(Por Ignacio Andrés Amarillo) - Con algunos cambios en la grilla de los artistas de apertura, la segunda jornada del Lollapalooza Argentina 2025 comenzó bajo un cielo nublado. “Yo soy Juan López, estamos tocando un disco del que pronto van a estar hablando”, se anunció el primer artista de la jornada, en actitud jugada cuando se sacó el buzo y abajo tenía la remera irónica sobre “La ruta del dinero K” (que en realidad ensalza los logros de los gobiernos kirchneristas). Se presentó en formato trío, con él mismo en voz, guitarra y teclado, más Maxi Manzur en batería y Agucho en bajo y teclado, “todos negros de Córdoba”. “Primo” subió la intensidad (de su letra sale el título del disco, “Culiado”), con Ill Quentin de la RipGang como invitado. Cerró con “Intoxicado”, dedicada a Buenos Aires cuando se siente agobiado.

Lollapalooza 2025: el cordobés Juan López presentó las canciones de “Culiado”, su último álbum: un título muy de su provincia. Foto: Gentileza Alive Coverage

Luego fue el turno de Juana Aguirre, con su especie de synth-pop gótico, con voces procesadas (en vivo y en pista), beats electrónicos, arpegiadores y colchones de teclas. El vestuario negro y las pantallas en blanco y negro reforzaron el efecto. Se fue anunciando "Anónimo", su álbum de próxima salida.

Lollapalooza 2025: Con una voz dotada para el soul, Luz Gaggi coquetea con los estilos urbanos y los ritmos latinos. Foto: Gentileza Alive Coverage

Mientras la sugestiva Soulfía se contoneaba junto a sus bailarinas en el Perry’s, la ascendente Luz Gaggi (soporte de Paul McCartney en su primer show del año pasado) salió a comerse el Flow Stage, ya con público propio. Con una voz dotada para el soul, y una creciente confianza sobre las tablas (confesó que parte de esa seguridad es impostada) coquetea con los estilos urbanos y la entonación ibérica que muchas artistas del rubro incorporan (especialmente en “Nunca”, que podría estar en el repertorio de Bebe); o los ritmos latinos como en la abolerada “Valentino”. Se despidió con “El farsante”, “Animales" y “Ángeles griegos”.Bal

Lollapalooza 2025: los colombianos Balthazar Aguirre y Johanna Mercuriana, integrantes de Balthvs junto a Santiago Lizcano. Foto: Gentileza @Lady_miru

En el Arternative, a esa hora era el turno de Balthvs, banda colombiana formada por Balthazar Aguirre (guitarra, voz, de look santaniano), Johanna Mercuriana (bajo, voz, una especie de Björk latina en kimono fucsia) y Santiago Lizcano (batería, voz, en camisa estilo Los Espíritus). Su búsqueda incluye extensos pasajes instrumentales, con la base siguiendo el viaje de la guitarra; combinado con pasajes cantados a dúo, especialmente entre los dos primeros.

Lucila Storino, Juana Inés Gallardo y Ramiro Pampin de Dum Chica se volvieron comidilla de las redes por su alusión a Javier Milei en la pantalla. Foto: Gentileza Alive Coverage

El Samsung Stage retomó con Dum Chica, unión de la performática cantante Lucila Storino (blusa blanca y shortcito) y los bajos distorsionados de Juana Inés Gallardo (musculosa y falda), acompañadas la batería de Ramiro Pampin. Su look, su sonido y su mensaje (la bandera del Orgullo apareció cada tanto en la pantalla) las ubican en una misma constelación con Bikini Kill o Veruca Salt, también su minimalismo las acerca a The White Stripes o Royal Blood.

Un Milei de banda presidencial, colmillos y cuernos (cuya cabeza terminó explotando) ilustró el desenfreno de “Terremoto” (“Hace mucho que no lo tocábamos”. Se fueron entre sirenas, la banda sonora de estos tiempos, dejando el momento políticamente viral de jornada (y opacando la remera del cordobés).

Los españoles de Arde Bogotá s reconocen influenciados por Héroes del Silencio: el cantante Antonio García no puede (ni quiere) ocultar su linaje bunburiano. Foto: Gentileza Alive Coverage

Mientras la venezolana Elena Rose estaba terminado su set en el Perry’s Stage, y en el Alternative se subía el británico-grecochipriota Artemas, en el Flow hizo lo propio Arde Bogotá: una banda de Cartagena, pero no de la de Colombia sino la de Murcia, en España. Se reconocen influenciados por bandas como Arctic Monkeys, Foo Fighters y Héroes del Silencio: el cantante Antonio García no puede (ni quiere) ocultar su linaje bunburiano (vocal y actitudinal). Arrancaron con “Antiaéreo” y la coreable “Qué vida tan dura”. Ha dado un respiro el sol, para que venga la lluvia, y podamos disfrutar del viento y el campo”, afirmó el vocalista, antes de presentar “Flores de venganza”.

Siguieron con “Cariño” y “Exoplaneta”, para arribar a “La Torre Picasso”: directamente podría haber sido escrita por los Héroes (“Voy a subir a lo alto / Levantaré tus brazos / Y gritaremos juntos ‘Hay que parar el mundo’”), reflejado en la performance escénica de García. Presentó “una historia de amor, distinta a ‘Exoplaneta’, porque termina bien”: ‘Virtud y castigo”. Destacó las devoluciones que reciben de “La salvación”, a la que describió como esencial (“Tiene que haber una salida para tanto dolor”).

Se despidieron con “Abajo”, que es bastante para arriba. Pero tras presentar a staff y músicos (Dani Sánchez en guitarra, Pepe Esteban en bajo y José Ángel Mercader en batería y percusión), les quedó resto para “Los perros” (algo así como un feat de Enrique con los Monkeys), mientras las gotas que prometían hacerse lluvia se retiraron.

Elijah Hewson, cantante y segunda guitarra de Ios irlandeses Inhaler. Foto: Gentileza Alive Coverage

Sonó un disco nada que ver hasta que salieron los Inhaler y fueron derecho a “Eddie in the Darkness” y “When It Breaks”, encabezados por la voz de Elijah Hewson y la guitarra de Josh Jenkinson. “Little Things” trajo el uptempo del indie brit.

Hola Buenos Aires, ¿qué tal?, dijo el bajista Robert Keating en castellano, antes de presentar al baterista Ryan McMahon y bajar unos BPM en “Who’s Your Money On? (Plastic House)”. “Están muy caliente” (sic), dijo Hewson, ante una audiencia femenina que les cantaba el nombre de la banda.

Con “X-Ray” ganaron en dramatismo. Sonido del Hammond de Louis Lambert (tecladista en gira), la guitarra acústica de Jenkinson y la eléctrica de media caja del cantante (con un Elvis impreso en la correa) pintaron otro clima para “My King Will Be Kind”. Volvieron a acelerar en “Dublin in Ecstasy”, con melodías cantabiles en la primera guitarra. Cambiaron guitarras, y una pista llamó a “Love Will Get You There”, montada en un bajo machacón.

Tomaron el tramo final con “Billy (Yeah Yeah Yeah)” e “It Won’t Always Be Like This”, que tuvo su ronda de pogo amigable. Hewson destacó que es la primera vez aquí, y que es lindo conocer un nuevo país, para luego pasar a la marchosa “Your House”. “¿La pasaron bien? Los veo más tarde”, saludó antes de “My Honest Face”.

La etérea María Zardoya, la cantante de origen portorriqueño de The Marías, banda que fundó con el baterista Josh Conway. Foto: Gentileza Andie Borie

María Zardoya se movió sutil y etérea por el escenario, tanto como su voz ligera y algo aniñada, en vestido y choker negro a juego con el azabache de su pelo. Ella le pone el nombre a The Marías, proyecto del que es copropietaria con el baterista Josh Conway. Tras la intro “Hamptons” saludó en castellano (es de origen boricua) para “Real Life”, seguida por “Only in My Dreams” y “Run Your Mouth”. Ahí vino un enganchado entre “Ruthless”, “Lovefool” (su hit más trascendente) y “Care for You”, con un solo de trompeta de Gabe Steiner mientras la muchacha caminó la pasarela.

Esta canción es de nuestro álbum nuevo, que se llama “Submarine: presentó “Lejos de ti” (cantada en castellano) seguida por “Otro atardecer”, un feat con Bad Bunny en español, con una estructura de las rimas en estilo “latino internacional”, pero interpretada con la impronta del grupo. “La próxima canción es de nuestro primer álbum, ‘Cinema’. Los quiero un montón: es nuestra primera vez en Buenos Aires y nos ha encantado”. El tema fue “Love You Anyway”, con un pasaje a cargo de Jesse Perlman (con escarbadiente en la boca) en la guitarra, mientras caían unas chispas líquidas al tiempo que salía el sol.

Esta canción es nueva”: cantó “Heavy” sentada en la escalera, antes de arrancar otra, caminata felina, sostenida por Edward James en los teclados. Pasó “Ay no puedo”, y Conway metió un bocadillo en “Back to Me”. Lo hizo de nuevo en “Vicious Sensitive Robot” con ella contorsionando. “Olé olé olé, Mari, Mari”, fue la respuesta confiazuda.

“Canten esta conmigo si la saben”, dijo al colgarse la guitarra (Strato blanca, más a juego con su piel que con su vestuario). Se trató de “No One Noticed” con el bajista Doron Zounes haciendo su parte en un teclado. María cerró con una vuelta en castellano, para recibir otra aclamación. En “Paranoia” fue seguida por las cámaras, que la aman, mientras Perlman exprimía literalmente su instrumento. Una secuencia electrónica envolvió a la voz en “Hush” (casi masticando el “forget about it”), abierta luego a la banda, coros incluidos, hasta que Josh hizo un nuevo interludio vocal.

“Esta es la última canción” anunció Zardoya, antes de abordar Cariño, una letra bilingüe que podrían grabar con Mon Laferte o Ximena Sariñana.

Wos trajo sus rimas con contenido, su energía en el escenario, y se reencontró en vivo con su productor Evlay. Foto: Gentileza Alive Coverage

Valentín Oliva, el hijo orgulloso (y enojado) de la clase media, el “Wosito” (no le digan así, por favor) salió a hacer valer sus credenciales en un buen lugar en la grilla. Lo hizo con “Descartable”, en un diálogo con la cámara, mostrando los dientes: con pantalón de cuero y remera gris. La banda peló como siempre, con la guitarrista Ivanna “Chipi” Rud sin sus rodetes, copando el espacio junto al solista y bajista Natasha Iurcovich; la sorpresa fue la incorporación de Evlay (Facundo Yalve, productor y cocreador de muchas de las canciones) en la otra guitarra. Articularon con “7/8”, y la audiencia coreo Wosito, Wosito (no la entendieron).

“Niño gordo flaco” arrancó con los teclados vintage de Fran Azorai, subiendo la energía del segmento. “Gracias por este recibimiento, vamos a darle nomás”, dijo el vocero generacional antes “Luz delito”, con el baterista Tomás Sainz y Natasha al comando, Oliva saltando de manera simiesca y rematando la canción con un beatbox.

Subieron la apuesta con “Morfeo” (“El hastío de amoldarnos a los hábitos / Que dictamina el juez colectivo de lo válido”) La cámara en mano buscó sus ojos claros (este es otro angelado al que la cámara ama) en “Que se haga tarde”. Volvió al centro del escenario para Canguro, un manifiesto político con sus dos caras: la de la gente de bien y la de los ciudadanos de a pie (una síntesis de consignas para pancartas).

“A ver si me acompañan en esta, y se sentó para la mundialista “Arrancármelo”, con Yalve en la guitarra, como en 2022, y Sainz al piano. El segmento se prolongó en “Alma dinamita”: “Me gusta todo lo que sos y un poco más / El barrio queda sin luz cuando no estás / Las caras cambian todas cuando vos llegás / La noche te sigue mientras vos girás”.

Arribaron al tradicional duelo de beatbox y batería, en el que Wos propone un ritmo y Sainz lo agarra al vuelo. “¿Están para una improvisación? Un poquito de freestyle para seguir en esa”, propuso después, y se enzarzó en unas rimas, donde contó: “Llevo media vida improvisando”. Hubo arranque acústico para “Culpa, rabiosa pero contenida en las formas latinoamericanas, con Ricardo Mollo cantando desde las pantallas y solo final de Evlay.

“Los veo agitados, pero si a alguno le quedo una mala energía para sacar hágalo con este track. Sacalo nomás": así llamó a Púrpura, otra explosión de energía arriba y abajo del escenario, con solo final de Rud. Una base funk desde el teclado vintage dio comienzo a “Cambiando la piel”, en el que metió un nuevo freestyle antes del final. Se despidió con “La cochería”, con solo de Chipi y Natasha buscando complicidad con ella y con el jefe para la celebración.

Sepultura versión 2025: Paulo Jr., Derrick Green, el joven Greyson Nekrutman y Andreas Kisser. Foto: Gentileza Alive Coverage

La cantante pop Tate McRae tenía la continuidad en los tablados principales, pero como aperitivo de Tool, la producción programó otro número pesado en serio antes: los históricos Sepultura, que llegaron al tercer escenario con “Refuse/Resist”, el tema de cuya letra salió el título de ese gran álbum que es “Chaos A.D.”: thrash a dos velocidades, desde hace mucho en la voz del enorme (no es metáfora) Derrick Green. Se fueron a otra de la época “Territory”, espesa en la guitarra de Andreas Kisser y el bajo de Paulo Jr., los dos miembros fundadores que quedan. En “Kairos”, Paulo dobló las guturales de Green, que en short y musculosa parece más un deportista que una celebridad del metal.

Sonido de berimbau y ojos de hombre-serpiente en las visuales precedieron a “Attitude”, con el juvenil baterista mostrando sus capacidades en los diferentes segmentos (completada la identidad tribal con rostros amazónicos pintados en las imágenes. “¿Cómo están, Buenos Aires? Thanks to having us. Obrigado”, dijo el afroamericano en tres idiomas, antes de presentar “Means to an End”, enloqueciendo a un público que agitó con remeras de Almafuerte, entre otras.

Andreas agradeció poder festejar los 40 años de la historia de la banda en Argentina, un país importante para la misma. “¿Están listos para la vieja escuela del thrash metal? Hagan el mosh pit. Del 87, del disco ‘Schizophrenia’: ‘Escape to the Void’”, anticipó, antes de “pudrirla” (con furioso solo propio, y viejos afiches de fondo. “Este tema que vamos a tocar es del álbum del 94 ‘Chaos A.D.’, donde empezamos a meter más de música brasileña en la percusión se llama ‘Kaiowas’”, y llegó con Kisser en guitarra de nylon, el cantante en percusión y un guitarrista invitado, para terminar tocando todos percusión, junto a otros invitados.

Volvieron a la electricidad con “Dead Embryonic Cells”. El clima cambió con “Agony of Defeat”, con Kisser abriendo con arpegios sobre una base de teclados, y Derrick explorando una voz más limpia por momentos. “Lo que quiero que hagan por mí es fucking levantarse”, dijo el moreno, largando “Arise”, canción emblema del legendario álbum homónimo

“¿Una más? Preguntó el morocho”, habilitando al juvenil baterista Greyson Nekrutman para su solo. La bandera de Brasil con el logo de Sepultura sobre el círculo azul copó el fondo para “Ratamahatta”, cantando en portugués. “Sepultura do Brasil” dijo el estadounidense (ya aquerenciado en el país vecino) para cantar “Roots Bloody Roots” como lo hizo en el Monsters of Rock del 99 (de lo último que grabó Max Cavalera con la formación), con Andreas metiendo wah wah en su último solo de la noche. Terminó así el reencuentro del púbico argentino con la banda más grande del rock brasileño (algo que reconocía Herbert Vianna de Paralamas).

James Maynard Keenan de Tool, en uno de los pocos momentos en que se dejó ver plenamente. Foto: Gentileza Alive Coverage

En su apertura de propuestas, el festival programó a La K’onga en el Perry’s a la misma hora que Tool, como para que no digan que no había opciones.

La cosa abrió con la intro grabrada “Third Eye”; con visuales de estética industrial y escultural pasó “Stinkfist”, con un Maynard James Keenan que canta escondido en la penumbra, al lado de la batería del virtuoso baterista Danny Carey; sin cámaras que lo amplifiquen (apenas se recortaba su cresta contra la pantalla de fondo). Breckinridge Haggerty, el diseñador de los espectáculos de luz y de vídeo de la banda, explica que los espacios oscuros resultantes en escena “son... para Maynard. Muchas canciones son un viaje especial para él... y se siente más cómodo entre sombras”.

La química de la banda se basa en la exploración rítmica, con métricas irregulares, con gran trabajo de la batería ampliada con pads electrónicos que brindan sonidos de percusión. Sobre eso, los otros instrumentos construyen riffs y bases que permiten una fluctuación entre armonías tonales y modales, incluyendo a la voz, atravesada por efectos como un instrumento más.

Maynard inició su propio “Olé olé”, para que la gente haga entrar en la métrica “Tu-ul, Tu-ul” (más tarde sonaría “Yo soy de Tu-ul, es un sentimiento, no puedo parar”). En “The Pot” hubo luz para los pasajes instrumentales, especialmente para los que van al frente: el guitarrista Adam Jones (también supervisor visual de la banda), y el bajista Justin Chancellor.

Un cráneo dorado cruzó por los leds, ganando carne en su regreso, mientras batería construía beat étnico percusivo junto al bajo. Como al rostro, la guitarra y la voz vistieron esa base para redondear “Fear Inoculum”, con la voz súper procesada y un destacado solo de guitarra”

Maynard habló como por un megáfono y se lo pudo ver un poco más en “Rosetta Stoned” que sumó “Lost Keys” como intro, con distorsión en el bajo, seguido por “Pneuma”; Carey largó en la marimba para que el bajo abra uno de los riffs irregulares que fueron marca registrada del grupo y copiada por otros: “The Grudge”. Jones fue a los sintes antes de su solo.

Después de “Jambi” un arpegio persistente dio paso a “Invincible”. Ustedes son increíbles por recibirnos así. Volveremos”, dijo Keenan antes de “Vicarious”. Fue al frente por única vez a hacer una reverencia, pero rápidamente dejó a los otros saludando.

Shawn Mendes recorrió diversos géneros, desde el R&B a canciones íntimas en clave folk. Foto: Gentileza Cata Almada

El show de drones, similar al de la jornada que anterior, sirvió como transición de ese periplo sonoro al show de Shawn Mendes, que arrancó gritos desde el vamos con un “Te amo mucho”, por ejemplo (una de sus muletillas de simpatía). Empezó con “There’s Nothing Holdin’ Me Back”, con pirotecnia coincidiendo en el agudo final. Pasó por Wonder, haciendo cantar a las chicas, y honró sus raíces latinas en “Treat You Better”, un hit entrador en el que pudo todo su poder de seducción, pasado a la guitarra eléctrica. Bajó un cambio con “Monster”, para pasar al R&B en falsete de “Lost in Japan”, de nuevo con la acústica.

“¿Como están? Es in placer tocar un tema de mi nuevo álbum”: fue “Isn’t That Enough”, a cuatro guitarras, viola, batería pequeña/percusión y coros, un momento íntimo, que continuó en Heart of Gold, "una de mis favoritas", en el mismo formato de grupo folk, pero terminando en la batería grande y tocando más fuerte. Redobló el entusiasmo del público con “Señorita”, que escribió y grabó junto a Camila Cabello, y “Ruin”, que en otra época hubiera sido “un lento chapable”: allí recorrió la pasarela y luego bajó a la valla para saludar de cerca y recibir una bandera argentina, que se puso sobre los hombros (nueva ovación).

Ante un nuevo momento tranquilo, se coló desde el Alternative el show del también estadounidense Teddy Swims, que daba su batalla bien arriba, de poncho y sombrero.

Shawn no se amilanó y encaró la emocional “Never Be Alone”, sobre el redoble de la batería. Hubo nueva subida con fuegos artificiales en “Mercy”, que terminó muy arriba. Un video con jóvenes y niños (uno con camiseta de Messi, todo pensado) en diferentes lugares preparo el camino para “Youth”. “La música es el lenguaje universal, es lindo. Canten conmigo”, pidió.

"Hace poco aprendí una canción argentina", sostuvo, y encaró una versión libre de “Gracias a la vida” de Violeta Parra, quizás porque escuchó la versión de Mercedes Sosa (en Chile se lo van a observar). Finalizado el set de Swims del otro lado, se pudo disfrutar plenamente de la rendición de Mendes a guitarra y voz de “Stitches”. Sumando a la banda, pero manteniendo la vibra, abordó “It’ll Be Okay”, rematando a toda orquesta, literalmente; con el solista de nuevo en la valla, en otro baño de masas.

Un beat electrónico trajo “If I Can’t Have You”, otro de sus éxitos, ya bajo el regreso de la lluvia, y unos fuegos artificiales. Pero la lista seguía con “Why Why Why”, en plan country. Sentado en el piano Rhodes, arrancó “In My Blood”, pasando después a la guitarra para agrandarla con los demás músicos: acompañaron la pirotecnia intensa y la lluvia de papelitos, para dar un cierre grande, mientras Shawn secaba envuelto en la bandera.

Ante el pronóstico, la organización comunicó la suspensión del set del DJ alemán (nacido en la URSS) Zedd, y solicitó desalojar el predio. Queda mirar el pronóstico y apuñalar cruces de sal para ver si la tercera jornada se desarrolla con normalidad.

“EADDA9223” en palabras de Fito Páez: “Para mí, no es sólo un álbum. Fue toda una odisea musical alucinante, permanentemente sorpresiva. Había que vejar el material original. Ese fue el primer concepto, en el sentido de no tenerle miedo, poder arrasarlo, darlo vuelta. Había que probar de alguna forma que no hay discos sacros, intocables, que no se pueden volver a grabar. ¡Sí, se puede! Y es un ejercicio musical maravilloso.

En este nuevo álbum me doy todos los gustos, es una prueba de que la música, aparte de ser un elemento central en la vida de muchas personas, también es una materia con la cual se puede trabajar, jugar, moldear e ir hacia dónde queramos. Creo que es lo mejor que hice, en el sentido de que me di todas las libertades”.

Desde hace más de 30 años, el emblemático álbum “El amor después del amor” de Fito Páez ha marcado a varias generaciones de amantes de la música en toda Hispanoamérica. Considerado el disco más vendido de la historia del rock en Argentina, el poder de sus canciones desafía el paso del tiempo y hoy en día sigue generando pasiones, tal como lo viene demostrando desde 2022 el tour internacional que lo celebra.

Para darle forma al nuevo álbum, el artista argentino ha realizado un impresionante trabajo de reescritura, grabando versiones con flamantes arreglos junto a artistas de diferentes latitudes, edades y estilos: desde íconos como Antonio Carmona, Chico Buarque, Elvis Costello o David Lebón, pasando por figuras de la talla de Andrés Calamaro, Leiva, Mon Laferte, Marisa Monte y Estrella Morente, a representantes de la nueva escena surgida desde su país para el mundo: Nathy Peluso, Lali, Nicki Nicole, Wos, Ca7riel y Conociendo Rusia.

El propio artista revisita así este repertorio inolvidable con una mirada verdaderamente actual, creando una obra nueva. Titulado “EADDA9223”, la sigla que le da nombre está conformada por las iniciales del álbum original, “El amor después del amor”, sumando las últimas dos cifras de su año de edición,1992, y del de lanzamiento actual, 2023.

Acompañando el lanzamiento del álbum, se estrena el lyric video del tema “Sasha, Sissí y el cículo de Baba”, realizado por Matzorama. En esta nueva versión del track con atmósfera tex-mex, se luce junto a Páez la exquisita Mon Laferte, además destacarse el arreglo orquestal del prestigioso Ruy Folguera.

Anteriormente, ya se había conocido el single adelanto “Brillante sobre el mic” junto a la joven cantante Ángela Aguilar, hija del popular cantante y compositor mexicano Pepe Aguilar. Ascendente artista por derecho propio, con su voz diáfana e imagen fresca le dio su impronta al himno que Páez le había dedicado a su musa Fabiana Cantilo. En el video, dirigido por Diego Álvarez (Plataforma), vemos interactuar a Fito con Ángela, en un encuentro casual durante una muestra de arte.

Entre tanto, la gira “El amor después del amor” continuará en el mes de julio con su etapa europea 2023, recorriendo varias ciudades de España, con nuevos shows por anunciarse en breve en otros territorios.

01. El amor después del amor

02. Dos días en la vida (con Lali & Nicki Nicole)

03. La Verónica (con Nathy Peluso)

04. Tráfico por Katmandú (con Elvis Costello)

05. Pétalo de sal (con Chico Buarque)

06. Sasha, Sissi y el círculo de baba (con Mon Laferte)

07. Un vestido y un amor (con Marisa Monte)

08. Tumbas de la gloria (con María Castillo de Lima)

09. La rueda mágica (con Andrés Calamaro y Conociendo Rusia)

10. Creo

11. Detrás del muro de los lamentos (con Antonio Carmona & Estrella Morente)

12. La balada de Donna Helena (con Wos y Ca7riel)

13. Brillante sobre el mic (con Ángela Aguilar)

14. A rodar mi vida (con David Lebón y Leiva)

El guiño a Venado Tuerto en la serie sobre Fito Páez

1 de julio – Starlite Festival – Marbella. España

4 de julio – Concerts de Vivers – Valencia. España

6 de julio – Icónica Fest. – Sevilla. España

11 de julio – Alma festival – Barcelona. España

14 de julio – Noches del Botánico – Madrid. España

16 de julio – La Mar de Músicas – Cartagena. España

21 de julio – Auditorio Alfredo Kraus – Las Palmas, Gran Canaria. España

24 de julio – Alma festival – Barcelona. España

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El grupo integrado por Lula Bertoldi (guitarras y voz), Brenda Martin (bajo y coros) y Gabriel Pedernera (batería y coros), dio un concierto único en el emblemático estadio de Obras de la Ciudad de Buenos Aires, iniciando así la gira que conmemora su década y media de trayectoria, que continuó en Santa Fe (en un show que pasará a la historia por su contexto climático y eléctrico), Rosario, Córdoba y Villa Carlos Paz.

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1. “Afuera” (Caifanes)

2. “Bolero falaz” (Aterciopelados)

3. “Corazón delator” (Soda Stereo)

4. “El amor es más fuerte” (Tango Feroz)

5. “Las habladurías del mundo” (Pescado Rabioso)

6. “Mandolín” (Gustavo “Príncipe” Pena)

7. “Ojalá” (Silvio Rodríguez)

8. “Sola en los bares” (Man Ray)

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Desde sus inicios en 2007, la banda argentina formada por Lula Bertoldi, Brenda Martin y Gabriel Pedernera, recorrió los escenarios más importantes de Argentina, Latinoamérica y España.

Participaron en festivales como: Vive Latino, Cosquín Rock, Cosquín Folclore, Personal Fest, Lollapalooza, Rock al Parque Bogotá, Festival de Santa Lucía México, Rock & Roll All Stars, Mother of all en Monterrey e innumerables eventos regionales, además de compartir escenario con artistas como Guns n’ Roses, Foo Fighters y Aerosmith, entre otros.

Su discografía está compuesta por los títulos “La carne” (2008), “Es” (2010), “Blanco” (2012), “Huellas digitales (en vivo)” (2014), “Barro y fauna” (2016), “Seremos primavera” (2019) y “Seremos primavera en vivo en la Ballena Azul” (2022).

En 2016 recibieron su primera nominación a los Latin Grammy en la categoría Mejor Canción de Rock por “Nada salvaje”, canción cuyo video les valió un Premio Gardel a la Música (Argentina). En 2017 Eruca recibió dos Premios Gardel por “Barro y fauna” en las categorías Producción del Año y Mejor Disco de Rock, y también dos nominaciones a los Latin Grammy en las mismas categorías.

En 2020 el grupo recibió el Premio Gardel en la categoría Mejor Álbum Grupo de Rock por “Seremos primavera” y obtuvo tres nominaciones a los Latin Grammy por el mismo en las categorías: Mejor Álbum de Rock, Mejor Canción de Rock por “Creo” y Mejor Canción Alternativa por “Carapazón”.

En septiembre de 2021 presentaron el single y video “Día mil”, track grabado en plena pandemia de forma remota entre los integrantes del grupo, nominada este año en la 23era Entrega Anual del Latin Grammy en la categoría Mejor Canción de Rock.

Este año lanzaron su segundo álbum grabado en concierto: “Seremos primavera en vivo en la Ballena Azul”, material que fue registrado en mayo de 2022 en el Auditorio Mayor del Centro Cultural Kirchner de la Ciudad de Buenos Aires.

Actualmente se encuentran presentando su nuevo trabajo discográfico de estudio, “Dopelganga”, y realizando una nueva gira por la Argentina celebrando sus 15 años de carrera.

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A 90 días del comienzo de una nueva cita mundialista, es furor en todo el país la salida al mercado del álbum de figuritas correspondiente a Qatar 2022. El pasado viernes, llegaron a algunos kioscos del país los primeros ejemplares a pesar de que el lanzamiento oficial estaba estipulado para el 24 de agosto. Ernesto Acuña, vicepresidente de la Unión de Kiosqueros de la República Argentina, relacionó la sorpresiva llegada de los primeros álbumes con el día de las infancias que se celebró el último domingo en Argentina. Sin embargo, Marcos Di Filippo, integrante de la Cámara de Kiosqueros de Rosario asegura que los álbumes que se comercializaron en la ciudad fueron los adquiridos por kiosqueros en la preventa.

Lo que está claro es que, en Rosario se agotaron en 24 horas, en Buenos Aires fueron la tendencia del fin de semana y que en la capital santafesina aún no hay ejemplares a la venta pero no tardarán en llegar. A su vez, en redes sociales se viralizaron videos de usuarios abriendo paquetes, pegando figuritas y festejando desaforadamente si les tocaba “alguna difícil”: léase, la de Lionel Messi.

La situación en Santa Fe capital es distinta, el protagonista de todas las previas mundialistas en las escuelas aún no está a la venta como así tampoco sus figuritas. Kiosqueros de la ciudad confirmaron a El Litoral que estipulan que para el fin de semana el álbum ya se pueda encontrar en distintos puntos de comercialización.

Desde la Cámara de Kiosqueros de Santa Fe, aseguran que varios mayoristas de Buenos Aires y Rosario tienen las ventas cerradas para esta semana y que en la ciudad, uno de los mayoristas comenzaría a repartir entre miércoles y jueves los primeros encargos.

“Este mundial parece que prendió más, hace un par de meses los vendedores están preguntando cuándo llegan”, afirma Andrea Ruiz, integrante de la Cámara de Kiosqueros de Santa Fe.

Por otro lado, Di Filippo comentó que “la venta fue un éxito total para los kiosqueros que lo comercializaron, se agotaron los álbumes y los paquetes en poco tiempo”. A su vez, relató que los vendedores le han contado de gente que gastó entre 3000 y 4000 mil pesos en paquetes.

En la mayoría de los kioscos, el valor del álbum se estipula que será de entre $750 y $800 al igual que en el resto del país y los paquetes que incluyen 5 figuritas costarán $150 cada uno aproximadamente. Con estos precios, se calcula que para llenar el álbum oficial del Mundial de Qatar 2022, se necesitan $19.950 en caso de no tocar figuritas repetidas.

[vc_row][vc_column][vc_column_text]El cantautor Abel Pintos, que acaba de agotar doce funciones para presentar en vivo en el Movistar Arena su último álbum “El amor de mi vida”, lanzó el videoclip del tema “Espejo”, al que describió como una “canción liberadora”.

De esta manera, el artista mantiene en alto la expectativa de sus seguidores, quienes aguardan el esperado reencuentro en vivo por primera vez desde el inicio de la pandemia de coronavirus, el cual se producirá entre el 14 y el 31 de octubre, en doce fechas previstas en el estadio Movistar Arena, con la excusa de mostrar el material de “El amor de mi vida”.

En esta producción, su duodécimo álbum, el cantautor nacido en Bahía Blanca por primera vez se asoma a un repertorio que compuso y produjo con artistas iberoamericanos en una experiencia que, según dijo a Télam en mayo pasado, le permitió “llegar a un determinado lugar por medio de otro camino”.

“Tenía muy en claro las cosas que necesitaba decir y armé un mapa muy claro con esos nombres a los que me abrí porque confiaba que iban a ser los indicados”, señaló en ese momento.

La galería de colaboraciones para la placa la integran, además de su hermano Ariel, desde España Vanesa Martín, Beatriz Luengo y Diego Cantero; desde Puerto Rico Kany García y Tommy Torres, el venezolano dúo San Luis y el peruano Gian Marco Zignano.

Además, el cubano Yotuel Romero (ex Orishas), el mexicano Mario Domm (de Camila) y el argentino Nano Novello participaron como autores y productores sumándose en este último rol a Ettore Grenci, Juan Pablo Vega y Eduardo Cabra (ex Calle 13).

Después del éxito del single “De mi contigo”, que integró el top 5 en radios durante más de tres semanas consecutivas, ahora Pintos presenta el videoclip de “Espejo”, realizado por la agencia Soul Sister y la productora La Casa de Al Lado, y dirigido por Tomás Curland y Bruno Adamovsky

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