárcova, pasando por la expresiva mirada de Quinquela Martín de la vida portuaria, cada una de las cinco obras mencionadas en las líneas que siguen, permiten contemplar la realidad cotidiana de aquellos cuyas manos construyeron, literalmente, el país.

“La planchadora”: es un óleo sobre tela de Lino Enea Spilimbergo, fechado en 1936. Spilimbergo fue un pintor, vinculado al surrealismo, considerado uno de los maestros del arte argentino del siglo XX. Decía que “pintar es un terrible compromiso, no sólo con uno mismo, sino con el mundo". En este caso, la protagonista es una mujer joven que trabaja como planchadora. La escena transcurre en un espacio interior, despojado, minimalista, humilde. Carlos Avalle señala respecto a esta obra: “la mujer está vestida con ropas de uso diario, sencillas, con características que nos hacen suponer un clima invernal. Lleva calzado cómodo, que corresponden a la tarea de una persona trabajando en estos menesteres. Apoya sus manos sobre la mesa, quizás en un instante de descanso. Sus cabellos peinados sin ningún arreglo en especial. Ni pulseras, ni collares, ni aros. Pero la mirada de esta mujer está en otro lado, definitivamente en otro lado. Los ojos característicos de las figuras de Spilimbergo, que salen de escena”. Ahí, el maestro coloca una intriga, que queda fuera de campo.

“Elevadores a pleno sol”: Benito Quinquela Martín se destacó por su conexión con el barrio porteño de La Boca. La vida cotidiana en esa zona portuaria y obrera “late” en sus cuadros. Pero, en paralelo, fue un firme defensor de los menos privilegiados, algo ostensible en este óleo que data de 1945. Que muestra definidamente un rasgo de su labor artística: se acentúan los rasgos de ese paisaje urbano que lo vinculan con el sacrificio, el tesón y el desarrollo. Así la labor cotidiana de los obreros es representada, como señala el texto curatorial de una muestra realizada en el museo que hoy lleva su nombre, por “figuras-signos” de los estibadores que sintetizan el trabajo portuario. Las figuras humanas (que son varias) aparecen acarreando bolsas muy pesadas, detrás se ven las chimeneas de las fábricas que trabajan a pleno.

“Sin pan y sin trabajo”: está considerado el primer cuadro de tema obrero con intención de crítica social en el arte argentino. Ernesto de la Cárcova lo creó cuando era todavía joven, en 1894, sostenido en un compromiso y una mirada sensible respecto a las clases bajas y sus carencias. Cuenta una historia de miseria y frustración: un padre de familia, cuya herramienta de trabajo está detenida sobre la mesa, observa por la ventana, con ira, una escena de fábricas vacías y escasas perspectivas de conseguir trabajo. Al lado, su esposa languidece mientras trata de amamantar a un bebé. María Gainza sostiene que “De la Cárcova pintó su cuadro de manera agitada, como si el mismo pincel arrastrara la ansiedad contenida del desocupado”. “El cuadro responde a un estilo naturalista y a una temática que tuvieron una importante presencia en los salones europeos de los años finales del siglo XIX: grandes pinturas resueltas en tonos sombríos que desplegaban escenas dramáticas de miseria y de los contemporáneos conflictos sociales urbanos”, escribió Laura Malosetti Costa en un texto sobre la obra que consta en la página del Museo Nacional de Bellas Artes.

“La hora del almuerzo”: Pío Collivadino fue un pintor cuyos trabajos intentaron abordar las nuevas formas de belleza que introducía la vida en las cambiantes ciudades de finales del siglo XIX y principios del XX. Juan Gabriel Batalla lo menciona como un pintor esencial en el difícil pasaje del siglo XIX al XX, que documentó su época con una “estética puntillista y preciosista”. En este óleo sobre tela de grandes dimensiones, que hoy resguarda el Museo Nacional de Bellas Artes, muestra a un grupo de siete obreros que comen en un alto del trabajo realizado al mediodía. A diferencia del trabajo de Ernesto de la Cárcova, a priori no hay aquí una premisa de crítica social, aunque sí están mostradas con detalle algunas dinámicas propias del universo obrero de aquellos años. “Lejos de la dramática narratividad de su envío anterior a Venecia, La hora del almuerzo parece un cuadro ‘motivo’, en el que prevalece el tratamiento formal de la refracción de la luz sobre los blancos y el efecto deslumbrante del sol sobre el pozo de cal. Pero resulta evidente que no fue esta la única intención del artista. Se trata de un cuadro de tema obrero, aunque en buena medida despojado de connotaciones conflictivas”, escribió Laura Malosetti Costa.

“El canastero”: el artista Ricardo Carpani concibió este óleo sobre tela en 1957. La temática y el tono no son extraños, ya que Carpani era proclive a prestar atención en sus trabajos a las causas sociales. De modo que en sus obras aparecen problemáticas como el desempleo, la pobreza y la fortaleza y dignidad de los desposeídos. En esa línea se inscribe esta obra. De hecho, Carpani fue parte del grupo Espartaco, que en la misma línea que los muralistas mexicanos intentaba un arte con impronta nacionalista y focalizado en las necesidades del pueblo trabajador. En los años 70, como derivación del Golpe de Estado, se autoexilió en España y desde allí viajó por el mundo, hasta retornar en 1984. Abordó también temas urbanos porteños como el tango, los cafés y los barrios.

Por Ignacio Andrés Amarillo

La escena artística contemporánea argentina se encuentra en un momento de efervescencia creativa, con artistas plásticos que desafían fronteras convencionales y exploran nuevas formas de expresión. A continuación, presentamos a algunos de los nombres más destacados que están marcando tendencia y dejando su huella en el panorama artístico internacional.

Reconocido por sus instalaciones monumentales y efímeras, Villar Rojas crea obras que desafían la escala y la percepción del espacio. Utilizando materiales orgánicos y artificiales, sus instalaciones invitan al espectador a reflexionar sobre la relación entre el hombre y la naturaleza, la historia y el tiempo. Sus trabajos se han exhibido en prestigiosas instituciones como el MoMA de Nueva York y la Bienal de Venecia.

Es conocida por su enfoque crítico y satírico sobre la cultura contemporánea, especialmente en relación con las redes sociales y la identidad digital. A través de fotografías, videos y performances, Ulman examina las construcciones sociales y las expectativas de género en la era de la hiperconexión. Su obra ha sido ampliamente aclamada y ha sido exhibida en importantes galerías y museos de todo el mundo.

Con una formación en arquitectura, Saraceno fusiona arte, ciencia y ecología en sus instalaciones a gran escala. Sus obras flotantes y esculturas aéreas exploran las posibilidades de una arquitectura sustentable y la interconexión entre los seres humanos y el medio ambiente. Saraceno ha colaborado con científicos y organizaciones medioambientales, y su trabajo se ha exhibido en museos como el Guggenheim de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Este dúo artístico se centra en la exploración de fenómenos naturales y culturales a través de una variedad de medios, incluyendo la fotografía, el video y la escultura. Su obra más conocida, “Campo del Cielo, el meteorito y el futuro de la humanidad”, investiga la caída de un meteorito en Argentina y sus implicaciones históricas y cosmológicas. Su enfoque interdisciplinario y su meticulosa investigación los han establecido como figuras destacadas en la escena artística contemporánea.

Telleria se caracteriza por su enfoque experimental y su uso innovador de materiales. A través de esculturas, instalaciones y performances, explora temas como la memoria, la identidad y el paisaje urbano. Su obra, a menudo efímera y en constante evolución, desafía las convenciones artísticas y invita al espectador a participar activamente en la experiencia artística.

Con una estética influenciada por el arte pop y la cultura popular, Terán crea obras vibrantes y provocativas que abordan temas sociales y políticos contemporáneos. Sus pinturas y esculturas, llenas de color y energía, ofrecen una crítica mordaz de la sociedad de consumo y la cultura de la celebridad. Terán ha ganado reconocimiento por su habilidad para combinar lo visualmente atractivo con lo conceptualmente profundo.

Es conocido por su enfoque minimalista y su uso de materiales simples y cotidianos. A través de esculturas, instalaciones y obras en papel, explora la relación entre la forma, el espacio y el espectador. Su trabajo, a menudo sutil y reflexivo, invita a la contemplación y a una experiencia estética íntima y personal.

Es una artista multidisciplinaria cuyo trabajo abarca la escultura, la instalación y el arte público. Con una estética poética y delicada, explora temas como la memoria, la identidad y la relación entre el individuo y el entorno urbano. Su obra se caracteriza por su sensibilidad y su capacidad para crear conexiones emocionales con el espectador.

Con una paleta de colores vibrantes y una estética geométrica y abstracta, Graciela Hasper crea pinturas y esculturas que celebran la alegría y la vitalidad del color. Su obra, influenciada por el arte concreto y la abstracción geométrica, es un reflejo de su exploración constante de la forma, el color y el espacio. Hasper ha ganado reconocimiento internacional por su habilidad para crear obras visuales impactantes y emocionalmente resonantes.

Es conocida por su compromiso político y su enfoque en la representación de la historia y la identidad argentina. A través de pinturas, grabados y murales, aborda temas como la lucha social, la memoria colectiva y la resistencia. Su obra, a menudo figurativa y narrativa, ofrece una reflexión profunda sobre la historia reciente de Argentina y su impacto en la sociedad contemporánea.

Es una artista visual cuyo trabajo se centra en la exploración de la percepción y la representación del espacio. A través de dibujos, pinturas y esculturas, examina las interacciones entre el cuerpo humano, el entorno arquitectónico y el paisaje natural. Su obra se caracteriza por su sensibilidad poética y su capacidad para crear experiencias visuales inmersivas y envolventes.

En conclusión, la escena artística plástica argentina contemporánea está marcada por la diversidad, la innovación y el compromiso con la exploración de nuevas formas de expresión y representación. Estos artistas, con sus distintivos enfoques y visiones, están contribuyendo significativamente a enriquecer el panorama artístico internacional y a establecer a Argentina como un centro vibrante de creatividad y experimentación.

Por Juan Ignacio Novak

Tangology es el título del flamante proyecto que impulsa el bandoneonista Adrián Ruggiero en sintonía con el baterista Juan Corrao. Se trata de una fusión orgánica que se introduce en las sonoridades del jazz y el tango. Ahora, el grupo está a punto de presentar, el 26 de abril, el álbum debut “Potrero” conformado por siete temas que tienen al tango como lenguaje principal pero están arreglados e interpretados con un espíritu que tiene que ver con la libertad del jazz. Así, conviven allí el bandoneonista Aníbal Troilo, el saxofonista Wayne Shorter y composiciones originales de los integrantes del quinteto.

“Desde hace muchos años, el jazz comenzó a tomar otros estilos para sumar en su repertorio de standards e improvisaciones, temas de bossa nova o valses. Entonces ¿Por qué no podemos improvisar sobre los tangos? A pesar de que los tangueros de la más arraigada escuela no lo hubieran permitido. Creo que el tango fue rompiendo moldes a lo largo de estas últimas décadas y éste es un sonido que faltaba. No es ajeno el lenguaje tampoco, las armonías fluyen libremente y trabajamos mucho para transformar esta idea en arreglos musicales concretos que son los que caracterizan la solidez de este grupo”, expresó Adrián Ruggiero a este medio.

“Bustamante y Peña” (Juan Corrao), “Oblivion” (Astor Piazzolla), “Melodía de Arrabal” (Carlos Gardel - Alfredo Lepera), “Nuevos Viajes” (Adrián Ruggiero - Andrés Jorge), “Footprints / Romance de Barrio” (Wayne Shorter / Aníbal Troilo), “Toma Negra” (Adrián Ruggiero) y “Vieja Viola” (Humberto Correa) son los temas que conforman el álbum.

“Nos inspiró mucho el hecho de que todo pueda cantarse, que no sea un disco demasiado complejo sino más bien popular. Que los temas nos parezcan simples para improvisar y por supuesto hacer nuestros propios tangos fue un objetivo que nos motivó para seguir en este proceso de investigación y prueba. Hay dos temas que no quedaron en el disco y eso también fue una decisión que nos costó mucho tomar, pero finalmente sentimos que fue acertada”, explicó Ruggiero.

-El nombre del álbum, “Potrero”, tiene una connotación interesante. ¿Podrías profundizar en la analogía futbolera y cómo se refleja esa idea en la música del disco?

-Lo primero que tiene el potrero es el barro, esa esencia es la primera que queremos resaltar. Uno entra al jazz saltando una reja de alambre para jugar un partido, con toda la inocencia de un pibe atrás de una pelota, completamente improvisado. Casi siempre los jugadores son los mismos en este equipo, lo que lo hace más genial aún. Quiero aprovechar para presentar a los otros jugadores que son: Juan Corrao en batería y con quien realicé todo el trabajo de arreglos y producción del álbum, Andrés Jorge en saxo barítono, Gonzalo Aldás en bajo y Dante Picca en el piano.

Grabar al lado del Monumental

-¿Cómo fue la grabación del álbum en el estudio Cultura Kamikaze? ¿Cómo es el lugar? ¿De qué manera influyó ese entorno en el resultado final?

-Cultura Kamikaze es nuestra sala, así que fue como grabar en casa. Acá se graban discos principalmente vinculados al tango, al jazz y al folclore, se realiza un festival anual y también es la sede de la Fábrica Argentina de Tango que es una asociación civil con la que difundimos el género con un montón de actividades de inclusión social y acercamiento a la comunidad desde diversas perspectivas. Se realizan también trabajos de herrería artística, serigrafía y otras locuras. Queda a media cuadra de la cancha de River Plate, El Monumental, esto fue un tremendo disparador para el nombre. En cuanto al disco en sí, la ingeniería de sonido la hizo Nico Acosta, él es “El Portugués” de Cultura Kamikaze. Además de este álbum grabamos unos cuantos otros en la sala estos últimos años. Sumamos para la mezcla a Florencio Justo, con quien encontramos un sonido original y eso nos hace felices ya que fue desde el comienzo nuestra principal búsqueda.

La aparición de San Pugliese

-“Potrero” presenta una combinación inusual de instrumentos, como el bandoneón, el saxo barítono, la batería, el piano y el bajo. ¿Por qué esa instrumentación? ¿Cómo lograron equilibrar esos sonidos para dar cohesión al resultado final?

-La selección de instrumentos para “Potrero” fue fundamental para encontrar un sonido distintivo y abrazar el tango con el jazz de manera orgánica. Cada instrumento fue elegido, como en un partido de potrero, por el rol que cumplen en el equipo. Tenemos batería y bajo jugando en el fondo, mitad de cancha el piano y te diría que los goles los suelen hacer el fueye y el saxo.

-¿Podés compartir algunas anécdotas interesantes o momentos destacados durante el proceso de producción del álbum?

-Te contaría que Vieja Viola salió en una sola toma que no volvió a repetirse jamás. En momentos como ésos es donde pensás que las cosas están saliendo bien, pero en la segunda jornada tuvimos un problema técnico con la grabación y no fue hasta que apareció San Pugliese que pudimos retomar la jornada. Preocupados por lo que había pasado, pensamos que había sido un desastre pero al oírlo no podíamos creer lo que sonaba.

El género sigue vivo

-¿Cuál es el mensaje o la emoción principal que esperás transmitir a los oyentes a través de "Potrero"?

-A través de “Potrero”, esperamos transmitir una visión de un tango nuevo que no tiene fronteras ni estructuras, que el género sigue vivo en infinitas formas y ésta es una que faltaba decir. Más allá de las palabras, es nuestro deseo que la música toque el corazón y se abran las puertas donde sea que suene alguna melodía.

(Por Juan Ignacio Novak) - En el contexto de la era digital, es sorprendente como Leonardo da Vinci, nacido hace más de quinientos años, sea un punto de referencia continuo y un catalizador para nuevas creaciones. Van dos ejemplos concretos y santafesinos. El primero, en la Fábrica Cultural del Molino, donde una de las atracciones principales le permitía al visitante, no hace mucho tiempo, jugar a través de intervenciones con la icónica figura de La Gioconda, poniendo en juego su propia subjetividad. El otro, en la Redonda donde uno de los dispositivos más admirados es “Alas”, precisamente inspirado en los inventos del genio renacentista.

Es que Leonardo (así quedó para la posteridad) fue un maestro del arte, pero también un visionario científico a la manera en que siglos más tarde lo sería por ejemplo Julio Verne en la literatura. Un ingeniero adelantado a su tiempo y un pensador que conocía varias disciplinas y era capaz de unirlas para elucubrar conclusiones provocadoras, que pusieron en jaque los conocimientos adquiridos hasta su época. Tal vez allí radique su condición de genio, en tomar todo lo que tenía a su alcance, reunir esas variables y gestar algo nuevo. Cabe preguntarse si existe en esta época algún creador que pueda tener un parangón con Leonardo. James Cameron, salvando las distancias, podría serlo, en la medida en que utilizó todo lo aprendido a partir del estudio de los cineastas del siglo XX para hacer algo completamente nuevo como “Avatar”.

Retrato de Leonardo Da Vinci (1508), atribuido a Francesco Melzi. Foto: Archivo/EFE

Es difícil mensurar el aporte de Leonardo, dado que trasciende por mucho los terrenos del arte. Como pocos, encarnó la síntesis del Renacimiento, en su figura confluyen muchos de los ideales y características típicas de ese tiempo de florecimiento cultural, artístico, científico y humanista en Europa. Al mismo tiempo diseñó máquinas voladoras que anticiparon la aviación, realizó estudios de anatomía que allanaron el camino para la medicina moderna, y realizó obra pictóricas que hoy figuran entre las más famosas del mundo. “El ingenio humano nunca imaginará una invención más hermosa, más simple o más directa que la naturaleza, porque en sus inventos no falta nada, y nada es superfluo”, expresó el mismo en una ocasión. Sentencia algo paradójica si se considera que su genio se mantiene vigente con la misma intensidad que hace cinco siglos y medio. Pocas décadas después de la muerte de Leonardo, esto ya estaba claro. Las crónicas señalan que Francisco I le dijo a Benvenuto Cellini: “Nunca ha habido otro hombre nacido en el mundo que supiera tanto como Leonardo, no tanto en pintura, escultura y arquitectura, sino en filosofía”.

Archivo El Litoral

Miguel Calvo Santos, en Historia/Arte, lo resumió bien: “Leonardo da Vinci, el homo universalis, el sabio renacentista, el artista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano. No sólo era artista, también fue una eminencia en aerodinámica, cocina, hidráulica, anatomía, poesía, botánica. Y por supuesto, por lo que lo conocemos hoy: por su pintura, escultura y arquitectura. Gracias a ello forma parte, junto a Miguel Ángel y Rafael, de la santísima trinidad del arte renacentista”. En las líneas que siguen, para celebrar la figura de Leonardo en el día en que se cumplen 572 años de su nacimiento, va un repaso por sus cinco obras más emblemáticas. Que también encuentra fundamento en el hecho de que hoy, en su honor, se conmemora el Día Mundial del Arte, por iniciativa de la UNESCO.

“La última cena”: es un mural que representa el momento en el que Jesucristo anuncia que uno de sus discípulos lo traicionará. Leonardo expresa la tensión del momento y la interacción entre los personajes. Giorgio Vasari, arquitecto, pintor y escritor italiano, considerado uno de los primeros historiadores del arte, sostiene según citan Sofía Vargas y Regina Sienra en My Modern Art que “Leonardo imaginó y logró expresar, el deseo que ha entrado en la mente de los apóstoles de saber quién está traicionando a su Maestro. Entonces, en los rostros de cada uno, se puede ver amor, miedo, indignación o pena por no poder entender el significado de Cristo; y esto provoca una sorpresa comparable al obstinado odio y la traición que se ven en Judas”. Una forma sencilla de medir la fuerte presencia de esta pintura en la cultura popular, es el uso que hace de ella el escritor de thrillers Dan Brown en “El código Da Vinci”.

Santa Maria delle Grazie

“La Mona Lisa”: Con toda posibilidad, la pintura más famosa del planeta y una de las más visitadas y fotografiadas de Europa. Y, podría agregarse, la sonrisa más enigmática desde que Leonardo la plasmó sobre una tabla de álamo a principios del siglo XVI. Desde hace 19 años, la pintura también conocida como “La Gioconda” ocupa el sitio más importante de la sala de los Estados del Louvre, protegida por una vitrina. “Pintada ante un paisaje lejano, la Gioconda nos mira con su legendaria sonrisa en los labios. Sin embargo, al margen de su expresión, lo que le confiere esa presencia tan particular es sobre todo la técnica del sfumato: Leonardo da Vinci superpuso finas capas de pintura para crear las formas atenuando los contornos y los contrastes. El artista atrapó el instante en el que Mona Lisa se vuelve hacia el espectador. Ese movimiento tan natural es lo que confiere una impresión de vida al cuadro”, señala la versión en español de la página oficial del museo parisino.

Museo del Louvre

“La Virgen de las rocas”: Da Vinci pintó dos versiones de esta obra, ambas al óleo sobre paneles de madera de grandes proporciones. Una se conserva en el Louvre de París y otra en la National Gallery de Londres. Las dos representan a la Virgen María, el niño Jesús, el niño Juan Bautista y un ángel en un paisaje rocoso. Una investigación reveló, hace un lustro, los trazos originales de la obra que hizo el artista y que estuvieron escondidos desde entonces. Esto se logró a través de una técnica de mapeo con fluorescencia de rayos X y muestran que esbozó primero al ángel y a Jesús. Catalina Arancibia Durán señala un aspecto significativo: la distribución piramidal, tal como en la mayoría de los cuadros religiosos del periodo.

National Gallery de Londres

“San Juan Bautista”: Juan el Bautista aparece en un paisaje rocoso, sosteniendo una vara de azucenas. Hay misterio y a la vez serenidad en este, uno de los últimos cuadros Leonardo da Vinci, pintado al óleo sobre tabla. “El San Juan que aquí se muestra, es una de sus más misteriosas obras y también una de las más sutiles. Este joven de sexualidad ambigua emerge de la oscuridad suavemente, gracias al sfumato, hasta revelar su rostro y su cuerpo en una tenue, pero precisa luz ámbar que lo envuelve completamente. Vestido con pieles y de pelo largo y rizado, nos mira con esos ojos llenos de implicaciones y sus labios esbozan apenas su sonrisa, con esas comisuras que nos dicen algo que sabemos, pero que no podemos describir en términos objetivos”, escribió Julián González Gómez en un artículo publicado en la página web de la Universidad Francisco Marroquín.

Museo del Louvre

“La dama del armiño”: Es un retrato de Cecilia Gallerani, amante del duque Ludovico Sforza, sosteniendo un armiño blanco, animal al cual se recurría en aquellos tiempos para cazar ratones y conejos. Muchos especialistas ven en esta obra una alegoría del amor y el apego. La técnica es óleo y temple sobre una tabla de nogal. “Como todos los cuadros de Da Vinci, el retrato de Gallerani muestra un compromiso con el naturalismo. Esto es evidente en el modelado del rostro de la mujer, el pecho y, especialmente, la mano izquierda que acuna al animal. También está hecho en claroscuro, una técnica que enfatiza las luces y sombras para crear profundidad visual”, sostiene la ya citada Sofía Vargas, redactora en español para My Modern Met.

Museo de Czartoryski

Por Juan Ignacio Novak

“Ya se escuchan los disparos, entre muerte y libertad. Cae mi cuerpo agujereado, ya no podré cantar más”. La cruda imagen la eligió el cantautor Alejandro Lerner en su canción “La isla de la buena memoria”, que intenta evocar el dolor que generó la Guerra de Malvinas. El escritor Jorge Luis Borges fue más irónico, no por eso menos lúcido: “Las Malvinas fue una guerra entre dos calvos por un peine” afirmó a poco del conflicto bélico. Lo cierto es que la Guerra de Malvinas fue un conflicto que marcó un antes y un después en la historia de Argentina y sus huellas persisten en la conciencia nacional. Marcas que encontraron un eco poderoso y conmovedor en el arte. En estas líneas, repasamos cuatro obras plásticas que captan aquellos tiempos turbulentos y las emociones que rodearon la guerra y sus consecuencias.

La primera de las obras elegidas lleva la firma de Pablo Suárez, se titula “Tiempos de guerra” y fue realizada en 1982. Suárez, un artista plástico y escultor nacido en Buenos Aires en 1937, había sido uno de los protagonistas del Instituto Di Tella y en los ‘80, formó parte del Grupo Periferia. En su obra sobre Malvinas, que data del momento mismo en que se desplegaba el conflicto, canalizó sus sensaciones (que eran las de muchos) en una imagen pintada al óleo sobre tela. Un aparato de radio, algunos diarios que informan sobre el devenir de las acciones armadas, una taza de café y un paquete de cigarrillos están divididos en la escena. Pero la protagonista es la soledad. “Sobre la mesa hay una taza vacía y un paquete de cigarrillos, estos objetos son huella de que alguien estuvo ahí aunque su cuerpo esté ausente para quien mira”, señala el portal infoarte.

Dibujos

Clorindo Testa realizó en 1994 algunos dibujos, transcurrida poco más de una década de la guerra, estuvieron dedicados a los combatientes caídos durante el conflicto en las islas. Testa fue un reconocido arquitecto, de modo que su obra plástica está muy ligada a su labor en tal sentido. “Toda su producción está atravesada por reflexiones alrededor de temas como el de las grandes ciudades y las condiciones de vida en espacios urbanos”, señala el portal de la Fundación dedicada a su memoria. El dibujo de Testa que elegimos, “Monumento a los caídos en Malvinas, cementerio de Malvinas” es, precisamente, un trabajo de tinta sobre papel.

El ilustrador mendocino Luis Scaffati también se hizo eco del conflicto bélico de las islas del sur. Este dibujante nacido en Mendoza en 1947, publicó dibujos con el seudónimo de Fati en la legendaria revista Hortensia. Luego, sus trabajos estuvieron en las páginas de diversos medios gráficos. El dibujo en tinta china sobre papel que se presenta aquí, fue realizado en la época de la guerra. “En ese momento estábamos todos sumergidos en ese tema catastrófico y se había despertado una especie de conciencia sobre lo nacional. Sentí que era la invasión del imperio, y Estados Unidos se plegaba a lo que decía Gran Bretaña”, reflexionó el autor en una nota publicada en 2020 por el diario La Nación.

Figura agigantada

La artista plástica Marcia Schvartz estudió grabado con Aída Carballo y pasó por los talleres de serigrafía de Jorge Demirjián y de pintura de Luis Felipe Noé. Durante su exilio en España, durante la dictadura militar, entre 1977 y 1982 se volcó hacia las costumbres y pasiones de la clase popular. “Retrató a los auténticos protagonistas de los barrios, fueran las vecinas de Barcelona o los habitantes del Abasto, donde vivió cuando regresó a Buenos Aires. Aquella caterva resplandecía en sus lienzos. En 1988, Alberto Laiseca comparó a la artista con Manuel Puig ‘por el rescate de todas las criaturas marginales y despreciadas’ que Schvartz mudaba al centro de sus cuadros”, señala Viviana Usubiaga en un artículo escrito para el Museo Nacional de Bellas Artes.

“Pasados los años el tema Malvinas volvió a ser central en otra obra de Schvartz titulada ‘Bajo Bandera’, que tal vez, no por casualidad, pertenece a la colección personal de Guillermo Kuitca. Es el retrato de cuerpo entero de un soldado uniformado que posa delante de una especie de telón de fondo que es la bandera argentina. Las pinceladas celestes y blancas se extienden en el fondo cubierto de páginas reales, impresos de una suerte de manual militar. Fotos de regimientos, buques militares, testimonios de soldados que defendieron la Patria, la fotografía del General San Martín, dibujos de la bandera, la escarapela y el escudo nacional. Todo ese fragmentado imaginario entre castrense y marcial, patriótico y nacionalista se empequeñece ante la figura agigantada del ex combatiente. Parado en sus borceguíes sobre el extremo inferior de la tela, el soldado anónimo deja ver una de sus manos que sujeta el cinturón con firmeza, el otro brazo queda oculto (no se percibe si lo tiene), mientras sus ojos serena y fijamente, percuten nuestra mirada”, indica Usubiaga en su libro “Imágenes inestables”.

El Día Mundial de la Poesía, celebrado cada año el 21 de marzo, conmemora una de las formas más preciadas de la expresión e identidad y lingüística de la humanidad.

La poesía, practicada a lo largo de la historia en todas las culturas y en todos los continentes, habla de nuestra humanidad común y de nuestros valores compartidos, transformando el poema más simple en un poderoso catalizador del diálogo y la paz.

La UNESCO adoptó por primera vez el 21 de marzo como Día Mundial de la Poesía durante su 30ª Conferencia General en París en 1999, con el objetivo de apoyar la diversidad lingüística a través de la expresión poética y fomentar la visibilización de aquellas lenguas que se encuentran en peligro.

El Día Mundial de la Poesía es una ocasión para honrar a los poetas, revivir tradiciones orales de recitales de poesía, promover la lectura, la escritura y la enseñanza de la poesía, fomentar la convergencia entre la poesía y otras artes como el teatro, la danza, la música y la pintura, y aumentar la visibilidad de poesía en los medios.

"Venado Tuerto se consolida como un polo cultural". Esta no es una sólo una frase, un slogan que suena cada vez con más fuerza, sino una realidad que se evidencia en los hechos, que se palpa cada fin de semana con una amplia variedad de ofertas artísticas, ya sea en los relucientes teatros, como en los diferentes espacios públicos. 

"En Venado siempre pasa algo, hay algo para hacer", es lo que se escucha decir en cada pueblo y ciudad del departamento General López, convirtiendo a la Esmeralda del Sur en un atractivo para una creciente región. Y esto no fue magia, sino un objetivo claro de una gestión municipal que le dio a la Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural, a cargo de Miriam Carabajal, un espacio preponderante para generar ámbitos de expresión, pensado para todos los gustos y edades. 

Así fue que, con la "complicidad" de otras áreas del gobierno venadense, empezaron a florecer eventos que hoy ya se transformaron en clásicos, como los Paseos de la Ciudad, Venado Celebra, Nuestros Patios Susurran, la Noche de los Museos, Venado en Concierto, entre tantos otros que reúnen a miles de personas en cada edición. 

Pero el arte y la cultura no sólo emerge desde el Estado, sino que de manera paralela están los privados y en especial los espacios artísticos independientes, que siempre en Venado Tuerto fueron muchos y de alta calidad. Estos grupos también estuvieron a la altura de lo que la ciudad necesita para seguir avanzando en este camino de crecimiento, desarrollo y expansión cultural. 

A pesar de arrastrar algunos coletazos que dejó pandemia de Covid, donde la actividad cultural fue una de las más afectadas -la última en reactivarse-, a lo que se sumaron la escasa participación de Provincia y Nación, y la crisis económica que se acentuó en este último año, los artistas sacaron a relucir su valor de rebeldía que siempre los caracterizó para hacer frente a la coyuntura y seguir construyendo hacia el futuro.   

Facciones y Ficciones

El artista plástico oriundo de la vecina Berabevú y venadense por adopción, Claudio Priotti, inauguró la segunda parte de la exposición "Facciones y Ficciones", caracterizada por 12 retratos de su autoría de escritores de dimensión universal, que se complementaron con los respectivos textos de escritores mexicanos. La muestra se llevó a cabo en la Biblioteca Popular Florentino Ameghino. 

Realidad Aumentada

Visitantes de distintas edades participaron en la Casa Museo de una experiencia sensorial única: la inauguración de la muestra Realidad Aumentada, preparada por el artista visual Oscar Poliotto como parte del relanzamiento de actividades del Museo Internacional de Arte (MIA) de Venado Tuerto.

Venadense al Oscar

La vecina de Venado Tuerto, Ana Díaz Vélez, formó parte del equipo de dirección, encabezado por Santiago Mitre, de la película "Argentina 1985", la cual compitió en los premios Oscar como mejor filme extranjero. 

"Norma"

Venado, al igual que los cines de todo el país, fue testigo del estreno de la película "Norma", escrita y dirigida por el talento local Santiago Giralt, quien estuvo en la ciudad para la primera función que se llevó a cabo en Cinema Casey.

"Norma" es una comedia que tiene como personaje principal a Mercedes Morán, una de las actrices más importantes de la escena nacional, quien además colaboró en la elaboración del guion en un trabajo conjunto con Giralt que tardó una década en salir a la luz.

De abogada a escritora

Sarah Mulligan nació en Venado Tuerto, ciudad en la que vivió hasta los 17 años, cuando decidió mudarse a Rosario para continuar sus estudios superiores. Se recibió de abogada, profesión que ejerció con "notable éxito" hasta 2006, año en que decidió dar un giro de 180º y dedicarse a su verdadera pasión: la literatura infantil. 

Historietistas

El sur-sur de Santa Fe cuenta con muchos adeptos a la historieta, casi extinta en la década del '90 y con un notable auge en los 2000, que aún perdura. Uno de los impulsores y protectores de este género literario es el grupo Historietistas Venado Tuerto, que cree en la historieta como un poderoso canal de enseñanza para los más chicos, incluso con su incorporación en las escuelas.

Relatos de fronteras 

La Biblioteca Popular "Juan Bautista Alberdi" de Venado Tuerto fue testigo de la presentación del esperado y nuevo libro de Roberto Landaburu, "Indios y criollos. Relatos de Fronteras".

La actividad contó con palabras del autor y un adecuado complemento artístico con los hermanos Gabriel y Walter Zarich, y Flavia Boglione. También aportó lo suyo la notable "Chiqui" Ledesma.

Poemas 

Juan Carlos Rodríguez presentó su nuevo libro de poemas "Que el cuerpo produzca rimas", en la sala Castalia de la Biblioteca Popular "Florentino Ameghino". El evento incluyó lectura de poemas a cargo de Roberto Cassane, Marcelo Sevilla, Carlos "Tato" Záttara y el propio autor, y, además, bailes con el grupo Mahaila (Guadalupe Rodríguez y Luciana Brunini); música con Flavio Adra y Daniel Díaz y una muestra de pinturas de Mauro Calderone (autor del arte de tapa). 

"Cayetano Silva"

En la Casa Museo Cayetano Silva se presentó el libro "Cayetano Silva", escrito por la docente e historiadora Alejandra García. En un arduo trabajo de investigación, la autora redondeó un nuevo marco de referencia para comprender, en toda su dimensión, quién fue este músico. Además, los detalles del hallazgo de la partitura original de la célebre marcha San Lorenzo.

"Cristina y la historia"

En el Cine Teatro Ideal, la historiadora rosarina Camila Perochena presentó su libro "Cristina y la historia - El kirchnerismo y sus batallas por el pasado", con los docentes Javier Muñoz y Belén Druvetta en el rol de moderadores, y la organización del Profesorado de Educación Secundaria en Historia del Instituto Católico de Enseñanza Superior (ICES).

Rock en la Ciudad

El clásico festival "Rock en la Ciudad" celebró los diez años con una potente noche en la calle (Sarmiento y Juan B. Justo). Esta edición aniversario contó con la presencia de Pez, Groovin Bohemia, 9 Mil Pesetas de Whisky, La Vieja Putrefacta, Kataflán y Yica Tambó. 

Venado en Concierto

Una treintena de bandas locales de distintos géneros se presentó en el Centro Cultural Municipal participando del encuentro "Venado en Concierto". Artistas del folclore, tango, rock, tropical y otros géneros, propusieron su música a los miles de vecinos que con entrada libre y gratuita pudieron disfrutar del espectáculo en la sala Jorge Luis Borges. 

Alejandro Balbis

El músico uruguayo Alejandro Balbis regresó a la ciudad para presentarse en 1927 Multiespacio. En esta oportunidad, el artista que tiene un especial vínculo con Venado Tuerto, ciudad que lo recibió en reiteradas oportunidades, exhibió su renovado y particular espectáculo denominado "Guitarras en el aire".

Venado en los Gardel

Dos venadenses ya consagrados y que han representado de manera categórica a su ciudad natal, compitieron en la 25º edición de los Premios Gardel. Ellos fueron Leo Genovese -único argentino en obtener un Grammy en la edición 2023-, que compitió en tres categorías (Canción del año, Mejor álbum de jazz y Mejor colaboración) y Rowina Casey en la terna: Mejor álbum artista romántico-melódico.

"Aterrada (por la Pandemia)"

Sobre el cierre del año se estrenó la obra teatral "Aterrada (por la Pandemia)", con las actuaciones de Graciela Petinón y Roberto Medina. La pieza fue escrita y dirigida por el venadense Ricardo Pisano y describe lo que el mundo tuvo que atravesar con la viralización de una enfermedad desconocida.

"Pedro y el Capitán"

Bajo la dirección y producción de Jerónimo Marroquín, se puso en escena la obra "Pedro y Capitán" de Mario Benedetti. El elenco estuvo integrado por Luis Arloro y Alberto Aymerich. Se trata del tenso diálogo entre víctima y verdugo que se desarrolla en una sala de interrogatorios.  

Repensar Malvinas

El Teatro Ideal y la Biblioteca Florentino Ameghino fueron escenarios del ciclo "Teatro de una Noche de Malvinas", que incluyó dos obras teatrales y una disertación, actividad organizada por el gobierno municipal, a través de la Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural, el Ateneo Popular Venado Tuerto y el programa Bitácora Malvinas (Radio Ciudad 88.1), en su tercer aniversario.  

Comedia, 20 años

La Escuela Municipal de Teatro Musical (EMTM) hizo su cierre anual, en el marco de los 20 años de Comedia Musical, con la presentación de la obra "Romeo y Julieta: del odio al amor". 

Del 24 al 26 de noviembre, la sala Jorge Luis Borges del Centro Cultural Municipal estuvo colmada para disfrutar de una gran puesta en escena, donde se destacaron las actuaciones, vestuario, iluminación y música en un espectáculo de primer nivel.

"Pasen y vean"

Se estrenó "Pasen y vean", la nueva apuesta del Galpón del Arte. Esta pieza, escrita y dirigida por Horacio "Ñoti" Martínez, cuenta con las actuaciones de Pablo Gurrea y Roque Carrasco.

Se trata de una breve historia de teatro, donde dos actores recorren escenas y recuerdan cómo aprendieron a contar cuentos. Una reflexión sobre el paso del tiempo y los cambios que forman parte de la modernidad. 

Perfume de Campeones

Luego de un año de mucho trabajo, la obra Perfume de Campeones, escrita por el venadense Paul Citraro, tuvo un gran estreno con cuatro funciones a sala llena. La pieza, dirigida por Roberto "Nene" Corvatta, reúne a verdaderos titanes del teatro venadense: Oscar Barotto; Horacio "Ñoti" Martínez; Agustín Di Mella; Andrés "Colo" Pieli; y Carlos "Tato" Záttara, con la participación especial de Verónica Pipelo. 

Teatro de una Noche de Venado

Con aforos casi completos en cada una de las salas, se efectuó la edición 2023 del ciclo "Teatro de una Noche de Venado", con nueve puestas escénicas ofrecidas por elencos de la ciudad y de otras localidades y una masterclass abierta brindada por la destacada directora teatral Vivi Tellas.

El Ruso Verea 

Norberto "Ruso" Verea se presentó en la sala Castalia de la Biblioteca Popular "Florentino Ameghino", evento organizado en conjunto por la Asociación Regional de Trabajadores de Prensa (Artrap), el Instituto Dante Alighieri y el Círculo de Periodistas Deportivos de Venado Tuerto. 

Museo de Fotografía

El Museo Itinerante de Fotografía, una iniciativa cultural que recorre diferentes ciudades de Argentina para promover el arte de la fotografía, estuvo en la plaza San Martín, donde recibió a cientos de vecinos de todo el sur santafesino. 

Polémica por Cayetano 

El 2023 comenzó con una inesperada controversia que tuvo como punto de partida una publicación realizada por la Comuna de Elortondo cuestionando la creación de la Marcha San Lorenzo y asegurando que no fue una melodía exclusiva del maestro Cayetano Alberto Silva. Esta "teoría" expuesta por la vecina localidad provocó innumerables opiniones, en su mayoría planteando que no tienen respaldo histórico fehaciente y no superan la categoría de leyendas. 

Gran Noche de los Museos

Con una notable respuesta del público, se llevó a cabo una nueva edición de "La Noche de los Museos", propuesta organizada por la Secretaría de Territorialidad y Desarrollo Cultural, con el aporte de las distintas áreas del gobierno de Venado Tuerto.

La edición 2023 reunió 20 espacios, incluyendo bibliotecas, entidades culturales, religiosas, edificios emblemáticos y museos temáticos, que ofrecieron diferentes exposiciones e intervenciones artísticas.

Feria del Libro

Venado Tuerto fue testigo, por segundo año consecutivo, de una multitudinaria Feria del Libro, que demostró una vez más el caudal cultural de la Esmeralda del Sur y la región. Durante tres días, el Club Jorge Newbery albergó a miles de personas en sus instalaciones, que disfrutaron de lecturas, talleres, espectáculos, debates, muestras de arte, entre un universo de incesantes actividades cada día, muchas de las cuales tuvieron lugar en los dos escenarios montados para la ocasión: uno interno, llamado "40 Años de Democracia", y otro externo, que llevó el nombre de "Magdalena Ajubita".

Rano, de regreso

El reconocido guitarrista que supo tocar con artistas de renombre como Charly García y Gustavo Ceratti, regresó a Villa Cañás, la ciudad que lo vio crecer. El músico, que actualmente reside en Mallorca, España, aprovechó la oportunidad para reencontrarse con afectos y repasar su gran carrera. 

Rufino en Cosquín

El bailarín de Rufino, Agustín Nicolás Domínguez, formó parte del ballet estable de Cosquín, participando de las 9 lunas del evento folklórico más importante del país. El artista que supo llevar su danza a distintas partes del mundo, sumó una nueva experiencia, esta vez en el escenario Atahualpa Yupanqui. 

Puerta del infierno

"Puerta del infierno" fue uno de los tantos escritos creados para la contratapa del mítico semanario "La Tribuna" por Hugo Basso, que se volvió noticia y despertó todo tipo de reacciones alocadas por considerarse cierta. De la ficción a la realidad a través del tiempo, el boca en boca y el poder de las palabras: el diablo habita las profundidades de la ciudad de Rufino. 

Murales por la democracia 

Jóvenes rufinenses se presentaron al concurso "40 murales, 40 años de democracia" generado por el Ministerio de Cultura de Santa Fe y ganaron. "Trinchera arte" es el nombre que eligieron para este primer desafío construido como espacio participativo por tres mujeres locales con aspiraciones transformadoras: Valentina, Andrea y Melina. 

Homenaje a Charly

La ciudad de Nueva York inauguró, en el cruce de las calles Walker St. y Cortlandt Alley, la "Esquina Charly García" en homenaje al 40º aniversario del lanzamiento del álbum "Clics modernos" y en el lugar exacto donde fue tomada la icónica imagen que constituye el arte de tapa del disco. A unos cuantos kilómetros de distancia, en la ciudad de Firmat, el artista Ariel Bertolotti Paez también se sumó a este homenaje, pero meses antes. La obra, culminada en junio de este año, se puede apreciar sobre una pared del edificio lindero al Hospital "General San Martín", sobre calle 25 de Mayo, entre Santa Fe y Remedios de Escalada.

Museo Regional

El domingo 20 de agosto fue un día muy especial para toda la localidad de Elortondo, porque se dejó inaugurado un proyecto que los identificará y perdurará en el tiempo, pues se abrió finalmente el Museo Regional y Espacio Cultural "Isabel Armstrong", ente original con particulares características. 

"Encantador"

Tras varios días de ardua labor, la filmación de la película "Encantador", en Elortondo, llegó a su fin. Con la presencia en las últimas horas de rodaje de los actores Arturo Puig y Mario Alarcón, la cuarta producción de José María Cicala seguirá ahora en Buenos Aires.